La jornada empezó con una introducción a la actividad fotográfica, en la que Arechavaleta señaló que «quien se dedica a esto debe buscar un mensaje en la imagen». El campo en el que se pueden capturar impresiones es enorme. Se pueden tomar de la vida social o de la natural. «Tengo interés en exponer lo que ocurre en la naturaleza», explicó y acompañó con el ejemplo de una foto de un caracol mimetizado con el tronco sobre el que se posaba. Contó que el gastrópodo conseguía esconderse porque «con su baba decoraba su caparazón camuflándose con el entorno».

«Si se ha manipulado el fondo hay que decirlo»

Con el transcurso de la jornada Arechavaleta siguió exponiendo más ejemplos de impresiones que había realizado en la naturaleza: una mantis religiosa que miraba fíjamente a la cámara, saltamontes, chinches… Comentó un aspecto que recalcó como fundamental en la ética de la fotografía: «No se puede mentir, si se ha manipulado el fondo hay que decirlo». Señaló que el juego con las perspectivas, la cercanía y la iluminación son clave para lograr un determinado mensaje. Contó que en ocasiones él había utilizado una cartulina o su «bolsa verde» para otorgar poder y un mayor protagonismo del insecto.

Asimismo, formuló las tres fases fotográficas que existen para él: la técnica, la estética y la del mensaje. Aclaró que la primera consiste en la captura de la foto; la segunda, en hacerla bonita y la tercera, «que la imagen cuente una historia». Su manera de trabajar consiste en tomar fotografías sin tener que editarlas. «Busco hacer fotos que lo incorporen todo y despúes no tener que pasar por Photoshop», destacó. Una afirmación que sorprendió al público, el cual preguntó si no aplicaba edición. «No lo hago por partes, solo entera. No retoco los colores. No soy pintor», contestó el entomólogo.

«Hay que seguir el instinto que cada persona lleva adentro»

Los aspectos técnicos entraron en acción cuando expuso todo tipo de impresiones que había realizado en el medio terrestre. Algunas se pueden encontrar en su cuenta de Instagram. Empezó criticando la utilidad de los encuadres tradicionales: la proporción áurea y la regla de los tercios. La primera explicó que no suele funcionar y en cuanto a la segunda recomendó que «hay que seguir el instinto que cada persona lleva adentro». Él aplica «las leyes de la Gestalt», de manera que incluye un significado a sus instantáneas según la simetría, la posición del sujeto, el contraste y la similitud para jugar y buscar el encuantre deseado. Además de utilizar un punto de fuga para lograr profundidad y el empleo de las diagonales.

Tras explicar cómo busca sus ángulos, recuperó algunas imágenes que había expuesto previamente. Tomó como ejemplo una fotografía de una chinche. En ella ubicó lo que había explicado, la simetría, la inclinación para lograr prominencia, un fondo negro y una extrama proximidad al insecto. «Con esto consigo darle poder a este pequeño depredador», señaló. Para la obtención de instantáneas concretas explicó que en ocasiones tiene que ir varios días consecutivos a un mismo lugar para capturar lo que quiere. Además, destacó que «para encontrar el ángulo que busco, a veces me tengo que tirar al suelo y jugar con mi posición».

Llegando al final del taller, Arechavaleta cogió su cámara macro y contó cómo era el funcionamiento del filtro de luz que llevaba instalado. Aprovechó para hablar de la intensidad luminosa y cómo este accesorio le permitía «tomar fotos a una gran cercanía del insecto». El público, con curiosidad, le preguntó por los precios de los dispostivos fotográficos, y se llevó la sorpresa cuando les respondió que su máquina tenía un precio de dos mil euros y el objetivo, 300. Pese al pequeño susto de la sala, el fotógrafo les invitó a seguir con sus intereses fotográficos y recordó que «no hay mejor manera de aprender que probando».

El Espacio Cultural CajaCanarias La Laguna presenta El mar y el deseo, una exposición fotográfica en homenaje al poema Oda al atlántico de Tomás Morales. El autor Ángel Aldai se sumerge, mediante 24 fotografías, en las corrientes del océano para buscar el deleite del espectador en su travesía por la exhibición. Este recinto es de acceso libre y se puede visitar hasta el 29 de julio. El horario es de lunes a sábado de 10.00 a 13.30 horas y miércoles, jueves y viernes también de 17.30 a 20.00 horas.

En el espacio expositivo se encuentran tres series fotográficas elaboradas por Aldai, Mar indómito, Mar omnipresente y Mar infinito. El recorrido de las imágenes comienza en la orilla, luego se adentra en la roca volcánica y finalmente, se aleja de la isla poniendo rumbo al horizonte. El lema pensado por el artista para su creación es ¿Por qué miramos las olas?

El autor, originario de La Caleta, destaca que «desde pequeño he estado habituado al mar, a su sonido y al viento», vivencias que le conectan directamente con su obra. Así mismo, reseña que «las divisiones dentro de mi obra son términos sacado del poema de Tomás Morales» y que esta pieza artística «ha evolucionado con respecto al escrito original».

«La composición es uno de los aspectos más importantes de la obra. Sin ella un buen concepto se puede arruinar»

Ángel Mateo, también conocido por su apodo artístico Motroco, es un artista canario que desde los 16 años se dedica a la fotografía. Su pasión busca transmitir emociones que la sociedad tiende a demonizar. El artista define su trabajo como una ciencia conceptual, una rama del arte gráfico que prioriza la idea de la obra y no los materiales que se suelen usar. En el 2014, compró una GoPro para hacer fotos de bodyboard. Sin embargo, una amiga le prestó su cámara profesional réflex. Al utilizarla sintió algo totalmente nuevo, «una felicidad diferente». Así, se adentró en el mundo de los retratos pese a que no era su especialidad. «Acabó siendo algo mágico», asegura. 

