El programa es una experiencia similar a la de TED. Consiste en reuniones locales autoorganizadas que reúnen a diversas personas para conectar mediante la discusión de un tema. En este caso, contará con las ponencias de el presentador Jota Ypunto, el diseñador gráfico Bruno Bernal, la coach de vida Julia Hernández, el doctor Eduardo Vera, la psicóloga Jennifer Montesdeoca y la sexóloga Noelia Hernández.

El psiquiatra Eduardo Vera hablará sobre la salud mental a través del ingenio y la innovación. «Estos temas son importantes porque son recursos que puede usar el ser humano para intentar expresar sus emociones y aliviar la angustia y el dolor«, expone. Además, asegura que «cuando producimos arte también conectamos con los sentimientos de los demás«. Por otra lado, Vera afirma: «Espero poder estimular al público a explotar el potencial que tienen«.

Margarita Vázquez, responsable de la exposición cuenta que «la selección no es exhaustiva ni una especie de canon. Podrían ser otras veinte mujeres diferentes. Hemos intentado representar distintas corrientes, países, periodos y temáticas». Además, explica porque se realiza esta muestra: «Queríamos presentar como estas filósofas han ayudado a cambiar nuestra cultura de una manera simple y divulgativa».

«En lo que allí se expone se recogen ideas que nos incitan a pensar»

La exposición se compone de unos carteles con imágenes, gráficas y textos. Esto se completa con un catálogo y diversos materiales que el público podrá llevarse para seguir profundizando en su contenido. «Es una exposición de ideas que han cambiado nuestro mundo y los beneficios son culturales e intelectuales», afirma. También, confiesa que se hablaran de teorías filosóficas: «Hay algunas que no se han oído y por ello queremos mostrarlas y hacer reflexionar sobre ellas».

Finalmente, Vázquez invita a todas las personas a visitar la muestra: «En lo que allí se expone se recogen ideas que nos incitan a pensar». Además, añade que «se proporcionan estímulos para entender mejor nuestra cultura y lo influyentes que han sido las filósofas. En la exposición unos materiales nos conducen a otros, así que cada persona puede profundizar a su ritmo».

En el documental se hace un repaso desde su infancia en Ingenio, pueblo de Gran Canaria en el nació, hasta los más de 25 años que lleva dedicándose profesionalmente a imitar a Michael Jackson. Muestra su día a día y como su trabajo se ha convertido en una influencia e inspiración para miles de personas. Además también retrocede al año 1993 para documentar el concierto que el Rey del Pop dio en Tenerife a través de sus ojos.

«Todo es posible si sueñas»

El objetivo de este proyecto audiovisual es «dar a conocer a todas las personas fans y no fans de Gus Jackson y Michael Jackson esta otra parte de este artista que estoy seguro que va a sorprender al público», afirma Iván López, realizador del documental. Además, la moraleja que hay detrás es la de «todo es posible si sueñas». La proyección en el TEA será su pre-estreno en Tenerife. Pero, «la idea es hacer otro pre-estreno también en Gran Canaria y después intentar encontrar una distribuidora que quiera hacerse con la película», cuenta.

El documental se comenzó a grabar una semana antes del confinamiento. «Por eso en algunas partes del documental los protagonistas salen con mascarillas», explica. En cuanto al resultado, López expresa su satisfacción: «Creo que he conseguido de una manera natural descifrar el alto grado de humanidad que subyace en Gustavo y describirlo tanto como cuando es artista como cuando no lo es».

Finalmente, Iván López invita a todas las personas a acudir al pre-estreno: «Tanto la gente que sea fan de Michael Jackson como de Gus seguro que disfrutará con esta historia que es tan humilde como el propio personaje». Y para las personas que no son fans, «que le den una oportunidad, porque no solo es una historia sobre un imitador del Rey del Pop sino un canto a la necesidad vital de buscar un sueño».

El largometraje se estrenó en 2022, en España, su título original es Gelditasuna ekaitzean y tiene una duración de 97 minutos. Además, fue el debut en el mundo del cine del director y guionista procedente del País Vasco, en concreto de Donostia, San Sebastián. En el reparto encontramos nombres como el de Loreto Mauleón, Iñigo Gastesi, Aitor Beltrán o Vera Milán, y consta con la característica de que fue rodada en blanco y negro y con un formato 4:3.

Se trata de la historia de amor de dos personas cuyas vidas, en otras circunstancias, en otros tiempos, pudieron haber tomado otros caminos. Lara vuelve de París, la ciudad del amor, con su pareja Telmo con la intención de vivir de forma definitiva en Donostia. Mientras, Daniel es un chico que nunca ha salido de la ciudad y vive ahora con su novia Vera. Los caminos de Lara y Daniel se cruzan, es una historia que se mueve entre el pasado y el presente.

