El Guimerá recibió un género muy poco visto en el formato teatral pero que sí es muy frecuente en la gran pantalla: la ciencia ficción. Adictos es una obra escrita por Daniel Dicenta Herrera y Juanma Gómez. Se trató de una temática que combinó la tecnología, el presente y un futuro sumido en el caos por una inteligencia artificial que se revelará contra el bien de la humanidad.

El telón se abrió a las 20.05 de la tarde para contemplar a la científica Estela Ardeson (Lola Herrera) bajo el foco de una luz azul. Sola y aterrada por la incertidumbre sobre un acontecimiento catastrófico y que puso la tensión psicológica de la gente al límite.. Una conversación de la actriz con Nova, una inteligencia artificial que ella diseñó para implantarla en todos los hogares del mundo  se vio alterada por el sonido de los gritos de una serie de manifestaciones de fondo. La actriz desapareció y dejó al público intrigado tras lo ocurrido.

La inteligencia artificial se creó para eliminar a una parte de la humanidad

En en segundo escenario, la periodista Eva Langar realizó una entrevista a Soler sobre el estudio del comportamiento humano. Se trató de la psiquiatra del hospital en el que se encontraba internada la doctora Anderson. La investigadora trató de obtener la verdad sobre los objetivos reales del experimento de la inteligencia avanzada Nova 7 y los propósitos macabros de Innovation, la empresa que la financió.

El último acto y tras la presión de Langar, la doctora Soler confesó que la tecnología de inteligencia artificial se creó con la intención de eliminar a una parte de la población humana y no con los fines benéficos que le hicieron creer a la doctora Anderson sobre Nova 7.

La linealidad de la obra se perdió en su transcurso porque se apreciaron algunos saltos inconexos en el hilo conductor de la historia. Lo que causó dificultad en la transmisión de un mensaje al público.

La charla empezó con una grabación de Gerardo Martín, director del grupo escénico Ángel Guimerá, realizada por el 160 aniversario del nacimiento del dramaturgo en santa Cruz de Tenerife. Se trataba de un texto en el que Guimerá hacía referencia a Canarias y su dialecto tras encontrarse con un habitante ilustre de las Islas. Tras este prólogo, Delgado explicó cómo conoció la obra del dramaturgo y su experiencia laboral en el Teatro. Además, reflexionó sobre qué tan reconocido es el autor en las Islas y si el hecho de que la gran mayoría de su obra está en catalán supone una dificultad añadida en ese aspecto.

Delgado contó que en 1990 se mudó a Barcelona, donde empezó a trabajar en el teatro y se encontró con que la gente tenía una concepción completamente distinta de la figura de Guimerá. En Tenerife le parecía «anticuada, ajena y casi irrelevante», y ahí era muy respetada y «representada por las mejores compañías».

«Era muy difícil una vinculación entre el autor y Canarias. Aquí nadie lo conocía y allí mucha gente no sabía que venía de las Islas», indicó la dramaturga. Además, recordó que hay obras o creaciones basadas en su trabajo que todavía no han llegado al Archipiélago. «Es el caso de Mar y cielo, un musical de Dagoll Dagom que aquí aún no ha sido interpretado, pese a que ya fue traducido al español», lamentó.

«Aquí solo es el nombre de un teatro»

Isabel Delgado dijo que, independientemente de reivindicar su figura, «si queremos percibir a este dramaturgo como nuestro debemos cambiar radicalmente de planteamiento, pues «mientras Guimerá es una figura muy arraigada en Cataluña, aquí solo es el nombre de un teatro». Así, entre otras acciones, pidió recuperar el Premio de Teatro Ángel Guimerá, incluir algún texto suyo en el programa de Bachillerato de Canarias, como ya ocurre con Benito Pérez Galdós, e inaugurar un área de investigación en las universidades canarias centrada en su figura.

José Antonio Arteaga, por su parte, abordó las dificultades de traer la obra de Guimerá al mundo contemporáneo debido a que está ligado a un romanticismo basado en el tremendismo, una técnica dramática que se aleja estéticamente de las sensibilidades actuales. «La gente ve un desenlace de una obra de Guimerá en teatro y le entra la risa», comentó.

Además, destacó que las obras del dramaturgo derivan del modernismo, lo que «las lastra». Hace que posean una «mayor calidad literaria», pero, al mismo tiempo, «añade al tremendismo el verbalismo». Por ello admitió que, desde el punto de vista dramatúrgico, se debía hacer «un esfuerzo importante para actualizarlas» pese a su «indudable valor literario».

Asimismo, abordó la fascinación que despertó Guimerá tanto en los fascismos europeos como en los movimientos anarquistas españoles. Tal fue la admiración por su obra que, en la Alemania nazi, la directora de El triunfo de la voluntad, Leni Riefenstahl, se encargó de llevar al cine Tiefland, una adaptación de Tierra baja de Ángel Guimerá.

Arteaga explicó que la producción del dramaturgo se puede dividir en dos grandes bloques dependiendo del contexto en el que ocurre la acción: obras rurales y urbanas. Las primeras, despertaron el interés de los totalitarismos de derecha, ya que establecían un contraste entre las personas que se asentaban para dedicarse a la agricultura y aquellas que eran nómadas por dedicarse a la ganadería.

Señaló también que «en un mundo regido por la desigualdad, donde la policía actuaba al servicio de los grandes patronos, las obras de Guimerá introducían un elemento de justicia divina». Para Arteaga ese elemento es la clave que motivó las lecturas anarquistas.  «Es algo muy trasladable a nuestro contexto actual de conflictos constantes. El teatro debe desilusionar, sí, pero también ilusionar», afirmó.

