Se divide en una serie de actos que arrancan bajo un ambiente de época en manos de Javier Martín y su banda sonora.  Con esta versión que contiene tanto hechos reales como dramatizados escenificaron la vida del poeta en la ciudad granadina de los años treinta. La muerte digna que no pudo tener y ser testigo de cómo sus creaciones lograron que el eco de su voz y de su pluma esté más vivo que nunca.

Horacio Roldán, primogénito de una de las familias más reputadas de la Vega de Granada, descubre la estrecha conexión entre su propia gente y la próxima obra de Lorca, motivo por el que se verá obligado a defender el honor de sus familiares, convirtiéndose en el primer responsable directo del asesinato de uno de los mayores poetas y dramaturgos de la historia de España. Interpretado por Armando Jerez, realizó una actuación que el público definió como brillante siendo el principal enemigo del protagonista. Su ira y posterior remordimiento le hacen cuestionar sus acciones. La obsesión por convertirse en un orgullo para su padre enfermo, quién odia a la familia García, es el detonador del suceso.

Alejandro Fuertes, en el papel de Lorca, alcanza transmitir la energía y entusiasmo que tenía el dramaturgo por vivir. Y eso recaló desde el primer acto en los asientos del Paraninfo. Un joven escritor que ha estado elaborando su próxima obra en base a las vivencias extraídas de otra familia, adaptada a su particular visión de la sociedad. Con su amado Rafael esperándole en secreto, se refugia en escribir y deja en manos de su amiga periodista la publicación de un artículo aún sin finalizar. Roldán lee el periódico local y asimila rápidamente la inverosímil exactitud que tiene la historia con sus vidas, relatadas desde una perspectiva negativa. «Bernarda Alba, mujer autoritaria, dominante, clasista, hipócrita, intransigente», recita refiriéndose en realidad a Francisca Alba. Ella, enfurecida responde a Horacio: «Todo el mundo en este maldito pueblo creerá la palabra de Federico, esta sarta de mentiras extinguirá la influencia y poder de nuestra familia».

«Esto por rojo y por maricón»

Es 1936 y asesinan a Calvo Sotelo. Federico hace las maletas y busca un refugio en el que esconderse. Se ha declarado el estado de guerra. Su madre muy angustiada le advierte:  «Estás cavando tu propia tumba», a lo que él responde: «El teatro es un espejo de la realidad, es poesía y literatura». La guardia civil busca el paradero de Fernando de los Ríos, uno de los republicanos más perseguidos y quien tiene una gran relación con el protagonista.

Con un ambiente estremecedor en el salón de actos, los guardias dan con el paradero: la casa de los Rosales. El hijo, Luis Rosales, era falangista e íntimo amigo del escritor. Logran atraparlo y una vez en manos de la autoridad, Lorca entristecido relata en alto: «Cuando yo me muera, enterradme con mi guitarra bajo la arena. Cuando yo me muera, entre los naranjos y la hierbabuena. Cuando yo me muera, enterradme si queréis en una veleta. Cuando yo me muera».

Horacio, atormentado por lo que ha propiciado, se hace pasar por cura para aconsejarle que confiese todo. Pero ya es demasiado tarde, aún sin nada que revelar, el poeta desesperado se desgañita gritando: «¡Lo confieso, lo confieso!». Los guardias ríen a carcajadas mientras lo trasladan junto a los demás presos. Uno por uno, empiezan a encañonarlos, tan cerca, que solo es necesaria una bala para acabar con sus vidas. Hasta que llega el último turno, el de Federico. Qué tras un disparo, aún sigue vivo. El guardia civil que más inquina mostraba hacia él carga la escopeta, apunta y lleno de rabia alza su voz: «Esto por rojo y por maricón».

Tras más de una hora y media de espectáculo llegó el acto final que simbolizó su muerte. Comenzaron a caer las hojas del guion quemadas hacia las butacas. Poco tiempo después, se cerró el telón y encendieron las luces de nuevo. Con el público en pie, solo se escuchaba un ruido ensordecedor causado por los numerosos aplausos. Un acto de gratitud debido a la representación de calidad brindada a quienes estuvieron presentes.

La producción se inspira en la creencia de que el asesinato del poeta, dramaturgo y prosista español no se debió únicamente a sus ideales contrarios al régimen y su condición sexual, sino que también influyeron las disputas entre las familias más relevantes de la Vega de Granada. Trujillo afirma que el interés para escribir la obra «viene de nuestro amor por Lorca y de la necesidad de contar más cosas sobre él».

«La ambigüedad, secretismo y desconocimiento que existe en torno a las causas de su muerte me permitieron tener una cierta libertad creativa»

Además, explica que durante el proceso de investigación «me topé con la teoría en la que se basa la obra y que coloca la escritura de La casa de Bernarda Alba como una de las principales causas de su muerte».

La guionista destaca la complejidad de intentar desarrollar una ficción alrededor de personajes reales siendo «lo más fiel posible a la verdad, a lo que se sabe que ocurrió, pero sin comprometer en ningún momento la narrativa». Aborda cuestiones como la familia, el honor, la masculinidad y el ambiente asfixiante y juzgador de los pueblos y la trascendencia del ser humano después de la muerte: «Esos han sido algunos de los aspectos, tanto sociales como culturales, que más me interesaba representar en la historia, tomando como inspiración muchos de los temas que él mismo reflejaba en sus obras».

Describe la escenificación como «emotiva, inquietante y, en cierto modo, esperanzadora», pero, por encima de todo, pretende servir de homenaje a Lorca, su obra y al incalculable valor de se aportación al mundo artístico.