El fotógrafo ha colaborado con artistas canarios como Koset y Og Gara. En la actualidad, está trabajando en Road to hip hop, un proyecto nuevo enfocado en el teatro y la danza. Motroco considera que la mejor de sus obras es el set de Lo que lloran los muertos, un trabajo que le llevó catorce horas de edición. Tras un breve repaso de su vida artística, comenta que le gustaría trabajar con Elena Sheidlina, una artista rusa que edita fotos con un estilo muy conceptual. «Saldría algo muy interesante», afirma. 

«Desde que soy pequeño tengo la necesidad de crear»

Ángel Mateo explica que le gustaría realizar un proyecto en el que mezclar la fotografía, la escultura y la pintura. De esta forma, pretende esculpir digitalmente algunas de sus obras y convertirlas en busto. «Desde que soy pequeño tengo la necesidad de crear. El arte es lo único que no está inventado, es la herramienta para sacar las ideas de mi mente», subraya. 

Motroco trabaja con la pintura en miniatura y la impresión 3D.  Además, comenzó a esculpir digitalmente, «nunca es tarde para empezar», señala, para añadir que «desde los catorce años me dedico a la fotografía, es algo que me llena. No me veo dejando atrás esa etapa, pero sí combinándola con otras artes como la pintura».

El Centro de Ciudadanía de Punta del Hidalgo inauguró el pasado 2 de junio la exposición fotográfica Pasado, presente y futuro: Instantes de la memoria. Igual Lab y la Universidad de La Laguna investigaron el patrimonio cultural inmaterial del barrio lagunero con el fin de estudiar la etnicidad canaria desde un enfoque del género a través de sus fiestas populares. Las fotografías muestran la festividad de la Virgen del Carmen y datan desde la década de los sesenta hasta la última celebrada en 2020. La Muestra estará abierta hasta el 20 de junio.

MUJERES: Archipiélago de Patrimonios es una exposición fotográfica, localizada en la Facultad de Ciencias Sociales y de la Comunicación de la ULL, que tiene como objetivo poner en valor el conocimiento de mujeres que mantienen vivo el patrimonio cultural canario. Este proyecto ha sido organizado por las antropólogas de la Universidad de La Laguna Grecy Pérez Amores y Silvia Zelaya, en colaboración con la artista plástica Eilyn Amores. El evento, inaugurado el 8 de marzo, estará disponible hasta al 16 del presente mes.

La Sala Miguel Guirao, situada en la Facultad de Ciencias de la Salud de la Universidad de La Laguna, acoge desde el 8 de febrero la exposición fotográfica MicroscopiArte. El médico y profesor titular de la ULL José Luis Carrasco lleva más de una década captando imágenes microscópicas de los tejidos orgánicos de los seres vivos. Todas ellas llaman la atención por su aspecto singular y su parecido con elementos de la vida cotidiana. Además, utiliza diferentes programas informáticos para aplicar filtros de color y lograr una estampa única.

Arterias, células pavimentosas instaladas en la lengua, escamas de queratina y tejidos de procedencia vegetal son solo una fracción de todo lo que se puede contemplar con absoluto detalle.  «Las obras que componen esta colección nacieron de forma espontánea. Ha ido desarrollándose poco a poco ella sola. Empecé con una imagen y el resultado me gustó», explica el autor.

Por la labor que desempeña como histólogo, este investigador pasa muchas horas frente al microscopio estudiando la composición, la estructura y las características de distintos materiales biológicos. Esta profunda devoción por la materia viva le ha permitido recopilar cerca de doscientas imágenes durante su tiempo libre, incluidos los veranos.

Ciencia y arte

Desde la creatividad que le sugiere el laboratorio, Carrasco fusiona ciencia y arte con el objetivo de que otras personas disfruten tanto como él de todo lo que no se puede percibir a simple vista y que, en muchos casos, forma parte del cuerpo humano. Afirma que su estudio «también puede ser abordado y expresado mediante el dibujo o la pintura».

Cada lámina está acompañada de la fotografía original en un tamaño reducido y de una leyenda explicativa que ayuda a comprender lo que se está observando. La exposición, que se podrá visitar hasta el 30 de junio de 08.00 a 20.00 horas, es de acceso gratuito y hace de puente entre la histología y la ciudadanía.

El XVI Bienal Internacional de Fotografía de Tenerife presenta en el TEA (Tenerife Espacio de las Artes) la muestra Reensamblaje, inaugurada el pasado 22 de octubre, y que estará disponible hasta el 9 de enero de 2022. El hilo conductor de esta exhibición es la producción del paisaje, entiendiendo así a la fotografía, como un sistema complejo de comunicación. En un momento como este, en el que el Centro de Fotografía de la isla de Tenerife y Fotonoviembre cumplen treinta años de trayectoria, se crea un espacio de reflexión que pretende trascender los límites del mero consumo de la fotografía.

Se trata de un curso que constará de dieciocho horas lectivas en las que se impartirán contenidos sobre cómo conseguir buenas fotografías, técnicas, trucos y astrofotografía. Además, contará con dos sesiones prácticas, una de ellas con los telescopios del Aula Cultural Cassiopeia, en las que el alumnado podrá poner en vivo lo aprendido.

Esta actividad de extensión universitaria será reconocible por un crédito ECTS. La inscripción se podrá hacer hasta mañana, 6 de noviembre, a través de la página web de la Fundación General  Universidad de La Laguna. Las tarifas del curso van desde los 30, 00 euros hasta los 58, 59 euros, dependiendo de la situación de la persona interesada.