Conchita Piña, finalmente, se ofreció para que su editorial traduzca toda la obra de Ángel Guimerá al español.

Las coreografías en modalidad grupal del subgénero pop coreano energizaron al público asistente en una nueva edición de Tecnocon el sábado, 11 de mayo, desde las 19.28 horas hasta las 22.15 horas en el Teatro Guimerá de Santa Cruz de Tenerife. En el evento personas de todas las edades corearon letras de canciones de artistas populares de Corea del Sur en sincronía con los pasos de baile ejecutados por cada uno de los grupos participantes: K-elf, Efímero, AC´S, Invidia, Meraki, Runas, Seasons, Kysme, Cowie Crew, Phoenix, Real Blood, Leviathan, Founded Crew, Spectra, I-Liyx, Ivy, Rhythm Max, Eanigma, Bumbleblee e Inooit. Se alzaron con el primero, el segundo y el tercer premio: Ivy, Phoenix y Leviathan. El alcalde de la capital tinerfeña, José Manuel Bermúdez, entregó el mayor galardón en metálico: mil euros.  La empresa organizadora del acto fue Factoria de Innovación.

El Campeonato reunirá a más de treinta participantes de diferentes edades que imitarán los pasos de baile de figuras conocidas del korean pop. El presupuesto destinado a premios será de tres mil euros para los tres primeros puestos resultantes de ambas categorías. La puntuación sobre la puesta en escena, el vestuario artístico y la originalidad de cada participación será otorgada por un jurado experto en la disciplina de este concurso.

El término kpopers se refiere a las personas fanáticas de la música de mayor referencia dentro de la cultura surcoreana.  González considera que la celebración de este certamen implica «asumir el interés de una temática en auge por parte de un público que agota el aforo del  recinto por segundo año consecutivo».

La empresa organizadora del evento es Factoría de Innovación.

El mensaje es «otorgar a la mujer el lugar que le corresponde, no solo externo, también el interno que cada una debe conquistar y reconocer en sí misma», apunta Rocío Pozo. Añade que «se ha escrito tanto para mujeres como para hombres». La idea surgió «a través de otra obra que realizamos hace dos años centrada en la violencia de género. Decidimos representar todas las virtudes y cualidades que nos caracterizan».

Las Cuatro Estaciones de Vivaldi

La directora subraya que la parte más complicada para llevar a cabo la obra fue «la musical porque incluimos Las Cuatro Estaciones de Vivaldi, que representó un verdadero desafío para coreografiar desde el flamenco». No obstante, afirma que «estoy encantada con el resultado final, creo que la obra adquiere una fuerza muy especial».

La intérprete comenta que «no podemos olvidar que la vez anterior que estuvimos en el Guimerá, la respuesta fue increíble». Asimismo, dice que «esto nos llena de ilusión y motivación para presentar este nuevo trabajo con el deseo de conectar con el público, hacerles sentir emociones y que puedan identificarse con las diferentes mujeres. Nuestra ilusión es que este mensaje llegue a los corazones».

El equipo artístico está integrado por mujeres: Anabel Estévez, violín; Cristina Rivero, danza española y flamenco; Marta Fernández, actriz y bailaora; Carolina Eusa, bailarina de danza holística, y Rocío Pozo.

Si escucha la palabra ‘teatro’, ¿qué es lo primero que piensa? ¿Cómo definiría la conexión que tiene con las tablas? «Para mi el teatro es la parte más artística y creativa a la que me enfrento como intérprete. A estas alturas, me considero narradora y el escenario de un teatro es un lugar para narrar y donde me encuentro muy a gusto. Es un espacio sagrado para la palabra y para la interpretación».

Hablemos de La Profesora. ¿Cómo le llega el proyecto y por qué decidió embarcarse en el? «La obra es un texto contemporáneo y su propio autor, Eduardo Galán, es el que me pasa el texto. Desde la primera vez que lo leo me parece que tiene algo especial. En primer lugar, porque aborda la actualidad, y, por otro, debido a que cuenta la relación de dos personajes a través de las curvas de una comedia dramática».

¿Cuál diría que es la fortaleza de la obra? «La dirección de Carla Nyman ha llenado de poesía los espacios escénicos y ha conseguido, con muy pocos elementos, una obra muy hermosa. Junto a esto, que el proyecto trate temas de rabiosa actualidad, me parece lo más destacable. Hablamos de adolescentes que tienen problemas reales y con los que miles de jóvenes pueden encontrar similitudes. Esto provoca que entre las risas, que puede provocar ciertos comportamientos de rivalidad entre padre y profesora, se escuchen largos silencios de emoción y sensibilidad en los teatros ya que la gente capta, de manera perfecta, lo que se cuenta en cada momento. Hay mucho respeto hacia los pasajes dramáticos y me emociona mucho poder conmover».

«La obra trata temas muy latentes en la actualidad»

¿Qué se va a encontrar el público al ver la obra? «La trama cuenta la relación entre una profesora, el personaje que yo misma interpreto y la de un padre de una alumna conflictiva. Durante trece reuniones de tutorías los personajes, en un primer momento antagónicos, van revelando como en un pequeño thriller, cuál es el conflicto que envuelve a la alumna que no se aleja de problemas tan latentes en la actualidad como el acoso, la identidad de género, las relaciones de autoridad y las faltas de actuación en el ámbito educativo».

