Cuando escuchas la palabra cómic lo primero en lo que piensas es en superhéroes norteamericanos y esto se debe a la gran tradición que hay en ese país por el tebeo. Javier Fernández trabaja en el mercado americano dibujando para DC y David Lafuente se encuentra actualmente ilustrando en el sector francófono. Ambos coinciden en que el mercado japonés es el más pujante: “en EEUU las cifras se cuentan por miles, en Japón son millones”, explicó Lafuente. Por otro lado, la situación en España es diferente y los dos la definen con una frase: tiene una mala salud de hierro.

Javier Fernández: «Si tu futuro es dibujar terminarás dibujando»

Quienes acudieron al encuentro se interesaron por la manera en la que los dos dibujantes españoles empezaron a interesarse por los cómics. Fernández confiesa que la primera vez que vio un tebeo fue cuando tenía 15 años y que “compraba cómics pero no los leía, simplemente me gustaba ver los dibujos”. Lafuente, al contrario que Fernández, cuenta que su historia es “la típica que cuentan los artistas: desde pequeño estaba rodeado de cómics. Mis hermanos eran dibujantes así que siempre tuve a mano materiales e inspiración”. La diferencia de sus historias sirve para enseñar a los futuros artistas que “tu destino te encuentra y si tu futuro es dibujar terminarás dibujando”, dijo Fernández.

Otro tema de relevancia que se trató fue el de la publicidad en los tebeos. David Lafuente explicó que la inclusión de la publicidad supone una reducción de páginas dibujadas, por lo que “pagan menos a los dibujantes pero ganan dinero al introducir esa publicidad”. Algo similar ocurre con los coloristas. Contratar a un colorista que utiliza pocos colores significa pagarle menos y “muchas editoriales prefieren publicaciones con menos color con tal de pagar menos”, añadió Lafuente.

Siguiendo con la publicidad, uno de los asistentes preguntó si alguna vez habían sido obligados a incluir publicidad en sus dibujos. “Todo lo contrario”, respondió Fernández, “en realidad te vetan cualquier intento de publicidad”. Para explicarse, contó que una vez dibujó un aparato electrónico en el que puso el nombre ‘Pony’: “tuve que quitarlo porque la editorial notó que era demasiado parecido a Sony”. Lafuente explicó que las editoriales son exigentes porque al poner el nombre una marca se arriesgan a ser denunciados.

Algo similar ocurre con los cameos. Como anécdota Lafuente contó un seceso que vivió el dibujante Salvador Larroca: “Se dibujó a sí mismo como un villano, por lo que su editorial le obligó a firmar un contrato en el que se comprometía a no denunciarse a sí mismo por ser plasmado como un villano”. “Son situaciones extrañas pero divertidas que solo pasan en el mundo del arte”, dijo Fernández.

David Lafuente: «No hay malas historias, solo malos narradores»

“¿Es más importante el dibujo o la narrativa?”, preguntó un asistente. “Difícil pregunta”, respondió Fernández. Lafuente continuó diciendo que para él no hay malas historias, solo malos narradores y que la narrativa es lo más importante, “más incluso que el dibujo. “Discrepo”, interrumpió Fernández. Para el dibujante de DC todo depende de a quien le preguntes. “Javier Pulido (dibujante en DC) está en mi top 3 de buenos narradores, pero no destaca tanto como dibujante”. Son mundos diferentes y cada persona se fija en algo diferente.

La inspiración para un artista lo es todo y los dos dibujantes españoles se atrevieron a contar en qué se fijaban ellos para sus creaciones. Javier Fernández explicó que se inspiraba mucho en las fotografías en blanco y negro: “las sombras son una manera de insinuar y yo busco eso, me gusta más insinuar que mostrarlo todo”. Por su parte, Lafuente confesó que “a la hora de mostrar emociones me fijo mucho en el mangaka japonés Inio Asano, sabe transmitir muy bien los sentimientos de los personajes”.

Respecto a su futuro, los dos confesaron que les gustaría publicar historias propias. “Hace poco renové el contrato de exclusividad con DC, así que por ahora lo tengo complicado”, comentó entre risas Javier Fernández. David Lafuente contó que actualmente está autoeditando algunas publicaciones, pero que espera poder hacerlo con un cómic propio. Fernández añadió que le gustaría hacer lo mismo que su compañero, pero que sería complicado. “Debes pensar en el futuro, en pagar impuestos, la jubilación, etc. Trabajando para una empresa te aseguras todo eso, si vas por libre es más complicado. Además, la calidad no siempre implica éxito”, explicó Fernández en un tono más serio.