Estos últimos días cubrió la erupción volcánica de La Palma. En Buenos Días Canarias lo describió como un shock, en el que pasó de cubrir un fenómeno volcánico a un drama humano. ¿Cómo recuerda ahora lo ocurrido? «Me pilló aquí, comiendo con mi familia, y en una hora y media me metí dentro de un avión. Al principio estaba tan sorprendido por el espectáculo visual que se me olvidaba lo que viene después. Pero te dura dos o tres horas, hasta que se te baja la emoción de verlo tan de cerca, y empiezas a ver la lava comerse casas. Estás constantemente viendo y escuchando a gente que lo ha perdido todo; yo creo que eso es lo que peor llevamos al estar allí. En mi caso, ya me había olvidado del volcán. Ya teníamos sus fotos escupiendo lava y fuego; es brutal, espectacular, súper alto, bonito, lo que tú quieras. Pero, al final, te quedas cubriendo sus efectos. Los últimos cuatro o cinco días de trabajo estuvieron focalizados en la devastación y los testimonios de las personas».

¿Cómo siente lo que todavía está ocurriendo en La Palma? «Vivirlo a distancia me fastidia enormemente. Me encantaría estar allí y contar lo que sucede en la Isla, porque hay un montón de gente que va a necesitar ayuda. Y eso que todavía no tenemos ni idea de la magnitud. Lo que quieres en esta profesión es intentar transmitir ese caos al país y al mundo y que se den cuenta de lo que está pasando. Ese es nuestro trabajo. Dar a conocer a la opinión pública para que la gente haga cosas».

«Pakistán es un país que siempre he querido conocer. Abrieron una escuela para transexuales y una de boxeo femenino. Quiero traerme algunas historias»

Justo después de la cobertura en La Palma, hoy viajará durante casi un mes rumbo a Pakistán. ¿Cree que el movimiento constante y la inquietud son partes fundamentales para su trabajo? «Sí, tanto para el fotoperiodismo como para el periodismo en general. Tenemos que ser unos culos inquietos, nos tiene que gustar movernos, meternos en sitios complejos… No creo en periodistas que se sientan frente a un ordenador y no salen de ahí, aunque entiendo que hay algunos puestos que van de eso. Pero al final, para tener algo valioso, tienes que mojarte. Si quieres una foto del volcán, vas a tener que meterte ahí, en un sitio del que te van a echar, donde vas a estar tragando ceniza y vas a ver dramas brutales. En mi caso, y en el del fotoperiodismo, hay que intentar que lo que haces tenga un fin. Inquietudes, miles».

¿Qué tipo de trabajo pretende conseguir este mes en Pakistán? «Es un país que siempre he querido conocer. Es más, yo tenía pensado ir antes de lo que ha pasado en Afganistán. Por encima de lo que parece, siendo un país islámico, son bastante más tolerantes de lo que podemos pensar. Es curioso. Por ejemplo, en Islamabad abrieron una escuela para transexuales. En Karachi hay una de boxeo solo para mujeres, para que se defiendan de posibles agresiones. Hay un tipo que está decidido a enseñarles cómo pegar guantazos por si reciben una agresión. ¡En Pakistán, ños, qué interesante! También hay un campo de refugiados desde hace décadas por la guerra con la Unión Soviética en Afganistán, y puede haber un tema allí. Me encantará hacer uno de personas afganas, pero no me quiero volver loco porque, quieras que no, son mis vacaciones. Se trata de hacer algo, pero con filosofía».

¿Cómo va a llevarlo a cabo? ¿De qué medios dispone? «Quiero ir a hacer fotos, conocer la cultura, disfrutar mis vacaciones y traerme algunas historias. En mi caso es complicado porque voy solo. No voy con una infraestructura detrás, ni un medio de comunicación que me proporcione financiación o un fixer. Yo voy a Pakistán y, a partir de ahí, empiezo a tirar del hilito. Sí que tengo algún contactito que me puede ayudar, pero poco más. Por ejemplo, tengo un compañero que es cámara de Salvados, que está en Afganistán. Estaba hablando hace poco con él y me dijo que viajar con el programa es brutal por los contactos. En mi caso no es así».

«Tenemos que darle visibilidad a las injusticias, que lo que hacemos sirva de algo. Para trabajar en esto, es necesario ser buena persona»

Además del viaje que hará a Pakistán, ha hecho coberturas periodísticas en otros países como Irán, Myanmar, Vietnam, India o Turquía. ¿De dónde viene ese interés por Oriente Medio y Asia? «De la sensación de ir a un sitio con una cultura totalmente distinta. Cuando notes que estás en un lugar perdido, donde sabes que nadie te entiende y que tus normas y reglas no funcionan, entonces sentirás que has viajado. Cuando tengas esa sensación, luego te dicen de ir a Alemania y dirás chos, qué dices, ¿Alemania, en serio? Alemania es como el patio de mi casa. Yo he viajado por Europa y Sudamérica, pero allí tienen nuestros modos de Occidente. La primera vez que fui a la India, solo, en 2010, llegué a Bombay y me sentí como en la Luna. Esa sensación es la que busco repetir todos los años».

