El Festival de Cine Fantástico de Canarias Isla Calavera es una iniciativa de la Asociación Cultural Isla Calavera, la Asociación Cultural Charlas de Cine, la publicación especializada TumbaAbierta y Multicines Tenerife.

El Festival Isla Calavera contará este año con el legendario maestro de los efectos especiales y maquillaje ganador de siete premios Oscar, Rick Baker, y David Naughton, protagonista de Un hombre lobo americano en Londres, de John Landis. El viernes 29 de noviembre tendrá lugar una proyección especial del clásico del género, seguida de un encuentro con los artistas, quienes recibirán este año sendos premios de honor en reconocimiento a su trayectoria.

Además, se suma al elenco de invitados el escritor, guionista y crítico de cine Ángel Sala, director desde el año 2001 del Festival de Sitges.

Como ya había sido anunciado, en esta edición 2019 el Festival Isla Calavera también rendirá homenaje al prolífico actor, director y guionista madrileño especializado en cine de terror, Paul Naschy, cuando se cumple el décimo aniversario de su fallecimiento, precisamente el día de la clausura del certamen. Su hijo Sergio Molina, director del Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna Madrid, también visitará Isla Calavera para recordar al artista y presentar al público la proyección de uno de los títulos clave en la filmografía de Jacinto Molina Álvarez, quien desde su participación en la película La marca del hombre lobo adoptó el nombre artístico de Paul Naschy.

La estancia poco a poco continúa llenándose. Saludos a diestra y siniestra. Los envoltorios de chocolatinas crujen, ahora con más intensidad. Los frikis siguen hablando de realizadores y productores con nuevos integrantes en la conversación. La coordinadora de la charla da la bienvenida. Todos atienden y suena la banda sonora. Comienza El retorno a Oz.

Dorothy es una niña que vive con sus tíos. Tienen problemas económicos y su casa está medio destruida por un tornado. Por eso, la jovencita entra en un manicomio hasta que sus tíos regresen. Allí se encuentra con Ozma, una pequeña que viaja desde Oz para advertirle de que corre peligro y tiene que huir. Ambas salen del asilo y se dirigen a Oz: la Ciudad de Esmeralda está devastada y sus amigos ahora son de piedra. Dorothy debe salvarlos y emprende una aventura de terror y fantasía.

La magia de la gran pantalla se apaga y la luz de la estancia se enciende. Los asistentes permanecen sentados hasta que termina la sinfonía de la membrana. Mientras, se oye un murmullo de impresiones compartidas con el de al lado. La moderadora, Sofía Ramos, se dirige al público. Es el momento del debate. La periodista Vanesa Bocanegra y los escritores Víctor Conde y Jorge Fonte son los invitados especiales al coloquio. Algunos visitantes prefieren irse, pero aún así la sala sigue llena. Parece que Dorothy ha dejado mucho de qué hablar.

“Disney siempre tiene un lado oscuro”

Los presentes intentan entender cómo un filme tan escalofriante y sombrío puede ser destinado a los pequeños: “Disney siempre tiene un lado oscuro, depende de cómo lo mires”, explica Bocanegra. “Toda la trama y la manera de enfocarlo era terrorífico, pero, aunque sea tétrico, los niños pueden disfrutarla”, agrega. Fonte no discrepa, considera que la película va en la línea de producto familiar porque es muy disneyana.

Con estas reflexiones sobre la cinta, a lo mejor las láminas de terror para niños son una opción. Pero, la idea no gustó en la época de su lanzamiento. ¿Por qué? El auditorio intenta aclararlo. La pregunta es para Víctor Conde. Y este asegura que el proyecto no funcionó porque no llevaba un encuadre Disney. “No es un musical, es de acción y de terror. Es una fantasía con ese lado oscuro, por eso a la gente le resultó demasiado confuso”, asevera. Baja el micro y se queda satisfecho.

La charla continúa, los oyentes se preocupan por el estado psicológico de Dorothy. Se comenta que podría estar loca por imaginarse un mundo que solo ella ve. Pero un aficionado refuta y aclara que la niña adoptó ese papel macabro para evadirse de los problemas de su familia. Otros recuerdan que Oz no era un lugar imaginario porque en la historia original existía. ¿Por qué Dorothy viaja a Oz? La duda permanece. El diálogo se alarga ya más de quince minutos y muchas manos de los espectadores siguen levantadas. La organización cierra la velada. Poco a poco se abandona el refugio. Y así, la sala 1 se apaga esperando los abrazos y los reencuentros cinematográficos. Será en otra sesión.

En palabras del profesor universitario Francisco Pomares, que destacó por sus intervenciones en la ronda de debate final, Thelma & Louise se erige como una cinta emblemática para la historia del cine. Una de las claves de su éxito, según el periodista, es el poso agridulce que deja en el espectador y que perdura en la memoria durante largo tiempo.