Las preguntas de los asistentes y las respuestas de los dibujantes se fueron sucediendo en una conversación tranquila y en la que los artistas se sintieron cómodos. El encuentro estaba incluido en las jornadas de TLP Tenerife Winter, evento que ha tenido lugar del 6 al 9 de diciembre en el Magma Arte & Congresos de Costa Adeje.

¿Cómo comenzó a dibujar? «Desde mi más tierna infancia siempre me recuerdo con un lápiz o un bolígrafo en la mano haciendo dibujitos. Mis libros de texto y mis apuntes siempre estaban decorados con garabatos en cualquier espacio en blanco o en los márgenes. Las reproducciones de cuadros clásicos de los libros de historia eran un buen lugar para dibujar chistes. En cierto sentido yo inventé los memes por mi propia cuenta décadas antes de que les pusieran nombre».

¿Qué le hizo querer dedicarse al mundo del dibujo de manera profesional?«Mi padre fue el célebre paisajista canario Juan Zerép, así que desde pequeño siempre viví en un ambiente rodeado de arte. El olor del óleo fresco o la trementina me evocan mi infancia. Mi padre descubrió dese muy temprano que tenía buena mano para el dibujo y siempre me animó a ello».

Como ilustrador, ¿qué diría que es lo más difícil de su trabajo? «¡Vivir de ello! Cuando uno ama su trabajo y tiene buena mano e imaginación, lo menos difícil es llevarlo a cabo, pero los artistas no solemos ser amigos de la disciplina y muchas veces tampoco sabemos buscarnos los clientes adecuados. Siempre he procurado ser independiente y no tener que trabajar para nadie de 9.00 a 20.00 horas, pero eso también implica renunciar a la comodidad de un salario fijo para poder perseguir tu sueño de vivir de tu arte y no es una meta fácil de conseguir y, sobre todo, de mantener».

¿En qué se inspiró a la hora de realizar el cartel principal del Salón del Cómic? «La estrella destacada del Salón es el dibujante David Lloyd, creador de V de Vendetta junto con el guionista Alan Moore. Así que, desde el inicio, tuvimos claro que el cartel tenía que homenajear a su personaje protagonista, V. Quería hacer algo imaginativo con este icono que ha trascendido hasta convertirse en un fenómeno social como es Anonymous. Pero no me bastaba con reproducir la máscara de Guy Fawkes, pues eso ya lo hizo Lloyd en la portada de su obra. Quise darle una vuelta de tuerca y formar la icónica máscara por medio de otras imágenes un poco al estilo de esos retratos de Dalí formados con otros elementos que, juntos, evocaban un rostro».

¿Le resultó difícil realizar una composición que integrara de forma tan exitosa elementos del cómic y de Santa Cruz? «Bastante difícil. En una temprana reunión del comité organizador del evento alguien propuso hacer la máscara mediante la técnica de mosaico de imágenes. Yo quise ir más allá y hacerla con viñetas del cómic V de Vendetta, pero tampoco me convencía pues a fin de cuentas estas imágenes las hace un programa al que alimentas con todas las fotos pequeñas y la foto final que quieres componer. Es un proceso mecánico y poco creativo además de que recortar una a una todas las viñetas sería un proceso tedioso».

«Espero que desde esta edición, el Salon vuelva a ser una tradición y un punto de reunión entre artistas y lectores»

¿Cómo llegó a la idea final? «Me fijé en que el ojo medio cerrado de la máscara con su ceja arqueada se asemejaba a la silueta del Auditorio de Santa Cruz. Pensé que podría hacer todo el rostro de V juntando elementos emblemáticos de la ciudad, pero pronto esta idea demostró ser inviable, pues no encontraba nada con lo que rellenar el resto de la máscara. Así que decidí que simularía una página de cómic con varias viñetas y que en cada una de ellas dibujaría un elemento distinto con una distribución de luces y sombras similar al trozo de máscara que cubría».