También ha estado durante meses cubriendo con profundidad la inmigración africana en Canarias. ¿Cómo vivió ese drama humano y cómo se implicó en él? «Mis imágenes tienen que contar historias que, de alguna forma, ayuden. Cuando puedo elegir implicarme más en un tema, voy con eso en la cabeza. Con la inmigración pasó. Tenemos que darle visibilidad a toda esa injusticia que ocurre aquí, en el primer mundo, y eso hicimos. Además, yo soy inmigrante. Vine huyendo de Venezuela, en 2001, aunque en mejores condiciones; más bien, me trajeron. Desde luego, no es nada comparable. Llegas, aunque sea hablando el mismo idioma y teniendo el mismo tono de piel, y es una putada. Imagínate quienes hablan otra cosa y tienen otro color de piel. No dudé en ningún momento en implicarme todo lo que pudiera en contar sus historias. Y creo que, en general, hicimos un buen trabajo. Lo poquitito que pudo cambiar a mejor, igual fue gracias a darle tanta visibilidad porque, seguramente, si no hubieran estado ahí tantas cámaras y periodistas, un montón de personas que han podido viajar seguirían en la misma situación».

Su trabajo fotográfico va acompañado del compromiso social. Suele documentar protestas muy diversas: estudiantiles, contra los desahucios, prosaharauis, por los derechos LGBTIQ+, etc. ¿Se trata de un asunto de principios morales o de un sentimiento de deber social por estar ahí para contar? «Creo que son las dos cosas. El fotoperiodismo tiene que ser una mano que ayuda. Necesito sentir que sirvo para algo y que mi trabajo sirve. Debe tener un fin productivo y no contar solo tonterías. Por eso, aunque lo respeto, y es solo mi punto de vista, el periodismo deportivo me parece cutre. Además, creo que para trabajar en esto y ser buen fotoperiodista es necesario ser buena persona y tener sensibilidad con quienes lo necesitan. Y las buenas personas quieren ayudar, independientemente de que tengas una cámara o un caldero de sopa».

«Falta cultura y sensibilidad de lo importante que es documentar eventos. Nuestras fotos quedan para las futuras generaciones»

¿Qué destacaría de su trabajo durante los momentos más intensos de la pandemia por la Covid-19? «Queríamos enseñar el drama que estaba sucediendo en los hospitales, pero no nos dejaban. No nos dejaron hasta 240 y pico días después del Estado de Alarma. Lo que destacaría, no solo de mí, sino de mis compañeras y compañeros, son las ganas de enfrentarnos a algo que no conocíamos. En esos primeros días de confinamiento, andando solo, te cruzabas con un compañero y no sabías qué hacer. Lo toco, me acerco, hago así con la mano… dudas. Ante esas dudas nos enfrentamos, les echamos cara, entereza y valentía. No sabíamos si íbamos a llegar a casa y contagiar a nuestras familias. Pero las ganas de trabajar bien y de contar lo que pasaba son superiores a eso. Le echamos valentía ante una situación que desconocíamos, eso destacaría».

A la hora de acceder a ciertos lugares, es habitual tener problemas con las fuerzas de seguridad, quienes despejan las zonas y hacen que tengan que saltarse restricciones para poder fotografiar. ¿Cómo se puede trabajar así? «No solo las fuerzas de seguridad del Estado, Policía y demás; en general, lo que suelen hacer es bloquearnos todo el tiempo, de forma automática, en todos los momentos de crisis. Sea riesgoso o no. Yo entiendo que en la profesión hay mucho pesado que viene a molestar, y que es más sencillo cortar a toda la prensa por cómo actúa una persona. Eso es más fácil que seleccionar. Solo te dejan pasar cuando eres muy colega de quien está en el control o, de forma puntual, si conoces al jefe jefazo. No hay otra forma de hacerlo, es a base de picaresca».

¿Habría que crear protocolos para que periodistas y fotoperiodistas puedan hacer su trabajo en momentos y lugares de crisis? «Es importantísimo. Si hubiera gabinetes especializados en gestionar a la prensa en momentos de crisis, sería ideal. Si hicieran eso, no tendríamos que estar colándonos y molestando, sabrían dónde estamos en todo momento. O, por lo menos, debería existir una cultura de lo importante que es documentar los eventos. Con el coronavirus, los equipos de enfermería estuvieron luchando, dejándose la piel para salvar a un montón de gente. Y nadie lo vio. Ya después nos dejaron entrar, pero si no, nadie lo hubiera visto. Todos esos documentos se quedan para las generaciones que vienen, y van a buscar fotos y vídeos hechos por profesionales. Con el volcán es igual. No falta solo un protocolo de actuación; falta cultura y sensibilidad de lo importante que es documentar. Es historia. Como hace la Casa Real, habría que acreditar a ciertos medios y periodistas, y no dejar entrar a cualquiera. Que den acreditaciones a los medios que son responsables. Y, si se usan mal, te las quitan y no entras en tu vida a cubrir un incendio ni a ninguna parte».

Darse a conocer en el mundo fotográfico siempre ha sido difícil, pero se han creado herramientas para que la gente que se dedica a la fotografía extienda su trabajo por el mundo. Flickr, por ejemplo, siempre ha sido una opción casi obligatoria para la gente cuya cámara parece una extensión más de su cuerpo.

Allá por el año 2004, Stewart Butterfield y Caterina Fake crearon el sitio web de Flickr, un lugar donde los fotógrafos pueden compartir sus fotografías, almacenarlas, ordenarlas e incluso venderlas. Poco a poco la página fue ganando popularidad. En 2015 registró un total de 112 millones de miembros y se subían más de 3,5 millones de fotos nuevas diarias. No creo que Butterfield y Fake fueran conscientes del boom fotográfico y la revolución que habían creado. Personas amateurs y profesionales colisionaron y la fotografía empezó a verse como un trabajo valorado.

