Dirigida con maestría por Saura, la puesta en escena transportó a los espectadores a través de los pasajes más conmovedores de la vida y obra del emblemático poeta Federico García Lorca. Desde su infancia en la vega de Granada hasta su trágico destino durante la Guerra Civil. Cada momento fue recreado con una intensidad y una autenticidad que dejó al público cautivado.

Los actores imbuidos en sus personajes, ofrecieron interpretaciones magistrales que hicieron revivir la pasión y la poesía que definieron la vida de Lorca. La elección de una mujer para encarnar al poeta añadió una capa adicional de profundidad a la narrativa, resaltando la universalidad y la atemporalidad de su mensaje.

«Es un honor interpretar a Lorca y profundizar en su mundo»

María Peláe, con su talento y carisma innegables, se destacó en el papel principal, dando vida a la complejidad y la humanidad del poeta con una emotividad y una fuerza que dejó al público sin aliento. Su actuación, respaldada por un elenco excepcional, resonó en los corazones de todos los presentes, recordándoles el poder transformador del arte y la importancia de preservar el legado cultural. La protagonista destacó que «es un honor interpretar a Lorca y profundizar en su mundo».

La obra fue más que un simple espectáculo teatral; fue una invitación a reflexionar sobre el papel del arte y la cultura en la sociedad contemporánea. A través de la mirada de Lorca, los espectadores fueron transportados a un mundo donde la belleza y la tragedia se entrelazan, recordándoles la importancia de preservar y celebrar la riqueza de la creatividad humana. Como expresó uno de los miembros del equipo de producción: «Queríamos que el público experimentara la magia de Lorca y se sintiera inspirado por su legado».

Al finalizar la función, el público estalló en aplausos y ovaciones, reconociendo la magnitud de lo que acababan de presenciar. «Nuestra intención era transmitir la esencia y el legado de Lorca de una manera auténtica y conmovedora», expresó Peláe. Lorca por Saura no solo fue un homenaje al poeta, sino también una celebración de la creatividad humana y su capacidad para conmover, inspirar y trascender. Sin duda, una experiencia teatral que perdurará en la memoria de quienes tuvieron el privilegio de vivirla.

El folclore canario cada día es más inexistente entre la población joven de las Islas. Varios son los factores que han llevado a esto a lo largo del tiempo. Uno es la falta de divulgación. Poco a poco en diferentes instituciones se ha ido apostando menos por el folclore. Donde antes se encontraban talleres o clases para aprender a bailar y tocar música tradicional ahora solo se encuentran otras actividades como puede ser danza y música moderna. 

Existe una iniciativa que se ha llevado a cabo que es la Federación Regional de Asociaciones de Folclore Ocho Islas, impulsada por el Gobierno de Canarias. Este proyecto se basa en la investigación y la divulgación. Uno de los métodos es dar charlas y talleres de música y baile tradicional. Este programa ha llegado a 1220 instituciones.

Esta medida para acercar a adolescentes a la cultura no es suficiente ya que uno de los problemas es la vista que tienen de la música canaria. Belén Rodríguez, componente de la parranda de la Escuela Municipal de folclore de Arona asegura que «sería clave que se encontrara en la carta de actividades de las instituciones».  

La visión que se tiene en las Islas se podría intentar cambiar creando espectáculos que traigan lo tradicional a la actualidad dejando la esencia del mismo. Uno de los grupos que ha innovado es Pieles, pues «ha realizado diversos espectáculos donde la base es la cultura canaria pero lo han llevado a cabo de una manera novedosa y actualizada», asegura Alejandro Gil, componente de la agrupación AFU (Agrupación Folclórica Universitaria) y profesor de baile de la Escuela Municipal de folclore de Arona. 

Con recursos folclóricos más primitivos como la piedra, el cristal, la madera y el metal alternando con instrumentos de corte clásico crean melodías. Dan un espectáculo original sacando el folclore de los temas y bailes tradicionales y dejando una vista nueva de lo tradicional.  

El flamenco como ejemplo

El flamenco en Andalucía sigue vivo en muchos jóvenes. El flamenco es algo que sigue estando en la vida y se sigue inculcando. Lo podemos ver en las ferias que se celebran en la comunidad autónoma. Se puede ver gente de todas las edades. Una de las razones es que han apostado por ello acercando lo tradicional a lo moderno innovando con los espectáculos. A parte de eso lo hacen ver cómo un interés turístico.