Temas muy actuales, ¿ha sido díficil hacerle frente? «Es necesario que el teatro sirva para contar estas realidades. Esta obra lo hace desde el respeto y siempre desde una perspectiva amable y amorosa. Esto produce en el público situaciones muy hilarantes pero también le causa complicidad y tolerancia hacia los problemas que se plantean».

Nombraba como el público se identifica con los temas de la trama. ¿Cree que la obra hace reflexionar a las personas que la ven? «Sí. La mayoría de obras teatrales actúan como espejo de la sociedad y en el escenario se revuelven numerosas emociones. Es precioso que las personas se vean reflejadas en el texto o que, a partir de entonces, entiendan la situación y abran su mente».

Conmover desde el teatro debe ser la recompensa más reconfortante… «Emocionar con una propuesta, es cambiar algo en la mente de las personas. Recibimos muchos agradecimientos por contar la historia de gente emocionada que nos cuenta lo que ha vivido. Ayudamos a conseguir más tolerancia y a que los corazones se abran».

«El público demuestra que quiere a los personajes»

En la obra interpreta a la profesora América Alcalá. ¿Cómo evoluciona a lo largo de la obra? «Es una docente que adora su profesión y que lleva muchísimos años ejerciéndola. No quiere jubilarse y su intención es ayudar en el problema de la chica. A medida que avanza la función, se va mostrando su lado más frágil y entre los personajes se van contando sus preocupaciones y miedos. Con este personaje rindo mi propio homenaje a todo el profesorado que siempre ha tenido un papel esencial en la sociedad».

Comparte la obra con Marcial Álvarez, que se mete en la piel del padre de la alumna. ¿Cómo ha sido trabajar con él? «Somos actores muy distintos y nunca habíamos coincidido, pero la verdad es que nos hemos acoplado muy bien. El hace un trabajo estupendo y estamos muy felices ya que el público nos demuestra que quiere y entiende a los personajes».

¿Qué espera de su paso por Tenerife? ¿Tenía ganas de regresar al Guimerá con una nueva propuesta teatral? «El Teatro Guimerá es un lugar precioso. Tengo muchas ganas de volver para acercar nuestra historia. Creo que va a ser una cita mágica, les va a gustar mucho y va a darles de que hablar y reflexionar, tanto de la propuesta y el enfoque del sistema educativo actual ante situaciones de crisis».

La pieza escrita por el dramaturgo y productor Eduardo Galán, está coprotagonizada por Isabel Ordaz y Marcial Álvarez. Narra la historia y relación de Ámerica Alcalá  y Carlos Ortiz, una profesora de un instituto público y un padre que se ven obligados a conocerse en una tutoría para evitar la expulsión de su hija Daniela. Sin embargo, lo que un principio iba a ser una simple reunión, acaba por convertirse en un viaje de 7  intensos encuentros entre ambos. 

Aunque se trata de una comedia dramática, Nyman señala que la historia tiene un mensaje más profundo. «Lo interesante es el trasfondo humano de cariño y fragilidad», apunta. Además, añade que La Profesora provoca que «el público salga con una sensación de ternura», al ver que dos personajes tan dispares y antagónicos logran encontrar apoyo moral en el otro. 

«Galán le dio un lenguaje fresco y contemporáneo a la obra» 

«El guion tiene una construcción clásica y convencional», señala Nyman, asegurando que no hay saltos en el tiempo sino «una lectura lógica y cronológica de los hechos». Aunque sobre esto destaca la dualidad en su representación, ya que a pesar de ello «Eduardo Galán le dio un lenguaje fresco y contemporáneo a la obra».

La escritora agradece poder contar con un equipo «inmenso y muy preparado».  Señala que al conocerlos se dio cuenta de que «podía delegar gran parte de su trabajo en personas con habilidades excepcionales». Añade que el público se suele sorprender cuando se dan cuenta de que la dirección corre a cargo de una persona de 27 años. No obstante, «estoy muy satisfecha con nuestro trabajo», concluye.

El Avaro es una obra de teatro escrita por Molière que sigue la vida de Harpagón, un anciano obsesionado con preservar su fortuna. La trama se desarrolla en París y muestra el egoísmo humano en relación con el dinero y el poder. También aborda temas como el maltrato laboral y el sexismo.

Raúl Vera, personaje de Mariano (cocinero) y Cristóbal (cochero), además de realizar otras intervenciones como en coro y pequeños personajes sin texto, afirma que “lo más laborioso ha sido tener que diferenciarlos a nivel vocal y gestual, lo realmente complicado al tratarse de comedia es no caer en el el chiste fácil”.

La Compañía viaja por varias partes del mundo. «Pasamos mucho tiempo juntos, hoteles, viajes, ensayos… esto hace que tengamos que convivir más que en cualquier otra profesión» dice Vera. También comenta que «actuamos en China con Divinas palabras y había subtítulos traducidos». En 2023 celebraron 40 años de unión y grabaron un documental sobre el Grupo. 

El monólogo teatral a la vez que musical inspirado en la la famosa pintura Las dos Fridas, inició con un breve documental que relataba como empezó todo en 2017. En el explicaron como el elenco se empapó de la historia de la artista mexicana, conoció su casa, sus costumbres e incluso su forma de pensar, siempre con esa positividad que la caracterizaba pese a todo su dolor físico y mental. Además, en el vídeo presentaron al equipo encargado de la realización del evento.