A partir del año 2017, la página web empezó a registrar cada vez menos números de subidas de fotos por la aparición de nuevos enemigos: Google Photos, Pinterest, Twitter e Instagram. La web llegó a pedir ayuda a los usuarios para no desaparecer. Toda una calamidad.

No cabe duda de que en el juego fotográfico hay dos nuevas monarcas. Por un lado está Instagram, la red social que cuenta con más de 1200 millones de perfiles activos en el mundo. Un espacio en el que la gente navega por el mundillo de fotos y falsas apariencias. Por otra parte, Twitter, el gigante azul arropa a más de 350 millones de personas usuarias que lanzan pensamientos y su trabajo al ciberespacio. Darse a conocer era difícil, pero ya no lo es gracias a estas vías.

Una nueva dicotomía

Quienes se dedican al mundo artístico en Canarias siempre han tenido una mayor desventaja en cuanto a grado de reconocimiento y fama en comparación con personas de otros territorios como Madrid o Barcelona. Sin embargo, esta barrera es cada vez menor gracias a las redes. Alguien de Finlandia puede ver las fotografías que sube una chica de Gran Canaria.

Como una servidora nombró al inicio de este reportaje, las personas que trabajan de la fotografía tienen la capacidad de congelar el tiempo en mitad del caos. En las Islas se pueden encontrar a una gran selección de fotógrafos y fotógrafas que se han dado a conocer a través de las redes sociales.

La nueva incógnita es la siguiente: en plena era de la interconectividad… ¿Es necesario abandonar las Islas para ganar fama y conseguir trabajo en el ámbito artístico? Son muchos los ejemplos que nos enseñan que la idea de dejar atrás Canarias e ir a la Península para tener éxito es algo del pasado.

Verónica, seguidora de impulsos

Verónica González es una joven de 23 años que vive en Tacoronte. La joven finalizó sus estudios de Diseño en la ULL hace dos años. Empezó en el mundo fotográfico porque, según ella misma cuenta, quería sacarse «las típicas fotos guays y diferentes» para lucirlas en su perfil de Tuenti. Su pasión por la dirección creativa y su estética la han llevado a tener más de diez mil seguidores en Instagram.

Empezó su recorrido en redes subiendo retratos de sus amigos y luego dio un salto a las fotos en el estudio. Se podría destacar su trabajo de Fin de Grado, el cual consistió en una serie inspirada en lo 22 arcanos de las cartas del Tarot. Se puede ver este trabajo en su perfil de Instagram. En la actualidad, Verónica saca fotografías con una estética similar a la de las revistas de la década de los ochenta con una visión contemporánea.

Su actividad en redes ha tenido algunos vaivenes porque sus impulsos hacen que se cuestione la finalidad de sus fotografías. Ella misma dice que le aburre hacer «lo típico de siempre» y lo que «todos hacen». «Soy más feliz con el trabajo que hago en la actualidad, un trabajo que goza de una gran preproducción y de mucha dirección creativa», comenta.

Verónica opina que gracias a las redes sociales el juego competitivo por el reconocimiento está más igualado en comparación con fotógrafos de otras zonas de España. Sin embargo, cree que Canarias es un handicap para los artistas a nivel de formación: «En la Península se hacen muchos workshops y quedadas fotográficas que quizás duran dos días. Si tú eres una persona de Canarias y no tienes donde quedarte o no tienes dinero pues no haces contactos y eso juega en contra».

Asiria, en contra de la norma

Verónica destaca, entre otros, el trabajo que hace la grancanaria Asiria Álvarez, quien curiosamente es la siguiente protagonista. Asiria estudió Diseño Gráfico y se adentró en el mundillo del mismo modo que Verónica: «Hacía fotografías básicas… sobre todo, selfies para Tuenti», comenta. En la actualidad cuenta con más de cuarenta y ocho mil seguidores en Instagram.

Desde sus primeras publicaciones ha desafiado la estética típica de la aplicación. Sus retratos fueron tomando una óptica más propia de la crítica social. La fotógrafa y diseñadora gráfica se caracteriza por hacer fotografías que van en contra de lo «comúnmente aceptado».

Asiria comenta que tanto Instagram como Twitter le han abierto una gran puerta al reconocimiento de su trabajo. La gente ve sus proyectos por Twitter, llegan a su Instagram y la contactan para trabajos o para comprar láminas. Además, la fotógrafa ha sido la encargada de elaborar carteles de cortometrajes y videoclips. El pasado 5 de junio ganó el Premio Canario de la Música al Mejor Videoclip por la canción Orgullo de barrio, interpretada por el rapero Gekah. También realizó fotos a la cantante Ruth Lorenzo para promocionar Crisálida, el último álbum de la artista.

La revolucionaria fotógrafa apunta que tendemos a pensar que en Madrid hay mil oportunidades para los artistas y que muchos se embarcan en un avión camino de la capital sin ningún plan y «para ver qué pasa». «Me parece casi hasta tercermundista que tengamos la creencia de tener que ir a otro sitio para poder dedicarte a lo que quieres si puedes hacerlo desde tu comunidad», añade.

Para Asiria el principal problema que reside en las Islas es la casi inexistente cultura de apoyo al arte. Explica que en Madrid y Barcelona existe un hábito de comprar láminas, entradas de conciertos y otras formas de apoyar al artista, mientras que en Canarias estas prácticas no son usuales.

Suso, de mirada particular

Suso García es un joven tinerfeño de 24 años que ha revolucionado Twitter en el último año. Su particular mirada y su sencillez hace que se viralicen casi todos los tuits en los que comparte su trabajo. Ha llegado a superar la barrera de los treinta y cinco mil me gustas en esta red social.