Se ve una gran diferencia en Canarias, ya que si nos fijamos en algunos de los bailes de magos se ve poca juventud y si nos fijamos en la gente que baila y toca, la mayoría son gente de mediana edad. Se ha dado el interés a otras actividades que poco tienen que ver con la cultura de las Islas. 

El cambio no solo se ve en las ferias sino también en los espectáculos. El flamenco ha conseguido que sus espectáculos sean entretenidos, innovando. Alejandro Gil explica que «una persona joven puede ir a ver un espectáculo de flamenco actual porque sabe que lo va a disfrutar por el enfoque contemporáneo que le han dado». El problema es que «los grupos de folclore canario quieren seguir haciendo actuaciones de 40 minutos haciendo un tema tras otro y eso puede aburrir a la gente».

El apostar poco por nuestra cultura es algo que empobrece las Islas. Miguel Dorta, profesor de folclore asegura que «falta mucha información para que nuestros jóvenes sepan disfrutar de esto». Si no se le pone solución a este problema la tradición se verá muy afectada por el paso del tiempo y la falta de información. 

Fuera de las redes sociales, ¿quién es Dellachaouen? «Fuera de las redes sociales soy Nadir, un chaval normal, de barrio humilde. Soy de origen magrebí y mi tierra se llama Chaouen. Le puse Dellachaouen con dos ‘L’ porque es más estético y simétrico».

¿Qué o quién le impulsó a empezar a hacer música? «A mí nadie me impulsó a nada. Yo nunca me he juntado con gente que haga música ni con nadie que rapease. Yo como mucho he estado cantando en la calle con personas del barrio, pero nada serio. Y un día, sin saber por qué, me dio por buscarme algo para grabar».

¿Cómo comenzó su carrera? «Estaba en un punto bastante difícil de mi vida y fue una vía de escape. Estuve un año entero grabando con el móvil y a la gente le gustó. Vi que tenía futuro y seguí para adelante. Además, artistas de España me fueron dando apoyo difundiendo mis temas y hasta ahora. Ahora vivo en Bilbao, hago música con La Joyería y estoy creciendo poquito a poquito».

 «Siempre me he fijado en lo bueno que tiene cada artista» 

¿Quiénes son sus referentes? «Mi máximo referente a nivel artístico es El Torta y Camarón de La Isla, por supuesto. También Niña Pastori. Aunque siempre he escuchado de todo y siempre me he fijado en lo bueno que tiene cada artista. De música urbana, que es en lo que más estoy enfocado ahora mismo, tengo como referentes a Soto Asa, Dellafuente, Yung Beef, Izi Draro y One Path, entre otros».

¿De qué manera le han inspirado sus referentes? «Me han inspirado de muchas maneras distintas. La forma de ser de El Torta, del ‘arte por el arte’ y vivir de una manera bohemia tiene mucho que ver con mi persona. Las canciones de El Parrita, que le cantaba a la calle y a las miserias. Cada artista te da su toque, te resuena y te duele. Y el cante bueno duele cuando lo cantas cruel. Me inspiran en todos los niveles, tanto filosófico como musical».

¿Qué valores quiere transmitir a las personas que le escuchan? «Los valores que me han enseñado a mí. Yo creo que hay una dignidad que la entiende todo el mundo, que solo tiene la verdad, y la verdad va de la mano con la humildad. Al final, si consigues transmitir lo que tú eres la gente lo valora y lo entiende como suyo. No es algo que yo intente transmitir, sino que la gente escucha lo que yo hago y es afín a mí. Cualquier familia de barrio humilde tiene esos valores: cuidar de los tuyos y no tirar a nadie por el camino».

¿Cómo es el proceso de composición de sus canciones? «Es de montaña rusa. Hay veces que improviso los temas sin más porque lo siento así en el momento, lo necesito. Y hay otras veces que escucho un beat y me inspira a escribir algo. No hay un proceso definido, es según el día».

