Antes de iniciar la proyección, Jorge González, productor de la Película, la introdujo y la describió como «una terapia colectiva». La historia sigue a un joven venezolano que revive los traumas causados luego de verse obligado a salir de su país después de ser detenido durante las protestas antigubernamentales de 2017.

Tras finalizar se inició un coloquio con Vicentini y González. Fueron recibidos con una ovación de pie. «En nombre de todos los integrantes de este proyecto, gracias por estar aquí», expresó el productor. Por su parte, Vicentini explicó el nacimiento de este proyecto, que empezó como un corto en 2017. «La culpa de no estar allá fue el impulso de querer hacer algo por el país», afirmó.

«La historia se queda corta de todo lo que realmente pasó», admitió el director quien tomó la decisión de fusionar en un solo personaje la historia de cientos de jóvenes. Según Vicentini se trata de un relato más humano que político. «Quise que Simón tuviera el sentimiento de todo un país», aseveró. Además, agregó que su visión era «reflejar las distintas etapas por las que pasas cuando te vas».

El director hizo especial mención al actor protagonista del filme Christian McGaffney, quien pertenece al proyecto desde sus inicios como cortometraje. «Tuvimos un año trabajando antes de tener el financiamiento y ayudó a estar muy afinados», comentó. Asimismo, aludió al trabajo de Roberto Jaramillo: «Es su primer papel actoral. Lo pudo hacer muy bien y le sumó mucho al personaje».

«Presentarnos en el Festival de Cine Venezolano fue como vivir mi propia película»

Por otra parte, el guionista contó las dificultades que vivió para presentar la Película en Venezuela debido a la censura del Gobierno: «Nos acusaron de incitación al odio». También añadió que se sintieron «vigilados» durante su visita al Festival.

Después de escuchar los comentarios, preguntas y vivencias de la audiencia, Vicentini admitió con lágrimas en los ojos que desearía no tener que hacer una segunda parte de la Película. «Lo que quisiera en el fondo es que ocurra un cambio tan pronto que no haya necesidad de volver a tocar este tema», afirmó.

La cinta, que puede llegar a recordar a Patria, serie producida por Alea Media y basada en el libro de Fernando Aramburu del mismo nombre, tiene un enfoque totalmente diferente, ya que, en este caso, hablamos de una reconciliación entre pasado y presente, entre las víctimas y sus victimarios.

Las catorce nominaciones a los Goya la hicieron partir como una de las grandes favoritas junto a El Buen Patrón, aunque, al final, solo se pudo llevar tres cabezones a casa: mejor actriz revelación, María Cerezuela, mejor actor de reparto, Olazabal, y mejor actriz protagonista,Portillo, que no es poco, ya que otras no corrieron con la misma suerte.

La historia se cocina a fuego lento, quizás puede pecar de eso en algunos momentos, pero es muy necesario hacerlo en otros. Nos relata como dos mundos totalmente opuestos, convergen en un mismo camino que deben de recorrer juntos a partir de ahora. La cinta trata del entendimiento, de dejar los prejuicios a un lado y saber perdonar, pero, ¿cómo hacerlo cuándo te lo arrebatan todo? Maixabel Lasa, en quien se basa el guion y viuda de Juan María Jáuregui, nos da una clase magistral de esto.

Los silencios, las miradas, las manos temblorosas y los murmullos son aspectos y detalles muy importantes durante el tiempo de metraje; eso sí, aunque no cae en un sentimentalismo barato, si que no puede evitar momentos que se hacen largos y algo manidos, pero que son salvados por escenas con una contención admirable por parte de algunos personajes.

La propuesta con la que nos encontramos tiene un objetivo claro: hacer entender los encuentros entre aquellos que arrebataron vidas inocentes y quiénes sufrieron al perderlas; pero, visto desde una perspectiva escéptica, el optimismo que hay detrás de esas escenas puede llegar a ser abrumador, con ciertos toques fantasiosos y algo ilógicos.

