Tras vivir una verdadera pesadilla al ser torturado por militares por manifestarse, el protagonista decide emigrar a Miami. Con el paso del tiempo empieza a cuestionar la posibilidad de pedir asilo político en los Estados Unidos, pero una de las condiciones si se lo conceden es que jamás podrá volver a su país. Es aquí donde entra el gran dilema para el migrante: regresar a Venezuela y seguir luchando por la libertad junto a su gente o dejar todo atrás para siempre y empezar una nueva vida.

El filme es impresionante desde todos los aspectos. Más allá de la gran ambientación realista de aquella época, logras conectar rápido con el protagonista mientras revives el trauma que atravesó junto a él. Cada escena que pasa, donde se muestra todo el sufrimiento que experimentó, la tortura que parecía interminable y el inmenso dolor, llega de inmediato al corazón. Te hace reflexionar si de verdad vale la pena que regrese a luchar hasta morir o si es mejor que abandone la batalla y se quede en un lugar donde pueda seguir con vida.

«Vivíamos en un mundo distópico»

Todavía recuerdo con lujo de detalle lo vivido ese año en Caracas. De mi memoria no se va a borrar nunca el olor insoportable que desprendían las bombas lacrimógenas. La gente aterrorizada corriendo con el temor de no poder llegar a casa. Cientos de personas heridas injustamente. Disturbios en cada esquina y la incertidumbre de saber cuándo va a acabar todo esto.

Tenía tan solo doce años cuando la situación del País retratada en la película ocurrió en la vida real. El miedo persistía día y noche por no saber qué pasaría al despertar la mañana siguiente. Vivíamos en un mundo distópico. Solo aguardaba el momento donde al fin volviéramos a la normalidad o, por lo menos, lo que quedaba de ella.

La disyuntiva que vive en la cabeza de Simón a lo largo de la trama es una realidad, a veces olvidada, fuera de la pantalla para miles de personas que han tenido que dejar atrás todo lo que conocen y empezar de cero. Sin la posibilidad de algún día poder regresar a lo que alguna vez fue su hogar. Desde el comienzo hasta el final, la cinta juega con la fotografía y los sentidos para sacar a flote sentimientos intensos al público.

«No es solo un personaje, es la representación viva de lo que tuvieron que atravesar miles de personas»

Más allá de mostrar la cruda realidad que viven los personajes, logra que con cada minuto que pase empatices con Simón y entiendas la razón de su decisión final. Te adentras tanto en la piel del protagonista que conectas de manera instantánea con sus emociones. Para aquellos que percibieron este escenario hace siete años en carne propia, esta película es como viajar al pasado, a esa época oscura y trágica en Venezuela.

Simón no es solo un personaje, es la representación viva de lo que tuvieron que atravesar miles de personas en busca de seguridad.

Al ser las primeras personas en Galicia en adoptar una bebé procedente de China, los medios se lanzaron a realizarles entrevistas e invitarles a programas de televisión. La maravillosa historia de amor que pintaron se ganó al instante los titulares de la prensa. Era imposible pensar lo que pasaría en un futuro. Era inviable razonar como años después, esos titulares serían peores y que realizarían incluso una serie en Netflix estrenada el pasado viernes, 26 de abril, bajo el nombre El caso Asunta.

Asunta tenía tan solo doce años cuando desapareció un sábado, 21 de septiembre, de 2013. Esa misma noche, su madre y su padre denuncian este hecho en la Comisaría de Santiago de Compostela. En la madrugada del domingo 22 dos hombres encuentran un cuerpo en una cuneta de la población de Teo. Se trataba del cadáver de la niña. Y estaba a tan solo cinco kilómetros de la casa de campo de Rosario. Así lo cuenta la serie que está causando conmoción entre la población. La plataforma de streaming arriesga más que nunca con lo que se muestra, ofreciendo una mirada del fallecimiento y posterior investigación en la que sus padres fueron sentenciados desde el minuto cero.

Destaca la impecable actuación de Candela Peña en el papel de madre, quien asusta al espectador debido a su parecido, tanto físico como psicológico o con su lenguaje no verbal. A su lado, un irreconocible Tristán Ulloa que se mantiene frío y calculador. Un trabajo de campo con bastantes incógnitas y sobre todo mucho dolor. Después de asistir a la incineración del cuerpo de su hija, ella es detenida. Veinticuatro horas más tarde sucede lo mismo con él. ¿Qué puede pasar por la cabeza de una persona para matar a su propia hija? Pues al parecer esto ya estaba planeado desde hacía meses.

Retrocedemos al día de Reyes de 2013, cuando el matrimonio se separa debido a la infidelidad de su esposa. A pesar de esto, continuan viviendo cerca el uno del otro, y en junio, ella es hospitalizada por depresión. Basterra ofrece cuidar a su hija a cambio de que termine con su amante, acuerdo que ella acepta. A pesar de que, con el alta siguieran haciendo vida familiar los tres juntos, Rosario vuelve a las andadas. A partir de julio, ya nada es igual. La noche del cuatro de ese mismo mes un hombre enmascarado intenta estrangular a Asunta en su casa, su madre le aparta y así huye. La policía sospecha que podría tratarse de su propio padre y que ya en esos momentos estuvieran intentando deshacerse de ella. No investigan más al respecto.

La niña comienza a recibir lorazepam, una droga para la ansiedad y el sueño, lo que la hacía parecer adormecida en la escuela cuando se quedaba con su padre. Esta menciona a sus profesores que le daban polvos blancos que la hacían dormir durante días. Sus padres afirmarían que eran para la alergia, lo cual fue desmentido por su pediatra. Esto solo afirma que Asunta sabía lo que sus padres estaban haciendo. Algo que podría haber sido un motivo para su asesinato. Ambos tenían secretos que ocultar y la niña podría haber sido considerada como un estorbo.

¿Por qué mataron Rosario y Alfonso a su hija?

Finalmente, llega el 21 de septiembre. De este día hay muchas teorías pero solo dos de ellas cuadrarían. Asunta almuerza con ambos y recibe la última gran dosis de lorazepam. Después, va a la casa de su madre llevando veintisiete pastillas en su organismo, una dosis casi letal para su peso y edad. Rosario sale tras ella. A las 18.12, entra al garaje, y a las 18.22, su coche se dirige hacia la casa de campo de su familia en Teo. Así lo registran las cámaras, donde se ven claramente dos figuras: ella y su hija.

Alfonso podría haber ido oculto en el asiento de atrás o como dice la segunda hipótesis, que directamente no participara en los hechos y se enterara de todo lo que había hecho su mujer por una llamada de cinco minutos posterior al asesinato. Llegan allí a las 18.31. Lo que pasó luego entre esas paredes no se sabe ni se sabrá nunca. Solo son suposiciones. Los peritos forenses concluyeron que Asunta salió muerta de su casa alrededor de la 21.00 horas, siendo introducida por su madre en el coche, atada de pies y manos. Posteriormente, el cuerpo de Asunta fue abandonado en la cuneta.

El juicio comenzó a principios de octubre del año 2015 y duró veintitrés días. Por el estrado pasaron 84 testigos y sesenta peritos. Por unanimidad, el jurado los declaró culpables. Dieciocho años de prisión. Rosario no soportó más que siete. Se ahorcó en la cárcel. Basterra saldrá en libertad en 2o31. Pero la pregunta del millón sigue siendo: ¿Por qué mataron Rosario y Alfonso a su hija? Algo que siempre sabremos es que a Asunta le arrebataron el futuro en dos ocasiones: cuando fue abandonada en China y cuando fue asesinada en España.

La película documental narra lo ocurrido en base a audios extraídos textualmente de declaraciones judiciales, entrevistas y cartas. No solo los testimonios de audios son interpretados por actrices o actores para preservar el anonimato sino que a las víctimas sobrevivientes se les da un nombre falso. Lucía explica en el documental que llega a Pamplona con un compañero, el amigo se va al coche a descansar y entonces relata «me senté en un banco y había un chico que me dijo: ¿Estás sola?». Todo comenzó ahí.