La escenificación muestra detalles de la existencia del famoso poeta español. Del mismo modo, da a conocer una de las teorías más extendidas sobre su asesinato. Fue ocasionado no solo por sus ideales contrarios al régimen, sino por disputas familiares con los Roldán y los Alba por asuntos de tierras y cosechas en la Granada del siglo XX. Estos fueron los parientes en los que se inspiró para escribir una de sus obras más conocidas, La casa de Bernarda Alba.

«La obra aborda temas que están vigentes y siguen siendo universales en nuestros días, como la libertad de expresión»

El texto está pensado para el lenguaje audiovisual. Armando Jerez, dueño de la Agrupación, expresa el costoso trabajo que es transformarlo al género dramático, ya que «debe haber un solo escenario y hay un elenco limitado». Se han adaptado escenas para que «la audiencia pueda seguir y entender la historia, con ayuda de un juego de luces muy elaborado y efectos sonoros».

Alejandro Fuertes, actor principal, explica que esta obra aborda «temas que están vigentes y siguen siendo universales en nuestros días, como la libertad de expresión». También comenta el privilegio de interpretar a Lorca dado que «además de ser una oportunidad actoral» ha tenido la posibilidad de «verlo con otros ojos y conocer sus miedos e inseguridades». Asimismo, recalca la complejidad en este personaje puesto que «es llevarlo a la cotidianidad sin apagar su brillo».

El espectáculo comenzó con una voz en off contextualizando el tiempo y el lugar. Con esto, el público entendió que se encontraba en la Sevilla del siglo XVI y que dos hombres estaban a punto de reencontrarse. Al abrir el telón se observó a una divertida tabernera vitoreando y dando palmas. Los presentes se sumaron alegres mientras los personajes subían por las escaleras del escenario.

Don Juan, interpretado por Armando Jerez, y Don Luis, por Andreas Figueiredo, se reunieron y presumieron de las hazañas que habían realizado el último año. Ambos alardearon con respecto al número de muertos que consiguieron en batalla y las mujeres que conquistaron. En este punto, comenzó la trama que marcaría el destino del protagonista. Aceptó una apuesta: seducir a la prometida de un compañero y a una novicia que estuviera a punto de hacer sus votos a la Iglesia.

Comienza la apuesta

El drama siguió con el coraje del protagonista. Consiguió conquistar a la inocente Doña Ana de Pantoja, futura esposa del amigo que propuso el reto. Quedaba lo más complicado, enamorar a una religiosa. Para ello, recibió la ayuda de una bruja pizpireta, llamada Brígida, que se convirtió en una celestina. Esta figura fue imprescindible para el desarrollo de la obra y proporcionó un toque humorístico gracias al carisma de la actriz que la interpretó, María Rodríguez.

Sandra Hernández, en el papel de Doña Inés, se quedó a solas con el galán. La audiencia se mostró expectante al famoso monólogo que venía a continuación. Jerez lo recitó con dulzura:»¿No es cierto ángel de amor que en esta apartada orilla, más pura la luna brilla y se respira mejor?». El romanticismo se plasmó en un beso afectivo y un amor intenso.

Duró poco, puesto que aparecieron en escena Luis Mejía y el padre de Doña Inés con la intención de matarlo. Se batieron en duelo dejando al público con la respiración contenida. Esto iba acompañado por una música rápida que generaba tensión. Acabó con sus rivales, pero por desgracia el padre de la novicia es el Comendador de Calatrava, la máxima autoridad de la orden militar y religiosa. La única forma de evitar su castigo es huir de España, y eso fue lo que hizo. 

Se cierra el telón

Hubo un descanso para diferenciar las dos partes de la obra de Zorrilla. La segunda parte contó con la actuación de Satomi Morimoto, una cantante y pianista japonesa que regaló a la audiencia unas hermosas piezas musicales. Su voz y el piano estaban acompañados de un contrabajista. Con la emoción cargada en el ambiente salió niebla del escenario y se mostraron tres esculturas blancas y un ataúd en medio.

El protagonista regresó de su exilio y se dio cuenta de que el amor de su vida había muerto. Su figura apareció detrás, en lo alto, y le habló como un espíritu. Él salió de escena y la estatua del Comendador se movió alzando su espada. Después, el personaje principal regresó al escenario y organizó una cena, pero los difuntos le perseguían y le atormentaban. En un momento de locura luchó contra sus invitados, pero no consiguió ganar.

En la escena final vemos a Tenorio de rodillas. Son sus últimos momentos de vida y debe arrepentirse de sus errores para que Dios le perdone. El espíritu de su amada repetía que «el amor salvará a Don Juan a los pies de la sepultura». Él agonizaba y rezaba para que pudieran reencontrarse en la eternidad. En su último aliento admitió su final y exclamó que: «Es el Dios de la clemencia, el Dios de Don Juan Tenorio».

Es costumbre representar esta función el día de los muertos en sitios de España y de Latinoamérica, dado el trasfondo místico y religioso que posee. Esto se refleja en el último acto, donde el protagonista vuelve de su exilio y se encuentra en un panteón donde están enterradas todas las personas relevantes de su vida. Se levantan y hablan con él en forma de espíritus. La compañía tinerfeña Timaginas Teatro fue quien introdujo esta tradición en la Isla hace quince años. La primera escenificación fue un éxito y la siguen haciendo cada año hasta la fecha.

Referente del teatro en Canarias

El grupo teatral se fundó en 2009. Ofrece clases de interpretación en colegios y en su propia academia. Además, se ha convertido en un referente del teatro en Canarias y su influencia cultural es imprescindible, ya que ponen en escena clásicos de la literatura española. Su prestigio va en aumento y en la actualidad interpretan piezas originales de la compañía en el Teatro Arlequín de Madrid.