Los cortos que componen el programa son ¿Y tú qué sientes? (2020), Mantenimiento psiquiátrico (2014), superYÓ (2015), Las muelas del cuco (2016), Algo que decir (2015) y C.O.D.A (2018). Aparte de los trabajos mencionados, Rodríguez es el directivo de IDendeaf, una productora que crea distribuciones audiovisuales usando como herramienta narrativa y comunicativa la Lengua de Signos Española.

Esta iniciativa pretende evitar las etiquetas de minusvalía que son asociadas a las personas sordas. Por lo tanto, no se tratan de películas hechas para sensibilizar, sino normalizar el hecho de que también se pueden contar historias a través del Lenguaje de señas.

Al ser la inclusión social uno de los objetivos principales de este proyecto, los cortometrajes están subtitulados para que cualquiera que no conozca la Lengua de Signos pueda disfrutar de la proyección, haciéndolo así accesible para todo el mundo. Las personas que deseen visionar este ciclo de cine podrán acudir de manera gratuita.

La exposición Gravedad y Órbita, situada en TEA Tenerife Espacio de las Artes, estará abierta hasta el 17 de abril de 2022. En ella se podrán ver varias fotografías, cuadros y representaciones datadas entre 1929 y 2021. Plantea la idea de la existencia del caos y el azar en mitad de un sistema coherente y estable como puede ser nuestra vida. Se podrá visitar de martes a domingo en el horario de 12.00 horas a 20.00 horas y está situada en la Sala A de la segunda planta del edificio. Su entrada es gratuita para todos los públicos. En la muestra se encuentran distintos códigos QR que plantean pequeños juegos con visitantes y explica el significado de las obras.

Durante el evento, Zafra desveló que el libro estuvo motivado por la recepción de la gente que leyó El Entusiasmo, una obra generacional que publicó anteriormente sobre el trabajo precario y creativo en la era digital. Se enmarca dentro de un escenario de desilusión cuyas bases se asientan en la crisis económica. Su publico lector comenzó a escribirle cartas y correos como respuesta a las vivencias que expone sobre la vida y el empleo, comentando su propia experiencia.

«Pensé que aquellos mensajes no podían quedarse sin respuesta porque se trataba de una multitud de personas que, sin conocerse entre sí, compartían tanto que yo las veía con conectividad con esa analogía que se ve a lo largo de todo el libro entre la precariedad laboral y el patriarcado», expone Zafra.

«Vidas que son trabajos y trabajos que son vidas»

Frágiles habla de esa vida-trabajo, que se desarrolla habitualmente en contextos precarios, orientada al hacer y no pararse a pensar en nada, ni si quiera en el propio bienestar. Resume la realidad de mucha gente que vive encadenada a las pantallas, y que, de cierto modo, «tiene esas vidas que son trabajos y trabajos que son vidas».

Cabe destacar que el ensayo nació bajo el nombre de 500 sábanas, que tiene que ver con la ansiedad derivada de esos trabajos contemporáneos que poco a poco van dejando huella en las personas. Remedios explica que «esa huella no se ve desde un principio como pasaría con una sábana, pero que conforme avanza el tiempo su peso se va notando como lo harían 500 sábanas».

La presentadora, Izaskun Legarza, destaca al finalizar el evento la capacidad que tiene Zafra para llevar a cabo la escritura de ensayos diferentes, que se salen de lo convencional. «Se trata, sin duda, de una escritura literaria, casi poética, recurriendo a sueños para crear prólogos de reflexiones científicas hechas para que la gente pierda el miedo a leer este género», afirma.

Eric, ¿de qué manera comenzó tu andadura en el mundo de la música? «En tercero de Primaria hicieron en mi colegio una especie de casting obligatorio para el alumnado. A raíz de esto, más o menos empecé a cantar, pero no pensaba en dedicarme profesionalmente a ello. El caso es que, una vez estaba cantando en mi casa, con la idea de presentarme porque realmente quería y mi madre me escuchó, le gustó y me animó. Logré pasarlo y entré en un grupo de versiones que me sirvió para coger carrerilla y tablas. No eran sitios muy grandes, pero en esos tiempos me imponían. Al final, nos separamos y me desmotivé un poco, pero intenté escribir e hice mi primerísimo tema Miedos tras una ruptura. Poco a poco, me entraron más y más ganas de cantarlas y que me escuchasen. Poco después, me enteré que habían micros abiertos y me estrené en el Rincón del Tintín con mis amigos, ya que me daba vergüenza pero, a partir de ahí empezó todo».

¿Y tú Yago? ¿Cuándo te iniciaste en todo esto? «A ver, yo escribo desde los doce años y siempre lo he hecho por desahogo. Básicamente yo escribía y lo quemaba, no tenía ninguna otra función. El fin de una relación amorosa hace un año, hizo que me lo empezase a tomar un poquito más en serio. Comencé publicando mis textos y participando en La Pólvora Open Mic. Por último, a principios de año cambié todo mi Instagram para que fuese más profesional con la idea de darme a conocer».