Pero La Manada no era la primera vez que mordía. A través de la búsqueda en los dispositivos que se le había confiscado a los acusado descubrieron un vídeo de otra posible víctima de abuso. Paloma estaba inconsciente cuando abusaron de ella y, aún así, sabía que algo le había ocurrido. Tenía claro que no estaba loca y sus sospechas se aclararon cuando el agente le envió un fotograma para corroborar que era ella. Ahora a los acusados se les sumó la denuncia del caso de Pozoblanco.

«Sentí que iba a sufrir solo por ser mujer. Yo no quería sufrir»

Yo tenía doce años cuando el caso de La Manada se hizo mediático. Estaba en esa etapa de la vida en donde empiezas a descubrirte a ti y lo que significa ser mujer. Fue muy fácil empatizar con Lucía porque ella era yo y yo era ella. Aunque yo no tuviera su edad o hubiera ido nunca a las fiestas de San Fermín, las dos éramos mujeres y, por tanto, yo podría haber sido ella. Y, como un balde de agua fría, comencé a comprender que con el género venía muchas otras cosas que cuidar para no perecer. No debía salir sola, de noche, con minifalda, hablar con chicos extraños o emborracharme, todas precauciones por mi bienestar o, más bien, supervivencia. Sentí que iba a sufrir solo por ser mujer. Yo no quería sufrir.

Después comenzó el primer juicio de La Manada. Y terminó con las fotos de un detective privado que enseñaban que las víctimas no tenían derecho a rehacer su vida y el voto particular de un juez que dictaba que era, según sale en el documental, «sexo entre extraños en un ambiente de jolgorio». El sufrimiento de Lucía era el chiste de la Justicia pero la diferencia de otras veces fue que no nos quedamos quietas. Miles de mujeres, entre miles de personas, salimos a la calle a gritar que estábamos con Lucía, que nosotras sí le creíamos. En ese momento comprendí que no debía bajar la cabeza ante una realidad apabullante solo porque siempre había sido así. Decidí que yo no iba a sufrir.

«Porque si gritamos tendrán que oírnos. No dejemos de aullar»

En la unión estaba la fortaleza. Lucía no estaba sola, Paloma no estaba sola y ninguna de nosotras lo estaría porque siempre habrá una mujer escuchando, cuando estuviera preparada para hablar,  a otra. Junto al #YoSítecreo y al #MeToo se sumó el #Cuéntalo y millones de mujeres publicaron los abusos a los que habían sobrevivido. Ya no nos callábamos. Y si teníamos que gritar para ser escuchadas gritaríamos, quemaríamos cada huella de nuestro paso para no ser olvidadas.

23 meses después de los hechos se recurrió al Tribunal Supremo. La última instancia del poder judicial dictó sentencia: era violación. Lucía por fin tuvo descanso después del calvario. La Manada también fue condenada a 18 míseros meses de cárcel por el abuso sexual del caso de Pozoblanco. Paloma aprendió a vivir con ello y volvió a tener una vida estable. La vida continúa. Ese día se nubló un poquito menos y se sonrió un poquito más. Un paso hacia la ansiada justicia. No hemos terminado, seguimos caminando por todas pero con el rayo de esperanza que la compañía de cada una de nosotras nos brinda. Porque si gritamos tendrán que oírnos. No dejemos de aullar.

El 11M marcó un antes y un después en la historia de España. Hoy hace veinte años que este día cambió por completo la lucha contra el terrorismo. Además, la gestión del Gobierno de José María Aznar tras la masacre, que ocurrió solo tres días antes de las elecciones generales, provocó un terremoto político que llevó al PSOE al poder. La ciudadanía se movilizó y el país vivió un giro inesperado que sigue resonando en nuestros días.

«El documental de Netflix que cuenta algunas de las claves del ataque, los frenéticos días que lo sucedieron y las consecuencias que tuvo en la sociedad española»

11M es el documental de Netflix que cuenta algunas de las claves del ataque, los frenéticos días que lo sucedieron y las consecuencias que tuvo en la sociedad española. Esta pieza audiovisual de una hora y media de duración se sumerge en el punto de vista de las familias de las víctimas, servicios de emergencia, el personal funcionario en activo y múltiples periodistas y docentes. Al mismo tiempo, desenmascara la clase política del momento y desvela cuando se empezó a planear el atentado.

En los atentados participaron un total de veintidós hombres de los cuales siete se suicidaron en un piso de Leganés, catorce fueron procesados y uno todavía sigue sin identificar. Una de las muchas cuestiones que aún están sin resolver es la autoría intelectual del suceso. A pesar de que en el juicio no se llegó a una concusión, el documental señala directamente a una persona como el origen de todo: Amer Azizi, marroquí y que, según la CIA, llegó a ser mano derecha de Abu Hamza Raia, jefe de operaciones externas de al Qaeda.

El acontecimiento generó mucha confusión ya que la portada de todos los diarios al día siguiente señalaron a ETA como principal autor. Una hipótesis que después la Policía y los servicios de inteligencia tumbaron al comprobar que se trataba de un atentado cometido por al Qaeda. Una parte de la ciudadanía española cree que el 11M fue una consecuencia de la participación de España en la guerra de Irak, junto con Estados Unidos y Reino Unido. Por lo tanto, que Aznar moviera ficha aceptando enviar tropas puso al país en una especie de jaque mate, dejando ganar la partida al terrorismo islámico.

Finalmente, al Qaeda reivindicó la autoría de los atentados en una carta publicada en un diario londinense. Esta confusión y el posicionamiento del Gobierno de entonces llevaron a Zapatero a La Moncloa. La ciudadanía salió en masa a votar y castigó al Partido Popular en las urnas. Fue una de las muchas consecuencias del atentado.

Han pasado veinte años pero las cicatrices de aquel fatídico día aún perduran en la memoria colectiva. Hoy recordamos y honramos a quienes perdieron sus vidas, pero también a quienes sobrevivieron. Porque algunas personas no volvieron a coger el tren. No han podido superarlo o no les dejan hacerlo. Y otras decidieron reiniciar su vida al darse cuenta de que esta les brindó una nueva oportunidad y que no todo terminó aquella mañana del jueves 11 de marzo de 2004.

La historia, pese a que en taquillas no le fue muy bien, se terminó convirtiendo en todo un icono de la generación millenial. La respuesta a por qué resulta una obra memorable a día de hoy, probablemente resida en las miles de referencias a la cultura popular, y un reparto conocido entre la farándula, compuesto por Brie Larsson, Kieran Culkin, o Chris Evans, entre otros.

Después de trece años, la saga ha vuelto a resurgir y ha recuperando al conjunto de actores originales para esta serie animada. La obra contará la misma historia de la película, aunque con ligeros cambios, más acordes con el final de las novelas. Y es que, el último libro de O’Malley dista mucho del largometraje por haber sido estrenados a la par. El diseño de los personajes será muy similar a los dibujos del autor, así como al videojuego de la saga, estrenado también en 2010.

La trama nos presenta a Scott Pilgrim, un joven bajista de Toronto que conoce la chica de sus sueños, Ramona Flowers (Mary Elizabeth Winstead). No obstante, conquistar el corazón de Ramona no será tarea fácil para Scott, pues deberá enfrentarse a los siete malvados ex novios de la chica mientras hace lo posible por progresar en su carrera de músico.

Esta pieza audiovisual, basada en hechos y personajes reales, se extiende a lo largo de ocho capítulos. Protagonizada por Úrsula Corberó y Quim Gutiérrez, El cuerpo en llamas reconstruye el juicio y el crimen de la manera más precisa posible. Pero no solo hace eso. Sería muy aburrido. También consigue despistarnos con la personalidad de sus personajes. Lo podemos ver en un Albert que desprende vacío en sus ojos y una Rosa manipuladora.