En la historia se narran las andanzas de dos amigas que deciden huir de sus anodinas vidas, a través de unas fugaces vacaciones. La cotidianidad de Thelma, casada con un cretino detestable y opresor, y Louise, una camarera a la que le repele el compromiso, dará un vuelco inesperado. Lo que prometía ser un fin de semana de diversión y desenfreno, de pronto se convierte en un tropiezo tras otro ante situaciones trágicas de lo más variopintas. Ambas muchachas, no obstante, deciden emprender una fuga por carretera que se verá envuelta en una serie de crímenes, robos y delitos. Sin embargo, los lazos que las unen serán mucho más fuertes que los obstáculos del camino.

La violencia de género, patente en varias escenas

Patricia Ojeda, socióloga y experta en políticas de igualdad, fue la encargada de abrir el debate. Comenzó recalcando los diferentes tipos de violencia de género patentes en el largometraje: desde el machismo de Thelma hasta el acoso sexual que reciben las protagonistas por parte de los camioneros que se cruzan en la carretera. Aplaudió el contexto de solidaridad femenina que recubre el filme y la metamorfosis de estas que, en un primer momento, aparecen sometidas.

También destacó el modo en que los personajes principales roban la atención del público ante las expectantes y reprobatorias miradas de sus compañeros en pantalla. Subrayó, además, el hecho de que se tratara de personas muy comunes: una ama de casa y una camarera. Según expresó, esto reforzaba la idea de que la problemática era real y que se mantenía subyacente en todo el espectro social.

Asimismo, Ojeda quiso matizar que, aparte de reflejarse la amistad, cobraban importancia la toma de decisiones. Por esta razón, apuntó que la escena final representaba el salto hacia la libertad y el rechazo a ese futuro al que parecían estar predestinadas.

«Ojalá la temática de esta película quede desfasada pronto»

Le siguió Sofía Ramos, miembro del Aula de Cine de la ULL. La estudiante de Periodismo aseveró que Thelma & Louise se erigía como una verdadera revolución cinematográfica. Lejos de tildarla de misándrica, como sí hizo parte de la crítica en el momento de su estreno, Ramos puso hincapié en el camino hacia el empoderamiento de los personajes encarnados por Susan Sarandon y Geena Davis.

Con respecto a la parte técnica, celebró la banda sonora de Hans Zimmer y su perfecta simbiosis con la música popular norteamericana, el country y el folk. Por otra parte, elogió la fotografía y la paleta de colores que predomina con tonos azules y marrones.

Por último, extrapoló algunas de las escenas con el caso de La Manada. Con este motivo, señaló que Thelma ejemplificaba un modelo a seguir por su forma de enfrentarse y superar su cuasiviolación. Confesó, además, que esperaba que la temática del largo quedara pronto desfasada.

Bocanegra: «La cinta se ha convertido en una abanderada precoz de la lucha feminista en el cine»

En palabras de la abogada Yaiza Pérez, la evolución del personaje de Thelma, a medida que avanza el relato, representa la historia típica americana de aquellas mujeres que contraían matrimonio siendo muy jóvenes. De ella destacó, en contraposición, su valentía y capacidad para deshacerse de su propia ingenuidad.

Vanesa Bocanegra coincidió con la anterior en distinguir la lectura actual con la del primer visionado. La directora de contenidos digitales de Diario de Avisos dejó claro que, por su profundidad, la cinta se había convertido en una abanderada precoz de la lucha feminista en el séptimo arte.

La última participante de la noche fue Maribel García, profesora del Grado de Periodismo en la Universidad de La Laguna, quien puso de manifiesto que para ella era una verdadera epifanía. El motivo es que se trata del primer western protagonizado por mujeres.

Una oda al feminismo, la revolución y la libertad

García también se lamentó de que el conflicto inicial al que se enfrentan los personajes de Sarandon y Davis, cuando no acuden a la policía por miedo a no ser tomadas en consideración, se siga produciendo en la actualidad. En cuanto a los roles masculinos del filme, argumentó que funcionaban como un espejismo de la mirada tradicional del cine comercial. “Por primera vez”, explicó, “son los personajes masculinos los que emanan un regusto plano y estereotipado”. Bajo su punto de vista, esto se debía a que, aunque dirigida por un hombre, el guion corría a cargo de Callie Khouri. Por este trabajo fue, precisamente, por el que se llevó a casa la codiciada estatuilla dorada, entre otros grandes premios de la temporada.

El colofón de la noche llegó con una de las intervenciones de Francisco Pomares, que definió al largomentraje como una “película simpática” que rezumaba una profunda tristeza. En su lectura, destacó otros subtemas, como la exacerbación por la libertad y la revolución. Aunque el cine, como él mismo aseguró, es susceptible de ser analizado desde una perspectiva poliédrica.

Cinéfilo o no, de las más de dos horas de metraje de Thelma & Louise se pueden rescatar múltiples escenas que han pasado a la posteridad por la contundencia de su mensaje. Una de ellas es, por ejemplo, el momento en el que la mítica Susan Sarandon se desprende de su barra de labios y sus alhajas. En ese momento, el espectador, al tiempo que la propia Louise, cae en la cuenta de que se ha llegado a un punto de no retorno en el que solo queda apuntar hacia adelante. Porque allí, tras ese fundido a blanco de la escena final, les espera el futuro.