¿Cómo fue la experiencia de participar en el Índice compartiendo escenario con artistas de esta talla? Y: «Esto ha sido como un punto de inflexión. Nos ha motivado muchísimo y es por ello que vamos a cuadrar un evento en Madrid. Vamos a tope, queremos expandirnos más, por así decirlo. E.E.: «Es lo más grande que hemos vivido hasta el momento, nos vio mucha gente y nos hizo especial ilusión saber que íbamos a poder participar. Asimismo, queríamos agradecerle al ExpresaTea todo su labor. Sin ellos esto no habría sido posible».

¿Y tuvieron trato con los anfitriones de la noche? Y: «¡Si! Al acabar nos dijeron que les había gustado, que fue muy guay». E.E.: «Vinieron a felicitarnos, nos dimos dos besos y nos presentamos. Marwan nos dijo que se quedó mirando todo el rato la actuación».

Resultaron ganadores con una de vuestras canciones Si tú no estás, ¿tienen pensado grabarla? E.E.: «Sí, estamos en ello. Un chico llamado Nacho, que es bajista en una banda, nos dijo que le molaría trabajar con nosotros y ayudarnos con las grabaciones. Nos dijo que le parecía un temazo. El proceso está yendo súper bien. El productor nos enviará un par de demos en los próximos días y elegiremos la que más nos convenzca. Una vez esté acabada, intentaremos grabar el videoclip». Y: «Procuraremos que salga para finales de noviembre, aunque no podemos confirmar una fecha aún».

Un aspecto interesante de este tema es que han fusionado música y la lírica, ¿creen que estas dos disciplinas artísticas se retroalimentan ? E.E.: «Yo creo que lo mejor de la poesía es que el espectador pone toda su atención en el contenido. Pienso que merece más reconocimiento… posee una gran capacidad para transmitir un mensaje. Se valora más la parte musical». Y: «A mí algo que me flipa de Elvira es que puede llenar recintos enteros sólo recitando es algo que a mi me gustaría conseguir en un futuro. Me parece algo increíble y ella lo va a hacer con Andrés Suárez en el Wizink Center. Una buena letra es importante y debe removerte. Es algo que repito sobre todo lo que hago. Tal vez es una basura pero, tiene que hacerte sentir algo, sea bueno o malo. Yo lo que espero cuando me escuchan es que me digan ‘no me gusta’ o ‘es una maravilla’, pero que no se vayan indiferentes a fin de cuentas. Por eso, lo que busco es elevar ambas cosas al mismo nivel».

¿Tienen en mente más proyectos juntos? E.E.: «Sí, tenemos varios. Lo que pasa es que ahora es difícil. Creamos una canción que funciona y al componer otras, intentamos igualar esa calidad y que guste». Y: «Es complicado pero, lo que sí tengo claro es que cada vez que recite necesito contar con la participación de Eric. Soy incapaz de salir a actuar de otra forma. Nos entendemos y conectamos muy bien».

¿Cuáles son sus principales referentes o inspiraciones? Y: «La M.O.D.A. encabeza mi lista. Por otro lado, disfruto mucho de Neruda, Bécquer, Poe… son muy distintos entre sí. Eso sí, la contemporánea, no me agrada nada». E.E.: «A mí me encanta Coldplay y Kodaline. Me identifico con ese rollo indie folk inglés». Y: «Nuestros gustos son muy diferentes. Ja, ja, ja…».

Son los promotores de La Fiebre en el Jóspital junto con Lu Sweeran. ¿Qué les motivó a llevarlo a cabo? Y: «Pues precisamente el crear un rincón para los que se quisiesen subir a un escenario por primera vez, o no… que tengan un lugar donde pudiesen ser quienes son y mostrar a los demás su talento. A nosotros nos han ido conociendo gracias a esta clase de eventos, entonces quisimos darle a todos la misma oportunidad que tuvimos en su día». E.E.: «Encima también es que teníamos un par de ideas enfocadas a las redes sociales, por ejemplo, para hacerlo más dinámico aprovechando que estudio Audiovisuales».

¿Pueden adelantar algo sobre sus futuros trabajos?: E.E.: «Así de primeras, pienso lanzar un EP. Por otro lado, voy a dar mi primer concierto en solitario el día 19 en el Búho Club La Laguna». Y: «Yo estoy planeando sacar un libro el año que viene, es uno de mis sueños. Además, quiero realizar un disco de poemas, que es algo que no se suele ver con el fin de que sienta lo que hacemos en directo».

En la actualidad Marwan se encuentra inmerso en la promoción y presentación de su último trabajo discográfico, Mis paisajes interiores, que vio la luz en 2017. Se trata de un disco-libro que incluye 11 temas y un poemario, con el que el cantante muestra al público los rincones más ocultos de sí mismo. En su faceta como poeta destaca su libro Todos mis futuros son contigo, que ha vendido más de 700 0000 copias, llegando al número 1 en ventas en España y en México.