¿Se agilizó el proceso? «Tampoco era una tarea sencilla, pero ya no estaba limitado por la idea inicial, pues Santa Cruz ya estaba representado. Una técnica que utilicé fue distribuir entre distintos grupos de Whatsapp y Telegram algunas de las viñetas que se me resistían con el trozo del dibujo original de V y preguntar a mis amigos, en una especie de Test de Rorschach, qué les sugería esa mancha abstracta. Así surgieron el dragón, que fue una idea de Alicia Warhola, y el pingüino, que fue idea de un amigo y compañero de la universidad».

En él podemos identificar a Batman, elementos de Star Wars… ¿Por qué eligió a esos personajes? «Este salón de 2018 presenta varias exposiciones temáticas, entre ellas, una dedicada a los superhéroes y otra a Star Wars en los cómics. También traeremos los óleos que Enrique Corominas ha pintado para las portadas de la serie de novelas de George R R Martin Canción de Fuego y Hielo, así que procuré que algunas de las viñetas del cartel evocaran estos temas. También hay un pequeño homenaje particular a Moebius, artista al que conocí en persona y he admirado toda mi vida, y otro a Milton Caniff, el creador de series tan míticas como Steve Canyon o Terry and the Pirates«.

¿Qué espera del XV Salón del Cómic? «Espero que con esta resurrección del salón, impulsada por el profesor y periodista Francisco Pomares y por mi hermana, la actriz y presentadora Rosanna Walls, vuelva a la Isla una tradición y un punto de reunión entre artistas y lectores que se venía echando de menos desde hacía 12 años. Esta edición pretende ser una continuación directa de aquellos tiempos, aunque adaptándonos a los actuales, por supuesto, como si no hubieran existido esos años de ausencia  Para ello no hemos escatimado en invitar a grandes artistas nacionales e internacionales en un preludio de lo que pretendemos que sea, a partir de ahora, el Salón del Cómic de Santa Cruz: una cita obligada y destacada en el panorama nacional del cómic».

¿Cree que es necesaria la existencia de eventos de este estilo?«¡Sin duda! El cómic es cultura. Es el Noveno Arte, el arte secuencial. Es una expresión creativa única que aúna literatura y pintura o dibujo de manera tan válida como el cine o el teatro. Además es una poderosa herramienta para introducir e interesar a los más jóvenes sobre cualquier tema de una manera amena, y eso es algo que debería tener en cuenta el sector educativo y que trataremos de poner de manifiesto».

«Las Islas son cuna de grandes artistas»

¿Cómo valoraría la situación del sector del cómic en Canarias? «Canarias es cuna de grandes artistas y el cómic no iba a ser menos. De aquí han surgido destacados artistas que trabajan para las dos grandes Marvel y DC como son David López, Javier Pulido o Ángel Hernández, auténticas primeras figuras de estas editoriales. Rayco Pulido fue Premio Nacional del Cómic en 2017 y la exposición Cómic Sans Frontières, comisariada por Rosanna Walls en el Círculo de Bellas Artes, puso de manifiesto una pequeña muestra del gran talento que derrochan los artistas canarios».

¿Tienen los autores canarios las oportunidades necesarias? «Vivir del cómic siempre ha sido difícil. No es un camino sencillo llegar a ser reconocido a un nivel que te permita ser un profesional a tiempo completo y, en otros tiempos, el coste de la insularidad era un gran inconveniente para las aspiraciones de los incipientes artistas. Pero hoy en día las cosas han cambiado bastante gracias al avance de las telecomunicaciones y la introducción de los ordenadores a todos los niveles del proceso de creación».

Digamos que se ha dado una evolución… «Claro. Ahora, incluso, se puede trabajar cómodamente desde casa, ya sea utilizando papel y lápiz o un lienzo digital, y enviar los trabajos de manera inmediata al editor en cualquier parte del mundo. Además, los autores que están intentando buscar trabajo tienen la posibilidad de enviar a estos mismos editores su portafolio por e-mail sin tener que desplazarse a donde esté. Canarias tiene la ventaja de gozar de un clima envidiable y eso ha provocado que artistas de fuera hayan elegido nuestras islas para quedarse a vivir y trabajar desde aquí, contribuyendo a un caldo de cultivo y un ambiente de camaradería que crea una sinergia maravillosa y única».