Armando Jerez, actor principal y dueño de la Fundación teatral, comenta que «es una responsabilidad muy grande, dado que si hay un mal Tenorio se cae la obra». Añade que al interpretarlo tiene «sentimientos encontrados» puesto que el personaje pasa por «muchos estados de ánimo». Del mismo modo, explica la dificultad del final: «La última escena es la más fuerte porque son los últimos segundos de vida del personaje, pero es una sensación muy bonita porque escuchas el aplauso del público al cerrar el telón».

¿Qué ha supuesto para ti llegar actuar en la Gran Vía de Madrid? «Ha sido un sueño y un privilegio enorme llegar a Gran Vía. Nunca imaginé, primero, que con una obra de popularidad insular pudiera llegar allí. Por esa parte estoy súper agradecido y contento. Lo he vivido como una experiencia increíble y me he podido empapar muchísimo de ella. Desde luego, es también una oportunidad muy grande para hacer visible la Compañía. Normalmente, las producciones de Canarias no tienen siempre la oportunidad de llegar a la Península».

¿Notaste algún cambio en el público en comparación con el de las Islas? «Suelo vivir las funciones con los mismos nervios, pero quizás las veo de una forma diferente cuando hay gente que viene a verme. La inquietud no se va nunca, es parte de la esencia».

¿Cómo ha sido la reacción del público peninsular? «Magallanes ha tenido una acogida increíble. Hemos tenido llenos absolutos».

«Tengo la esperanza de que pueda seguir con ello, pero hay que ser realista. No todo el mundo puede vivir de esta profesión»

En relación con la pandemia, ¿han sido más difíciles los ensayos por las limitaciones? «No hemos tenido problemas. Ensayamos con ventilación y todo el mundo con la mascarilla. Esto último sí que nos limitaba a la hora de interpretar, proyectar la voz y que se vieran las expresiones faciales, porque al final la cara es súper importante. Eso sí, nos ha ayudado mucho más a procurar enfatizar lo que hacemos y a expresarnos de otra manera diferente. El teatro será eterno y no habrá nadie que pueda pararlo».

¿Cuáles son tus expectativas de cara al futuro? «Veo al teatro más como una afición que como una profesión futura, pero siempre queda algo de idealismo. Tengo la esperanza de que pueda seguir con ello, pero hay que ser realista. No todo el mundo puede vivir de esta profesión».

Lorca fue el creador de tragedias como Boda de sangre, Yerma o de farsas como La zapatera prodigiosa. Sus textos poéticos giran entorno a símbolos acorde al tema como la sangre o una rosa. El autor falleció de un disparo a manos del bando sublevado, un mes antes de que empezara la Guerra Civil Española, dejando con su partida una comedia inacabada, plasmando su versatilidad. El poeta publicó también manuscritos de poesía como Poema del Cante Jondo o Romancero gitano.

El Romancero Gitano, la obra más conocida del autor

La casa de Bernarda Alba cuenta la historia de una madre (Bernarda) que se ha quedado viuda de su segundo marido e impone un luto de 8 días a sus cinco hijas, las cuales deberán quedarse encerradas en la casa. El nudo del drama surge cuando Pepe el Romano, que pretende a la mayor de las hijas, Angustias, fruto del primer matrimonio de la matriarca, también es amante de Adela, la más pequeña de la casa.

La compañía teatral lleva representando esta obra durante diez años. Timaginas Teatro ha sido alabada tanto por la crítica como por la comunidad educativa, en donde se usa este texto como posible pregunta en la selectividad. La representación expresada con un vocabulario en forma de prosa acorde a la época, también incluye palabrería bruta y vulgar que le da algo de comedia a la dramaturgia. Las entradas, ya a la venta en TomaTickets, tienen un coste de 5 euros.

La obra gira en torno a un grupo de personajes, Alfa, Beta y Gama que, con anacronismos disparatados incluidos, se meten en la piel de los primeros actores de la historia para versionar desde las grandes tragedias de Esquilo, Sófocles y Eurípides, tales como La Orestíada, Ifigenia o Edipo Rey, hasta las comedias de Aristófanes, pasando también por las obras de los grandes autores de la dramaturgia de la Roma Clásica como Plauto, Séneca o Terencio.

Los actores buscarán la sonrisa cómplice del espectador, que se acercará a los grandes genios clásicos como nunca antes lo había hecho, con una óptica fiel y a la vez con un filtro anacrónico que los hará más cercanos al público actual. «Entre tablas anda el juego; un invento de los griegos» es una pieza imprescindible para conocer los cimientos de la escena moderna, utilizando la poderosa herramienta del teatro.

Después de llevar con éxito el espectáculo a diferentes teatros de Canarias como el Guiniaguada o el Leal, la compañía tinerfeña de Timaginas Teatro, que lleva más de diez años en activo, llega al Paraninfo de la Universidad de La Laguna dispuesta a hacer reír al público lagunero.

Para asegurar las medidas de seguridad impuestas por las autoridades sanitarias y que la asistencia al evento sea segura, el Paraninfo de la Universidad de La Laguna tiene un Plan de Prevención de la Covid-19.

¿Cómo cree que va a afectar la crisis del COVID-19 al sector de la cultura? «Bueno, esta crisis va a ser devastadora para el mundo de la cultura. Un mundo que, además de ser supernecesario como se ha demostrado en esta pandemia, es el sector más olvidado y se verá sumido en una crisis tremenda. La cultura es fundamental para el ser humano, con lo cual aquellos que nos dedicamos a la cultura somos incondicionales y haremos todo lo posible porque no falte nunca, con ayudas o sin ellas».

¿Cree que el teatro va a tener futuro? «Nosotros lo hacemos por vocación, no por dinero. Llevamos el oficio dentro del alma y realmente nos dedicamos a esto porque no podríamos dedicarnos a otra cosa. El teatro ha estado en crisis siempre, desde que nació, y siempre ha encontrado su camino porque es un arte que permite una forma de comunicación única. El ser humano necesita que le sigan contando historias, seguir desarrollando la ilusión y la imaginación y alimentar el alma».