Por su parte, Elvira Sastre, una de las máximas exponentes de la literatura actual, ha triunfado en el ámbito de la poesía con obras como Ya nadie baila o La soledad de un cuerpo acostumbrado a la herida. Este año editó Días sin ti, su primer libro escrito en prosa, el cual logró recientemente el premio Biblioteca Breve 2019. Este éxito le ha llevado a recorrer países como México, Colombia, Argentina o Estados Unidos.

En su cuarta edición el Festival Índice, que se llevará a cabo los días 27 y 28 de septiembre, tiene la intención de reivindicar la literatura y la escritura como un espacio de encuentro y mostrar la importancia de todos los elementos que hacen falta para que se produzca el hecho lector, desde quien escribe hasta quien lee, pasando por responsables de las bibliotecas, docentes, editoriales o las administraciones pública.

La cantante se dio a conocer hace unos años en la plataforma YouTube, donde sus covers obtuvieron gran popularidad. Gracias a este éxito en 2015 tuvo la oportunidad de publicar un EP bajo el título Si quieres, pierdes, el cual logró entrar en la lista de los álbumes más vendidos. Unos meses más tardes, tras el lanzamiento del sencillo, Diciembre y no estás consiguió acercarse al público de Estados Unidos, México y Argentina.

Tras firmar con el sello Universal Music Spain, en marzo de 2018 sacó a la luz su primer LP, Desde mi otro cuarto, un disco con temas comprometidos e intimistas. Entre ellos destacan Somos fuego, Mariposas o No te quiero ver llorar. Con este trabajo se posicionó en el tercer puesto de la lista de ventas en España.

Bely Basarte se encuentra en la actualidad recorriendo diversos puntos de la geografía española con el tour Al otro lado, con el que presenta en directo las canciones de su álbum debut. Sus siguientes paradas tendrán lugar el próximo 21 de septiembre en el Festival Jardín de las Delicias de Madrid y el 21 de noviembre en la emblemática sala madrileña Joy Eslava.

Expertos vinculados a la Universidad de La Laguna como el profesor de Estética y Teoría del Arte y director de este evento, José Díaz Cuyás, o el profesor titular de Historia del Arte Contemporáneo, Carmelo Vega, participarán en este simposio. Además, destaca la presencia de uno de los pioneros de la Antropología del Turismo y catedrático de la Universidad de California en Davis, Dean MacCannell, y de la catedrática de Literatura Comparada en la Universidad de Standford, una referente en la teoría feminista en Estados Unidos, Juliet Flower.

El evento será gratuito para todos los públicos previa inscripción. Por su parte, el estudiantado de este centro académico podrá convalidar un crédito ECTS por la asistencia.

Sin embargo, hacer reflexionar a su público no es más que una hazaña lateral que conculca su verdadera motivación: hacer arte para el deleite visual, que en tiempos de la pseudointelectualidad entraña verdades mayores que la que esconden la mayoría de artistas que solo producen por reafirmar su ingenio. No obstante, alejándose de su leitmotiv inicial, Palenzuela marca un camino de exploración cercado únicamente por los interrogantes. Hasta el 5 de mayo, esta ruta animal podrá ser visitada en el espacio cultural de la capital tinerfeña.

Animales, retratos, fuego e interiores. En cuatro pilares se resume la discusión bizantina de un Palenzuela que se sincera consigo mismo, que convierte los axiomas en dudas y que se reencuentra con los mismos temas aparentemente arbitrarios que solo toman sentido desde la perspectiva del espectador guiado. De martes a domingo, de 10.00 a 20.00 horas, la exposición de Palenzuela permanecerá abierta al público, que podrá conocer de primera mano el modelo de trabajo del pintor tinerfeño que, en cierto modo, es tan bien un orfebere.

Así pues, las capas de óleo que se acumulan en las figuras de sus cangrejos, sus pajarillos, sus rostros de fuego o sus escalones se proyectan más allá del lienzo, adquieren una tridimensionalidad capaz de comunicarse cara a cara con su público. En cuanto a los formatos, prima la variedad estética que abarca desde cuadros en minuatura hasta grandes creaciones que ocupan el largo y ancho de las paredes. Odio sobre lienzo es la creación misma, el proceso de destrucción por el que pasa la materia hasta llegar a convertirse en obra y que demuestra que el arte es tan primitiva con inherente al ser humano.

El resultado de sus obras ha sido expuesto en múltiples formatos y lenguajes: desde películas a fotografías, audios, intervenciones en el espacio público, textos o publicaciones. En este caso, es la primera vez que este trabajo, Campos de batalla, se expone en el Tenerife Espacio de las Artes (TEA). Una de las mejores secciones de esta propuesta transversal que podrá ser visitada hasta el próximo 3 de febrero es Como un poco de agua en la palma de la mano (Un proyecto de amor en Serbia). Se trata de un proyecto patrocinado por la beca Leonardo a Investigadores y Creadores Culturales 2016 de la Fundación BBVA.