Maixabel es un drama donde se refleja, puede que no del todo bien, lo que era estar dentro de la organización terrorista, sus métodos para captar a todos sus componentes y el miedo que sus tácticas hacían sentir no solo a  las personas que tenían en su espalda una diana, sino a las familias de quiénes formaban parte de los diversos comandos.

El guion, coescrito por la cineasta Isa Campo, aunque espléndido en varios momentos, adentrándonos en cada uno de los personajes y todos los matices que ello conlleva, no termina de convencer o reflejar del todo lo que realmente pudo llegar a ser el reencuentro entre estos dos bandos totalmente opuestos. Aunque la cinta avanza de una forma sencilla y sin grandes pretensiones, provoca una huella emocional entre las personas que lo vivieron, y una nueva realidad para las que no.

La crudeza del ser humano se ve reflejada de manera escandalosa, la falta de empatía que nos divide se aprecia desde el primer minuto. El cómo las historias que no se cuentan, simplemente no suceden. Sus protagonistas carecen de voz propia, del mismo modo que expresa el reflexivo audio en off con toque francés que conduce la película. Así, a través de la figura narrativa de una niña, se representa a esas almas que, por estar desperdigadas en el océano, no computan en las listas que llegan a Europa. No se han encontrado sus cuerpos, y nadie podrá recordarlas.

Lo mismo ocurre con esos mensajes que se mojan y no arriban a su destino final. No tienen la ansiada suerte de algunos ni el destino correspondiente a otros. A través del sollozo y la convulsión se refleja la catástrofe que se expande en alta mar. Resulta muy fácil escribir un artículo desde la comodidad. Intentar relatar, desde la distancia, una situación que empeora cada día sin cesar. Palacios, que tomó cuatro años en componer esta pieza, muestra de manera elegante la tortura, el egoísmo y el esclavismo que padecen estos individuos.

«Ya no se trata de una cuestión de países y religiones, de culturas o ideologías, se trata de humanidad»

Así manifiesta uno de los testimonios presentados en la cinta. Nadie abandona su hogar por voluntad propia, y menos, en condiciones paupérrimas. Nadie deja el lugar que lo vio nacer si no es en busca de un futuro mejor. Nadie se espera que, después de tanto recorrido y sufrimiento por llegar a la otra orilla, los tratos que recibirá serán inhumanos. ¿Qué podemos decir, que no se haya dicho ya, sobre esto? ¿Con qué facilidad seguimos nuestra vida sin ampliar el prisma? ¿Cómo no salimos corriendo a prestar ayuda? ¿Cómo no intentamos denunciarlo por algún medio?

«Me cuentan que en Europa cierran las puertas incluso sabiendo que pueden quedarse dentro bloqueados», añade un testigo. ¿En qué momento nos dividimos tanto como seres humanos? Ya no se trata de una cuestión de países y religiones, de culturas o ideologías, se trata de humanidad. De comprender el dolor del otro como si fuese nuestro, de empatizar, de estudiar esas cartas que son el testimonio real de muchas personas y no olvidarlas. Tomarlas en consideración y leerlas en alto. No dejar que se hundan en las profundidades de la indiferencia. Eso también nos hace culpables.

Este filme fue estrenado en 2018 y es el fruto de la cooperación de España, Estados Unidos, Francia y Canadá. La producción, pese a su novedad, ha sido muy aclamada por la crítica: nominada a mejor película documental en tres ocasiones a nivel nacional, en los premios Goya (en la que resultó vencedor), Forqué y Feroz y, a nivel continental, en una, en los Premios de Cine Europeo.

Un ejercicio de aprendizaje y empatía

El silencio de otros revela la lucha silenciada de las víctimas del Régimen franquista. Este proyecto audiovisual fue filmado a lo largo de seis años, con un estilo de cine directo e intimista. La historia acompaña a los supervivientes de este autoritarismo a medida que confrontan un “pacto del olvido” sobre los crímenes que padecieron.

