Si escucha la palabra ‘teatro’, ¿qué es lo primero que piensa? ¿Cómo definiría la conexión que tiene con las tablas? «Para mi el teatro es la parte más artística y creativa a la que me enfrento como intérprete. A estas alturas, me considero narradora y el escenario de un teatro es un lugar para narrar y donde me encuentro muy a gusto. Es un espacio sagrado para la palabra y para la interpretación».

Hablemos de La Profesora. ¿Cómo le llega el proyecto y por qué decidió embarcarse en el? «La obra es un texto contemporáneo y su propio autor, Eduardo Galán, es el que me pasa el texto. Desde la primera vez que lo leo me parece que tiene algo especial. En primer lugar, porque aborda la actualidad, y, por otro, debido a que cuenta la relación de dos personajes a través de las curvas de una comedia dramática».

¿Cuál diría que es la fortaleza de la obra? «La dirección de Carla Nyman ha llenado de poesía los espacios escénicos y ha conseguido, con muy pocos elementos, una obra muy hermosa. Junto a esto, que el proyecto trate temas de rabiosa actualidad, me parece lo más destacable. Hablamos de adolescentes que tienen problemas reales y con los que miles de jóvenes pueden encontrar similitudes. Esto provoca que entre las risas, que puede provocar ciertos comportamientos de rivalidad entre padre y profesora, se escuchen largos silencios de emoción y sensibilidad en los teatros ya que la gente capta, de manera perfecta, lo que se cuenta en cada momento. Hay mucho respeto hacia los pasajes dramáticos y me emociona mucho poder conmover».

«La obra trata temas muy latentes en la actualidad»

¿Qué se va a encontrar el público al ver la obra? «La trama cuenta la relación entre una profesora, el personaje que yo misma interpreto y la de un padre de una alumna conflictiva. Durante trece reuniones de tutorías los personajes, en un primer momento antagónicos, van revelando como en un pequeño thriller, cuál es el conflicto que envuelve a la alumna que no se aleja de problemas tan latentes en la actualidad como el acoso, la identidad de género, las relaciones de autoridad y las faltas de actuación en el ámbito educativo».

Temas muy actuales, ¿ha sido díficil hacerle frente? «Es necesario que el teatro sirva para contar estas realidades. Esta obra lo hace desde el respeto y siempre desde una perspectiva amable y amorosa. Esto produce en el público situaciones muy hilarantes pero también le causa complicidad y tolerancia hacia los problemas que se plantean».

Nombraba como el público se identifica con los temas de la trama. ¿Cree que la obra hace reflexionar a las personas que la ven? «Sí. La mayoría de obras teatrales actúan como espejo de la sociedad y en el escenario se revuelven numerosas emociones. Es precioso que las personas se vean reflejadas en el texto o que, a partir de entonces, entiendan la situación y abran su mente».

Conmover desde el teatro debe ser la recompensa más reconfortante… «Emocionar con una propuesta, es cambiar algo en la mente de las personas. Recibimos muchos agradecimientos por contar la historia de gente emocionada que nos cuenta lo que ha vivido. Ayudamos a conseguir más tolerancia y a que los corazones se abran».

«El público demuestra que quiere a los personajes»

En la obra interpreta a la profesora América Alcalá. ¿Cómo evoluciona a lo largo de la obra? «Es una docente que adora su profesión y que lleva muchísimos años ejerciéndola. No quiere jubilarse y su intención es ayudar en el problema de la chica. A medida que avanza la función, se va mostrando su lado más frágil y entre los personajes se van contando sus preocupaciones y miedos. Con este personaje rindo mi propio homenaje a todo el profesorado que siempre ha tenido un papel esencial en la sociedad».

Comparte la obra con Marcial Álvarez, que se mete en la piel del padre de la alumna. ¿Cómo ha sido trabajar con él? «Somos actores muy distintos y nunca habíamos coincidido, pero la verdad es que nos hemos acoplado muy bien. El hace un trabajo estupendo y estamos muy felices ya que el público nos demuestra que quiere y entiende a los personajes».