Suso comenta que comenzó en el mundo fotográfico gracias a que un día empezó a trastear con la cámara de un amigo. A raíz de eso, el joven decidió comprarse su propio dispositivo y se animó a ir mejorando cada vez más en el ámbito.

«La parte que más me gusta de la fotografía es salir con mis amigos, ver algo que me gusta mucho e inmortalizarlo. Y no me refiero a fotos que piense ‘oh, vamos a hacer que se haga viral’, no, lo hago simplemente para mí y para mi recuerdo», alega el tinerfeño.

Empezó sus andares haciendo retratos y fotos gente patinando. Su trabajo fue evolucionando poco a poco y sus fotografías han ido adquiriendo un tono más artístico. No hay nada que pare a Suso, ni siquiera la lluvia, la niebla, la nieve o la noche pueden con él.

García opina que en Canarias se sacan muy buenas fotos de paisajes y de naturaleza. A pesar de esto, como en otras partes de España no se dispone de estos paisajes, el estilo de gustos que impera en el público nacional se asemeja más a lo urban y a retratos. Añade que las personas canarias que se dedican a la fotografía no están en desventaja en cuanto a grado de reconocimiento de su trabajo. Sin embargo, sí que encuentra una gran desventaja en cuando a presentación de oportunidades laborales y a encontrar trabajos estables en el mundillo fotográfico.

¿Salir o morir?

Al final de la película de El Show de Truman se puede ver cómo el protagonista empieza a subir unas escaleras para salir del plató de televisión en el que había estado encerrado durante toda su vida. «Por si no nos volvemos a ver: buenos días, buenas tardes y buenas noches», finalizaba así el largometraje.

Como dice la grancanaria Asiria Álvarez, tenemos la falsa creencia de que todos los artistas deben ir a Madrid o Barcelona para tener éxito y confiamos ciegamente en que todo irá bien en el ámbito profesional si nos mudamos a las grandes ciudades. ¿Por qué? ¿Por qué en la era de la globalización y de la interconectividad debemos dejar un sitio atrás por la sencilla razón de que «tendré más fama allí que aquí»? ¿Por qué no puede haber grandes talentos en Tacoronte o en un pueblo de Albacete?

Es el momento de convertirnos en Truman. Hablo de subir las escaleras para conocer y aceptar la nueva realidad. Quizás sí que las personas del ámbito artístico tengan que ir a la Península para tener una buena formación, pero no creo (o al menos espero) que sea estrictamente necesario estar en una gran ciudad para darse a conocer o tener un trabajo estable siendo artista.

Como se ha podido comprobar, son varios los ejemplos de personas de las Islas que han aprovechado el boom de las redes para dar a conocer su trabajo y para que sean contratados para proyectos.

Al fin y al cabo, las compañías de teatro necesitan de intérpretes que actúen en sus obras. Las marcas y tiendas necesitan de personal fotógrafo para que publiciten sus productos. Los bares y anfiteatros necesitan a personas que interpreten sus canciones para inundar los establecimientos de un buen clima. Se debe tener el enfoque fijo en que, al fin y al cabo, Canarias necesita artistas.

¿Cuál ha sido su formación profesional como fotógrafo? «Tras haber pasado por varias carreras buscando algo que me motivara, conocí a una serie de personas que, por un cúmulo de casualidades, me condujeron a introducirme de lleno en la fotografía. Además, he tenido una instrucción bastante autodidacta. Me he formado a través de canales no convencionales, como YouTube o en blogs especializados de fotografía, sobre todo americanos».

¿En qué campo se ha especializado? «Cuando te planteas dedicarte a esto en un territorio como Canarias, necesitas abarcar los nichos de mercado en los que haya más demanda y trabajo. Viviendo en un lugar en el que el turismo es abundante y la gastronomía importante, decidí que la fotografía comercial podría tener mas tirón, además de la social, en concreto, bodas».

¿Cree qué se valora su profesión tanto en las Islas Canarias como en el extranjero? «No. Creo que la cultura visual es bastante escasa y eso repercute directamente en la demanda. Si la gente comprendiese lo que significa hacer buena fotografía, pagaría más por ello, al igual que en el extranjero. Allí se valora el triple. Si pudiese elegir cualquier destino y no tuviese ningún tipo de atadura emocional con la Isla, desde luego no estaría trabajando aquí».

«No planificar es prepararse para el error»

¿Cómo utiliza las redes sociales? «Son mi canal de comunicación directamente enfocado a mi público principal. A nivel personal no las uso tanto, aunque a nivel profesional sí. Si tu feed y marca están bien posicionadas, atraes a personas».

¿La imagen se consigue en la cámara o en la edición? «Pues creo que el 80 % de la fotografía se logra en la cámara y el 20 % restante es un plus que solo consigue quien domina las herramientas para su beneficio. Hoy en día existen muchas personas que editando tratan de ocultar las carencias que tienen con la cámara».

¿Hasta dónde espera llegar en su profesión? «Confiaba en llegar a donde estoy ahora. La verdad no aspiraba a más que ganarme la vida. Realmente la idea al principio fue sobrevivir, después a medida que iba cumpliendo objetivos empecé a mirar más lejos. Soy consciente de que estoy viviendo el mejor momento de mi carrera, no puedo pedir mucho más donde vivo. Aunque es cierto que me gustaría tener un poco más de continuidad, pero habría que ser demasiado ambicioso y bajo mi punto de vista, las personas que aspiran a eso nunca llegan a ser felices del todo».

