El arquitecto destacó que la complejidad reside en el dónde. «El espacio no existe hasta que alguien lo observa y lo aprecia», expresó. Habló de las luces difusas de un sol saliente en el arte de Turner. De Rothko, explicó como despegarse del plano y crear una atmósfera cerrada en los centímetros cercanos a la obra. «Para conseguir eso que todos queremos, espacio», apuntó. En cuanto al Rapto de Proserpina de Bernini en el patio del Louvre, Valcarce analizó la riqueza que aporta que la obra esté allí. «La simbiosis entre la escultura y su entorno es la mejor expresión de su esencia», comentó.

Ratificó que la mirada con la que se observa la obra es clave porque la visión unitaria queda englobada en la escultura. Además, destacó lo natural y orgánico de Chillida y citó al autor: «Es más hermoso el espacio que lo que colocas en él». Indicó que «las obras que han sido pensadas para habitar el paisaje tienen que ser vistas en un determinado lugar».

Por último, apuntó que el cómo es el origen de la realidad de la obra. «El escultor ya no lo puede hacer todo. La arquitectura pierde su orden rectilíneo y su rigidez, empieza a enriquecer sus formas», aseveró. El arquitecto mostró a El Guggenheim y al Auditorio de Tenerife como ejemplos de la función de la tecnología para dar expresividad a la arquitectura.

«El arte conforma mi mundo, mi actitud frente a la vida, mis acciones y mi forma de ser»

Fernando Larraz es un artista tinerfeño licenciado en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia, en la especialidad de pintura. Desde muy joven sintió esa inquietud por el arte, sin embargo, en un comienzo su familia no veían bien que se dedicara al arte como forma de vida. Como consecuencia comenzó a estudiar Derecho, que lo compaginó con estudios de arte por la noche. Sus ganas y talento hicieron que su madre y su padre aceptaran que estudiase Bellas Artes. Convirtiéndose en uno de los artistas más talentosos y destacados del panorama nacional.

El arte es una disciplina inherente a las personas, una forma de expresión que ha evolucionado de la mano de la sociedad. La historia de Fernando Larraz es el ejemplo de cómo existen los prejuicios sobre el mundo artístico y cómo él personifica en su obra el verdadero significado de lo artístico, un medio de comunicación y expresión.

Cada vez más el arte cuenta con mayor relevancia a nivel social y cultural. No obstante, Fernando Larraz piensa que el conjunto de la ciudadanía canaria tiene una singularidad al respecto: «La sociedad canaria tiene un concepto de arte basado en el insularismo y el aislamiento. Además de un punto de vista de riqueza debido a la mezcla racial y al gran número de etnias y culturas que viven en las Islas. Lo que hace que sea un arte especial».

La mujer en el mundo pictórico

Larraz expresa que la figura femenina en el mundo del arte se ha visto censurada y relegada a un segundo plano. En su obra no hace distinciones de género, para él lo importante es lo que esas personas transmiten, sean o no conocidas. «La mujer ha sido la gran oculta y la gran desaparecida del mundo del arte por el machismo imperante», asegura Larraz.

Para el artista tinerfeño las mujeres están ocupando ya el lugar que merecen, pues «al principio solo eran un elemento decorativo más».

Las obras de Fernando Larraz no llevan título alguno. El artista que describe su obra como misteriosa, quiere que el público se deje llevar por su trabajo y las imágenes que él produce. «Mis obras no llevan título para dar un  toque de misterio. Esos rostros que pinto, famosos o no, me han enganchado y quiero lograr eso en la audiencia, no pongo título para que las personas se rompan la cabeza», concluye.

El Festival Internacional Canarias Artes Escénicas recibió a la compañía francesa Lucamoros el pasado lunes, 13 de marzo, con su performance ¡Vite, un selfie! en el Teatro Guimerá. Cuatro artistas se adueñaron de las tablas, entre ocho manos, cuatro voces y mucho ritmo se pusieron a la obra para representar sobre los andamios el hábito de las sociedades de plasmar en fotos su propia imagen. «Después del COVID-19 los rostros desaparecieron y nos pareció urgente ponerlo como foco central del espectáculo» afirmó Brigitte González la directora de la obra. Quienes asistieron a la función pudieron participar y se ofrecieron para protagonizar las selfies que, posteriormente, fueron pintadas.