¿Qué espera de su paso por Tenerife? ¿Tenía ganas de regresar al Guimerá con una nueva propuesta teatral? «El Teatro Guimerá es un lugar precioso. Tengo muchas ganas de volver para acercar nuestra historia. Creo que va a ser una cita mágica, les va a gustar mucho y va a darles de que hablar y reflexionar, tanto de la propuesta y el enfoque del sistema educativo actual ante situaciones de crisis».

«Me ha servido vivir en la calle para poder ayudar a la gente»

La actriz y cómica Bianca Kovacs nació en Rumanía. En la actualidad, vive en Madrid. Habla seis idiomas y sus habilidades son el patinaje y el karate. Es monologuista profesional especializada en el Stand-Up Comedy (estilo de comedia dónde la humorista se dirige directamente a una audiencia presente en el lugar y expresa su visión del mundo). Además, participa en el ciclo de humor Fuera Broma y presenta Las noches del Club de la Comedia en Madrid. Ahora mismo, se encuentra de gira por toda España con su monólogo Una rumana muy legal. 

Kovacs empezó en 2010 trabajando de actriz, «hice bastantes episodios, en muchísimas series, pero a mí me gustaba la comedia desde siempre». En 2017 «creí que era un buen momento para empezar a escribir un texto mío, para no depender de nadie y para contar lo que a mí me apetecía contar».

«Me escapé de mi casa con la persona con la que sigo»

Un momento icónico para ella fue cuando vino a España: «yo viajé en autobús porque, de hecho, yo me escapé de mi casa, con la persona con la que sigo, era bastante joven, teníamos 17 y 18 años». Explica que «al principio estuvimos viviendo en la calle durante tres semanas hasta encontrar un rumbo, digamos.» En el monólogo, habla más sobre este tema y de cómo se tomó ese momento. En cuánto a lo profesional, «me siento bastante apoyada por la industria, con lo cual eso me parece bastante icónico».

La cómica se describe en tres palabras «soy muy perseverante, muy trabajadora y muy realista.  Aunque luego lo llevo todo a la comedia». También, añade que «me gusta trabajar mucho desde una realidad que existe sin quejarme y sin ver los problemas de lo que está ocurriendo en el mundo, sino que todo hace parte de la vida».

«Yo pongo los límites, no dejo que me los pongan»

El monólogo de la humorista se divide en partes: una que es a modo general, otra es «lo que yo vengo a contar», y otra que «siempre tiene que ser actual». Afirma que «los chistes que yo hacía en 2017 estaban en un punto de mi vida y ahora mismo estoy en otro muy distinto».

La monologuista comenta que «tengo muchísimo trabajo, voy contando cómo me trata la gente siendo más conocida a raíz de tener más seguidores, conversaciones con personas a nivel mundial y eso hay que actualizarlo porque si no sería un loro diciendo un texto. Y no es eso, es lo que yo quiero contar».

«Mi estilo de humor es muy bestia»

«Soy bastante burra y bruta, mi estilo de humor es bestia pero sí que hay algún límite» explica la Kovacs. También afirma que «yo pongo los límites, no dejo que me los pongan, pero para mí se puede hacer chistes con todo y de todo pero que sea un chiste trabajado y que no sea gratuito». Asimismo, aporta que «el público se tiene que reír.  Para mí eso es la comedia.»  Por otro lado, indica que «es aprender a leer al público y eso te lo ofrece la experiencia en el escenario».

Ella argumenta que es importante «saber leer el público, qué quieren esa noche. Por eso es interesante trabajar cada vez más con personas que me conozcan. Creo que es cuando empezamos los artistas a tener libertad. Pero si yo voy a un ayuntamiento, a un sitio donde hay 50 personas mayores, me tengo que adaptar».

«La gente se siente menos rara, se siente identificada»

«He aprendido muchísimas cosas. No paro de aprender, De cómo es la gente, de cómo le llega a la gente lo que cuentas. De que los monólogos de risa me han escrito después del confinamiento de que les estoy ayudando muchísimo a personas que están con depresión, con problemas.  la gente se siente menos rara, se siente identificada. Yo aprendo también. Aprendo también con todo eso. Y lo importante que es hacer lo que a uno le gusta»

«Sirve de terapia para ti y para el público»

Uno de los consejos que le da a las personas que se quieran dedicar a esto es «que no piense primero ni en la fama ni en el dinero que piensen realmente en si aman esta profesión». Explica que al comienzo «es tan duro cómo difícil». Por ello, «depende de tantas opiniones que si piensas en lo otro no tienes esa energía para seguir».