Hace poco hemos conocido las fases de la desescalada. Los teatros y centros culturales serán los últimos en abrir después de esta crisis. ¿Cree que es acertada esta medida? «El tema de la desescalada con los teatros era más o menos los que esperábamos. No nos ha pillado muy de sorpresa porque sabíamos que iba a ser un espacio muy complicado, con mucha gente, y que las normas para asegurar el distanciamiento social iban a ser muy difíciles. Yo creo que ahora se trata, simplemente, de empezar a adaptarnos a esta nueva realidad que nos ha tocado».

«Arbitraremos las medidas necesarias para que la gente no se olvide del teatro»

Los espacios culturales podrán llenar, como máximo, un tercio de su aforo. Esta propuesta ha causado revuelo en el sector de la cultura. ¿Qué opina? «Evidentemente, un tercio del aforo no es suficiente para cubrir gastos de una compañía de teatro. Pero para lo que sí es suficiente es para empezar y mientras, inventar nuevas fórmulas. No solo porque necesitamos esa adaptación nosotros, sino porque también el público necesita esa garantía para vencer el miedo a volver a asistir a un espectáculo cultural».

¿Cómo van a seguir haciendo teatro después de esta crisis? «El teatro pasará por una época complicada. Todavía es muy difícil aventurar un futuro próximo, porque el panorama puede cambiar de  un momento a otro. Creo que las cosas no volverán a ser como antes, y creo que si tarda mucho tiempo en aparecer una vacuna la situación será mucho más complicada. Lo que sí está claro es que nosotros arbitraremos las medidas necesarias para que la gente no se olvide del teatro, siga disfrutando de él y siga teniendo presente que puede cambiar su vida».

El pasado jueves 23 de abril participaron en la programación cultural online del Paraninfo de la Universidad con motivo del Día del Libro. ¿Cómo fue la experiencia? «La verdad es que fue muy agradable. Nosotros lo que sí tenemos es un mono enorme de actuar y de conectar con el público, y si es a través de una pantalla porque ahora las circunstancias lo hacen obligatorio, eso pesa más que nuestra preferencia por el teatro en un espacio físico. El Día del Libro es un día muy importante en el que nosotros siempre actuamos. Fue una experiencia muy gratificante en medio de esta situación tan desoladora».

¿Qué planes tienen a corto plazo? «Nuestros planes a corto plazo son, para empezar, sobrevivir y mantenernos con salud, que eso ahora mismo es un lujo. Hemos implementado en la academia las clases de teatro online y también hemos seguido ensayando la obra que íbamos a estrenar en el teatro Guimerá Eurípides no me Sófocles que te Esquilo, una comedia sobre el origen del teatro, y en todas nuestras producciones que tenemos en cartel. Seguimos programando y buscando nuevos proyectos que estrenaremos a finales de 2021 o principios de 2022».

El objetivo general es ofrecer mayor visibilidad a los grupos que disponen de recursos audiovisuales y a todos aquellos colectivos y artistas, principalmente canarios, que ya tenían programación propia en estas fechas o en lo que resta de temporada, con la finalidad de que sus propuestas artísticas sean conocidas y disfrutadas.

Desde el ambigú ofrecerá un conjunto de fragmentos o de varios sketches de entre 15 y 30 minutos de duración, que se programarán para ser retransmitidos online y también podrán seguirse a través del Facebook del Paraninfo y canal Youtube de la ULL.

Se pretende crear así una programación de una quincena de eventos, inicialmente uno por semana, y continuar así, al menos, hasta julio. También se podrían emitir dos sesiones por semana y repetirlos en bucle mientras dure la pandemia.

Se procurará mantener la programación en un repositorio ubicado en la página web del Paraninfo. Cada evento se incorporará a dicho repositorio desde el momento en que es retransmitido por primera vez y permanecerá allí para su visualización, mientras que dure este periodo de confinamiento o lo acordado específicamente con cada grupo, de manera que sea accesible y pueda ser visto por el público en cualquier momento a partir de su estreno virtual.

Programación (sujeta a cambios)

Jueves 23 de abril, a las 20.30 horas. Día del libro. Teatro. Timaginas Teatro presenta La farsa del Siglo de Oro.

Viernes 1 de mayo, a las 20.30 horas. Música. GoBack TimpleFussion. Timplemente músicas del mundo.

Viernes 8 de mayo, a las 20.30 horas. Humor. Omaira Cazorla presenta Inmujerables.

Viernes 15 de mayo, a las 20.30 horas. Música. Benito Cabrera.

Viernes 22 de mayo, a las 20.30 horas. Danza. Ballet de Moscú.

Viernes 29 de mayo, a las 20.30 horas. Música. Coro Polifónico de la ULL.

Viernes 10 de julio, a las 20.30 horas. Música. Concierto 225 Aniversario de la ULL (1ª parte). Banda Sinfónica de la ULL.

Sábado 11 de julio, a las 20.30 horas. Música. Concierto 225 Aniversario de la ULL (2ª parte). Banda Sinfónica de la ULL.

Viernes 5 de junio, a las 20.30 horas. Música. Camerata Lacunensis.

Viernes 12 de junio, a las 20.30 horas. Humor. Abubukaka.

Viernes 19 de junio, a las 20.30 horas. Música. Coral universitaria (pendiente de confirmación).

Viernes 3 de julio, a las 20.30 horas. Música. Antología. Factoría del arte (pendiente de confirmación).