En su entrevista reciente para Grindin’ habló de Yung Beef. ¿Cómo sucedió ese acercamiento? «Con Fernando, más conocido como Yung Beef, fue una cosa que parecía que estaba escrita. Yo había visto una versión de la canción Papasito Bars que hizo un chaval de Málaga y dije que yo también quería hacer algo así. Le dije a Fernando lo que quería hacer sin haber hablado nunca antes con él. Conectamos muy bien, me invitó a su estudio y a cantar en la discoteca Infierno».

«Cuando tú haces algo sin meterte con nadie la gente te respeta»

¿Cómo vivió que artistas reconocidos valoraran su trabajo? «Para mí era todo muy nuevo. Llevando solo un año en la música, que la gente te respete y te dé esa bondad es una locura y un sueño. Al final somos todos chavales normales. Cuando tú haces algo sin meterte con nadie la gente te respeta».

¿Tiene algún proyecto entre manos del que pueda hablar? «Ahora mismo estoy haciendo un álbum que, si todo va bien, saldrá en mayo. Sale gente como Sule B, Yung Beef, Ben Yart… Artistas potentes que a mí me gustan. La verdad que estoy muy contento con lo que está quedando. Después ya habrá gira».

Su carrera comenzó su carrera musical como guitarrista del cantante malagueño El Kanka. Casi una década a su lado le dio los impulsos necesarios para lanzarse en solitario a la industria mediante ritmos de flamenco o bolero. Ritmo y Compás abrió la veda de álbumes en el año 2017 y continuó en 2019 con El Vuelo del Abejaruco.

Llegados a 2022 presentó La Llorería, creación que el autor define «como un rincón para celebrar y contar nuestras penas» a través de canciones como Noviembre, Todo Lo Que Está Bien o Viejas Costumbres.

«Están viniendo buenos años para la música»

Ruiz reconoce su apego por el Archipiélago y que «hay un puntito suyo muy canario, ya sea por acento o por forma de sentir es como ir a casa». Además, recuerda que su última presencia por las Islas fue muy satisfactoria y espera repetir sensaciones este próximo sábado.

El compositor recalca sus ganas de sentir el calor tinerfeño y anima al público a acudir para disfrutar de sus distinguidos géneros y estilos musicales en una cita que contará con la presencia de Fran Baraja. «No se lo piensen. Están viniendo buenos años para la música y mi concepto de espectáculo es completo», sostiene.

¿De dónde nace la pasión por la música y sus influencias? «Desde pequeño. Tengo familiares músicos y gracias a esta cercanía tuve la suerte de tenerlo muy claro desde los nueve años que agarré una guitarra por primera vez. Para mi construcción como artista han ayudado mucho el flamenco, el rock, el blues, el jazz y el folclore».

¿En qué manera influye su versatilidad musical en sus procesos de creación? «La influencia de nuevos sonidos lo es todo. También soy un gran consumidor nato de espectáculos en directo, por lo que es importante acudir a ellos con papel y boli y estudiar todo lo que se ve y se oye».

¿Por qué se define como un cantaor de trincheras? «Porque así es el flamenco. Lleva intrínseco la palabra calle. Como dice un amigo mío, son muchos años ya en Vietnam».

Le hemos visto en muchos registros musicales distintos. ¿En cuál se siente más cómodo o disfruta más? «El flamenco en su totalidad. Por excelencia. Así como en el bolero y otros estilos chavelescos«.

«Una oda sin cariño a 2020»

Además de su carrera en solitario, durante más de nueve años ha sido guitarrista de El Kanka. ¿Le ha ayudado en su carrera musical y con qué aprendizajes se queda? «Por supuesto que sí. Yo no he hecho la mili por suerte, pero he comido tantos kilómetros y baretos que creo que me la convalidan después de tantos años. He tenido la suerte de conocer a muchos artistas y productores a lo largo de este tiempo. Y Kanka siempre nos ha dejado un espacio para mostrar nuestras canciones en su show. Y eso no lo hace cualquiera».

¿Qué es La Llorería para Álvaro Ruiz? «Un rincón donde vamos todos los llorones a contar y celebrar de alguna manera, nuestras penas. Las del día a día, las viejas y las nuevas. Es una oda sin cariño a 2020».

Estamos en su tercera obra discográfica. ¿Considera que ha alcanzado su madurez como artista? «Me parecería muy ostentoso por mi parte decirte que sí, pues recién acabo de cumplir los treinta y creo que me queda bastante camino por delante. Pero eso no quita que haya visto un gran salto desde el segundo al tercer álbum. Suena mucho mejor, las letras son cada vez más acertadas y la relación con Carlos Manzanares, mi productor musical, es mucho más estrecha. Ya son tres discos bajo la protección de su mano amiga».