Añade que «si te gusta realmente, tienes algo que contarle al mundo, entretener a la gente o hacerles reír, hazlo, sirve de terapia para ti y para el público».

«Me ilusiona muchísimo poder hacer comedia en cine»

Uno de los logros más destacados para la actriz fue la nominación como Mejor Cómica en los II Edición Premios Berlanga al Humor en 2023. «Fue también un antes y un después». Además, trabajó en los premios Feroz, «era un poco la manera de unir la interpretación con el Stand-Up Comedy».

También se encuentra realizando proyectos de ficción «voy a grabar en mayo en una película de comedia». La actriz dice que «me ilusiona muchísimo poder hacer comedia en cine, llevarlo a la gran pantalla».

Como aspiraciones futuras o metas, Kovacs quiere seguir mezclando comedia y cine «soy afortunada en poder  ir haciendo las dos cosas. No me aburro y una cosa se nutre de la otra». También le gustaría producir «sería interesante producir ficción».

¿Cómo decidió embarcarse en Johnny Chico? «Llevaba mucho tiempo buscando un texto para teatro y entré en una página de guiones australianos y allí di con Go by night, el texto de Stephen House sobre el que hemos adaptado la obra. Me conquistó leer que el mismo actor interpretaba a todos los personajes, suponía un reto y es algo que me encanta. El detonante inicial de la obra es la muerte de la  madre del protagonista y eso es lo que le empuja a iniciar su viaje de autodescubrimiento. Cada vez que leía el monólogo no podía parar de pensar que quería llevarlo a un escenario».

¿Qué ha sido lo más difícil a la hora de crear la obra? «Lo más complicado de este montaje es que además de a Johnny, el protagonista, interpreto a el resto de personajes de la obra, y hay unos diez. Me meto en la piel de su madre, su mejor amigo del que está enamorado, su padre y hasta de un camionero. Darles voz, hacer que se distinguiesen y que fuesen creíbles, ha sido el mayor reto para mí».

¿Qué sientes cuándo te subes al escenario? «El trabajo es una locura. Son ochenta minutos incesantes con un ritmo en escena frenético y desquiciante por momentos. El público pasa de la risa a la emoción en segundos. A nivel actoral es un monólogo complejo. Siento mi corazón latiendo al máximo en algunos momentos de la función, pero disfruto mucho».

¿Cuál diría que es el punto fuerte de la obra? «Que está llena de aristas y que, a través del arte, trata temas como la prostitución, la homofobia o el abuso infantil que llegan a las personas para transformarlas con el entretenimiento, haciéndolas llorar, pensar y reír».

«Es necesario que la cultura nos haga evolucionar y empatizar»

El monólogo tiene una fuerte reivindicación contra la LGTBIQ+fobia y para romper ciertos tabúes en la sociedad. ¿Cree que la cultura debe dar cabida a estas historias, a veces silenciadas? «Es fundamental. Desde que nacemos escuchamos cuentos que dan ejemplos de cual es el camino correcto. Creo que las personas adultas deben elegir sus propias historias. Historias que acerquen a la verdad, a algo que nos haga evolucionar, mejorar y empatizar. Que nos señalen quién es caperucita y quién es el lobo».

Vuelve a retomar la gira en Tenerife. ¿Tiene ganas de meterse de nuevo en la piel de Johnny? «Muchas ganas. Johnny ha sido un revulsivo en mi carrera. Llevo tatuadas en la mente cada una de las palabras de este montaje y mostrárselas al público siempre me hace muy feliz. Siento muchas emociones en cada función. Es un montaje extenuante, pero el feedback de la gente que la ve es tan bonito, que solo puedo estar agradecido».