Para entrar en la primera de las competiciones habrá que escribir un tuit que incluya la instantánea original, una breve descripción y la etiqueta Fotografía ULL. La imagen tendrá que estar en formato digital, con un resolución mínima de 200 dpi y un ancho mínimo de 7 cm. En cuanto a la segunda, el texto creado por el alumno deberá aparecer junto a la etiqueta Microrrelatos ULL. Además, los extractos deben ajustarse a las posibilidades que ofrece la plataforma con un máximo de 280 caracteres y un mínimo de seis.

Asimismo, los participantes deberán completar su registro en la zona de conserjería del edificio de Periodismo, mediante la entrega de un sobre que contenga su nombre, apellidos, correo electrónico, cuenta de la red social, titulación matriculada y el concurso en que quieran competir.

Tres docentes de la Universidad de La Laguna decidirán quiénes serán los triunfadores de ambas disciplinas. El ganador será premiado con una tablet y un diploma (esto último también se le concederá al segundo y tercer clasificado). Por su parte, el fallo del jurado se conocerá durante los actos previstos del Día del Patrón de la Facultad, los cuales tendrán lugar en la segunda semana del mes de diciembre.

¿Desde cuándo te viene la afición por el dibujo? ¿Cómo surgió? “Viene desde que soy muy pequeña, desde que te mandaban a hacer cosas para clase y estabas en Preescolar y te pedían que dibujaras a tu madre, a tu perro… Y yo dibujaba en mi casa. Cuando era aún más pequeña, con 3 o 4 años que empiezas a entender las cosas, pues veía los dibujos de la televisión y quería dibujarlos igual. Y así empezó todo. Intentaba que me salieran parecidos y me pasaba los veranos pintando. Para mí el verano es pintar”.

¿Has aprendido por tu cuenta o cuentas con algún tipo de formación? “Más bien he sido autodidacta. Una vez cuando tenía 6-7 años hicieron aquí en Los Llanos un curso de acuarela, pero fui solo un día. Me pilló de improviso. Me enteré la noche antes de que empezara de que era gratuito y no necesitaba inscripción, así que decidí ir. Sin embargo, no me gustó demasiado porque te dejaban muy a tu bola, te decían que eligieras una foto, que la pintaras… Con 7 años no sabes pintar una foto. El profesor te decía que hicieras un trazo u otro y le dieras tal color, pero en los últimos diez minutos le pregunté que qué tal estaba para que me dijera qué mejorar, principalmente. Él lo que hizo fue coger el bolígrafo. Hizo un par de arreglos, cogió el pincel y lo hizo todo él…”.

«Las manos son horribles para dibujar»

¿Y en qué te apoyas para mejorar la técnica? “En libros de anatomía. Los músculos y, sobre todo, las manos son horribles de dibujar. Si puedo evitarlas, no las pinto”.

¿Con qué material a la hora de dibujar te sientes más cómoda? “Con creyones, la verdad. Porque las acuarelas son complicadas. Hay días que me salen las cosas y otros días que no. Con los creyones es mejor, son más fáciles de manejar. Me salen mejor, a mi parecer, con los lápices. Tardas más y te duele la mano después, pero lo prefiero”.

¿Hay alguna gama de colores que te agrade más que otra? “El violeta. Y los azules y verdes, para las sombras. Me gusta hacer las sombras con colores. Y el morado y los rosados son mis preferidos a la hora de pintar”.

¿A que se debe lo de hacer las sombras a color? “No sé, en realidad me aburría hacerlas siempre de gris. Me quedaba como muy oscuro y monótono y sentía que le faltaba una chispa”.

¿Has pasado por alguna época donde el colorido haya quedado relegado a un segundo plano? “Cuando empecé a centrarme en lo que es el manga, los hacía solo a lápiz. Dibujaba, hacía las sombras correspondientes y lo dejaba así, como si fuera hecho con carboncillo. Luego empecé a probar con colores y me gustó mucho más. Es cierto que, últimamente, por falta de tiempo, no los pinto. Dejo los bocetos como tal y ya está”.

«Me gusta sacar fotos para ver qué especie es esa planta o animal»

También te gusta la fotografía. Por regla general, sacas imágenes de flora y fauna. Será que estudias Biología… “Sí, justamente. Desde siempre me han gustado los animales y a mi hermana le regalaron una cámara más o menos buena, semiprofesional, y como no la usa mucho de vez en cuando la cojo yo”.

También te sueles centrar en cosas muy concretas, en los detalles… “Siempre me fijo en esas cosas. Me gusta detenerme en los detalles, como los ojos de mi gata. Los tiene muy azules y cuando se está quieta intento pillarlos con la cámara, aunque es complicado. Ja, ja, ja… O también en las escamas de las alas de las mariposas, pero eso es más difícil porque normalmente se van cuando te acercas”.

«Veo la naturaleza como una obra de arte»

¿Ves la naturaleza como una obra de arte en sí misma?  “Sí, sin duda. Me parece preciosa. Aunque suene muy infantil, me gustan las cosas bonitas. Todo lo que me agrada a la vista lo fotografío o lo dibujo. Los animales son muy especiales también. Cuando decido hacer click con la cámara es porque sé que eso vale la pena inmortalizarlo y es digno de ver a posteriori”.

¿Y cómo consigues compaginar estas aficiones con los estudios? “Llevaba sin pintar algo a color desde Navidades. Durante el curso les dedico muy poco tiempo. Es un verdadero suplicio”.