Nadie vio como Rosa asesinaba a su marido con ayuda de su amante, tampoco como lo planeaban o como lo quemaban. Hasta podemos visualizar los mensajes que la Policía logro recuperar de los móviles de los homicidas. Recreando incluso algunas fotos. Todo lo que se presentó en el juicio está plasmado en la serie. Por eso, una de las cosas que mejor se ha conseguido es dejar claro que Rosa Peral y Albert López son culpables del asesinato.

La carta más arriesgada de Netflix fue incorporar a una de las hijas de Peral en la serie. Es cierto que la niña le confesó a su padre que había visto a Rodríguez la noche en la que fue asesinado, incluso imitó como este se encontraba. Pero el juez, por el bien de la menor, prohibió que esta testificase en contra de su madre. Por lo que las supuestas palabras de la niña se desestimaron. Sin embargo, esto no evitó que la plataforma la situara en el momento. Algo que podría perjudicar a la serie si Rosa Peral sigue insistiendo desde la cárcel en establecer acciones legales contra ella. De ahí el revuelo.

Junto a El cuerpo en llamas se estrenó también Las cintas de Rosa Peral, un documental con una perspectiva diferente. En él se habla de como los medios de comunicación y tribunales llevaron el caso. Aparece la defensa de la acusada y periodistas que cubrieron informaciones sobre el suceso. Pero, además, habla la propia Rosa Peral, quien sigue declarándose inocente. Algo que desconocían los demás testimonios y que también ha causado polémica.

El director, Carles Vidal, contó, incluso, que el objetivo del Documental era mostrar quién era Rosa Peral detrás del «monstruo» que habían intentado crear los medios y que si esto influyó en el jurado popular. Por lo que es comprensible que todas las personas que aparecen en él se hayan sentido engañadas. Ninguno quería participar en un reportaje en el que se intenta blanquear la figura de una asesina.

«Quedan pendientes numerosas cuestiones que aún no tienen respuesta»

Sin duda, podemos afirmar que ambos contenidos audiovisuales han generado debates y opiniones de todo tipo. Sin embargo, algo en lo que coinciden todas las personas es que se trataba de un triángulo amoroso de mentiras, manipulaciones y seducciones. Hay muchas hipótesis de lo ocurrido la noche del 1 de mayo de 2017. Pero lo que finalmente decretó la Policía es que Pedro Rodríguez murió a causa de un golpe causado con un objeto contundente. Y para eliminar todo tipo de pruebas y evitar que se realizara la autopsia, decidieron quemarlo.

Todavía quedan pendientes numerosas cuestiones sin respuesta. Después de seis años, ni Rosa Peral ni Albert López han contado la verdad de lo que pasó esa noche. Oficialmente siempre serán culpables, pero ya nunca sabremos la autenticidad de los hechos. A estas alturas de la película, ¡sí hay más preguntas, señoría!

Comenzó presentando el Campeonato Mundial de este año, que se disputará por primera vez en Japón. El Director de Global eSports y organizador de eventos, Chris Brown, cogió el testigo para compartir algunos detalles del próximo evento. Todo aquel competirán en los juegos Escarlata y Púrpura, juego de cartas coleccionables, Pokémon Go y Unite. Se celebrará del 11 al 13 de agosto en Yokohama. Junto a esto, vendrá una reedición del primer set de cartas del juego.

Serie de animación con Netflix

La Vicepresidenta de Contenido para APAC, Minyoung Kim, fue la encargada de presentar la primera colaboración de Pokémon y Netflix, que tendrá lugar este año, bajo el título de «La Conserje Pokémon». En el momento de presentación de esta nueva producción la Vicepresidenta comentó: «Con este título vamos a iniciar una trama totalmente nueva que expandirá el universo Pokémon con animaciones de stop motion de lo más innovadoras».

Novedades de Pokémon Unite

El Jefe de Operaciones, Takato Utsunomiya, presentó las últimas novedades de algunos juegos de la saga. Una de ellas es que, Zacian, el pokemon legendario, se une a Pokémon Unite. Además, comentó que el evento de combates brigada está en camino.  Para finalizar, confirmó que los días 18 y 19 de marzo se retransmitirá por el canal de YouTube oficial de Pokémon la Asia Champions League 2023.

Pokémon Sleep llega con muchas novedades

Por otro lado, se anunció que el nuevo juego para móviles, Pokémon Sleep, estará disponible este año. Una aventura que se llevará a cabo en una isla y lo único que hay que hacer es dormir. Dejando el móvil cerca se medirán, registrarán y analizarán los ciclos de sueño. Posteriormente, el descanso se clasificará dentro de uno de los tres tipos de sueño: ligero, medio y profundo. Estará disponible tanto en dispositivos iOS como Android.

Nuevo accesorio para Pokemon Go +

También se anunció un nuevo dispositivo compatible con el anterior juego del sueño, además del Pokémon Go que ya conocemos. Está previsto que este accesorio este disponible a partir del 21 de julio de este año.

Contenido DLC para Pokémon Escarlata y Púrpura

Habrá contenido descargable disponible para los últimos dos lanzamientos de la saga. El título que recibirá es El tesoro oculto del Área Cero, que saldrá a la venta en dos partes. La primera parte, La máscara turquesa, llegará durante el otoño de 2023. Este primer capítulo nos permitirá visitar la comarca de Noreteo mediante una excursión escolar que nos llevará fuera de Paldea. 

La segunda parte, El disco índigo, estará disponible en invierno de 2023. En lo que respecta a este segundo capítulo, serán estudiantes de intercambio en la Academia Arándano. En ambos casos, aparecerán nuevos Pokémon para capturar, mientras que se lanzarán otros dos Pokémon legendarios.

Netflix quiso mantener este formato, a pesar de innovar trasladando a ese mundo una sociedad moderna e inclusiva en la que sus personajes son de diversas culturas y no hay cabida, supuestamente, para el racismo. Hubiera sido mucho más efectivo satirizar las acciones xenófobas y el sentimiento de aporofobia de la época.

Los Bridgerton, en la reinterpretación por la gran compañía audiovisual, son una familia caucásica muy poderosa en la que sus miembros se enamoran de personas de otras razas. Estas tienen la suerte de obtener su afecto y siempre ven al otro como un ser superior. Es el claro ejemplo del estereotipo de la supremacía racial.

«El pueblo necesita saber de las intimidades de los demás. Es el mejor entretenimiento. Hoy en día, ocurre lo mismo con los programas del corazón y las redes sociales»

El principal problema que tienen los habitantes de este mundo es que existe una periodista, llamada Lady Whistledown, que todo lo sabe y todo lo publica, pero nadie conoce. Esa persona es Penélope, la fea del baile. Es una niña de 16 años con sobrepeso. Odian a la periodista porque les descubre, pero el pueblo necesita saber de las intimidades de los demás. Es el mejor entretenimiento. Hoy en día, ocurre lo mismo con los programas del corazón y las redes sociales.

Eloise Bridgerton representa a la mujer empoderada, que lucha por sus derechos como mujer y por las de su clase. Sin embargo, en ningún momento habla sobre la vida precaria y la falta de voz que viven sus sirvientas. Es más, las mujeres de la alta sociedad envidian el libre albedrío que tienen las mujeres trabajadoras para tomar sus propias decisiones sobre el amor. Expresan esa libertad como un anhelo. En ningún momento se plantea la opresión y explotación que sufre el segundo sexo, la invisibilidad y la falta de respeto hacia ellas. Su honor no vale nada.