«La obra hace reflexionar a la gente que la ve»

¿Cree que es una obra que deja huella en el público? «Sin duda. Hemos recibido muchos mensajes de personas que, días después de verla, seguían con el montaje clavado en la sien, haciéndose preguntas, encajando piezas y agradeciéndonos la representación».

La obra lleva en cartel desde su estreno en Valencia en 2021 y suma ya más de cien funciones. ¿Cómo valora la acogida que ha recibido en estos años? «Ha sido alucinante. Sentir al reír al público a carcajadas en un montaje que inicialmente se plantea duro, ver el brillo en sus ojos cuando acaba la pieza o escuchar sus palabras es muy bonito. Repetiría este viaje mil veces».

«Tenemos que trabajar en proyectos que nos ilusionen»

¿Qué le ha aportado la obra tanto a nivel personal, como profesional? «Me ha hecho darme cuenta de que los actores no tenemos que esperar a que alguien llame a la puerta. Es necesario sacar hacia adelante proyectos que nos ilusionen y nos muevan por dentro. Soy consciente de que el reconocimiento da más facilidades, pero ese reconocimiento viene de la experiencia que me ha dado formarme, llamar a puertas que no siempre se abrieron y escoger trabajos sin remuneración para aprender y seguir creciendo».

Ha trabajado en proyectos de televisión, cine y teatro. ¿Dónde se siente más cómodo? «Todo tiene su aquel. Personalmente me encanta la magia del teatro, el poder remover emociones y conciencias en un momento irrepetible. También, reconozco que la repercusión mediática que da la televisión o el cine son brutales y más aún con las plataformas digitales, que hacen que nuestros trabajos se conozcan en todo el mundo».

¿En qué proyectos futuros se encuentra inmerso? «Acabo de participar en el rodaje de Quién es quién, la próxima película de Martín Cuervo y se está preparando la gira de El monstruo de White Roses, un montaje dirigido por Jesús Torres y que protagonizo junto a Lucía Díez. Además, estoy desarrollando mi faceta como escritor y ando preparando la producción de mi primer corto como director y guionista, Abanto: La tradición«.

La obra es una adaptación de Go by night, un texto de Stephen House escrito en los años noventa. Víctor Palmero interpreta, a lo largo de la trama, a diez personajes. Da vida a Johnny (el papel protagonista) y la gente que lo rodea en su día a día: su madre, su padre o su mejor amigo. «Dar voz a tantas personas y hacerlas creíbles ha sido uno de los mayores retos del proyecto», apunta el actor.

Palmero tiene claro que «la fuerte capacidad reivindicativa» de la obra es su punto fuerte. «El texto está lleno de aristas y trata temas que son complicados de hablar en público como la homofobia, las drogas, la misoginia o el abuso infantil», relata. En este sentido, el actor añade que gracias al teatro estas realidades llegan y hacen reflexionar a las personas asistentes a través del entretenimiento, la emoción, la risa y la música.

«Es fundamental que la cultura de cabida a estas vidas silenciadas», comenta Palmero, añadiendo que se debe romper con lo que la sociedad ha establecido como camino correcto. «Las personas adultas necesitan escuchar historias elegidas por ellas mismas que acerquen a la verdad, hagan evolucionar y que señalen quién es Caperucita y quién el lobo», asegura.

Bontempi recuerda que su vocación para actuar se fue despertando desde que era una niña. «Empecé mostrando algunos indicios. Cuando tenía cinco años le dije muy convencida a mi padre que quería salir en la televisión y me fascinaba ir a ver el circo», señala. A partir de los once años, comienza a formarse con distintos cursos que la introdujeron en el arte dramático.

«Hay varios proyectos que han dejado huella en mi vida»

Piensa que su carrera ha sido «lenta pero constante» ya que considera que ha recorrido el camino como una hormiga: «Desde que era muy joven me fui a estudiar a Londres y a Los Ángeles y ya llevo más de veinte años en Madrid. Ha sido un proceso de subir las escaleras pasito a pasito». Si tuviera que destacar algún aspecto de su carrera, no duda en poner en valor todos los proyectos que la han marcado, dejándole una gran huella tanto en lo personal, como en lo profesional.