El presidente del Equipo Para, Gonzalo Prieto, ha comentado que el motivo de programar este acto radica la “máxima importancia del recuerdo y el conocimiento de nuestro pasado más reciente relacionado, en este caso, con el dolor que provocaron los horrores de esta dictadura y con las declaraciones de quienes la sufrieron”.

Asimismo, afirma que realizar esta proyección en estas fechas nada tiene que ver con la coyuntura política de los últimos meses, que ha generado debates sobre esta etapa histórica y cómo gestionarla, sino más bien con que el mes de abril ha sido considerado como el Mes de la Memoria Histórica.

“Creemos que el estreno de la película y su difusión actual tampoco tiene relación directa con la controversia que se ha suscitado recientemente. No en vano, se rodó a lo largo de seis años y los testimonios que en ella se recogen son más profundos y complejos que la polémica generada por la exhumación de los restos de Franco”, sentencia el presidente.

Esta vez, Farhadi cuenta con un reparto estelar encabezado por  Penélope Cruz, Javier Bardem y Ricardo Darín, tres de los intérpretes más aclamados del panorama iberoamericano. Junto a ellos, la incontestable Inma Cuesta, así como los ganadores del Goya, Bárbara Lennie y Eduard Fernández, completan el reparto. Tras su estreno el 8 de mayo en el acto de inauguración del Festival de Cannes, Todos lo saben al fin llegará a las salas este viernes 14 de septiembre.

La cinta arranca cuando Laura llega a España desde Buenos Aires con motivo de la celebración de la boda de su hermana. Sin embargo, cuando su hija desaparece y se despliega toda una batería de parientes en su búsqueda, comienzan a relucir viejos secretos y mentiras que harán tambalear la aparentemente tranquila vida familiar.

El cine español, protagonista de la semana

También en el territorio nacional, aunque aún sin salir del circuito festivalero, llega desde la sección oficial de Sevilla, Penélope. Eva Vila se estrena en el largo de ficción con esta película que reinterpreta La Odisea de Homero, en una versión que se define como elíptica y crepuscular. Santa María de Oló, en Cataluña, se convierte ahora en una particularísima Ítica a la que debe regresar Ramón, el homólogo de Ulises, tras treinta años de ausencia. Allí lo espera Carmen, un retrato generacional con reminiscencias a la homérica Penélope. Ambos consumarán la vuelta a una forma de vida y a una patria que perecerá con ellos.

Aunque de carácter menos experimental, Los amores cobardes se presenta como un drama intimista y austero. En consonancia con Penélope y Todos lo saben, el filme también aborda los regresos. En este caso es Eva quien vuelve a su ciudad natal para pasar las vacaciones. A su retorno, se reencuentra con su madre y su incondicional amiga, así como Rubén, su otro mejor amigo, que había desaparecido de su vida sin dar la más mínima explicación.  Carmen Blanco, además de hacerse con el Premio de la Crítica, consiguió en el Festival de Alicante el galardón a la mejor dirección.

También desde Alicante llega la independiente Marisa en los bosques, de Antonio Morales, que recibió el Premio del Público en dicho certamen. De bajo presupuesto y en forma de tragicomedia, se materializa la historia de una dramaturga de 35 años venida a menos. Sin trabajo y sin planes de futuro, se ha convertido en el perfecto hombro sobre el que llorar para el resto de sus amigas. Dispuesta a superar sus propios dramas, Marisa se consagra a la noche madrileña, convencida de que desaparecer de forma callada y silenciosa es la mejor de sus opciones, como un buen fundido a negro.

‘Predator’: comedia y susto

Comercial en su extremo más pueril, gamberra y violenta hasta casi rozar el sinsentido, la secuela de Predators (2010) llega como una comedia de ciencia ficción veraniega un tanto rezagada. En esta ocasión, los archienemigos alienígenos del canónico Schwarzenegger amenazan de nuevo a la Tierra infundiendo el terror con su tecnología puntera.

Book Club, en cambio, se desarrolla en la vertiente más blanca de la comedia. Los personajes de Diane Keaton, Jane Fonda, Candice Bergen y Mary Steenburgen forman parte de un club de lectura al que le cambiará la vida tras leer la mítica novela erótica 50 sombras de Grey.