El resto de personales tratan de persuadir a Eloise y consiguen implantar el pensamiento de que encontrar el amor es la mayor meta a la que una mujer puede aspirar para sentirse plena. La maternidad es otro de los objetivos que tratan de inocular de manera implícita a través de la negativa de esta a serlo. Cuando en ella se enamora, legitima los discursos de la burguesía da a entender a los espectadores que su pensamiento en defensa de su género es erróneo y enaltece los valores sociales a cerca del amor tóxico y romántico que oprimen a las mujeres hasta la actualidad.

«Es un tópico en las producciones cinematográficas que la mujer que triunfe sea aquella que se comporta como lo que se espera de un hombre»

El padre, jefe de la casa, fallece en todas las familias protagonistas de esta serie. La mujer se queda viuda y a cargo de los hijos. Constantemente quieren transmitir una ilusión de matriarcado dentro de las casas, pero lo que realmente se refleja es como las madres tienen que ejercer ambos papeles estando sometidas a la presión social de las apariencias y al desamparo económico.

La segunda temporada no trae nada nuevo. El mayor de los Bridgerton, el vizconde Anthony, se enamora de una chica de origen hindú, pero la aborrece y nunca muestra su afecto. Esta mujer, Kate, tiene una hermana pequeña con la que el vizconde se quiere casar. Él elige a la menor, de la que nunca se podrá enamorar, porque es todo lo que se espera de una dama. Sin embargo, la mayor tiene un carácter que cumple con los estereotipos masculinos.

La hermana es infravalorada por el público tal y como se la presenta por ser femenina y educada. Es un tópico en las producciones cinematográficas que la mujer que triunfe sea aquella que se comporta como lo que se espera de un hombre. Es trágico ver como nunca se presentan de manera positiva diferentes formas, todas igual de válidas, de ser mujer.

Kate para ser independiente, locuaz y llamativa hace todo lo que hacen sus compañeros varones. Es la forma que tiene Netflix de presentar la rebelión contra el patriarcado. La verdadera revolución feminista sería que siendo una mujer pueda ser y hacer todo cuanto quiera sin ser juzgada o limitada.

Michele Morrone y Anna-Maria Sieklucka fueron protagonistas de este pelotazo de la plataforma de steaming, cuyo papel repiten en la segunda parte de esta trilogía: 365 días: Aquel día. No es raro pensar qué, al haber tenido tanto tirón al principio y, según parece, a nivel económico fue altamente rentable, la segunda parte se hiciera realidad, pese a las críticas de diversos sectores de la industria cinematográfica.

La saga 50 sombras de Grey es otra prueba de que el dinero gana a la ética, con la única diferencia de que  esta nueva saga de películas eróticas le da una vuelta de tuerca a las situaciones de maltrato y abuso, convirtiéndose en un nuevo ejemplo de machismo con toques de misoginia. Si algo es salvable en la saga del señor Christian Grey es la humanización del protagonista masculino. Su «rehabilitación», su entendimiento de que su comportamiento no era el más adecuado, dio un matiz que, en las actuales, no encontramos.

«Del total de protagonistas cinematográficos de 2021, solo un 38 % fueron mujeres»

Las críticas en redes sociales, medios de comunicación y blogs ya han expuesto todo lo que está mal en esta película: la romantización de la mafia, del secuestro, del maltrato psicológico, del acoso, incluso del síndrome de Estocolmo. El caso en cuestión es, si tan mal esta la imagen que representa esta película, ¿por qué hay una continuación? ¿Pesa más en la industria el dinero que la moral y la posible imagen que le estemos dando a los más jóvenes?

Las estadísticas son claras con respecto a las mujeres: solo obtuvieron el 38 % de los papeles protagonistas del total de películas de 2021. No es un secreto que el género femenino está muy infravalorado y, si se se busca la lógica, este tipo de películas no ayuda pues las tratan como objetos sexuales, buscando más el morbo y la superioridad del hombre.

Las mujeres llevan siendo, desde los comienzo de la gran pantalla, objetivo de burla, discriminación y sexualización, no solo por la falta de oportunidades que se les da, sino por el tipo de papel que llevan a cabo. Lo peor de todo esto es que la gran mayoría de personas que ven este tipo de películas, como 365 días, son mujeres. Incluso, la autora de esa historia es mujer: Blanka Lipińska.

El ideal de romantizar actitudes machistas solo empeora la aceptación de maltrato psicológico y físico por parte de la sociedad, además de  estereotipar aún mas la idea de que toda mujer ha de ser salvada por un hombre y de que debe ser ella la que lo salve de una personalidad oscura, agresiva y con ciertas patologías severas.

El éxito de esta película y de sus libros resulta tremendamente inquietante porque cualquier persona con principios y un mínimo de conocimientos en los derechos de la mujer no vería con buenos ojos que se hicieran este tipo de largometrajes.

Todavía queda mucho por hacer en términos de igualdad y, contrariamente a lo que puede pensar una mayoría, el feminismo debe estar más presente aún en una sociedad marcada por unas ideas clasistas y peligrosas.

La Temporada Social ha comenzado, y las jóvenes empiezan a revolotear sobre el soltero de oro del momento, pero todo cambia cuando la reina (Golda Rosheuvel) señala a su diamante en el baile que ella misma concede: Edwina Sharma (Charithra Chandran). ¿Quién mejor que la elegida por la soberana para casarse? Así comienza el juego de seducción por parte del mayor de los Bridgerton, pero, como en todas las historias, siempre hay obstáculos, y este es la hermana mayor a quien pretende el vizconde.

Kate Sharma (Simone Ashley) es orgullosa, testaruda y poco complaciente con los demás. A la edad de 26 años es considerada una solterona por la mayoría de las personas, pero no es algo que le importe. Su principal deseo es ver a su hermana Edwina felizmente casada para poder ser libre de toda obligación y volver a la India.

La menor de las Sharma es una chica encantadora, bien educada, culta y un buen partido para cualquier hombre, pero hay un problema, no aceptará a nadie sin la aprobación de su hermana mayor, quien la protege de cualquiera que intente hacerla daño. Anthony Bridgerton acepta el reto pero, como en todo, las cosas no van a ser tan fáciles como parece.

La nueva temporada tiene una diferencia con la primera: las escenas de sexo son casi inexistentes. Para muchos algo malo, pero, por suerte para la mayoría, la serie no pierde ese ritmo trepidante que tanto la caracteriza, haciéndola un poco mas madura que la anterior y dándole importancia a mas personajes secundarios.

La trama gira en torno a Anthony, Kata y Edwina y su triángulo amoroso. Aunque, quizás no es tanto este trío romántico, sino, más bien, la capacidad que tenga el vizconde para aceptar realmente sus propios sentimientos y destruir esa coraza que lleva tantos años forjándose contra los demás.

La temporada comienza como una alegre comedia romántica, pero, tras sus primeros capítulos, el triángulo amoroso comienza a convertirse en un tormentoso sufrimiento para ellos. Sin escenas de luna de miel o situaciones de similar corte, la tensión que se palpa entre los protagonistas, cuya química es innegable, hacen que el público grite: «¡Queréis besaros ya¡»

La historia, que para muchos puede carecer del espíritu de la primera, hace un guiño a otras subtramas que, por lo que se entiende, van a tener un peso muy importante en el futuro. Las escenas de la matriarca de los Bridgerton, Violet (Ruth Gemmel), la rebeldía de una de sus hijas, Eloise (Claudia Jessie), la pelea con su propio alter ego por parte de Penelope Featherington (Nicola Coughan) o las propias aspiraciones del hermano de Anthony, Benedict (Luke Thompson).

La trama, aunque de una forma algo oscura, atrapa. Los personajes, muy bien delineados, harán las delicias de quienes se consideran amantes de las novelas románticas, y su final no dejará indiferente a nadie. Ahora, la cuestión que nos tendría que venir a la cabeza sería ¿será un buen final o el sufrimiento está asegurado? Como diría Lady Whistledown: «Querido lector, en el amor y en la guerra, todo vale».