Ellos mismos realizan los collage que se presentan en cada momento para contextualizar, a la vez que la actriz realiza su presentación. «Las imágenes se van creando según las necesidades de cada acto, siempre partiendo de los cuadros de Frida para crear un fondo apaisado y que tenga dinamismo», explicó Tubía.

La historia se cuenta en orden cronológico, por lo que se empieza desde la niñez de la mexicana, hasta la muerte de la misma. Hace especial hincapié en cuanto a lo que sintió cuando la aceptaron en la escuela de pintura. «Su más grande motivo para seguir viviendo», confesó.

«Viva la vida porque siempre volvemos a donde alegre la vivimos»

Tal y como nos contó la protagonista del espectáculo «lo más llamativo de Frida era su manera de querer la vida», incluso cuando estaba en sus últimos momentos, solo deseaba vivir un día más. Por otro lado, uno que toma mucha importancia en el transcurso del musical es Diego Rivera, su eterno amor, hasta su aliento final mantuvo la esperanza de que él la amará con la mitad de intensidad que ella lo hacía.

Valadez vivió enamorada de su cultura y todo lo relacionado a ella. Asimismo, querían enfocarse en Frida Kahlo y escribir una obra sobre su persona, tenía claro que se desarrollaría a través de canciones y sumergiéndose en sus pinturas. Es por eso que la primera pregunta que se hizo cuando se aventuró a realizar este proyecto fue: «¿Cómo se escribe un musical?».

El cierre de telón fue acompañado con un mensaje que desprendía positividad y con el que incidían de nuevo en la importancia de tener esperanza. En la escena final, el elenco expresó diversos consejos para conseguir estar en paz. Con la frase final emocionaron a los allí presentes: «Viva la vida porque siempre volvemos adonde alegre la vivimos».

Se inspira en la famosa pintura «Las dos Fridas», que refleja la dualidad de la autora. Con ello consigue una experiencia artística inmersiva, donde el objetivo es conmover y emocionar al público. Desde su estreno en Madrid en el mes de septiembre del año pasado, han cautivado a diversos países. Tras su paso por Costa Rica, llega a Tenerife con dos fechas. La primera en la capital y, posteriormente, el 1 de marzo en el auditorio de Adeje.

«Estamos expectantes por sentir el calor y la hospitalidad de su gente»

Florianne Valadez, autora y actriz protagonista de este montaje, comenta que «es emocionante llevar la historia de Frida Kahlo a tantos lugares y compartir su mensaje de esperanza y lucha». Además, con respecto a lo que representa la isla de Tenerife «supone un paso importante en nuestra travesía, y estamos expectantes por sentir el calor y la hospitalidad de su gente», confiesa.

Valadez afirma que «este musical no solo busca entretener, sino también inspirar al público a través de la vida y obras de la mexicana». Muestran una faceta menos conocida de la artista, alejada de la mítica imagen de la pintora en una silla de ruedas. Por ello incide: «es una experiencia única que fusiona arte, música y teatro y con la que realizamos un homenaje a una de las figuras más influyentes del siglo XX que no deberían perderse».

La función aborda aspectos que son importantes en las relaciones humanas y espirituales. Se busca explorar el amor, los vínculos con lo terrenal y lo espiritual, y el mundo de las  sensaciones y los sentidos. También trata la pertenencia y la necesidad de formar parte de algo, así como la importancia de los ritos y mitos para mantener esa unión.

«El amor a uno mismo es imposible si no se pertenece a un grupo»

Es una obra bailada por cinco chicas que «juegan en el desequilibrio, contorsión y métrica como no había hecho antes en ninguna de mis obras», asegura el director. Lo más complejo para Abreu está en cómo ellas defienden una coreografía muy bella, pero de una profundidad y riqueza técnica muy visible y exigente.

Además, explica que «sus cuerpos se mueven todo el tiempo sobre los dedos de los pies y con la cabeza fuera del eje». Esta inspiración viene de los gestos que los hindúes hacen al afirmar, al dar un sí a todo. «Me parecía que ese debía ser el punto de partida, una cultura rodeada de amor y acogida, cuyos gestos son tan fuertes y frágiles», asegura el artista.

Por otro lado, el también coreógrafo del proyecto, expone que «necesitamos una danza con una mirada desde lo que es, no desde lo que se cree que debería ser», pues «no nos podemos enfrentar a las obras de baile desde un punto de vista en la que todo se traduce a las palabras, la economía o el entretenimiento».

Elfo es un tributo a un musical llamado Elf. La compañía hizo la primera adaptación en español que se conoce de esta obra y se han tomado la libertad de versionarla al público isleño, modificando las localizaciones dónde se desarrolla la historia. Así como algunas partes de los textos pero con respeto al argumento original.

La historia trata sobre un bebé que termina en el taller de Papá Noel dentro del saco de regalos, y aunque es adoptado y educado como elfo, se vuelve tres veces más grande que los demás. La historia sigue al elfo en su búsqueda de pertenencia y significado en el mundo, enfrentándose a desafíos en la ciudad donde vive su familia.

«No hemos querido copiar la versión original»

Sonia Gil, actriz de la compañía y exconcursante de La Voz España, reconoce que su mayor preocupación era no estar a la altura del musical por sus complejas coreografías. «El hecho de prepararnos en apenas un mes fue mi mayor reto, tanto a nivel de coreografías como a nivel vocal», comenta la actriz. Eduardo Tellez, coreógrafo de la función,  tuvo la libertad de creación de estas coreografías. «No hemos querido copiar absolutamente nada de la versión original, respetando así el material registrado», manifiesta.