Contigo no, bicho, una cinta naif y algo machista, narra las aventuras de cuatro adolescentes que emprenden un viaje con el pretexto de consumar su primera vez. Por otra parte, el documental argentino Testigo de otro mundo explora la experiencia paranormal de Juan, un campesino que asegura haber visto un OVNI. Finalmente, Iqbal y el superchip y Al aire, patos, desde Dinamarca y China respectivamente, constituyen las opciones para toda la familia de esta semana.

Cuando recibe la llamada de Javier Ambrossi y Javier Calvo proponiéndole participar en este trabajo, ¿qué le llevo a decir que sí y embarcarse en un proyecto de este tipo? «Sobre todo la energía de Los Javis. Cómo te lo comunican, cómo te lo hacen sentir… Esa pasión que llevan cada vez que hacen algo. Te contagian de esos sentimientos. Y eso fue lo que verdaderamente me enganchó».

«Sentirse monja es toda una experiencia»

En la obra, a la hora de realizarla, ¿qué era con lo que más disfrutaba? «Sin duda, una de las cosas que merecía la pena era la Banda de Dios, los músicos, que eran para comérselos. A todos ellos, no solo por buenos profesionales, sino por ser unas personas maravillosas. Luego, los actores. Da mucho gusto estar en el escenario con personas como Macarena García, Anna Castillo, Belén Cuesta, Richard Collins-Moore… Mirarlos a los ojos y sentirlos sobre las tablas es un placer. Además, lo que contábamos también era un viaje divertido. Sentirte por unos instantes monja en la fe de Dios es toda una experiencia existencial».

Hablando de monjas… ¿Cómo fue prepararse para el papel de Sor Bernarda de los Arcos? «Me lo preparé muy bien porque tuve cuatro hermanas monjas y pensé en cuál de ellas podría ser Sor Bernarda. Y al final, la encontré. Ya no es monja, pero cuando lo fue y era una novicia muy vital, joven, con ganas de cantar y, menos de rezar, con ganas de todo. Lo que más me gusta de este personaje es su alegría y su amor por el canto y por la música. Porque además creo que ‘la música hace milagros'».

¿Qué es para usted La Llamada? «Es una de las experiencias mejores de mi profesión, sino la más, casi la más importante. Ha sido un camino muy bonito, trabajando muy a gusto con personas muy talentosas, gente muy cariñosa, jóvenes estupendos… Hemos hecho un estupendo espectáculo que en el teatro era una gozada cada día hacerlo. Tanto la obra como la película han significado mucho para mí. Ambas tienen su espacio en mi corazón».

«Las mujeres hacemos muchísima falta en todos los sitios»

¿Qué lección ha aprendido de Los Javis? «El aprendizaje que he retenido de ellos es algo que llevo muchos años practicando. Por eso soy como de su religión, de ‘lo hacemos y ya vemos’. Mi lema de vida antes era ‘ya lo hacemos sobre la marcha’, pero ahora se ha convertido en ‘lo vemos sobre la marcha y ya lo hacemos’”.

Esta película está protagonizada por mujeres, ¿cree que hacen faltas más películas capitaneadas por el género femenino? «Sí. Las mujeres hacemos muchísima falta en todos los sitios. Desde mi experiencia, siempre que he trabajado con equipos de mujeres han sido equipos diez. Siempre. La igualdad la tenemos que conseguir. Llevo muchísimos años yendo a la calle para manifestarnos y espero que de una vez consigamos una igualdad. Por lo menos, antes de morirme, quiero verlo».

En cuanto a su vida profesional, ¿qué la llevó a dejar su anterior empleo como azafata de vuelo para dedicarse enteramente a la interpretación? «No me quería morir sin serlo, sin ser actriz. No tenía ninguna razón para no hacerlo. Con lo cual, dije: ‘No voy a ser de esas personas que dicen: me hubiese gustado ser, pero no fui’. Por eso lo hice, porque ‘lo hacemos y ya vemos’”.