A sus 21 años, Eduardo Zerolo ya ha hecho más de quince obras de teatro y 27 cortometrajes como el de Quimera de Candido Pérez de Armas, que ha sido el que más le ha ilusionado.  Sin embargo no puede decantarse por ninguno: «Creo que cada uno es un mundo que tiene sus pros y sus contras. Elegir entre uno de los dos me es imposible por el hecho de que adoro actuar en ambos».

Además, tiene varios referentes en los que se inspira para poder realizar su trabajo de una manera correcta. «Principalmente en quién yo me inspiro es en los dueños de la academia en la que trabajo, Armando Jerez y María Rodríguez, que arrasan con obras como Don Juan Tenorio o La casa de Bernarda Alba«, señala.

Trabajar como actor en Canarias es bastante complicado ya que se trata de una región que se encuentra muy alejada, aunque es cierto que en los últimos años se ha visto un cambio positivo en la industria. Según el intérprete, «a nivel profesional todavía queda camino para que haya la suficiente demanda y trabajo para los artistas (como otros sectores del mundo del espectáculo)».

«Es cierto que, por ejemplo, en Canarias hemos notado un crecimiento de número de festivales de cine, siendo bastante positivo tanto a nivel económico como laboral. Aunque es verdad que hay trabajo de sobra sin remunerar, pues hay varios centros (al menos en Tenerife) de estudios audiovisuales como el César Manrique o La Guancha que ofrecen la oportunidad de participar en proyectos de alumnos», agrega Zerolo.

«Un buen actor no debe tener miedo, ni sentido del ridículo»

Eduardo Zerolo afirma que aquellas personas que quieran adentrarse en este mundo deben tener una serie de aptitudes, como no tener miedo ni sentido del ridículo. «Debe saber jugar con sus sentimientos y poder controlarlos casi a su completo control», añade.

Además, da algunos consejos a las personas a quienes les gustaría adentrarse en el teatro: «Déjense llevar, disfruten el camino porque es precioso, observen mucho, tengan curiosidad y no dejen que nada les frene».

¿Cuál fue el principal objetivo al abrir la compañía? «Nuestro objetivo en el ámbito de la academia era desarrollar una nueva forma de hacer teatro dirigida no solo a aquellos que querían dedicarse a esto, sino también, a todos los que deseaban utilizar este camino como la herramienta valiosa que es para mejorar la calidad de vida. En este sentido hemos integrado perfectamente a personas de todas las edades. El teatro es vital para desarrollar muchas habilidades en el ámbito de la comunicación, de la autoestima, del desarrollo cognitivo además de una fuente de cultura y de valores».

Muchas veces, los cargos relacionados con la cultura son ocupados por personas que desconocen o no tienen nada que ver con el tema. ¿Qué aptitudes y cualidades personales, académicas y profesionales cree usted, que debe tener la persona que se quiera dedicar a la gestión cultural en el ámbito de la esfera pública y privada? «Los cargos dedicados a la cultura deben estar ocupados por amantes de ésta en todas sus manifestaciones que además estén sensibilizados por la realidad de los artistas y el sacrificio que implica dedicarse al arte. Solo amamos lo que conocemos, por lo tanto, hay que dar a conocer al público una oferta variada y ambiciosa y valorar no solo lo que se hace fuera sino todo el talento que existe en las Islas».

¿Con qué obra teatral se han sentido más satisfechos? «Cada montaje y cada puesta en escena implica un esfuerzo enorme y, afortunadamente, todas han tenido una maravillosa acogida por parte del público. Sería muy difícil decantarse por una en especial porque todas nos han dado satisfacciones, experiencia y aprendizaje. Aunque sin duda, los textos propios que tenemos ahora mismo en cartel nos han descubierto una nueva fórmula para acercar los clásicos a todos los públicos a través del humor y su recibimiento nos ha hecho sentir que le hemos dado una vuelta de tuerca a lo que estábamos haciendo muy positiva y debemos seguir explorando ese camino».

¿Cree que el artista necesita siempre estar renovándose? «Por supuesto. El artista está en continua renovación y formación, en proceso de aprendizaje absoluto, debe nutrirse de todas sus experiencias vitales y ponerlas al servicio de su arte, y explorar continuamente nuevas vías para provocar emociones en el público».

«Hemos encontrado nuestro camino y estamos empezando a recorrerlo, pero nos queda aún todo por hacer»

¿Cómo aprecia el desenvolvimiento de la actividad teatral en la región? «En Canarias hay muchísimo talento y una oferta cultural bastante interesante y variada. La crisis ha hecho que solo los que están dispuestos a dejarse la vida por el teatro hayan resistido. Este oficio requiere un nivel de sacrificio y entrega infinito».

A esta altura, ¿siente que han logrado todo lo que se han propuesto? «En absoluto. Hemos encontrado nuestro camino y estamos empezando a recorrerlo. Llevamos diez años en Canarias, pero tenemos la sensación de que hemos hecho muchísimo, aunque nos queda todo aún por hacer. Solo pedimos salud y la misma ilusión para seguir creando».

Actualmente, ¿tiene la compañía algún proyecto entre manos? «Estamos inmersos en la gira de La Farsa del Siglo de Oro, que llegará a la península, después de su recorrido por las islas, la próxima temporada. Además seguimos representando La casa de Bernarda Alba, la cual lleva seis años en cartel y cuya imagen gráfica ha sido elegida por la Universidad de Oxford para ilustrar el libro con el que los estudiantes se acercarán a la figura del poeta. Este año haremos una versión muy especial de Don Juan Tenorio, la cual lleva diez años representándose en Tenerife a nuestro cargo y además Timaginas Teatro cumple diez años. Por lo tanto es un año importante en el que tenemos que celebrar la suerte de poder dedicar nuestra vida al teatro».