Después de su presentación en el Teatro Guimerá, Elfo terminará su temporada de navidad, el día 4 de enero, en Arafo. Tellez  dice que «la Compañía está llevando a los teatros de las Islas Canarias un producto de calidad como los que acontecen en las grandes capitales del mundo».

¿Cómo surgió la oportunidad de trabajar en Tadeo Jones? «Realicé una audición en abril de este año mientras terminaba mi último curso de teatro musical en Madrid. Cuando me enteré, me desplacé hasta Gran Canaria. Afortunadamente, al tiempo me comunicaron que había sido seleccionado como papel protagonista del musical».

¿Qué sintió al recibir la noticia de que iba a regresar a Canarias? «Fue un momento bastante importante para mí. Venía de Madrid con la idea de que en Canarias no había oportunidades de empleo para mi profesión. De repente, me dieron el papel principal en un musical increíble. La emoción al recibir la notica fue indescriptible, sobre todo saber que iba estar en casa con mi familia haciendo lo que me gusta».

¿Cuál fue su impresión tras el estreno del musical? «Mi primera actuación en Gran Canaria fue emocionante, con un teatro lleno y una respuesta increíble por parte del público. Actuar en ese escenario donde también lo hice de niño creó una conexión especial. Pensé en lo afortunado que era al estar estrenando mi primer trabajo profesional como protagonista en un lugar donde solía ir por diversión».

«Me siento con más expectativas de trabajo en Canarias que en Madrid»

¿Qué opina sobre la oferta de empleo artístico actual en las Islas? «He de decir que descubrí un micromundo en Canarias que desconocía. Aunque es cierto que la profesión no garantiza estabilidad, me va bien. Lo cierto es que, personalmente me siento con más expectativas de trabajo en las Islas que en Madrid. Sin embargo, entiendo que para muchos compañeros, la situación es más difícil y tuvieron que abandonar debido a sus necesidades económicas».

¿Prefiere trabajar fuera o dentro de las Islas? «La calidad de una producción en Gran Vía es inigualable en comparación con una producción canaria. Aunque podría estar ahora mismo en Madrid, prefiero estar en mi zona de confort, donde yo me críe, y eso no se paga con nada. Prefiero ser cabeza de ratón en Canarias que cola de dragón en la Península. Por ahora, estoy feliz aquí».

«Cuando se cerró el telón nos pusimos a llorar»

¿Se identifica con aspectos de la personalidad de su personaje? «Cuando me dieron el papel de Tadeo, me sorprendió, ya que no creía tener el perfil del personaje. Sin embargo, descubrí similitudes a medida que avanzaba en el proceso. Soy de los actores que piensan que lo que puedes hacer mejor es lo que más se asemeja a ti».

¿Cómo describiría al protagonista de Tadeo Jones? «El protagonista es un arqueólogo totalmente valido y muy competente, pero no reconocido en su trabajo. Al final es una realidad que muchas personas experimentamos cuando nos presentamos a una audición. Tadeo es un personaje muy familiar y agradecido, y aunque no fue creado por Shakespeare, si tiene cierta profundidad e interés».

¿Cuál es su motivación para trabajar en la interpretación? «Te voy a contar una anécdota que lo explica perfectamente.  La última vez que hicimos función en el Teatro Leal, el público estuvo totalmente entregado. Al finalizar, se pusieron de pie y estuvieron como cuatro o cinco minutos aplaudiéndonos sin parar. Entre nosotros nos mirábamos emocionados. Cuando se cerró el telón nos pusimos a llorar todos juntos. Es que, aunque hayan castings en los que te digan que no, y días en los que no llegues a fin de mes, experiencias como estas son la razón por la que sigo dedicándome a esta profesión».

La gira comenzó en Puerto Rico el 20 de agosto de 2022. Actuó en países como Estados Unidos, República Dominicana, México, Venezuela, Colombia, entre otros. En España, la gira empezó el 13 de noviembre en Madrid, continuando por Valencia el 22 de noviembre y en Sevilla el 23 de noviembre. El tour finalizará en Barcelona el 2 de dicmebre.

Antología 20 años es un álbum con versiones renovadas de sus mayores éxitos. Está compuesto por catorce temas, once nuevas versiones de sus canciones más populares y tres inéditos: El Pobre, Llevarte al Cielo y Resucito. Además, de clásicos como El Sol No Regresa, La Frase Tonta de la Semana o Que te Quería.

Comenzaron hablando sobre los espacios seguros para las personas pertenecientes al colectivo LGTBIQ+. Donde Eduardo intervino para hablar sobre la existencia de espacios que parecen seguros para las personas del colectivo y que verdaderamente no lo son. «Nunca hay que fiarse en exceso, aunque sea un espacio seguro», manifestó. Contó que en la alfombra de los premios Goya recibió mucho odio por la forma en la que acudió vestido: «Se supone que es un espacio seguro y a mí me han criticado por ir vestido de rosa».

«Una guía de feminismo para dummies»

El color rosa fue el tema principal de la charla. El moderador lo hiló con el reciente estreno de la película Barbie, donde Jedet fue invitada al estreno y todas las personas invitadas debían acudir con algo rosa. Entre risas comentó que estando allí «no sabía si estaba en los carnavales de Santa Cruz de Tenerife o en un estreno».