La serie Nacho es el trabajo más reciente de la actriz. La ficción, basada en la vida de Nacho Vidal, muestra las luces y las sombras de la industria de la pornografía y sus comienzos en España. Recuerda que hizo varias pruebas y que uno de los puntos para decantarse por el proyecto fue Bambú, su productora: «Me dio mucha confianza las series que tienen a sus espaldas, su gran visual y su forma de trabajar. Sabía que iban a hacer algo espectacular».

Explica que «antes de que se estrenara la serie, quizás había cierto morbo por que Nacho Vidal fuese el eje conductor», pero piensa que existen otros aspectos que sorprenden, como el enfoque de las tramas o el dinamismo.

La tinerfeña interpreta a María Bianco, una actriz, directora y productora de cine porno. «Todos los papeles están inspirados en personas reales, a modo de referencia, pero al  interpretarlos son muy diferentes», afirma. En cuanto a su personaje, desvela que le atrajo «que fuera una mujer con mucho poderío, ejecutiva, fuerte y sumamente sexual, desde el punto de vista del disfrute».

«He tenido que romper mis tópicos con el cine porno»

A la hora de ponerle voz a su personaje y de enfrentarse a la serie, la actriz indica que ha tenido que superar una serie de prejuicios respecto al cine para adultos. «En Nacho no hacemos pornografía, pero sí la interpretamos», sentencia. Asimismo, desvela que ella era la primera que tenía tabúes con el porno y que ha tenido que romperlos. «Fue una forma de quitarme prejuicios que tenemos todas las personas», añade.

«Una serie como Nacho requiere muchas partes subidas de tono», narra. El rodaje del proyecto contó con la figura de la coordinadora de intimidad, que ha ayudado en las escenas de sexo. Bontempi indica que «es un rol novedoso en España y que ha sido bastante importante», ya que da la confianza de estar en un entorno protegido y tranquilo. «Siempre me preguntaba con qué no me sentía cómoda o hasta que punto quería llegar y, eso, es de agradecer», añade.

«La gente no esperaba el dinamismo de la serie»

La actriz comenta que «el proyecto está teniendo una buena acogida, tanto en nuestro país, como en Latinoamérica» ya que cree que la gente no se esperaba que fuera tan dinámica y divertida. Además, desvela que, para ella, el punto fuerte del proyecto es el ritmo, el entretenimiento y la capacidad de generar morbo sin caer en lo obsceno.

En cuanto a proyectos futuros, cada domingo se estrena un nuevo capítulo de Nacho y la actriz desvela que, este año, se mantendrá en el mundo de la ficción. «Estoy preparando una serie nueva para este año, pero no puedo adelantar mucho», concluye.

¿Cómo valora la situación actual del cine español? «Está pasando una mala racha. Las salas de cine están vacías y corren peligro. Por eso, pienso que los festivales son muy importantes para que el cine siga manteniendo su esencia, para que no caiga en el olvido. Considero que un país sin cine se queda ciego, le faltaría un trozo de cultura».

¿Qué ha sido lo más importante de toda su carrera? «El público. La gente me quiere mucho, me lo demuestra y es lo mejor que me puede pasar. Siempre digo que mis premios son las personas que me siguen y me apoyan. Son la gran motivación de mi oficio. Sin el público nada de esto tiene sentido».

«Si echo la vista atrás, me asombro de mi recorrido»

¿Tenía ganas de regresar a Canarias? «Estuve el año pasado en el Teatro Guimerá con Una noche con ella, mi último espectáculo, y estoy muy contenta de regresar a las Islas. Me tratan siempre genial, disfruto mucho de vuestra tierra y aquí siempre me he sentido muy querida».

¿Cuál ha sido el mayor aprendizaje que ha obtenido? «Hay muchos aspectos. Quizás, lo que he aprendido es a perseguir las metas y a llegar a ser lo que mi corazón me ha dicho. Si echo la vista atrás, hoy me asombro de todo el recorrido que he hecho y de todos los esfuerzos. También, pienso que elegir este camino ha valido la pena, pese a todos los contratiempos que han surgido».