Por su parte, Sallarés se licenció en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona. Además, estudió cine en la New School University y en la Film & AMP Video Arts de Nueva York. Su condición de extranjera es un punto fundamental en sus trabajos. En ellos plasma, a través de largas investigaciones de campo, temas esenciales como la violencia, la muerte, el sexo, la legalidad, la verdad, el amor y el trabajo. Estos son los motores que la mueven en busca de historias de vida como la de las 30 mujeres que entrevistó en México con respecto a sus experiencias entorno al orgasmo, y de la cual hay un largometraje llamado Las muertes chiquitas.

‘Como un poco de agua en la palma de la mano (un proyecto de amor en Serbia)’

Al llegar a la biblioteca, la cual se convierte en la casa de los estudiantes hasta las 4 de la mañana en tiempos de exámenes, se pueden observar frases en la pared, las luces y la pantalla. Además, la cantidad de veces que se repite la palabra “amor” en cada espacio fue algo que llamó mucho mi atención y me incitó a adentrarme más en el tema. Asimismo, la luz tenue y el ambiente de seriedad que rodea el lugar te atrapa.

En la exposición encontramos una obra que hace alusión a un interrogatorio policial, el mismo al que la artista se expuso durante cuatro horas después de todas las investigaciones y trabajos realizados en Serbia. Además, se exponen varios retratos que aparentemente no suscitan nada, pero que, tras una lectura más exhaustiva, evocan las connotaciones que se esconden detrás de esas fotografías. Son imágenes que reflejan rostros, paisajes impregnados de dolor y sacrificio y un compendio de los distintos contextos de resistencia amorosa propios del presente de Serbia.

Yugoslavia, el país extinto

Otro aspecto que conviene mencionar es el espacio del documental que se dedica a contar uno de los puntos que más afectan sentimentalmente. Se refleja lo duro que puede ser que un país como  Yugoslavia haya desaparecido por completo, sin tomar en cuenta a las personas que allí vivían y a las que les pertenecía esa patria.

Yugoslavia es un estado desaparecido cuya ubicación geográfica tenía lugar en la región de los Balcanes. Actualmente, está representado en diversos museos de la revolución, túneles y fábricas convertidos en memoriales, búnkeres transformados en ferias de arte y monumentos abandonados. Los testimonios de sus habitantes giran en torno a la frase “Nací aquí, pero no soy de aquí”.

Es un país lleno de paisajes bellos, pueblos desolados, canciones tristes, mensajes de amor, poemas rotos y trenes a los que no se pudo subir más nadie. Decía Buden: “Acá el pasado es más actual que el presente y más incierto que el futuro”. Todo esto es así porque la alarma ante una posible explosión era perpetua. Uno de los testigos cuenta que el ayer fue muy duro: «En ríos como Sava, Neretva y Danubio se vivió la masacre en la que los nazis habían roto la superficie de hielo para poder meter ahí a los cadáveres».

“O el amor se reinventa, o los jóvenes terminarán inmunes a él”

El amor en todas sus acepciones juega un punto fundamental en este proyecto. Desde Eros, para el romántico y erótico; Ágape, para el ideal y comunitario, y Caritas, para el solidario o caritativo. Para ella, amar implica siempre un acto de traducción. Con lo cual, hizo un diccionario básico para sobrevivir en cuatro lenguas.

La autora mantiene que existe un misterio en el amor al igual que en la vida, y no por eso dejamos de investigar sobre ella. Aunque la verdad completa no existe, esto no quiere decir que debamos abandonar su búsqueda, ya que ese proceso es lo que nos humaniza. “Me parece más inquietante la respuesta de un joven que me dijo con gran convencimiento que el amor no tendría lugar en su vida. Pensé que, o el amor se reinventa, o los jóvenes terminaran inmunes a él, por mucho que los sigan bombardeando con discursos e imágenes del amor».

Al ser una persona bastante emocional, me llenó en todos los sentidos la importancia que la artista le otorga al amor en su obra. Desde lo más profundo de su ser al inspirarse a realizar esas investigaciones hasta cada persona que vive predicando el amor como forma de vida. Y sin miedo al dolor, sin miedo al qué pasará después, incluso sin importar el no ser correspondido o quedar desgarrado para siempre.

Una exposición con dimensiones sociales

Las peripecias de Bojana Jelenic, una de las protagonistas de su exposición, forman parte de una larga historia de amor y una vía de transformación y de conocimiento. Bojana inventó varias maneras de reciclar bolsas. Una de ellas consistía en subvertir el uso de unos sacos de ayuda humanitaria norteamericana para reutilizarlos como mochilas. Otra, en convertirlas en hilo para tejer objetos de todo tipo. Durante los bombardeos del año 1999 la ciudad estaba muy sucia. Ella pensó que podía inventar algo que serviría a los desplazados, al tiempo que limpiaba su ciudad y protegía el medio ambiente. Mireia Sallarés, una artista visual integral, captura a través de sus exposiciones el dolor de un sentimiento de nación extinguido, la belleza y el dolor de lo que pudo haber sido, pero que nunca fue por culpa de la guerra.