Asimismo, aseguró que la película «es increíble» y cree que «está llena de mensajes muy necesarios». Narró una escena que se le quedó grabada en la que Barbie dice que no tiene una vagina y Ken no tiene un pene: «Al ser una persona trans, ese tipo de frases se agradecen». Agregó que la película es «una guía de feminismo para dummies». Incitó a las mujeres que tengan a su alrededor hombres cis heterosexuales que acudan a ver la película con ellos. «Les va a educar. Van a ser conscientes de que tienen un privilegio que a veces damos por sentado y no debería ser así», comentó.

Casanova contó que también le gustó mucho la película. «Admiro la promoción que han hecho con la película», aseveró. Manifestó que es un buen manual para explicarle cosas a las personas. Asimismo, comentó que: «Han colado en el mainstream un discurso bastante radical. Barbie es una película que sales de verla y no paras de darle vueltas a la cabeza».

«Ahora me doy ese gusto de poder disfrutar de lo que realmente me gusta sin sentirme juzgada»

La relación de Jedet con el color rosa viene de cuando era pequeña. «Yo crecí como un niño homosexual en un pueblo, por lo que  me prohibían un poco jugar con Barbies o tener relación con el color rosa para protegerme. Al final eso me traumatizó y me cohibió», señaló. Contó que cuando se fue haciendo adulta comenzó a liberarse y a comprarse cosas que no podía de pequeña: «Ahora me doy ese gusto de poder disfrutar de lo que realmente me gusta sin sentirme juzgada».

Para Eduardo, «el rosa es un color para rebelarse contra el sistema». También le nace el gusto por el color desde pequeño. Narra que Fidel, su personaje en la serie Aida, le ayudó a quitarse la vergüenza, puesto que «el personaje vestía mucho de color rosa y eso al final es una liberación y quita el miedo a lo que te puedan decir».

El director piensa que la utilización del color rosa por personas del colectivo LGTBIQ+ viene de que «en un momento se nos fue negado» y que en estos momentos «lo usamos por rebeldía». En sus proyectos es un color recurrente: «No concibo una escena de una película dirigida por mí que no esté teñida de color rosa».

«El rosa en mi trabajo es tener algo que contar»

«Recuerdo que cuando comencé a ser notoria en redes fue por ser un chico que se maquillaba, King Jedet, pero para mí era normal lo que hacía», añade Jedet hilando con la rebeldía de la que hablaba Casanova. Además, comenta que iba por la calle y se acercaban a ella jóvenes con los labios pintados a agradecerle lo que estaba haciendo.

Narra que fue una época muy bonita en la que sentía que la premiaban por ser rebelde. Aunque confiesa que con el paso del tiempo se ha ido calmando. «No he dejado de decir lo que siento y de rebelarme contra las injusticias, pero ahora estoy más tranquila con las personas. En esa época estaba más enfadada y más a la defensiva porque no me sentía cómoda ni con mi cuerpo ni con mi identidad», cuenta la actriz. Comenta que ahora que está tranquila y lucha desde otro lugar.

Casanova añadió que «cuanto más enfadado estoy, más ganas tengo de vestir de rosa públicamente». En los estrenos de sus películas, las personalidades siempre acuden de rosa y contó que quiere que esto siga pasando. Por otra parte, manifestó que: «El artista debe tener cierto enfado con la sociedad para que su trabajo sea interesante. Y el rosa es exactamente eso en mi trabajo. Es tener algo que contar».

«Lo que ocurre en las redes sociales no es el mundo real»

Hablaron sobre el odio en redes sociales. Jedet contó que «he llegado a sentir que todo un país me odiaba». Comentó que muchas veces ha tenido miedo de salir a la calle debido a que le han llegado amenazas de muerte a través de redes. Por su parte, Eduardo recalcó que pese a tener «hate» en redes sociales, «la realidad en la calle no es esa». Jedet afirmó las palabras de Casanova y dijo que «lo que ocurre en las redes sociales no es el mundo real».

El director recordó los Premios Goya en los que fue criticado por su vestimenta. «Coincidió con que el día antes Bad Bunny había sacado una campaña con Jacquemus donde salía con falda, y no fue criticado en ningún momento. Era como un héroe», afirmó. Mientras que Casanova sufrió uno de los peores momentos de su carrera: «¿Por qué a él se le aplaude y a mí no?, es algo que deberíamos plantearnos».

Jedet ultimó la conferencia contestando a una pregunta de una persona del público sobre las dificultades que tiene como mujer trans para acceder al mundo del cine. «Muchas veces ni me llaman, menos mal que hago mi música y más cosas y con eso me va muy bien», aseveró. Como artista, le frustra no poder acceder a papeles que «sé que puedo defender», debido a que la mayoría se los ofrecen a personas cis heterosexuales.

¿Cómo le llegó la propuesta para dirigir la obra? «A mi me llama la persona que distribuye los espectáculos de La Calórica y me comenta que conoce a unas amigas que querían montar un texto teatral y que buscaban un director joven para dar una visión y un enfoque distinto. Él les había hablado de mi y me pareció algo guay. Luego me enteré que esas amigas eran Candela Peña y Pilar Castro y me quedé encantado. Tras leer el texto, que me pareció muy interesante, acepté la propuesta e iniciamos el viaje».

Contracciones es una adaptación de Love Contract de Mike Bartlett. ¿Cómo ha sido el proceso de construcción de la obra? «Creo que hemos obtenido un buen resultado. La obra ya estaba montada en Inglaterra pero solo estaba escrita para la radio, con diálogos y sin apenas acción. Lo que hicimos fue fomentarle a la obra todo lo que no estaba escrito, crear la visual de las escenas que la componen».