Y seguirá valiendo la pena... «Pues claro. He llegado hasta aquí y yo voy a seguir contando, interpretando y hablando de lo que me gusta».

Se ha metido en la piel de muchas mujeres y ha trabajado en muchos proyectos distintos entre sí. ¿Hay algo qué no haya hecho todavía y en lo qué desea participar? «Pues quiero estar en un musical. Ja, ja, ja… Me gustaría un musical grande, donde yo cante un poco, me marque mis pasitos, pero en el que yo sea la maestra de ceremonias. Si es verdad que Una noche con ella tiene ese toque musical, pero quiero algo más espectacular».

«Creo que Alimañas va a gustar mucho»

Ya terminó de rodar Alimañas, la primera película de Jordi Sánchez y Pep Antón Gómez. ¿Cómo ha ido el rodaje? «Todo muy bien. Es una comedia negra que creo que va a gustar y que va a ser muy graciosa. Además, el elenco es muy bueno y coral. Carlos Areces y Jordi son los protagonistas absolutos y completo reparto junto a Silvia Abril, Carmina Barrios y Pilar Bergés. Se va a montar una…».

¿En qué proyectos futuros la veremos pronto? «A finales de marzo empiezo con la nueva temporada de La que se avecina y estaré rodando hasta diciembre. Creo que este año ruedo la película Padre no hay más que uno 4 de Santiago Segura. Tengo también otras cositas en marcha, aunque no puedo adelantar mucho. Ya lo iréis viendo».

La Muestra de Cine Español surgió con el objetivo de poner en valor el cine español y, así, reivindicar su calidad. Esta tercera edición comenzó con la proyección de La reina de España, una película de Fernando Trueba estrenada en 2016.

La trama gira en torno a Macarena Granada (Penélope Cruz), una estrella de cine que regresa a la España franquista para interpretar a Isabel la Católica y se ve envuelta en los entresijos de la dictadura. El reparto del filme lo completan, entre otros rostros, Antonio Resines, Rosa María Sardá, Javier Cámara, Chino Darín y Neus Asensi.

La película terminó y, entre aplausos, subió al escenario Luis Yeray Gutiérrez, alcalde de La Laguna, para entregar el premio honorífico a Loles León. La actriz agradeció al equipo de la Muestra el galardón y afirmó que «su mayor regalo es el público» y que sin su apoyo su carrera no habría sido lo mismo.

«El rodaje de La reina de España fue muy duro»

El evento continuó con un coloquio moderado por el codirector de la Muestra, Ramón González Trujillo, en el que León y Areces charlaron, en primer lugar, sobre la película de Trueba. Loles León señaló que le guarda mucho cariño a su personaje ya que tiene mucho parecido con ella misma y, también, aseguró que «el rodaje fue muy duro, porque había muchos exteriores».

El actor, que solo rodó una secuencia, comentó que en esta película era la quinta vez en su carrera que encarnaba a Franco y aseguró, con tono irónico, que «uno de los talentos que le había dado la vida era parecerse al Generalísimo. «Me pongo una peluca y soy mi madre, un bigote y soy Franco», afirmó entre carcajadas.

Loles León recordó, durante el coloquio, que en Águila Roja, interpretaba a la madre del personaje de Areces y que, desde entonces, han coincidido en otros proyectos y han forjado una fuerte amistad. «Desde ahí tengo claro que es mi mamá», declaró Areces.

«Mujeres al borde de un ataque de nervios me marcó»

Asimismo, hablaron sobre los proyectos más especiales de sus respectivas carreras. Carlos Areces no dudó en su respuesta: «Me marcó mucho Balada triste de trompeta, me costó mucho rodarla y me lanzó a la fama».

Loles León recalcó que todos sus trabajos son muy importantes, pero que su pequeño papel en Mujeres al borde de un ataque de nervios marcó su vida y le dio un cambio de 180 grados. «Fue un antes y un después. Es un personaje con un gran impacto en mi vida personal y artística»

Al finalizar la charla, Carlos Areces pidió la palabra y arremetió contra Loles León y con la organización. «No me han dado ningún premio, creo que ha sido un lamentable error», bromeó despertando grandes risas entre las personas asistentes. Tras este primer encuentro, la Muestra de Cine continuará el próximo miércoles, 8 de marzo, con la proyección de Viaje a ninguna parte, que contará con con la presencia del actor Gabino Diego.