El catálogo digital del que se dispone, tiene varias producciones de animación, tanto películas como series, dirigidas hacia los adultos. A este apartado se le suma la nueva proyección de la productora Nexus Studios, que se ayuda del servicio streaming para estrenar su última creación.

La casa, que apenas sobrepasa la hora y media de duración, narra tres relatos, cada cual más surrealista que el anterior, y con ciertos toques de humor negro. Una familia pobre, un promotor inmobiliario hundido entre deudas y una casera con aspiraciones son los protagonistas de esta cinta dirigida por figuras de la animación independiente como Emma de Swaef, Marc Roels, Niki Lindroth von Bahr y Paloma Baeza.

Una familia del siglo XIX

El filme comienza situando al espectador en el siglo XIX; su fin es conocer al matrimonio del pobre Raymond y su mujer, una pareja sin suerte, dinero y con dos hijas a su cargo a las que apenas puede mantener. Tras un encuentro poco agradable, el cabeza de familia conocerá a un siniestro benefactor que le dará un gran regalo sin pedir nada a cambio, una casa.

El cebo ya estaba echado y la presa ya había mordido. Desde los primeros días, la mayor de sus hijas, Mabel, comienza a ver cosas, personas y situaciones que la hacen sospechar que todo está mal. Los adultos, por el contrario, cada día querrán quedarse más tiempo en la casa y ser parte de ella, como sí de una posesión se tratase.

Emma de Swaef y Marc James Roels son los encargados de dirigir este primer cuento. Ambos son conocidos dentro del mundo de la animación por el éxito que tuvo su cortometraje Ce magnifique gâteau! en el año 2018, y por ser seleccionados en Cannes, el Festival de Toronto y los Premios Annie.

La metamorfosis de la realidad

La historia del promotor inmobiliario nos trae de vuelta al presente. Un pobre hombre, agobiado por las deudas, intenta hacer dinero renovando una casa. El problema comienza cuando dos potenciales compradores hacen acto de presencia el día de la inauguración del lugar. Lo fascinante será conocer cuales son las intenciones de estos visitantes tan enigmáticos y aterradores que parecen no querer abandonar la casa.

La directora y animadora sueca Niki Lindroth von Barh es quien se pone tras las cámaras en este caso. Considerada por Variety como uno de los mejores talentos de la animación, ganó el premio Annecy en el Festival de Toronto por su cortometraje The Burden en el año 2017.

Un futuro incierto

La tercera y última historia, no por ello la menos importante, nos vuelve a llevar a la casa, pero en un paisaje totalmente distinto y con cierto tinte distópico. La historia nos habla de Rosa, una joven que ha decidido quedarse y restaurar el lugar para devolverle la vitalidad que tuvo antaño. Algo que es imposible de hacer, ya que apenas tiene ingresos y sus únicos inquilinos pagan la renta con pescado y cristales. Sin embargo, no cuenta con la aparición de un misterioso personajes que harán que se replanteé su vida.

Paloma Baeza es la encargada de dirigir la última historia. Con una narración algo más inspiradora, la reconocida y premiada directora mexicana cierra la cinta con esperanza. Premiada por su cortometraje Poles Apart, cuenta con un trofeo Annie y un BAFTA a sus espaldas.

Una pieza de este estilo entre tanta película comercial se hace rara. En si, no es algo que simplemente se visione y ya. No, se debe llegar más lejos. Aunque para muchos pueda pasar sin pena ni gloria en la plataforma, este tipo de filmes necesitan mentes abiertas y creativas que puedan llegar a entender la complejidad de todo este entramado. El esfuerzo que conlleva hacer una cinta de estas características debe ser tenido en cuenta.

Las historias, que podrían verse cómo una mezcla entre Kafka con su Metamorfosis o El Resplandor de Kubrick, se pueden llegar a entender como una alegoría de la vida y de los problemas que abarca. La última historia, quizás la más floja de todas, es la que más esperanza rezuma en su guion y, puede, que por ese hecho, quisieran cerrar con ella. Solo nos queda aplaudir a Netflix por apostar por este tipo de cine que, guste o no, también puede llegar a ser una obra de arte.

La trama de esta pieza audiovisual, que descansa bajo el suspense, gira alrededor de Mia (Luna Wedler), su protagonista principal. Esta estudiante de Medicina consigue ingresar en la universidad alemana para cumplir su propósito: encontrar pruebas fehacientes de los experimentos ilegales que su profesora de Biología, la doctora Lorenz (Jessica Schwarz), realizó en el pasado con su familia. Los esfuerzos para buscar verdades y diluir incógnitas son rutina en la vida de la joven universitaria. Una cotidianidad impregnada, además, por el amor y humor propio de las tramas juveniles.

Cuando apelamos al concepto clave de esta producción audiovisual, el biohacking, hacemos referencia a la reciente tendencia científica que convierte a cualquier organismo vivo en objeto de experimento para alterarlo de forma física o mental. Y aunque la serie no sea trascendente en términos científicos, sí que invita a una reflexión clara: ¿hasta dónde podremos experimentar con la ciencia? ¿Qué conseguirá de nosotros? ¿Y nosotros de ella?

«¿Qué podemos decir del futuro de las prácticas científicas clandestinas? ¿Qué pasará en los próximos 50 años?»

En la segunda temporada de este programa alemán, continúa la tensión experimentada en la primera. La joven Mia, tras una lucha incansable por mantener su verdad, despierta en un laboratorio con una profunda pérdida de memoria. No recuerda nada de su vida más reciente y pocas personas consiguen entenderla. La frustración contamina el pensamiento de sus amistades, quienes de forma colaborativa deciden ayudarla a encontrar el antídoto que sane sus funciones neurológicas.

Los laboratorios, antídotos y las prácticas clandestinas que configuran la trama de Biohackers hacen que esta producción alemana no sea susceptible de ser retirada por la plataforma estadounidense. Su escaleta medida y cuidada crea un thriller tecnológico que atrapa. Y aunque la proyección de la ciencia no acapare el protagonismo que merece, nos acerca a un concepto científico que no todo el mundo conoce: la biología sintética.

Ya en 2018, con motivo de un Trabajo de Fin de Máster, María del Mar Cortés, por entonces estudiante de la ULL, se detuvo a analizar esta disciplina científica. La autora del estudio consideró escasa y poco novedosa la bibliografía española en referencia a esta rama, y así fue como construyó todo un relato científico bajo el título Biología sintética. Del biohacking al ‘hágaselo usted mismo’.

«¿Qué podemos decir del futuro de la biología sintética? ¿Qué pasará en los próximos 50 años?», se preguntó Cortés. «Las posibilidades son infinitas: nuevos productos farmacéuticos, combustibles verdes, nuevos medicamentos y vacunas contra enfermedades emergentes», expuso. Y dentro de esas investigaciones, la autora no olvida a los biohackers, grupos «que han hecho suya la biología sintética y que aplican la filosofía hacker de la informática a las ciencias biológicas».

Do-It-Yourself Biology, una práctica en la frontera de lo ético

En esa contracultura, que no ejerce su labor en industrias, instituciones u otros espacios especializados, es donde nace la biología casera y donde se fomenta un uso biotecnológico no especializado y democratizado de la ciencia. Es ahí donde surgen los riesgos: el biohacking, que incluye la mejora de la salud o fomento del transhumanismo con el pirateo del propio cuerpo; y el Do-It-Yourself Biology (DIYbio), que aboga por «la realización de la ciencia fuera de los laboratorios tradicionales».

Entre las víctimas de estas prácticas se encuentra la salud pública y el medio ambiente. Por ejemplo, la posible «liberación al medio de agentes biológicos producidos en laboratorios caseros» o las llamadas investigaciones de doble uso se convierten en amenaza para la sociedad. A pesar de ello, la autora nombró los condicionantes que impiden avanzar a quienes abanderen este movimiento científico: financiación, regularización (por la inexistencia de una «adaptación de licencias específicas para personas aficionadas») y la disponibilidad de materiales de calidad.