Nada más llegar a la Sala A del Tenerife Espacio de las Artes (TEA), el visitante se topa con un cartel de advertencia: “Algunas obras de esta exposición pueden herir la sensibilidad del espectador”. La tinerfeña Yapci Ramos está acostumbrada a ese tipo de etiquetas: su apuesta artística, tan punzante como transgresora, se manifiesta con la misma crudeza que un gancho en el estómago. No obstante, aunque la sutileza no es la seña de identidad de esta videoartista conceptual, sí que lo son la reflexión y la provocación. Porque si algo caracteriza Show Me, una colección de sus mejores trabajos desde 2005 y la primera individual en Canarias de una artista con veinte años de trayectoria, es su carácter provocador y, al mismo tiempo, sumamente provocativo.

Provocadora y provocativa

La premisa no engaña; nada más cruzar el umbral del salón, nos encontramos con una columna triangular. Desde el techo hasta el suelo, se suceden una serie de paneles rectangulares que muestran vídeos de una pared de mármol blanco. En algunos de ellos, aparecen escritas palabras. En otros, estas mismas se borran. Lo hace una mujer desnuda. La vemos de espalda, con la marca del sujetador cruzándole de forma transversal bajo los omóplatos: es el surco que deja la opresión del día a día. Las palabras dibujadas sobre la pared (más tarde descubro que el muro pertenece al baño de la propia artista) están escritas con sangre, más en concreto, con la regla de Ramos. Cada mes en un lapso de dos años, la artista anotó estas pequeñas reflexiones monosilábicas con su sangre menstrual a modo de diario, una memoria de sus decisiones y renuncias que, al igual que el líquido escarlata, emanaban de ella de forma inevitable y dolorosa.

En la habitación contigua y bajo el título de Lo-li-ta, una serie de fotografías muestran a una niña de alrededor de seis años. A través de las imágenes, Ramos explora el despertar sexual en edades cada vez más tempranas. La máscara en las pestañas, la laca de uñas, el labial, las botas altas y el vestido corto… Todos los elementos de la modelo construyen una apariencia hipersexualizada de la infancia. Posturas tan sencillas como una niña sentada al final de la escalera se convierten en pura perversión a través de la mirada de Yapci Ramos.

La semilla familiar

El exhibicionismo propio de Show Me, de cualquier modo, no solo es palpable mediante las historias ajenas, sino que la vida de la autora también se transforma en un vehículo para transportar las emociones más elementales y primigenias de la raza humana. En Identidad, sin ir más lejos, Ramos reflexiona a propósito del sedimento que la familia, de manera premeditada o no, deposita en nosotros. Dos ventanales de su casa familiar, anotaciones fugaces e ininteligibles sobre sueños suyos y de su madre o una colección de pipas y un cuerno son algunos de los elementos que ella reivindica como símbolos que corren por su torrente sanguíneo. Destaca, más allá de esta dispar antología, un retrato lenticular que cambia en función de la perspectiva del espectador y que alterna la imagen de una mujer joven (Ramos) con la de un hombre barbudo.

Bushes in the night, por otra parte, recoge imágenes documentales de plantas comunes en paisajes nocturnos. El viento esquivando las briznas de hierba, el silbido de los animales de la noche y una descripción científica de cada ejemplar vegetal son ornamento poético suficiente para hipnotizar al visitante. Al cabo de un rato, sin embargo, me veo a mí mismo andando rumbo a una nueva sala, atraído por sonidos extraños que tensan el ambiente. Se trata de una música climática en su sentido más estricto: son orgasmos que se presentan bajo el lema I don’t mind. Para cerrar la propuesta audiovisual, estos van a acompañados de una serie de retratos móviles de personas de todas las etnias y edades.

Yapci al desnudo        

Algo similar ocurre en el ala opuesta de la exposición. Ocupando toda la pared frontal, un mural descomunal retrata a ocho personas completamente desnudas. La fuerza de la pulsión sexual, completamente desatada llegados a este punto de la colección, se refuerza con una serie de entrevistas audiovisuales que se proyecta en forma de tríptico. En ellas, Yapci Ramos conversa con algunos de los amigos que hizo en 2006 al trasladarse a Barcelona. Ahora, diez años después, Ramos pretende captar en esas breves charlas el paso del tiempo y la personalidad desinhibida y cínica de una generación de artistas que, como ella, se muestran rebeldes y soñadores.