La gente la conoce por sus papeles en televisión y en cine pero también la poesía es otra de sus facetas. ¿Recuerda cuándo y por qué comenzó a escribir? «Escribir ya va adquiriendo una supremacía en mi vida. Durante toda mi vida he escrito en diarios y papelajos mis pensamientos. Lo que pasa que hay una especie de yo poético que se va labrando con los años, la palabra ebullía en mí. Creo que es la consecuencia de un amor compulsivo a los libros».

¿Qué papel tiene la poesía en su vida? «Es algo que vino para quedarse, sin duda. Como te comentaba, es algo muy importante. Me ayuda a expresar lo que siento, porque la palabra es acción y el lenguaje nos lleva a límites que jamás habríamos cruzado».

«La geografía de tu nombre es una reflexión sobre el amor, la muerte y las pérdidas»

Hablemos de su libro más reciente, La geografía de tu nombre. ¿Cómo fue su proceso de creación? «Nació como algo espontáneo y tardé más de un año en escribirlo. Me movía un sentimiento y quería hablar acerca del amor, la muerte y las pérdidas. Al crearlo ya se fue creando el hilo conductor que es la pérdida de un amor. Se refleja con muchas manifestaciones: el aspecto filosófico, la memoria de lo que fue y ya no es y el dolor por anhelar a una persona».

¿Se puede entrever a Isabel Ordaz escondida en las historias? «Es una pregunta que me hacen bastante en el teatro con mis personajes. Ja, ja, ja. Siempre está encima de la mesa el si eres tú o no eres tú frente a cualquier proyecto. Hay que tener en cuenta que la creación literaria viene dada por un yo poético, de ficción. Evidentemente, la que escribe e imagina soy yo, sale de mi, pero una vez escrito o una vez metida en la piel de un personaje, en el caso de la interpretación, pierde tu identidad y la historia ya no es solo mía».

Con el lanzamiento de La geografía de tu nombre, varios de sus poemas se pueden escuchar narrados por usted en Spotify. ¿Cómo ha sido la experiencia? «Muy gratificante. Son una selección de nueve poemas en formato audio y me pone muy feliz pensar que la gente los escuche y se identifique con ellos. Además hago algo parecido en mi perfil de Instagram ya que publico vídeos y hago directos leyendo mis escritos y tengo buen feedback de las personas que me siguen».

¿Dentro del poemario hay algún poema más especial para usted? «Sí. Uno de los más significativos para mi es Cuando se come arena. Refleja la resolución de una vivencia de impotencia radical hacia la muerte. Es una vivencia donde la vida se observa otro sentido».

«Estoy muy contenta con la acogida del poemario»

El teatro es muy importante en su vida. ¿Qué le aporta? «He buscado desde que era una niña la forma de expresarme, de comunicar y de narrar. Lo que más me fascina, y por eso me dedico a ello, es la capacidad de ser otras personas, de adentrarte en otras almas o formas de pensar e incluso en otros aspectos de la ética, en algunos momentos detestables. Con el tiempo me doy cuenta que este oficio te da tolerancia».

Unamos sus dos pasiones. ¿Podemos encontrar diferencias entre la Isabel Ordaz actriz y la escritora? «Me gusta contraponer el papel del  payaso y el poeta. El payaso es el rey de la voluntad, se esconde detrás de una máscara, no se rinde nunca y vive mirando a horizontes dubitativos. La figura del poeta es más relajada».

«Los próximos meses vienen cargados de trabajo»

¿La vamos a volver a ver en el tetro, cine o en la televisión? «Pues tengo un momento de fertilidad en este aspecto. Ja, ja, ja. Ahora trabajo en tres proyectos a la vez y sigo escribiendo, en la medida de lo posible. Preparo una obra de teatro que se llama Coraje de madre y luego preparo otra llamada La profesora que con ella seguramente hagamos mucha gira. En cine, voy a empezar a rodar una película en Sevilla titulada La reina del convento. Estos meses se presentan con mucho trabajo por delante».