El proyecto tiene un toque de crítica social. ¿Qué cuestiones quiere reflejar? «La pieza es bastante contundente con el abuso de poder y con la idea de que no hay que dejarse apretar o ceder ante pequeñas amenazas o peticiones de las empresas, por ejemplo, el miedo a quedarse embarazada por perder el puesto de trabajo. Refleja que tenemos que ser conscientes de dónde están los límites para que los altos cargos no nos ganen la partida».

Creo que es un tema que hace reflexionar a la gente que está en la butaca del teatro... «Sin duda alguna… Todas las personas hemos vivido o conocemos a alguien con problemas laborales. En los encuentros con el público que hemos hecho, cuentan testimonios reales sobre acoso laboral que nos sorprenden mucho. Contracciones es una exageración de estos casos, que los lleva al ridículo. La gracia de la obra es que esa hipérbole es un símbolo de que si nos impacta, es porque en el fondo no es tan extraño».

«La pieza representa una relación de acoso laboral»

¿Cuál diría que es el punto fuerte de la obra? «Las dos actrices que tiene y la atmósfera tan bonita que crean juntas. Tanto Candela como Pilar son dos genias de la interpretación y lo dan siempre todo en escena. Hacen que la obra sea una montaña rusa que viaja entre la comedia y la angustia».

¿Y este vaivén de emociones era algo importante desde que se comenzó a montar la obra? «Sí. Me parecía que la obra tenía que generar sensación de asfixia, encima del escenario y sobre el público. Comienza con un tono cómico que despierta carcajadas entre la gente presente y el cerco se va estrechando hacia la oscuridad. Todo esto es posible gracias a las actrices y a la atmósfera que se crea por la iluminación y la música. Es la forma de representar la sensación que tiene el trabajador ante una situación de acoso laboral».

¿Cómo ha sido trabajar con Candela Peña y Pilar Castro? «Hemos trabajado desde un sitio muy cómodo. Pilar es la jefa y Candela la empleada de la empresa y hemos jugado a crear sus personajes, poco a poco. Al principio fue complicado para romper con el estatismo del texto, pero ha sido un lujo compartir este viaje con ellas ya que cada vez que se  suben al escenario dan una lección de maestría actoral».

«Espero que la gente de Tenerife disfrute mucho»

Contracciones se estrenó desde el pasado 25 de enero al 19 de marzo en el Teatro Pavón de Madrid e hicieron temporada en Barcelona hasta finales de mayo. ¿Cómo valora la acogida? «Ha sido muy calurosa. Hemos estado con los teatros llenos durante todas las funciones y con un público entregado, siempre en pie, que sale del teatro muy contenta por ver la obra pero, a la vez, lleno de angustia».

¿Qué espera de la nueva gira? «Creo que allá donde vayan les va a ir bien. Son dos actrices muy queridas y que el público quiere ir a verlas porque las ha visto en cine y en televisión. Espero que en Tenerife guste mucho y que sea un buen pistoletazo de salida para la gira de este año que empieza en verano».

La obra es una adaptación de Love Contract, una serie de radiofónica de la BBC creada por el dramaturgo Mike Bartlett. Candela Peña es Emma, una empleada de la sección de ventas de una empresa que es entrevistada por su jefa (Pilar Castro) acerca de su vida amorosa por la relación que tiene con Darren, un colega de trabajo. Poco a poco, el personaje de Pilar Castro exige más detalles a la trabajadora y termina manipulando aspectos de su vida.

Israel Solà, director de la obra, señala que el punto fuerte del proyecto son Candela y Pilar ya que piensa que son dos genias sobre el escenario que crean una gran atmósfera. «Siempre que actúan dan una lección de maestría actoral», apunta. Además, relata que Contracciones provoca que «el público presente esté todo el rato subido en una montaña rusa», ya que se pasa de la comedia a la angustia en cuestión de segundos.

«La obra trata un tema que, sin duda, hace reflexionar a la gente que la vea», comenta Solà pensando que, en mayor o menor medida, todas las personas han sufrido alguna vez situaciones laborales similares o conocen a alguien que las haya vivido. Sobre esto, desvela que en los encuentros con el público, tras las funciones, ha escuchado testimonios reales que le sorprenden mucho. Respecto a la representación en Tenerife, el catalán espera que sea un éxito como ha sido en Madrid y Barcelona, con la mayoría de funciones con el cartel de localidades agotadas.

Gira nacional

Tras su paso por el Teatro Guimerá, la obra continúa su gira durante lo que resta de año. Las primeras fechas confirmadas son el 8 de julio en Cangas, del 2 al 6 de agosto en San Sebastián, el 14 y 15 de octubre en Palma de Mallorca, el 20 y 21 de octubre en Villanueva de la Cañada y el 28 del mismo mes en Viladecans.

El ilusionista, en esta ocasión se acoge a su lado más cómico y trae a Tenerife su último espectáculo, Es mi palabra contra la mía, el cual ya cuenta con muy buenas reseñas. El show se podrá disfrutar este 19 y 20 de mayo en el Teatro Guimerá. Durante 80 minutos, en el escenario se abordaran temas como la inconformidad humana o las situaciones más absurdas de la vida cotidiana.

 ¿Qué relación guarda el título del espectáculo con el contenido de este?  «El título se refiere a las contradicciones que todos tenemos con nosotros mismos. En mi opinión la coherencia está sobrevalorada. Este show habla de algunas de esas contradicciones que todos tenemos. La primera, la de seguir luchando por ser felices en un mundo en el que todo conspira para que no lo seamos, incluso nosotros mismos».