En el espacio colindante, se reproducen dos producciones audiovisuales simultáneas. Los vídeos tratan de capturar la esencia de los rituales que las mujeres malauíes realizan en torno a la maternidad y la fertilidad. Cuando llego al final, a la serie fotográfica Perras, coronada también por una breve película que explora el tema de la prostitución, me doy cuenta de lo rendido que estoy ante una Yapci Ramos desconocida, críptica y crítica a partes iguales. La potencia de su arte, tan inexplorada como universal, queda inmortalizada en los ojos de esos perros callejeros en la noche, tan solo iluminados por los faros de un coche. Un símil punzante para cerrar el iter que Ramos realiza a través de lo políticamente incorrecto y un lenguaje personalísimo que resbala entre lo autiobiográfico y lo ajeno.

Al marcharme a casa, el aire sigue estando igual de cargado. Durante un rato, me limito a andar por las concurridas calles, inmerso en el pensamiento que únicamente se desata en el silencio que te ofrece la soledad. Sin embargo, ahora mi percepción es distinta: ya no cargo con los tabúes y cadenas a los que están sometidos todos los demás. Es una de las tantas maravillas del arte, una pugna permanente contra la represión y la vacuidad.

El taller de Dirección de Producción se llevará a cabo en Gran Canaria Espacio Digital (Sala de Proyecciones) del 12 al 16 de noviembre en horario de 16.00 a 20.00 horas. A lo largo de estos días, los alumnos ampliarán sus conocimientos a través del análisis y la práctica con los recursos necesarios para dimensionar adecuadamente proyectos de largometraje. El precio final del curso es de 240 €.

Por otro lado, el ciclo de Dirección Cinematográfica se impartirá en el Tenerife Espacio de las Artes (TEA), desde el 19 al 27 de noviembre, en el mismo horario, desde las 16.00 horas hasta las 20.00 horas. El planteamiento abarcará desde lo práctico hasta lo teórico abordando temas como conocer los conceptos básicos de la puesta en escena, realizar prácticas de doblaje o conocer los elementos que configuran la mirada del actor. El precio total es de 340 €.

Las mujeres protagonistas

Las profesionales encargadas de dictar ambas formaciones serán Belén Bernuy y Patricia Ferreira. La primera, es productora y fundadora de Centuria Films, y ha coproducido títulos como Te doy mis ojos (2003), de Icíar Bollaín, o Garbo, el hombre que salvó al mundo (2009), de Edmon Roch, Premio Goya al Mejor Documental.

Por su parte, Patricia Ferreira es guionista y directora de cine y televisión. Su película Los niños salvajes (2012) obtuvo tres nominaciones a los Premios Goya, y es autora de Thi Mai. Rumbo a Vietnam (2018), Para que no me olvides (2005) y El alquimista impaciente (2002). Además, es cofundadora de la Asociación de mujeres cineastas y de medios audiovisuales (CIMA).

Foto: ECAM

El curso se dirige a un público en general, pero de forma concreta a aquellas personas que tienen una vinculación con el mundo del cine. De hecho, la mayoría de los ciclos que imparte el IFIC compaginan alumnos con y sin experiencia. Asimismo, no es necesario tener estudios previos para poder realizarlo. Por otro lado, Amparo Baeza, licenciada en Artes Plásticas y directora de Arte de Cine y Publicidad, será la encargada de llevar a cabo el programa. Entre las películas que ha realizado se encuentran: No estoy loca (2018), Hazlo como hombre (2017), Rara (2016) y Magic Magic (2013), entre otras.

Anuska Baute, miembro del IFIC, asegura que la finalidad es «que los participantes se diviertan y, sobre todo, que las enseñanzas resulten prácticas y de utilidad». El objetivo principal es dar a conocer el rol del director de arte dentro de una producción de esta disciplina, además de mostrar cuáles son sus principales cometidos antes y durante la creación de un filme.

Al mismo tiempo, busca que los asistentes sean capaces de identificar las necesidades de estos departamento, a través de un análisis o desglose de guion. Es decir, construir una carpeta en la que definir el look o apariencia visual (el universo visual, plástico, cromático…) de la obra.

El público se verá sorprendido ante la importancia que se le da a detalles cotidianos que, por regla general, pasan desapercibidos. El autor también pretende darle una vuelta al concepto de visitar los museos y cambiar la manera de pensar y actuar del espectador: quiere que pasen de cumplir un papel contemplativo a ser más activos. Según asegura el artista, estas reflexiones le han dirigido «a unas obras de naturaleza interactiva, algunas de ellas cuentan con un sensor de movimiento que se activa cuando hay alguien cerca».

Originalidad, la clave del éxito

Otra gran diferencia será la distribución de los trabajos. No será lineal, por lo que el público disfrutará de distintas perspectivas de los mismos, según el punto y el momento del recorrido en el que se encuentre. Jordán también puntualiza que «el título de esta iniciativa es una expresión portuguesa que viene a significar ‘matar el tiempo’. Simboliza, por tanto, las acciones y elementos que integran la exposición».