¿Qué nuevos proyectos podría adelantarnos? «Ahora mismo estoy con una obra de teatro llamada Las Cervantas. Es una historia preciosa basada en un hecho real en la vida de Miguel de Cervantes con cinco mujeres de su familia. Comparto reparto con mi hermana. Además, hace muchos años actuaba junto a ella en un grupo que se llamaba Las Veneno y actualmente estamos haciendo esta función juntas».

¿Cómo empezó su relación con el cine? “Empezó en 2002. Un amigo, que era asistente de Tony Santos (Operación Triunfo), me dio la posibilidad de meterme en un videoclip suyo. Ese fue mi primer contacto con el sector audiovisual. Con el tiempo, a pesar de haber hecho varias portadas de revista, interiores y anuncios de distintas marcas, vi que lo que más me gustaba era la interpretación».

A partir de ahí, ¿cuál fue su siguiente trabajo? «En 2007 me llegó la oportunidad de hacer Las Hijas, un cortometraje de Willy Ríos con el que nos quedamos a la antesala de los Óscar como el mejor cortometraje español de ese año. A partir de ahí, contactaron conmigo para hacer una obra de teatro, Tombuctú, 52 días a camello, de Ahmed Kasali, colaborador de la compañía Fura dels Baus. La verdad es que me encantó y decidí meterme en la escuela de teatro para formarme un poquito más en cuanto a interpretación”.

¿En cuántos proyectos has participado? “¡Uf! En muchos trabajos pequeños y cortometrajes entre amigos sin ningún tipo de apoyo económico. Un montón que, generalmente no se suele ver, y es una pena. En cuanto a producciones más reconocidas, he participado en Una hora más en Canarias, que se ha rodado aquí en Tenerife. También he estado en proyecto Concha, y en La piel fría, el largometraje de Paul Skin”.

«Fue bastante grato saber que la academia había valorado nuestro trabajo»

Ha sido preseleccionado para ser finalista en los Premios Goya. ¿Cómo recibió la noticia? “Pues la verdad que fue una sorpresa. Tengo un amigo, Beneharo, también actor, y vi colgado en sus redes sociales que estaba preseleccionado como candidato, lo cual me alegró mucho y me dio la curiosidad por ver que tal estábamos nosotros. Me llevé la sorpresa al ver que, dentro de las películas preseleccionadas como candidatas a los Premios Goya, estábamos nosotros. La verdad fue bastante grato, al menos saber que la Academia se había parado un segundo para valorar el trabajo de uno y tenerlo como posible ganador”.

¿Esperabas ser preseleccionado? “Yo creo que todo el mundo cuando se mete a hacer cualquier oficio espera llegar lo más alto posible y hacerlo de la manera más profesional posible. En cuanto a interpretación en España, los Goya son los premios por excelencia, por así decirlo. Es un aliciente para el trabajo de uno”.

¿Cómo te llegó la oportunidad para trabajar en La piel fría? “Generalmente vamos muy limitados por perfiles. Esa oportunidad me llegó a través de un casting. El director no quería a cualquier persona en ese papel, él sabía que yo era actor y, por perfil e interpretación, me dio la oportunidad”.

¿Tiene en mente algún trabajo más en cine? “Bueno, tengo varios proyectos enviados y estoy a la espera. La complicación de vivir aquí en Canarias es que no estás en el día a día para presentarte a pruebas, con lo cual se tiene que mandar por vídeo y no siempre son bienvenidos los casting en diferido. Ellos quieren verte allí. Me planteé ir a Madrid y estar allí un tiempo para ver qué tal».

«El arte da para comer, pero no te da para cenar”

Y a corto plazo… “Pues mira, los actores generalmente solemos tener dos oficios. Como suelo decir yo: ‘El arte da para comer, pero no te da para cenar’, por lo que generalmente trabajamos en otras cosas. Yo trabajo con producciones de cine, de anuncios… Trabajo tanto delante como detrás de las cámaras. A corto plazo estoy trabajando en una película alemana, pero detrás de las cámaras, no delante. Ja, ja, ja».