«Mi sueño es publicar un manga»

¿Tienes en mente algún proyecto, como un recopilatorio de dibujos o imágenes? “En lo que respecta a la fotografía no me lo había planteado. Quizás en un futuro cuando tenga una colección de fotos que realmente valga la pena. Y con el dibujo, sí. Estuve bastante tiempo planteándome dedicarme solo a eso. Segundo de Bachillerato fue un calvario porque no tenía ni idea qué hacer. Pensaba meterme en Medicina, pero al final necesitaba hacer algo de animales. También me planteé hacer un curso de manga que había visto en Madrid. Pero al final decidí que, como el curso estaba todos los años, podía terminar la carrera y hacerlo después, así que no lo descarto. Me encantaría publicar un manga. Es mi sueño”.

¿De dónde viene tu gusto por el manga? “Desde muy pequeña. Los dibujos que veía eran sobre todo anime, que es el manga transformado en dibujos animados para la televisión. Estaba muy acostumbrada a verlo, me gustaba mucho y le acabé cogiendo el gustillo. Ya cuando empezaron a traer libros con esas ilustraciones fue cuando me di cuenta de que era lo mío”.

«A la Facultad de Biología le vendría bien un lavadito de cara»

Y centrándonos en la ULL, ¿cómo te va? “Por ahora bien. Este año ha sido bastante difícil porque los horarios han sido por la tarde y tengo las prácticas por la mañana y nos coge el día completo. Pasamos semanas y semanas sin pasar por el piso a mediodía. Ni siquiera íbamos a comer. Siempre estábamos en la Facultad. Salvo ese detalle, de resto bien. Este año es más específico y me ha gustado mucho más”.

¿Estás contenta con las instalaciones? “Empecé Veterinaria en la ULPGC pero no era lo mío y me cambié. Allí, la Facultad es mucho más moderna que la nuestra, que es bastante vieja. Creo que a Biología le vendría bien un lavadito de cara”.

No es la primera vez que la institución tinerfeña expone parte de la COFF, pero, en esta ocasión, la idea bascula entre los conceptos de azar, objetivo y el espacio que existe entre ellos. Este concepto clave del surrealismo lo desarrolló de una manera peculiar André Bretón, a partir de Engels, explicándolo como la confluencia inesperada entre lo que el individuo desea y lo que el mundo le ofrece.

“La fotografía es el acta suprema del azar”

Como menciona G. Sebbag, “la fotografía no tiene otro objetivo que no sea el de escrutar lo desconocido”. Esta fue la misión de fotógrafos como Man Ray, Robert Disraeli, Ralph Steiner, Anton Bruehl, Henri Cartier-Bresson, Margaret Bourke-White o Brassaï; seleccionados, entre otros, para esta exposición. “Las cien fotografías que hemos elegido ven cómo oscila y tiembla su aguja entre el polo Objetividad y el polo Azar”, explica Sebbag en el texto curatorial.

Al acto inaugural asistieron el comisario de la exposición, Georges Sebbag; Isidro Hernández, conservador jefe de la Colección TEA; Israel Santana, director de Asuntos Corporativos y Comunicación de Japan Tobacco International en Canarias; el presidente de la Fundación COFF, Enrique Ordóñez; José Luis Rivero, director insular de Cultura y Educación, y las artistas invitadas a formar parte de la exposición, Laura Mesa y K. Linh Le-Vu.

Las jornadas de la Fashion Week University II comenzaron el pasado día 4 de abril en el Edificio de Electrónica y Telecomunicación de la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria, ubicado en el Campus Universitario de Tafira, con una conferencia sobre los diseñadores de moda y las industrias del sector.  El acto fue inaugurado por director de la Escuela de Electrónica y Telecomunicación, el doctor Juan Luis Navarro, y contó con la colaboración de diferentes expertos que dieron su particular visión sobre la moda, especialmente sobre la creatividad y emprendeduría en un sector tan complejo como este.

Canarias, como apuntaba durante las jornadas el profesor Jesús Bernardino Alonso, ha sido siempre una comunidad de la que han salido grandes estilistas y diseñadores. Tal es el caso de Gina Emmanuel e Iván Valerón Artiles, que se dedican a adaptar la moda africana a las costumbres y estilos europeos. Ambos han señalado al público asistente que «si tienen un sueño, traten de conseguirlo», aunque haya gente que les anime a desistir, «que apuesten por ello».

Por otro lado, el resto de las sesiones se ha reservado a otras temáticas como la fotografía, los modelos y las agencias promocionales, el estilismo, las tendencias y los complementos o los certámenes y eventos de moda. La mayoría de los ponentes han coincido en afirmar que en las Islas se está viviendo en estos momentos un periodo de apertura donde la tendencia es libre y cada vez se rompe más con los estereotipos o tabús relacionados con el estilo.

El fin de semana, por su parte, se ha concentrado en la realización de prácticas de fotografía en diferentes ambientes de Gran Canaria, como el Parque Doramas y el Real Aeroclub.

El evento ha sido creado para miembros de la comunidad universitaria y extrauniversitaria, y para  fotógrafos, modelos profesionales y amateurs, que quisieran ampliar su formación “en un contexto y perspectiva universitaria”, como indica el programa de las jornadas. El curso ha ofertado un total de noventa plazas y ha tenido una duración estimada de 20 horas por una tarifa que ronda entre los seis u ocho euros, para miembros de la Universidad o desempleados y para personal externo, respectivamente.

La Fashion Week es una iniciativa pionera de la ULPGC para integrar el mundo de la moda con la comunidad universitaria, que ha contado con el apoyo del alumnado y de expertos en diferentes temáticas: diseñadores, estilistas, modelos, fotógrafos, blogueros, etc. Estos han podido debatir el contenido de las jornadas de manera abierta a través de Facebook y del grupo Fórum Fotográfico Universitario de la ULPGC, además de intervenir en repetidas ocasiones durante las mesas redondas.