Eso sí, el artista cuenta con un amplio currículum a sus espaldas. En 2008 consiguió su licenciatura en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia, donde, además, cursó un Master en Producción Artística. Ha recibido varias becas para poder seguir profesionalizando su vena más creativa y ha obtenido premios de diversa índole. Entre sus creaciones más destacables se encuentran: El tiovivo, que mostró al público en Lanzarote; la segunda se llamó Es solo un truco y tuvo gran acogida en Colombia; y, finalmente, Fazer horas, lo más novedoso que sus manos han elaborado.

A sus 42 años, Rodin conoce a Camille Claudel, una mujer joven que quiere convertirse en su ayudante. Al darse cuanta de su potencial, el artista la trata como una igual en términos creativos. Después de más de una década de trabajo conjunto y de una relación apasionada que se irá desarrollando, ella decide separarse de él, una ruptura que el protagonista nunca superará y de la que saldrá profundamente herido. La película también muestra algunos de sus romances con asistentes y modelos, así como su larga relación con Rose Beuret.

Al día siguiente el estilo urbano será el protagonista, a partir de las 12.00, en un II Foro Regional de Danzas Urbanas donde se tratará la profesionalización de esta disciplina. Ya por la tarde se celebrará un campeonato 3vs3, batallas de baile basadas en el AllStyle, pero que únicamente recogen el breaking, el popping y el hiphop.

Talleres para los más pequeños y emisiones de cortos de cine, en el norte de Tenerife

A partir del 8 y hasta el 11 las actividades estarán dedicadas a la proyección de cortos seleccionados en el concurso cinematográfico. Se celebrarán las siguientes representaciones: el 8 a las 20.30 en el ISE Language School (La Laguna); el 9 a las 20.00 en el Espacio Cultural La Ranilla (Puerto de la Cruz); el 10 a las 20.00 en Tenerife Espacio de las Artes (TEA) y el 11 a las 21.00 en la Asociación Cultural Equipo Para (Santa Cruz).

Asimismo, durante estos días se realizarán diferentes talleres para los escolares de Tacoronte, donde participará la bailarina y profesora Carmen Macías con su pieza Y también mañana, así como la compañía Zerogrammi con la obra Oltremai.

Actividades para todos los públicos

Para finalizar, durante las tres últimas citas, el Auditorio Capitol  acogerá una programación dirigida a todos los públicos, donde las composiciones contemporáneas tendrá un papel destacado. El día 12 a las 20.30 se desplegarán tres piezas: Broken Lines de Carmen Fumero y Miguel Ballabrigripa; Oltremai, nuevamente, de Zerogrammi; y Zébre de Manuela Barrero.

El día 13 Barrero impartirá un taller sobre baile y, además, el Centro Coreográfico de La Gomera presentará Should they may be. También Carmen Macias representará Y también mañana, Leila Ka deleitará con Pode ser y Virginia Gimeno con WhiCh.

La clausura será el domingo 14 de octubre con funciones en vivo y con el III Encuentro Regional de Danza Escolar en el que participan el Centro Internacional de Danza de Tenerife, el Teatro Victoria, la Escuela de Danza de Tacoronte y la Escuela Dansarte Elisabeth López.

Esta primera edición, que dirige la profesora del Departamento de Filología Clásica, Francesa, Árabe y Románica de la ULL, Patricia Pareja, contará con prestigiosas investigadoras nacionales e internacionales. Todas ellas aportarán su visión sobre las diferentes manifestaciones de esta corriente. Cabe destacar la presencia como ponente inaugural de la escritora y ensayista francesa Annie Le Brun, que participó activamente en este estilo desde 1963 hasta su disolución tras la muerte de su fundador, André Breton.

Un programa de lo más variado

El curso tendrá lugar en diferentes espacios de la institución lagunera. Así, la inauguración se desarrollará en el Salón de Grados de la Facultad de Economía, Empresa y Turismo hoy a las 9.30 horas y, a su término, Le Brun dictará la conferencia Ce qui n’a pas de prix.

A lo largo de los tres días, las sesiones se alternarán en esa misma sala, en la Sección de Filología de la Facultad de Humanidades, el Aula Magna del Aulario General del Campus de Guajara y el Paraninfo. Este último recinto acogerá el viernes 28 a las 20.00 horas la versión teatral de la novela Crimen, de Agustín Espinosa, producida por Tenerife Espacio de las Artes (TEA), bajo la dirección de Enzo Scala.

Entre medias, el programa alternará ponencias sobre diversos aspectos de este movimiento artístico y literario, a cargo de investigadores de diferentes universidades: Lydia Vázquez y Loreto Casado (País Vasco); Lourdes Terrón y Pilar Garcés (Valladolid); Soraya Tlatli (California en Berkeley); Antonio Álvarez de la Rosa y Patricia Pareja (La Laguna); Isidro Hernández (TEA); y las historiadoras del arte Christine Béchet y Églantine Lebacq. También habrá representaciones escénicas y proyecciones cinematográficas presentadas por sus autores, Isabelle Dierckx y Lucas Fernández.