Supongo  que en su círculo cercano tiene los apoyos suficientes para volver a lograr sus éxitos profesionales… “Sí, mi novia me apoya mucho, la familia, mi madre, mis hermanas, mis amigos… Ellos han visto un poco mi trayectoria y cómo hemos ido saltando de una cosa a la otra: moda, publicidad, teatro, cine… Al principio era un poco el loco (risas), pero poco a poco fue yendo mucho mejor”.

Y, para finalizar, ¿tendría algún mensaje que dar a quienes les gusta la interpretación? “Constancia, formación, perseverancia, ilusión y pasión”.

María Casado y Susana Romero son dos jóvenes que pasan su verano en el campamento cristiano La Brújula. Sueñan con formar su propio grupo musical: Suma Latina. No dejan de meterse en problemas pero, derrepente, a María se le aparece Dios, (interpretado por Richard Collins-Moore) y le canta canciones de Whitney Houston. Sor Bernarda y la novicia Milagros intentarán descubrir qué le ocurre a estas jóvenes. Amistad, amor y, sobre todo, música son los ingredientes de este largometraje que abarca el proceso de encontrarse a uno mismo. Cuenta con diversos premios y nominaciones como, por ejemplo, un Feroz por Mejor Película de Comedia o un Goya por Mejor Canción Original, entre otros.

Este evento se encuentra dentro del ciclo Gas Natural Fenosa de Cine Itinerante, organizado por Gas Natural Fenosa y la Academia de Cine. La iniciativa lleva a diez ciudades españolas diferentes producciones que han sido nominadas a los Goya y, entre ellas, se encuentra la capital tinerfeña. Handía, Verano 1993 o Abracadabra son algunos de los títulos que se proyectarán.

Max, protagonizado por el cómico Jean-Pierre Bacri (Un cuento francés, 2013), trabaja en una entidad que coordina eventos y que le obliga a reinventarse cada vez que surge un contratiempo. Con una experiencia en este quehacer de más de 30 años, se dispone a materializar el último encargo al que se enfrenta. Este, consiste en la preparación de un lujoso enlace en una gran mansión urbana del siglo XVIII. El Planificateur de mariage planifica cada detalle para que la fiesta sea todo un éxito. Esta misión incluye, aparte de ordenar los recursos técnicos y humanos, aguantar a un novio escéptico y exigente, además de gestionar un sinfín de pormenores que, en cualquier momento, pueden presentar incidencias y hacer peligrar el correcto desarrollo de la celebración.

Con música de Avishai Cohen y fotografía de David Chizallet, la cinta ofrece una trama sencilla y convencional, que no aporta ningún elemento de novedad o sorpresa. Sin embargo, es capaz de hacer que, durante el tiempo que se desarrolla la historia, su público no se aburra.

Un largometraje nominado en los Goya y en los Premios César

El elenco de actores, compuesto por Eye Haïdara que interpreta a Adele, la mano derecha del jefe, (Film Socialisme, 2010); Suzanne Clément, que actúa como Josiane, la novia de Max (Mommy, 2014; Versalles, 2017); Vincent Macaigne que hace de Julien, uno de los camareros, (Las Inocentes, 2106); Gilles Lellouche que encarna a James, el cantante, (Conexión Marsella, 2015; El hombre del corazón de hierro, 2017 ) y Jean-Paul Rouve (Adèle y el misterio de la momia, 2010) en la piel de Guy, el fotógrafo, entre otros, traslada a la audiencia a un festejo en el que se puede percibir, desde la perspectiva de los empleados, que todo lo que se disfruta en dos horas y que ha llevado días de preparación, se puede ir al traste en un minuto.

El filme fue nominado a Mejor Película Europea en los Premios Goya 2018, se encuentra en la Sección oficial del Festival de San Sebastián 2017, así como diez nominaciones, dentro de las que se incluyen mejor película, mejor director y mejor actor (Bacri), en los Premios César, 2018.