¿Qué consejo le daría a los jóvenes que quieren dedicarse al teatro y los que están iniciando su experiencia en las tablas? «Que resistan, que pongan el alma, y que cierren los oídos a todos los que les aconsejen desistir. Si has nacido para esto solo podrás ser feliz entregándote a la noble causa del teatro».

El amor sensual, el honor, las apariencias, la muerte y el fanatismo religioso son algunos de los temas tratados en la tragedia. La opresión y el deseo de libertad son las dos fuerzas que constituyen el eje fundamental de la misma. Dividida en tres actos, cuenta la historia de Bernarda y sus cinco hijas, que viven encerradas en su hogar guardando luto por la muerte de su padre y marido.

La casa de Bernarda Alba refleja la España profunda de principios del siglo XX, donde la sociedad era muy tradicional, cerrada y violenta. En ella, el papel de las mujeres estaba en un segundo plano. La representación fue escrita por el poeta granadino Federico García Lorca, al que asesinaron las autoridades franquistas un mes después del golpe de Estado con el que se dio comienzo a la Guerra Civil española en 1936. Por esta razón, la obra no pudo ver la luz. Pero en el año 1945 y gracias a la iniciativa que tuvo la actriz catalana exiliada, Margarita Xirgu, fue representada en Buenos Aires.

Timaginas Teatro es la compañía encargada de llevar a escena la representación. Fue fundada en Tenerife en el año 2009 y cuenta con una trayectoria consolidada en las islas y en la península. Desde sus inicios ha difundido el teatro clásico español, especialmente dirigido a un público joven. El perro del Hortelano y Don Juan Tenorio son otros de los títulos clásicos interpretados por la entidad.

La comedia, escrita en verso, tiene como autor a Armando Jerez, actor y codirector de la academia de teatro de la compañía. La acción está protagonizada por cuatro actores que encarnan a figuras célebres de las letras y el arte español de los siglos XVI y XVII. Algunos de ellos son Cervantes y su icónico Don Quijote, Lope de Vega, Velázquez, Calderón de la Barca y una de sus creaciones, Segismundo, y Góngora y Quevedo, los grandes enfrentados. Además, el humor es la nota dominante en toda la obra e intentará dar a conocer entre el público a grandes artistas del Siglo de Oro.

El montaje recorrerá las Islas durante la próxima temporada, y visitará la capital del país. Por otro lado, el vestuario de la representación es fruto del trabajo de Carmensa Rodríguez. La artífice de los atuendos ha querido plasmar la vestimenta tradicional de la época. Para ello, se ha inspirado en algunas de las pinturas expuestas en el Museo del Prado de Madrid.

Como viene siendo habitual en esta compañía, sus actores realizan carros anunciadores como se hacía antiguamente, para acercar al público a sus representaciones. La función será, además, grabada por la Televisión Canaria como parte de un reportaje que se emitirá próximamente en la cadena autonómica.

La conquista más pirata está escrita en verso y en clave de humor por Armando Jerez y María Rodríguez, y narra las invasiones piráticas en Canarias con cuatro actores que dan vida a los protagonistas de estos episodios: los Reyes Católicos, el adelantado Alonso Fernández de Lugo, los contralmirantes Jennings y Nelson y el corsario lagunero Amaro Pargo, entre otros.

La función tiene una clara vocación didáctica y cuenta con el apoyo de la Consejería de Educación y Universidades del Gobierno de Canarias, así como Fundación Disa y Mutua Tinerfeña. Las entradas para este montaje pueden adquirirse en la plataforma Tomaticket a un precio de 8 euros para el público general y 5 para el alumnado de la ULL.

Se trata de la primera obra creada por María Rodríguez y Armando Jerez,miembros de la asociación. La idea surgió con el fin de ofrecer una función que contara la historia de los ataques piratas a Canarias, desde los Reyes Católicos hasta el intento de invasión por parte del capitán Horacio Nelson. Todo ello adaptado a su propio estilo, que apuesta por el teatro en verso. “Queríamos contar la historia con nuestra particular visión, en clave de humor, que se pudiera acercar al público joven”, explica una de las productoras.

Cuatro actores recrean alrededor de veinte personajes. Los intérpretes cambian constantemente de registro, acento y vestuario a medida que transcurre la trama. Además, se ha llevado a cabo un trabajo de investigación auténtico hecho por Jerez, que también es historiador de profesión. Todos los datos que se aportan son reales, mezclados con bromas y traídos a nuestra época. Los escritores querían ser rigurosos con las referencias dadas.

Sus promotores esperan que este trabajo cuente con permanencia, pues “es una historia que hay que contar cada año”, según afirma María Rodríguez. La Gomera, el municipio de El Rosario, en Tenerife, y Fuerteventura serán algunos de los lugares que visitarán próximamente.

El evento comenzó con el escenario vacío. Una luz tenue y una voz en off recitaba los trabajos que Federico García Lorca, autor de La casa de Bernarda Alba, había realizado. También relató cómo era su vida en la ciudad que nació y murió, Granada. Seguidamente, La Poncia (criada) interpretada por Marina Solís, salió en escena con el sonido de las campanas. A partir de ahí, empezaron los tres actos que componen esta pieza teatral. Todo se desarrolló en el salón, un único escenario que simboliza la opresión a la que estaban sometidas las hijas por el luto que había impuesto su madre al morir su marido.

En el libro del escritor granadino, Comedia sin título, se menciona que “el poeta aspira a conmover los corazones enseñando las cosas que el público no quiere ver, gritando las simplísimas verdades que no quieren oír”. Las actrices consiguieron transmitirlo. En especial, Bernarda (María Rodríguez), Adela (Raquel Trujillo) y Martirio (Yolanda García), quienes jugaron un papel fundamental a lo largo de la función.