El pintor Fernando Larraz presentó su obra En Tierra Extraña el pasado viernes 17 de diciembre en el Museo Municipal de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife. La exposición, que estará disponible hasta el próximo 31 de enero, mezcla rostros conocidos de antaño con nuevos iconos de la música, la pintura o el cine entre otros. Este conjunto de cuadros son un grupo de piezas de ajedrez con las que jugar la partida de la memoria, la nostalgia y el sentimentalismo. Cada pincelada nos evoca una percepción amplificada de una realidad diferente y hermosa, a la vez que alocada y divertida.

«Lo que perdura no es lo que más promocionado, sino lo que mejor hecho está» 

La artista asegura que el arte es una maestría que precisa de conocimientos técnicos y muchas horas de práctica. Sin embargo, «tiene que ser algo que sea captado por todos, sea ignorante o conocedor de la materia». Además, González asegura que se debe buscar la belleza, dado que si la misma se deja de lado hay que adornar la obra con otros argumentos, pero esta debe hablar por sí misma. En la actualidad existe un marketing y un comercio globalizado, y el arte se subordina a la industria, pero lo ve «como una realización personal, porque si se acepta o no depende de las otras personas», añade la paisajista.

Al hablar sobre el mundo del arte, González comenta que «el arte es un bien de lujo y ahora hay demasiados pintores para el número de personas que lo consumen». Asimismo, la artista apunta que, hoy en día, quienes compran un cuadro son las personas que desean poseer un museo en su casa. La paisajista opina que hoy en día nadie vive del arte, solo la gente que está en el mercado. La pintora no quiere formar parte del gran negocio artístico.

González aconseja a los estudiantes de Bellas Artes que sean sinceros con lo que quieren transmitir. La artista les recomienda que no deben pinta por moda. Cada persona se comunica de una manera y encuentra su sitio. «Dedicarse a esto requiere meterse en una especie de empresa que ya no depende ni del nivel local ni del nacional», remarca la pintora. Ante tantos condicionantes lo que podemos es «ser es uno mismo», concluye.

«Lo verdaderamente importante no lo puedes expresar con palabras»

La artista elige retratar lo que posee un valor plástico, estético y en su opinión «las cosas se hacen merecedoras de un lugar». Como ejemplo, alude a una botella de cristal, situada frente a una bandeja de plata: «esto que veo aquí delante me sugiere una composición, lo miro y me voy familiarizando y veo unas posibilidades artísticas», describe González. Nunca deja un obra sin terminar.

Como modelos de referencia menciona a Velázquez, Murillo, Madrazo y Tintoretto. Ella, como Monet, dispone de series de jardines y paisajes. Sostiene que las obras de estos grandes maestros llegan a todo tipo de público por ser  preciosas. De igual forma, piensa en «una interiorización, como si fuera una liturgia» del encanto pintoresco «que se ve en la cotidianeidad». Isabel González sabe que «lo verdaderamente importante no lo puedes expresar con palabras». El cariño por sus creaciones va más allá del «competitivo» nicho de mercado y explica que «cuando eres padre sientes la obligación de cuidar a tu hijo; yo tengo que cuidar de mis cuadros. Siento que si no lo hago es como el que peca por omisión».

¿Por qué el arte? «Desde que tengo memoria fue lo que más me atraía de una forma inexplicable. Cuando tenía tres años solo jugaba con lápices, pinceles, colores, plastilina de modelar, barro… Sentía la necesidad vital de crear, de expresarme a través de cualquier disciplina plástica.  A pesar de mi corta edad, tenía una gran madurez artística. Reconocía mis limitaciones e intentaba mejorar cada día. A esa edad visité el Museo del Prado con mis padres y no consiguieron sacarme de allí fácilmente. Velázquez me hechizó. Mi máxima a partir de ese día era que mis dibujos y pinturas parecieran tan reales como los de él, así que, a partir de ese momento, pasé de leer cuentos a pedir libros de arte, que aún hoy conservo con celo y cariño».