Aunque fundir el cuerpo con la tecnología parece estar escrito en la hoja de ruta de la evolución humana, la comunidad científica aboga por que el derecho a la manipulación de agentes biológicos no esté al alcance de cualquiera. El fallecimiento de Aaron Traywick tras una modificación genética casera así lo demostró. La regulación es una de las aristas presentes en el debate de esta reciente disciplina; sin embargo, hay quien, como Cortés, piensa que «demasiada regulación podría empujar a algunas personas o grupos a la clandestinidad, dificultando aún más su control».

La resolución de Sony llega tras el éxito arrollador de otros servicios de streaming como HBO, Netflix, DAZN, Youtube o Disney +. Los máximos cargos de la compañía han visto cómo estas aplicaciones han crecido de forma exponencial. Por ello, han optado por centrarse en otros ámbitos y abandonar la extensa oferta de películas y series que han mantenido a lo largo de estos últimos diez años.

El equipo de PlayStation Store asegura que esta pérdida es significativa, pero que mantendrán la esencia de su catálogo. Esta tienda virtual ofrece una amplia gama de videojuegos descargables, ya sean gratuitos o de pago. Entre ellos se pueden obtener productos de todos los géneros posibles, desde algunos de los títulos más grandes hasta los simuladores más clásicos. Para obtener los juegos, es necesario tener una cuenta de PSN, una plataforma desarrollada por Sony para vender contenidos digitales.

Vanessa Lee, dirigente de negocios de vídeo en SIE, explicó en sus redes sociales que el interés de los usuarios de PS4 y PS5 han cambiado de manera drástica, puesto a que optan por los streams para invertir en su tiempo libre. Sin embargo, el principal objetivo de PlayStation es seguir maximizando las experiencias de su clientela, es decir, crear un contenido más específico que les permita disfrutar de sus consolas.

Peaky Blinders es una de las series más populares en la actualidad. Esta obra narra las aventuras de una familia gánster asentada en Birmingham tras la Primera Guerra Mundial. El jefe de la banda, Tommy Shelby, dirige un local de apuestas hípicas y sus fraudulentos negocios han llamado la atención de la policía irlandesa. Es entonces cuando comienza un trepidante juego por ver quién controlará la ciudad, la mafia o la ley. Sus cinco temporadas, producidas por la BBC y distribuidas por Netflix, la han convertido en un referente de la ficción televisiva actual.

Características del juego

La historia del videojuego comienza antes del primer capítulo de la serie. Toda la familia Shelby tendrá su papel protagonista en esta aventura. Tendrás que escoger al miembro de la banda más adecuado para cada circunstancia y cada momento concreto. La estrategia, el control del tiempo y la cooperación de la mafia para resolver los rompecabezas serán clave en el transcurso del juego. Steven Knight, director de su obra original, formó parte de la creación de la trama.

Robos, peleas con otras bandas o traficar de contrabando son algunas de las misiones del juego. Cada segundo cuenta y para ello podrás controlar el tiempo por el bien de tus intereses. Tendrás que conseguir un reloj de oro en cada uno de los diez niveles a completar. La familia Shelby ya cuenta con su propio videojuego, pasando de la televisión a las consolas de todo el mundo.

El cine se ha convertido en uno de nuestros mejores aliados durante el confinamiento. Hemos seguido disfrutando de grandes estrenos aún cuando todas las salas del mundo colgaban el cartel de cerrado. ¿Cómo es posible vivir una experiencia cinematográfica sin ir al cine? Es una pregunta retórica pero todos tenemos la respuesta en la cabeza: Netflix.

Es un hecho que Netflix nos ha salvado del aburrimiento. Durante más de dos meses la plataforma de streaming ha sido nuestro mejor socio en la batalla, no contra el virus, sino en esa que libramos todos a los que nos ha tocado quedarnos en casa: las largas tardes de confinamiento o las noches después de las intensas jornadas de teletrabajo.

«¿Son los estrenos en streaming el futuro? ¿Están salvando al cine o arruinando a la industria?»

Aunque las series siguen liderando el fenómeno Netflix alrededor del mundo, cada vez son más las películas originales que produce la plataforma. Durante esta etapa tan complicada para el mundo de la cultura, Netflix ha seguido estrenando contenido con normalidad, y obteniendo unos resultados que, favorecidos por la situación, claro, le están haciendo replantearse muchas cosas a la industria del cine.

La pregunta es necesaria: ¿son los estrenos en streaming el futuro? ¿Están salvando al cine o arruinando a la industria? Y, lo más importante, ¿significa esto que las salas de cine tienen los días contados? Hasta un director de la vieja escuela como Scorsese se ha animado a estrenar en streaming (El Irlandés, 2019).  Y esta no es la única gran producción de Netflix.  En los últimos Óscar hasta ocho largometrajes originales de la plataforma fueron reconocidos por la Academia de Cine. Acumularon un total de 24 nominaciones. Eso sí, de las 24, solo salieron dos estatuillas.

Y es que la Academia de Hollywood aún se muestra algo reacia a la hora de valorar positivamente a las películas que no se estrenan en cines. No por temas de calidad, está claro, el problema es la taquilla. Steven Spielberg, uno de los directores más importantes  del cine actual, ya criticó en 2018 el modelo de negocio de la plataforma y el modo en el que está rompiendo las reglas tradicionales de producción y distribución de las películas. Netflix contraatacó con este mensaje: «Amamos el cine. Estas son otras cosas que también nos gustan: acceso para gente que no se puede permitir el cine, o vive en pueblos sin cines; dejar que todo el mundo en todas partes disfrute de los estrenos a la vez; dar a los cineastas más formas de compartir su arte».

«Ir al cine es mucho más que ver una película, es una experiencia para los sentidos»

El debate sigue abierto y los argumentos de Netflix son muy acertados. Disfrutar de los estrenos desde casa tiene muchas ventajas, sin embargo, hay películas que son concebidas para ser estrenadas en salas de cine y para ver en pantalla grande.  Y hay cosas contra las que ninguna plataforma de streaming puede luchar.

Ir al cine es mucho más que ver una película, es una experiencia para los sentidos. Una experiencia que comienza cuando compras las entradas y que no termina cuando encienden las luces, sino que se prolonga hasta que llegas a casa. No hay que perder la bonita costumbre de quedar con amigos, sentarse en una sala rodeados de gente y disfrutar de un par de horas de arte y entretenimiento. No por un tema de recaudación o de taquilla, sino por una cuestión de experiencia, de vivencias, de emoción. Puede ser muy cómodo ver una película desde el sofá o desde la cama, o verla en cualquier parte a través un teléfono móvil, pero no es comparable a verla desde una butaca y en pantalla grande.

Ir al cine no es solo ver una película, también es el trayecto, la cola de las entradas, el olor a cotufas, los carteles de los estrenos y los murmullos de la gente.

El primer episodio es brillante, diferente y también hace gala de un humor muy particular. El juego y la tensión que se produce entre los dos actores principales, Bang como Drácula, y Dolly Wells, en el papel de Van Helsing, como su némesis, ha sido la sorpresa.

El segundo capítulo transcurre a bordo del navío Demeter, a su vez en referencia al texto de Bram Stoker. Durante esta pieza visual, el protagonista juega a Asesinato en el Orient Express (Agatha Christie), con los tripulantes y siete pasajeros que viajan abordo del barco. Todo un acierto.