¿Es La Llorería su creación más completa? «Hasta ahora así. Pero espero no quedarme aquí y seguir en movimiento. Quiero seguir sintiendo la pasión de descubrir un disco o un grupo nuevo, que me inspire y me lleve a otros mundos».

Lleno tras lleno en salas de España y Latinoamérica. ¿Ha sufrido ese vértigo alguna vez? ¿Cómo se gestionan esas emociones? «Pues he tardado unos quince años en controlar el miedo previo al escenario. Ahora solo me pongo nervioso».

Estas mismas emociones pueden dirigir su carrera musical según las etapas. ¿Cree que es importante dejarse llevar por ellas o centrarse en un estilo? «Por supuesto, bajo mi humilde criterio, creo que hay que dejarse llevar por lo que uno va escuchando nuevamente. Aunque quisiera, nunca voy a lograr ser la misma persona que cuando tenía quince años y me inspiraban otras letras y otros estilos. Creo que a eso mismo le llaman evolución».

¿En qué momento diría que se encuentra? «Aunque vaya por mi tercer disco siempre digo que estoy eternamente naciendo. Imagino que será una cuestión de no querer envejecer».

Con el lanzamiento de su primer álbum grupal, IN, obtuvieron un gran recibimiento por parte del público y por la crítica más reconocida del jazz. El tinerfeño estaba de dulce con su grupo y cuando a Alexis le propusieron embarcarse en este proyecto junto a toda una eminencia del jazz de nuestro país como Jorge Pardo, no se lo pensó dos veces.

La vida en el agua es una gira de diez conciertos con un especial énfasis en el jazz contemporáneo, un show lleno de emociones y con un gran toque intimista. Esta gira de conciertos empezará su rodaje el 26 de mayo en el Teatro Guiniguada de Gran Canaria, pasará por el Adán Martín el día 27 y terminará en Zaragoza el 5 de junio, dando así por cerrado este tour. La unión entre el reputado flautista y el compositor-pianista es uno de los grandes juntes de la escena jazzística de nuestro país, dos músicos curtidos en mil y una batallas que se unen para regalar sus mejores melodías al público.

¿Cómo se gestó esta gira? ¿De dónde nace este lazo? «Conocí a Jorge en persona en un festival en el que coincidimos, pero en esa ocasión no tocamos juntos, no nos cuadró. A raíz de la publicación de mi disco Love in Floating Bridges a mí me pegaba que fuera el disco solo a piano, pero tenía la idea también de hacer colaboraciones. Es ahí cuando tuve entre manos un tema a flauta y decidí proponérselo a Jorge. La respuesta la verdad que fue positiva, le gustó mucho y empezamos desde ahí este vínculo. Desde ahí, empecé a componer para la gira y también en trabajos inéditos con Jorge».

¿Cuánto tiempo les ha llevado preparar este proyecto? «Con el problema de la lejanía hemos hecho lo que hemos podido, mandándonos maquetas, partituras, ideas… Aun con el problema evidente que resulta la distancia en un proceso creativo, ha sido muy bonito compartir ideas y tener un feed back tan bueno con Jorge. Para mí ha sido especialmente enriquecedor».

«El jazz y el flamenco ofrecen una creatividad y una expresividad muy importantes»

La gira tiene el jazz como eje temático, aunque siempre en los trabajos de Jorge hay una gran influencia flamenca. Estos dos estilos son muy importantes en la carrera de ambos pero, ¿Crees que el jazz y el flamenco representan la máxima expresión de la creatividad en la música? «No creo que sea la máxima expresión, la música es muy variada y te puedes emocionar con dos acordes y una melodía bonita muy simple, con lo cual, es muy difícil hablar de escalafones en este sentido. Sí es cierto que estos dos estilos ofrecen una creatividad y una expresividad que son muy importantes a la hora de describir al público los sentimientos que tienes como músico. Estos géneros son más tendenciosos a la espontaneidad y a lo que está pasando en ese momento, hay un porcentaje de libertad mayor».