¿Cómo ha sido tu experiencia con el arte? «Mi primer encuentro con el arte fuera de las cuatro paredes de mi habitación fue en la Escuela de Arte Luján Pérez. Mi maestro sería nuestro reconocido Felo Monzón. En principio, la edad mínima para entrar era de 10 años. Pero al comprobar cómo le iba contando a mi madre la historia de las obras que iba viendo en la galería de la Escuela quedó boquiabierto y accedió a que ingresara. Pero, tras unos meses, todas mis ilusiones de aprender con él quedaron reducidas a una total decepción. Así, le comuniqué a mi madre delante de él que no quería seguir perdiendo el tiempo».

¿Y qué supuso eso para usted? «Esa experiencia me convirtió en una autodidacta acérrima. A partir de ese día, cuando no estudiaba, dedicaba todo mi tiempo a aprender, a leer y practicar. A los quince años, personas de mi entorno empezaron a hacerme encargos. Fue una inyección de autoestima que me llevó a mejorar aún más»

¿Es difícil vivir del arte en Canarias? «No, vivir del arte no es difícil en ninguna parte si lo haces con rigor, profesionalidad y le dedicas muchísimo tiempo y energía. Lo que es difícil en Canarias es convertirte en un artista de renombre. Pero es así en cualquier disciplina artística, y si no, que se lo digan a los músicos y cantantes. Por desgracia, en esta región te valoran sólo cuando has triunfado fuera y han reconocido tu talento. Ahí es cuando estas islas te ponen la «alfombra roja» y te llaman con el fin de que te conviertas en su embajador mientras se cuelgan la medalla de que procedes de la cantera canaria».

¿Se les da importancia a los artistas «pequeños» de las Islas? «La respuesta sería la misma que para la anterior pregunta. No importa qué arte defiendas ni cómo lo expresas, el problema está en la política y su mala praxis en gestionar la cultura en general».

«El arte debería ser una prioridad para cualquier país»

¿Ha sido difícil vivir del arte siendo madre soltera? «Lo que me resultó más difícil fue arrancar. Darte a conocer, buscar clientes, conseguir salas para exponer… pero lo más difícil fue compaginar la maternidad en solitario de dos hijos. Empecé dando clases de dibujo y pintura en una galería de arte. Un año más tarde, abrí mi propia academia donde daba dos turnos de clases por la mañana y uno de tarde (seis horas en total), de modo que, por las noches, cuando acostaba a los niños me sentaba en el estudio de casa a pintar cuadros por encargo, sobre todo retratos».

¿Cuáles son tus mayores influencias? «Velázquez y el realismo me cautivaron nada más verlo. Después de esa experiencia sólo he querido ser una pintora realista. Me hice una artista muy individualista, y, lejos de dejarme influenciar, cada día noto cómo mi propia evolución artística y personal me hace integrar en mis obras pequeños cambios de matiz minimalista, donde tiendo a sintetizar».

¿Qué le dirías a los estudiantes/artistas que comienzan en este mundo? «Que se preparen mucho y bien. Que practiquen. Que se especialicen y que se alejen lo más que puedan de la mediocridad. La mediocridad les hará invisibles. Y que no se impacienten por vender si pueden evitarlo, porque si lo hacen estarán abocados a convertirse en un fraude. Y el arte ya está lleno de ellos».

¿Qué opinas del trato que está recibiendo el arte durante la pandemia? «Este país peca de gestionar de forma la cultura, sobre todo en lo que a artistas emergentes se refiere. El sector artístico, el más perjudicado, no vendemos artículos de primera necesidad. Hemos tenido que esperar a que se creen ayudas destinadas a este sector y que no todos han recibido. Paradójicamente, ha sido gracias al arte (la música, las artes plásticas, el baile…) que la inmensa mayoría de los ciudadanos de cualquier país afectado por esta pandemia ha sido capaz de sobrellevar el confinamiento. Concluyamos entonces que, gracias al arte, la vida de cualquier ser humano se hace más llevadera, más soportable, y que por lo tanto, el arte debería ser una prioridad para cualquier país».