De la tercera parte, tan solo puedo decir que esa hora y media no aportó mucho. Dio la sensación de que los guionistas de la versión para Netflix, no han sabido como cerrar la historia. O por lo menos, de momento, porque tanto la plataforma, como la BBC aún no se han pronunciado. Alguien que sí lo ha hecho ha sido uno de sus creadores, Mark Gatiss al señalar lo siguiente una reciente entrevista en Radio Times: «Es muy difícil matar a un vampiro. ¿Sabes a lo que me refiero? Lo que hacen es resucitar».

Así que habrá que esperar un poco para ver si disfrutaremos de una nueva entrega.

Otras compañías ya habían intentado hacerse con la hegemonía en este campo, como Google con su Project Stream o Microsoft con Project xCloud. De momento, ambas se encuentran en fase beta. Sin embargo, hay otras plataformas como Nvidia Geoforce Now, que llevan varios años operativas sin mucho éxito.

Este soporte conlleva beneficios tanto para las empresas, a las que les es más rentable que vender las consolas como tal; como para los usuarios, por su comodidad y portabilidad. A parte de este servicio, han lanzado un dispositivo físico con el que no es necesario contar con un ordenador o smartphone para jugar. De esta forma, el aparato transforma cualquier pantalla en una consola. Esta novedad además de conexión a internet, requiere del uso de un ratón, teclado o mando. Todos estos se pueden conectar mediante Bluetooth, o bien a través de cable USB.

Catálogo bajo demanda

El principal elemento diferenciador respecto a los anteriores prototipos son las opciones de catálogo que ofrece a los usuarios. Al librarse de una lista de videojuegos predefinida, el usuario podrá iniciar sesión en otros programas como Steam o Batle.net y acceder a los juegos de estas compañías. Literalmente, se trata de un ordenador en la nube que actúa como consola para ejecutar videojuegos.

En cuanto a la suscripción, Shadow Gosht cuenta con un precio inicial de 29,95 euros al mes si se contrata por un año. Por el contrario, si se opta por el pago mensual el precio asciende a 39,95 euros. Mientras, el formato físico se puede adquirir por 120 euros.

De momento, está disponible en Francia, Bélgica, Luxemburgo, Alemania, Reino Unido, Estados Unidos y Suiza. En países como España aún se retrasa su lanzamiento, en gran medida por las carencias audiovisuales.. En cualquier caso, su despliegue está cada vez más cerca.

Una comunidad virtual

Según un estudio de Retratos de Juventud, el  83 % de los jóvenes usa alguna red social. Nuestros cinco protagonistas no son ninguna excepción, pero como dato llamativo cabe destacar que, a pesar de su corta edad, son auténticos veteranos en esa materia.

Todos afirman que sus primeros contactos con las redes fueron con 12 o 13 años cuando utilizaban el Messenger y el Tuenti. Con el paso del tiempo estos chicos han aumentado la cantidad de comunidades virtuales en las que participan. Norberto Medina afirma que actualmente gestiona cuentas en Instagram, Twitter, Facebook y Whatsapp. Por su parte, Francisco Suárez únicamente utiliza tres: Whatsapp, Twitter e Instagram. Por último, Carmen Montesdeoca emplea su tiempo libre en cinco redes diferentes: Whatsapp, Facebook, Snapchat, Twitter e  Instagram.

 “Las redes sociales son indispensables para poder comunicarme con el exterior”

Pero, una de las consignas de la Generación Z no es solo el uso de redes sociales sino la gran importancia que le otorgan. Norberto no se considera adicto, pero reconoce que para él son “indispensables para comunicarse». Además, afirmó que dedica unas cuatro horas diarias para su uso y disfrute.  Por su parte, Francisco tampoco se considera dependiente, aunque les dedica buena parte de su día a día, usándolas unas ocho horas para ser más exactos. En cambio, Carmen no tiene pudor en reconocer su adicción. «Para mí las redes son esenciales a día de hoy, paso muchísimas horas con ellas y me costaría mucho abandonarlas”, manifestó la estudiante de Derecho.

Nuevas maneras de entretenerse

La televisión también comienza a verse afectada por la digitalización de los canales de comunicación. A pesar de que su presente y futuro aún es brillante con audiencias muy elevadas y grandes beneficios, parece que los nativos digitales no se conforman con ello y han encontrado en Internet alternativas para ver los contenidos televisivos de forma más directa.

“En Internet encontramos contenidos mucho más directos y accesibles”

Rubén Montelongo ejemplifica a la perfección lo descrito. Nuestro protagonista comenta que sigue viendo programas, pero últimamente se está decantando por ver contenidos online ya que son “más directos y puede verlos cuando quiera».

Isaac Gómez también comparte su opinión e indica que posee una cuenta en Netflix que produce que cada vez vea menos la televisión ya que desde su  ordenador “puede ver series y programas en cualquier momento”.

Por el contrario, Carmen Montesdeoca expresa que no utiliza ninguna plataforma digital para ver contenidos televisivos pues «no es una gran consumidora de series ni películas». Sin embargo, especifica que tampoco es suele ver la televisión con frecuencia, sino para ver algún que otro programa de entretenimiento.

Los videojuegos

Con el paso de los años los videojuegos han dejado de ser un simple elemento de entretenimiento con el que pasar horas del día a convertirse en una nueva red social. La llegada de las nuevas  generaciones de consolas (PS3, PS4, Xbox, etc.) ha traído consigo la posibilidad de competir online con otros jugadores. Esto no solo ha permitido que su uso y disfrute llegue a más gente, sino que ha provocado que se establezcan nuevas relaciones entre personas.

“Nos permiten entablar relaciones con personas de cualquier lugar del mundo”

Rubén Montelongo explica que «los videojuegos le han permitido comunicarse con sus amigos desde su propia casa” y gracias a ellos, ha podido “conocer a más gente y entablar nuevas amistades”.

Lejos quedan aquellos años en los que los jóvenes se reunían en cibercafés para jugar al juego de moda y pasaban la tarde rodeados de amigos y vecinos. El nativo digital utiliza su smartphone, envía un mensaje a sus compañeros para que se conecten y a los pocos minutos se encuentran jugando por el ciberespacio gracias a los micrófonos que traen las propias videoconsolas. Por esta razón, no es de extrañar que las distintas desarrolladoras estén comenzando a orientar sus productos hacia los modos de juego en línea ya que les producen mayor cantidad de popularidad y beneficios.

En definitiva, la llegada de esta generación está provocando que las formas de comunicación estén cambiando de manera vertiginosa. Las voces críticas explican que el trato entre los jóvenes es mucho más deshumanizado que en otras épocas. Puede que tengan razón,  pero no cabe duda que las ganas de la Generación Z de llegar más allá ha provocado que todos los estratos comunicativos tengan que revisar su futuro y adaptarse a los nuevos tiempos. Los nativos digitales representan el cambio en una época en la que las apariencias y la tecnologías se imponen frente a las consignas clásicas de otras décadas.

Paquita Salas, interpretada por el grancanario Brays Efe, es una representante de actores que se ha quedado un poco anticuada. Tras algunos altos y bajos, Salas intenta reconducir su empresa, PS Management,  junto a su inseparable ayudante Magüi Moreno, encarnada por Belén Cuesta. Después de perder a dos de sus representadas más importantes, Macarena García y Mariona Terés, Paquita busca alternativas de negocio, nuevos rostros y la recuperación de algunos otros que habían quedado apartados. La trama discurre en un ambiente muy realista que dibuja los entresijos del mundo del cine, las series y el espectáculo. En esta segunda temporada, destacan los cameos de Antonio Resines, Ana Obregón, Paz Vega, Andrés Pajares, Beatriz Luengo, Pepa Charro o Roi de OT 2017.

Esta segunda parte está caracterizada por el humor, que ya fue protagonista en la primera, pero también por las lágrimas. Lidia San José, que interpreta una versión de ella misma, crea uno de los momentos más entrañables al recordar sus inicios en el mundo de la interpretación. Junto a ella, Yolanda Ramos, que con su peculiar personaje, genera un sinfín de risas. El elenco de actores se completa con Ana Castillo y Alex de Lucas. Sin lugar a duda, una serie brillante, sencilla y emotiva, que dado el creciente éxito, ya ha confirmado tercera temporada.