¿Cómo o por qué decidiste apuntarse a Timaginas Teatro? “Estuve en 2009 en la academia y me gustó mucho, aunque era el típico campamento de verano que duró dos meses. Años después me llegó el folleto y lo estuve pensando. Pero, realmente me apunté hace tres años, cuando estaba en primero de bachillerato porque me lo dijo mi madre. Estaba en un coro y siempre me decían que hiciera algún solo pero yo no quería porque era muy tímida. Ella me dijo que el teatro era bueno para soltarme y dejar de tener vergüenza. Entonces decidí probar y ver si me gustaba. Ya llevo tres años, así que creo que sí me gusta”.

La academia se divide en dos partes (compañía y escuela). ¿Qué diferencias hay entre esas partes? “La compañía está formada por un grupo de personas fijas y otras que varían y que se dedican profesionalmente a hacer obras teatrales. Ellos cobran las entradas a un precio un poco más elevado, hacen más variedad de obras y muchas funciones en otras islas como La Palma o El Hierro y en la Península. La academia de alumnos consiste en que dos veces por semana una serie de grupos de personas, niños, adolescentes, jóvenes (en ese grupo estoy yo) y adultos se preparan una obra desde septiembre hasta junio. Lo bueno de estas clases es que aprendemos a hacer teatro desde cero”.

¿Qué beneficios te aporta hacer teatro? “Aprendo mucho, sobre todo de la academia en la que estoy. No solo estudio teatro o cómo se hace, sino también otros aspectos como Historia de España, Historia del Arte, Fonética y más disciplinas. Fuera de lo académico, aprendo a soltarme. Por ejemplo, antes no podía decir ni dos palabras en público sin quedarme en blanco y ahora lo llevo muchísimo mejor. También aprendo lenguaje corporal, a controlar mi cuerpo, a cómo empatizar con la persona con la que estás hablando, perder la vergüenza. Otro de los beneficios es la cantidad de amigos que haces, y como digo yo: aprendes cosas de la “escuela de la vida” «.

«Mi vocación es la moda y el teatro mi pasión»

¿Lo consideras una pasión? “Sí, no creo que sea exactamente a lo que yo estoy destinada, no es mi vocación plena, pero si es una de mis pasiones. Yo me quiero dedicar a la moda y gracias a que lo he descubierto también quiero juntar un poco los dos caminos. Me gustaría realizar los vestuarios de películas, de representaciones teatrales. Creo que mi vocación es la moda y el teatro una pasión”.

¿En qué obras has participado? ¿Cuál ha sido tu favorita o con cuál te has divertido más? “He participado en una obra muy buena que es Luces de bohemia de Valle-Inclán y fue la primera que hice. En el segundo año hice Yo me bajo en la próxima, ¿y usted? de Adolfo Marsillach. Las dos prometían mucho y salieron muy bien. La primera fue muy especial para mí, pero para verla te tiene que gustar mucho el teatro y la tienes que entender. Yo la entendí porque me enseñaron mucha historia sobre España y me acabó encantando. Además, fue mi primera obra entera y le tengo cariño. Pero realmente, me gustó más la otra porque era muy graciosa y una locura, pero salió genial”.

A la hora de interpretar a los personajes, ¿sueles ceñirte al guion o te gusta poner algo tuyo en cada papel que representas? “Claro que sí. Intento no que se parezca a mí, porque claramente eso es un fallo ya que el personaje acaba siendo yo pero de otra forma. Igualmente, siempre me lo intento llevar a mi terreno para conseguir que el personaje sea un poco especial. El guion en mi academia nunca es estricto a no ser que sea en verso que si tienes que estar todo más cuadriculado. Pero si es en prosa, puedo cambiar alguna que otra palabra que me ayude a recordar el texto o que quede mejor y en ese sentido es un gusto trabajar con ellos”.

«Siempre que puedo llevo a un personaje a mi terreno»

Aunque no participes en la función que va a representar Timaginas Teatro el próximo sábado de La Casa de Bernarda Alba, ¿podrías contar algo sobre ella? “Bernarda Alba es mi favorita de la compañía porque los actores y actrices son muy buenos. Además, la obra es una pasada. Las chicas se transforman en las protagonistas de la historia y se te ponen los pelos de punta. A mí hasta se me saltaron las lágrimas la primera vez que la vi. Recomiendo que la vean porque es teatro en estado puro”.

¿Qué es lo que más te gusta de actuar? “A mí lo que más me gusta es que saco todo lo que llevo dentro. Convierto a los personajes en algo mío. Siempre intento llevarlos a mi terreno”.

Para hacer representaciones teatrales necesitas tiempo, dedicar horas de ensayo… ¿Vale la pena este sacrificio? “No llega a ser realmente un sufrimiento. Es como el que se va a correr para despejarse, quita tiempo, pero al final acaba siendo un método de evasión de la rutina y también, en mi academia son bastantes flexibles con respecto a los horarios. Es algo que me gusta y sí, hay que invertir tiempo, pero como en cualquier cosa que te guste”.

¿Qué has aprendido en la academia? “La academia te enseña a ser humilde. Puedes ser el actor o la actriz más prestigioso de España pero tienes que tener humildad y seguir siendo natural. Desde que se te suba a la cabeza dejas de parecer espontáneo que es lo que se debe ser en este arte. Además, aprendes valores de la amistad y es muy humano. También, a mí me ayuda, me sube el ánimo y me sirve como una vía de escape de los problemas”.

¿Qué se siente antes de subir a escena? “Nervios. Antes de actuar me sigo poniendo súper nerviosa porque hay un montón de público que me está esperando, pero en cuanto pongo un pie donde alumbran los focos se van los nervios y empiezo a actuar y a disfrutar. En el escenario me siento cómoda”.