¿Cuánto tardó en crear el espectáculo? «Tardé dos años en pensarlo y dos meses en escribirlo. Antes de sentarse a escribir hay que pasear mucho con las ideas volando dentro de la cabeza y dejar que esas ideas hagan nidos y pongan huevos. De ahí es de donde sale el monólogo y ahí es cuando hay que ponerse a escribir, cuando te sale de los huevos».

¿Podría contar alguna anécdota curiosa que le haya ocurrido en alguno de sus espectáculos de Es mi palabra contra la mía? «Recuerdo una chica que dio a luz en medio de la función. A mitad de la presentación noté que había revuelo en el patio de butacas, en ese momento dimos luz de sala y la chica tuvo que salir porque había roto aguas. Supongo que las carcajadas fueron entendidas por el bebé como una señal de que ya había que salir. A lo mejor tenía curiosidad por ver que era eso tan divertido que había ahí fuera. Por lo general, la gente que viene a mi espectáculo se muere de risa. Esta fue la primera vez que alguien nacía de risa».

«El público es sabio y soberano»

¿Qué elementos rescataría del teatro que no le aporta la televisión? «La presencia del público en directo. Lo maravilloso del teatro es tener a las personas delante. Aunque se llama monólogo, siempre es un diálogo. Yo digo palabras, otros dicen silencios, risas, carcajadas o aplausos. Para que el monólogo quede bien es imprescindible escuchar al público y adivinar lo que necesitan. Escuchar sus risas, sus aplausos y, sobre todo, escuchar sus silencios, que es dónde más dicen».

¿Cómo definiría su humor para toda la gente que nunca ha asistido a su espectáculo? «Les diría que es un humor que cuando se mastica sabe a las cosas buenas de la infancia, pero que deja un retrogusto que nos indica que lo mejor aún está por llegar. Realmente no lo definiría de manera concreta. Les diría algo sugerente para que vinieran a verlo».

 ¿Cuáles son sus claves como monologuista, para llegar al corazón del público? «La verdad es que no lo sé. A mí me funciona intentar hacerlo cada día lo mejor posible, sin traicionarme a mí y sin traicionar al público. Lo más importante es no infravalorar jamás al público. El público es sabio y soberano. Ellos saben mejor que nadie lo que les gusta. Tú solo puedes rezar para que lo que te gusta a ti y lo que les gusta a ellos sea lo mismo».

«Escribo mis textos con las estructuras que utiliza un mago»

 ¿La estructura de ‘Es mi palabra contra la mía’ cambia en cada representación? «Existe un férreo guion, escrito a fuego y memorizado de modo implacable, que olvido en cada función. Al igual que improvisaciones meticulosamente ensayadas a las que no suelo faltar. Parece una contradicción, lo sé, pero es la mejor manera que he encontrado de trabajar la comedia».

¿En sus actuaciones y vida diaria, su humor guarda algún tipo de límites? «Mis limites son mi talento, mis miedos y mis complejos. Sin esos grilletes mi humor no tendría límites, pero tampoco sería mío. Mis límites son los que lo hacen mío. Mis límites son los que lo hacen personal».

¿Cuál cree que es la relación que guarda en su vida el humor con la magia? «He estudiado mucha magia y he tratado de llevarme todas esas enseñanzas al campo del humor. Escribo mis textos con las estructuras que utiliza un mago. Eso hace que el resultado sea muy interesante, al menos infrecuente. El resultado es un humor bastante mágico. ¿Cuáles son esas estructuras de la magia? Pues mira, ahora mismo he sacado un curso de magia online que cualquiera puede hacer, no hace falta tener habilidad ni conocimientos previos, para empezar de cero».

La obra creada por Stefano Massini narra la historia de uno de los equipos de fútbol formados por trabajadoras de las fábricas durante la Guerra. Óscar Martínez, ayudante de dirección la función, explica que Ladies Football Club «revela verdades universales que aún hoy en día nos interpelan y recuerdan la importancia de honrar a quienes allanaron el camino».

Martínez subraya que «la obra busca desenterrar las pequeñas heroínas anónimas, cuyas hazañas fueron indispensables para generar el cambio, en una trama que nos muestra cómo el todo, como grupo, es mucho más que la simple suma de sus componentes». Del mismo modo, afirma que el trasfondo desea mandar un mensaje claro: «Es un viaje en el que se invita a honrar y a otorgar el lugar que merecen las mujeres, cuyo recorrido es solo una parte de un camino más largo que aún queda por andar».

«Quiero que la gente reflexione en base a que juzgamos a las personas», afirma el director, que busca dar visibilidad a los problemas sociales a través de la participación del público. La obra tiene cómo punto de partida la novela El Extranjero, de Albert Camus. Santacana se basó en las historias de Camus para posteriormente, con una serie de adaptaciones, trasladarla al teatro y representarla haciendo hincapié en determinados momentos.

«Los actores somos unos guías, pero el público son los personajes», así afirma Santacana cómo es el transcurso de la obra. Señala que Juicio al extranjero busca que las personas que asistan se fijen en su interior e intervengan en la obra, de manera que ayuden a que el transcurso de esta sea más llevadera. La pieza va dirigida a la juventud y el alumnado universitario.

La compañía Indubio Teatro, comenzó en enero una gira por España presentado Juicio al extranjero en todo el país. Santacana también forma parte Indubio, el cual asegura «su próxima obra saldrá en septiembre de 2023», manteniendo siempre al público partícipe durante sus espectáculos.