¿La podremos ver pronto por Canarias con sus obras o presentando sus nuevos poemarios? «Me encantaría estar en las Islas para presentar mis proyectos. He estado en varias ocasiones y regresar a vuestra tierra sería un placer para mi».

¿Cómo se define? «Definirse a una misma es algo complicado, es mejor que lo hagan otras personas. Al fin y al cabo yo soy como soy. Me considero una mujer llena de vida, energía, positivismo, alegría y risas».

¿Qué significa la comedia para usted? «Desde que recuerdo ha sido parte esencial de mi filosofía vital. Me encanta reírme, entonces el humor para mi lo es todo. No soporto la gente triste o pecho cobra, como yo les llamo, que te acaban robando tu esencia y tu luz sin que te des cuenta. ¡Tenemos que tener un poquito de ambiente en nuestras vidas, coño!».

Hace muy poco se ha vuelto a subir a los escenarios. ¿Tenía ganas? «Prácticamente no he tenido hasta hace unos meses. Después del año tan chungo que he pasado con la enfermedad no entraba en mi cabeza lo de trabajar, me daba cuenta que no estaba preparada. Ahora que ya he arrancado motores, anímicamente me ha sentado muy bien y físicamente lo estoy aguantando. Poco a poco se va a ir llenando el calendario de nuevas fechas y no me puede apetecer más».

Ha visitado el Archipiélago en varias ocasiones. ¿Siente una conexión especial con las Islas? «Pues la verdad es que si, llevo viniendo más de veinte años. Es curioso y mágico que la última función que hice antes de que se me detectara la enfermedad fue en Tenerife y las primeras representaciones que hago tras el parón son también en la Isla. Aquí en todo momento me tratan de maravilla, que no significa que en otros sitios me traten mal, pero hay que destacar que la sociedad canaria es muy hospitalaria.

«Volver a pisar el escenario fue algo muy bonito»

Comenzó la gira de su obra Lunátika el pasado 29 de septiembre en Adeje. ¿Qué tal ese reencuentro? «Reencontrarme con el público y con el escenario fue precioso. Estuve muy nerviosa pero una vez que empezó el espectáculo los nervios se desaparecieron y disfruté muchísimo. Además, es la primera vez que actuaba y veía a la gente sin mascarilla tras la pandemia».

Comentaba en redes sociales que quería volver a ver reír y disfrutar a la gente. ¿Qué le aporta, tanto profesional como personalmente? «A nivel laboral creo que ya está todo más que aportado, son más de tres décadas en este mundo. Si es cierto que a raíz del momento que estoy viviendo me da la vida totalmente. Sus carcajadas son un chute de ánimos, un regalo».

¿Cuál es el hilo conductor de Lunátika? «La obra es una conferencia sobre la manipulación mental con tono de humor. La protagonista es sometida a un experimento psicológico que investiga qué pasaría si no nos influenciara nada ni nadie y si estuviéramos en soledad, en este caso en la luna. Hay dos personajes que los hago yo cambiándome muy rápido. Por un lado la conferencianta que le explica al público lo que se va a hacer y las manipulaciones mentales que existen y por otro Mary Lonly, la ratita de laboratorio».

¿Cuál diría que es el punto fuerte de la obra? «Sin duda alguna el humor. Se tocan temas serios y reales pero con una mirada cómica. El público se siente reflejado pero al final se parten de la risa porque las cosas que contamos las hace todo el mundo».

«Tengo muchas ganas de continuar con la gira por España»

La música juega un papel importante…. «Sí. Hay tres canciones que están metidas dentro de la historia. Mary Lonly canta para expresarse en distintos momentos. Como me gusta cantar y me he dedicado tanto tiempo en la música pues últimamente da la casualidad que en todos los shows canto algo».

¿En qué la veremos inmersa en un futuro? «Seguiré girando por nuestro país. Estaré en el Teatro del Barrio en Madrid, por Badajoz y Andalucía. Retomaremos Ay Carmela y en febrero del próximo año estrenaremos un nuevo espectáculo, tenemos un lío enorme pero muchas ganas».