Publicado por Literatura Random House, ha sido galardonado con el premio Whiting Award y nominado a su vez al Nationa Book Award. Lástima que Haruf, al entregar a su editor las últimas correcciones, muriera y no pudiera disfrutar no ya del éxito de ventas y del reconocimiento por ser elegido para estos dos premios, sino de la retroalimentación que su propio esfuerzo por escribir estas ciento veinte páginas en los últimos y dolorosos días de su vida habría significado para él uno de esos momentos en la oscuridad de la noche la mano de su mujer. Momentos que valen vidas.

«Y entonces llegó el día en que Addie Moore pasó a visitar a Louis Waters. Fue un atardecer de mayo justo antes de que oscureciera.Vivían a una manzana de distancia en la calle Cedar, en la parte más antigua de la ciudad, con olmos y almezos y un arce que crecían a lo largo del bordillo y jardines verdes que se extendían desde la acera hasta las casas de dos plantas. Durante el día había hecho calor, pero al anochecer había refrescado. Addie recorrió la acera bajo los árboles y giró ante la casa de Louis. Cuando él salió a la puerta, Addie le preguntó: ¿Puedo entrar a hablar de una cosa contigo?».

Breve, conciso, directo, llano, tierno… Addie Moore y Louis Waters, viudos y vecinos de un imaginario condado de Holt en Colorado, han convivido más de media vida muy cerca el uno del otro. Ella, con la serenidad de los años, con la fuerza que da la rudeza de la soledad y la libertad de no tener a nadie en casa, le hace una valiente propuesta a Louis. Dormir juntos en la oscuridad, por el mero placer de hacerse compañía, en esas horas en las que todo se hace más duro si cabe, donde la sensación de ser es insondable, y hablar durante esas horas, las más complicadas del día. Louis acepta de forma imprevisible, y comienzan sus encuentros de forma delicada. Van transcurriendo esas veladas en las que cada uno comienza a conversar, sin demasiada profundidad, de sus vidas pasadas.

«Resulta difícil entender que una mujer que se presenta tan valiente se pliegue con tanta facilidad al capricho de un hijo»

Sin embargo, un hecho imprevisto, cambia la situación. Jamie, el nieto de Addie, viene a pasar unas semanas con ellos después de que su hijo, con el que no congenia demasiado bien, Gene,  estuviera pasando por una crisis en su matrimonio. Sin embargo, lo que en principio podría haber sido un mal mayor, une aún más a la pareja, y forman una especie de familia de tres con salidas de picnic, dejándose ya ver por el condado, que se ve truncada ante la negativa de Gene que se niega a aceptar esta nueva relación de su madre. Y es tal vez donde la historia flaquee, a no ser que Haruf quiera demostrarnos cómo a día de hoy, el rol de madre y abuela, vinculado al de mujer sometida al hombre, sigue presente.

Resulta difícil entender que una mujer que se presenta tan valiente en relación con el vecino se pliegue con tanta facilidad al capricho de un hijo («Me da igual que te vean. Se enterarán. Alguien te verá. Ven por la entrada principal de la calle delantera. He decidido no hacer caso de lo que piense la gente. Le he prestado atención durante demasiado tiempo… toda la vida. No pienso seguir viviendo así. Por el callejón parece que estemos haciendo algo malo o vergonzoso»)  incapaz de respetar, comprender o escuchar a su madre.

En su forma de estar  redactada, tal vez por la prisa de su autor, no hay transición en los diálogos. Puede resultar extraño, pero consigue una agilidad y naturalidad extraordinaria. Amor en las edades más tiernas, tiernas porque siempre el dolor de la soledad que suele marcar los últimos años de este viaje, si se siente, esconde una necesidad, la de ser descubiertos, compartidos, la de amansar otro corazón solitario, y que amansen los nuestros. Y la vejez es tierna por esto; en realidad sentir el calor de una mano podría bastar. A Addie Moore y a Louis Waters les resurgió no sólo el amor. Resurgieron las ganas de vivir.

A pesar de las críticas positivas, cabe advertir que no es apta para todos los públicos. Esto se debe a que, aunque no ocupa toda la atención del producto, el contenido sangriento es bastante abundante, yendo de esta manera en la misma línea que la saga de videojuegos. Por otro lado, aunque no carece de ella, el primer espacio no destaca por su acción, ya que, como ya se ha comentado, esta funciona como introducción a los personajes principales y a la historia.

Estos cuatro primeros episodios se pueden encontrar en la plataforma con un buen doblaje al español, pero habrá que esperar hasta 2018 para disfrutar de la segunda temporada.

La serie gira en torno a la vida de las protagonistas y aunque durante sus diez capítulos solo se pueden ver resquicios de su pasado, debido a sus actuaciones y conversaciones, nos percatamos de que todas ellas han tocado fondo y el destino las ha unido para salir adelante mediante la lucha libre.

Cabe destacar que en la década de los ochenta del siglo XX hubo un grupo en Estado Unidos denominado Gorgeous Ladies of Wrestling (GLOW) fue creado para mostrar al público que las mujeres también se dedican a esta actividad. Glow fue filmado en un programa de televisión que duró cinco temporadas y tuvo mucho éxito. Por lo tanto, la serie se basa en hechos reales y lo condimenta con mucha purpurina, drogas y estereotipos. El proceso de aprendizaje, las llaves, el nivel básico de la lucha libre está presente en la serie pero ni de lejos se pretende dar al consumidor un espectáculo que puede encontrarse en el canal de deportes.

«La lucha, los entrenamientos, se combinan con melodramas personales y conflictos de grupo»

Se muestra la lucha libre como un espacio donde interpretar y entretener, sin que los aficionados lo noten. Además la lucha, los entrenamientos, se combinan con melodramas personales y conflictos de grupo que, aunque en ocasiones, parezcan absurdos, son un hilo conductor maravilloso porque emocionan y reivindican.

En Glow, el género, la amistad, la sororidad y los temas sociales como el racismo, el aborto, las apariencias, la sexualización, la pobreza y la hipocresía de un sector social conservador, que paga para limpiar sus conciencias ante los problemas anteriores, se presentan de forma contundente y satírica en el cuadrilátero.

La propia Alison Brie definió su nuevo trabajo como “una serie sobre mujeres labrándose su propio camino y descubriendo su propio cuerpo y sus posibilidades. La lucha libre es un vehículo para que se puedan sentir más fuertes y poderosas en lugar de la sobre sexualización enfocada en los hombres que es habitual en la televisión”. Está claro que la diversidad es uno los puntos fuertes de Glow y aunque en algunas partes el tinte humorístico recuerde a la serie Orange is the new black, ha logrado su independencia.

«Pantalones de tiro alto y luces de neón son un signo distintivo de esta producción»

Visualmente, las gamas de colores, los vestuarios y la banda sonora están perfectamente adaptadas a la época: pantalones de tiro alto y las luces de neón ya son un signo distintivo de esta producción. La historia del país y que, por lo tanto, nos conecta con los años ochenta también queda muy bien representada a través del enfrentamiento de la Unión Soviética (Alison Brie) y Estados Unidos (Betty Gilpin) en el ring. Un claro guiño a la Guerra Fría.

El estilo cinematográfico del momento y el impacto de obras como Regreso al futuro tienen su momento de gloria en pantalla gracias al personaje de Sam Sylvia (Marc Maron), director de cine frustrado que dirige el espectáculo a cambio de que produzcan su nueva película.

En su conjunto, es una serie es divertida, amena, y además de ese toque irónico y picante, es emocionante. Un entretenimiento más que acertado para este verano.