“Si el arte siempre une, el teatro muchísimo más»

¿Estás trabajando en alguna obra? ¿Cuál? “Estoy trabajando en la obra de mi vida que es La Bella y la Bestia y hago de la señora Potts (la tetera del castillo). Estamos haciendo una versión semimusical porque tenemos alguna que otra canción preparada pero es una sorpresa y les invito a verla porque vale mucho la pena”.

En un futuro, ¿qué obra o personaje te gustaría representar? “Yo soy muy fan de Disney por lo que me gustaría representar cualquiera de sus películas. En realidad, me gustaría interpretar a personajes que sean diferentes a mí porque me transformo en otra persona distinta. Bernarda sería un buen papel aunque es muy sacrificado”.

¿Por qué recomiendas Timaginas Teatro? “Es teatro para todos. Tuve la suerte de toparme con esta compañía y vale la pena. Llegas a hacer buenas amistades porque el arte siempre une y el teatro muchísimo más. La mejor decisión que tomé fue apuntarme y no me arrepiento para nada”.

Tras la muerte de su segundo marido, Bernarda Alba impone a sus cinco hijas (Angustias, Martirio, Magdalena, Amelia y Adela) un período de luto y encierro de ocho años, junto con su madre y La Poncia, criada de la familia. Frente al autoritarismo y la represión encarnada por la figura de la matriarca, las chicas vivirán historias que van desde la más pasiva sumisión a la rebeldía absoluta. En esta situación extrema los conflictos, las fuerzas y las pasiones de los personajes se verán conectadas gracias a Pepe el Romano quien jugará un importante papel en el desenlace de la historia.

Timaginas Teatro, nacida como tal en el año 2009 en Santa Cruz de Tenerife, cuenta con profesionales con una trayectoria en el mundo de las artes escénicas de más de veinte años dentro y fuera de las islas. En su clara vocación de acercar las obras clásicas a todos los públicos, la compañía ha recuperado la tradición de representar Don Juan Tenorio desde el año 2010 ante escolares y público en general. Su versión de esta representación ha obtenido numerosos reconocimientos por la fidelidad en el texto, la puesta en escena, el vestuario, la escenografía y la calidad interpretativa del elenco.

En su pasada actuación en el Teatro Leal de La Laguna consiguieron muy buenos resultados, llegando a colgar el cartel de localidades agotadas mucho antes de su estreno. De esta manera, se espera que consigan la misma aceptación en esta ocasión gracias al nuevo giro que adoptará esta obra lorquiana en la que se introducen elementos de la vida cotidiana.

Los protagonistas de la historia son Bokerón, Esparragón y Bramante. Estos viajan hasta el Caribe para recuperar el tesoro que desde hace años guarda el malvado pirata Barbanegra.

En Piratas al Caribe, se busca la participación del público desde el principio hasta el final. Los asistentes deberán estar dispuestos a cantar, bailar, reír y todo aquello que sea necesario para encontrar las pistas y llegar al botín. Acompañados del humor, harán parodia de todas las historias de payasos y piratas conocidas, incluso las contadas por Disney. A pesar de ser una actuación de carácter infantil, puede asistir toda la familia. Para ello, hacen constantes guiños de actualidad para involucrar también a los mayores en la historia.

Timaginas Teatro es una compañía especializada en hacer funciones para niños. El grupo imparte durante toda la semana clases de interpretación para todas las edades y todos los públicos en Tenerife. Cada fin de semana se desplazan hasta Madrid para continuar cosechando éxitos.

Otro de sus puntos fuertes son los clásicos. Para que estos lleguen al público más joven han recuperado la interpretación en Canarias de grandes escenas de obras como La vida es sueño de Calderón de la Barca o Los tres mosqueteros de Alejandro Dumas. Estos artistas apuestan desde sus inicios por difundir textos esenciales de la historia del teatro español. Es por ello que, desde hace algunos años, mantienen la tradición de escenificar Don Juan Tenorio por la Festividad de Todos los Santos en diferentes recintos de las islas.

Timaginas Teatro, la compañía encargada de la obra, está en manos de Armando Jerez y María Rodríguez, los cuales se dividen la dirección de la misma, donde es ella la que se centra en las emociones y motivaciones de los personajes, mientras que él está pendiente de los versos y marca los movimientos.

Asimismo, el profesorado de la academia está especializado en diferentes materias. Cuentan con una directora de arte, dos profesores de interpretación, un maestro de esgrima para el montaje de coreografías con espadas, una experta en baile y personal técnico responsable de iluminación y sonido.

Desde que terminaron su gira anterior, La vida es sueño de Calderón de la Barca, decidieron centrarse en Lope de Vega. Para ello, comenzaron en enero con los ensayos de esta obra de 3.300 versos escritos en clave de humor.

La obra, que ya se ha escenificado en el Teatro Guimerá el pasado 1 de abril, está ambientada en la villa napolitana de la condesa de Belflor. En el contexto de esa Italia, el autor recrea los conflictos y enredos amorosos de Diana, su secretario Teodoro, y Marcela, su dama de compañía. En El perro del hortelano se utilizan una veintena de vestuarios inspirados en la versión cinematográfica que fue estrenada en 1996 por la directora Pilar Miró. La acción se desarrolla dentro de un mismo espacio por lo que se ha puesto una lona que recrea el salón de un gran palacio de la época.

En esta ocasión cuentan con una banda sonora de la música profesional Satomi Morimoto, que ha compuesto una pieza barroca que dura toda la función.

La cita tiene como finalidad revalorizar el teatro clásico. Para ello, utilizan la naturalidad intentando conseguir que el espectador entienda los actos. Sin duda, es el escenario perfecto para que los jóvenes de la universidad conozcan de primera mano esta comedia del siglo XVI.