¿El flamenco es vital en sus carreras y en sus formas a la hora de pensar en música? «Bueno, Jorge lleva toda su vida formando parte de este mestizaje, a veces haciendo puramente flamenco o en otras ocasiones, juntando ambos estilos. Yo por ejemplo, no tengo tanta incidencia. Conocer a Jorge ha supuesto que yo abra mi mente y con ello, también he podido aprender a expresarme a través de estos canales de comunicación».

¿Qué preparación lleva el día del concierto? «Para mí son días especiales. Bajo a comprar la prensa, me gusta tener recortes de mis conciertos. Cambia mucho si es un concierto a piano solo o con mi banda. Normalmente cuando toco yo solo trato de estar más concentrado y con la banda es otro contexto, estamos vacilando y sin esa concentración tan necesaria cuando estás solo. No tengo ningún color prohibido, ni cosas así, eso sí, soy diabético y me gusta tomarme el azúcar antes de salir, por lo que pueda pasar. Un ritual en mi día a día, más que en los conciertos».

«La fama y la aclamación en este mundo es relativa»

¿Qué consejo le daría a una persona que está empezando en el mundo del jazz? «Primero, el trabajo. El número de horas que trabajes es directamente proporcional a tu nivel. Aun así, no todo es el trabajo, hay muchas otras cosas más, el talento y el oído son otras de las muchas aptitudes muy importantes en este mundo, pero el trabajo nunca se puede dejar de lado. Luego, una cosa que a mí me gusta decir, seguramente no sea lo primero que se te venga a la cabeza, pero para mí la profesionalidad es indispensable en este mundo. Esto es vital, tu carácter y la profesionalidad que vean en ti los otros músicos profesionales, va a marcar las diferencias y tus trabajos futuros. Hay que ser serio, cumplidor, profesional y tener buenos hábitos».

Ya para acabar, ¿Cree qué Jorge y usted son una de las duplas de las que más se va a hablar, ya no en el ámbito nacional, sino internacional? «Partiendo de la base de que Jorge es uno de los músicos más serios, profesionales y con la mayor carrera musical de nuestro país, no veo a nadie que se acerque a él, no te voy a responder 100 % a esa pregunta. Hay que ser consciente de que lo que ha hecho es muy grande y evidentemente Jorge no es un músico mainstream, y es por eso que no es tan aclamado. Me despiertan mucha curiosidad este tipo de preguntas, hablarán los críticos del jazz y los empedernidos de este mundillo, pero ¿Y si un día un músico de la magnitud de Jorge camina por Santa Cruz? ¿Cuántas personas irían a su encuentro? Jorge ya no es que sea una estrella del jazz, sino una super estrella del flamenco y en este mundo los focos mediáticos apuntan muy pocas veces a este tipo de personas».

El evento lo abrirá el próximo sábado, 24 de abril, la artista Remedios Amaya, una de las más alabadas por el público, quien comenzó a actuar desde de muy pequeña, maravillando a todo el mundo con su voz. Su participación es sin duda una gran noticia para los seguidores de este género, ya que tras pasar por varias adversidades relacionadas con su enfermedad durante los últimos años, vuelve a los escenarios con más fuerza que nunca.

Una de las apuestas más novedosas en esta gala es el dúo procedente de Turquía formado por Öykü y Berk Gürman, hermanos mellizos que, con su música, hacen una combinación perfecta entre flamenco y folklore tradicional turco, la cual consigue trasladar a los oyentes a un viaje de ida y vuelta, de Estambul a Cádiz.

También se contará con un elenco de artistas que cautivarán a los presentes: Samara Amaya, Joaquina Amaya, Ana María González y Marina Reyes, cantaoras; Marina Valiente, bailaora; El Perla y Juan Reyes, ‘El Pollo’, a la guitarra; Isidro Suárez, percusión, y Jorge Pardo, músico de jazz, saxofonista tenor y soprano y flautista, reconocido y valorado internacionalmente.

El próximo domingo, 25 de abril, a las 20.00 horas, se ofrecerá una segunda función del espectáculo. El aforo será limitado debido a la situación actual de pandemia.

Por estas y otras razones, me atrevería a decir que Rosalía se está erigiendo en la reina de la música urbana, joven y actual de nuestro país. Sin embargo, su arriesgada propuesta musical tiene tantos detractores como aficionados pues genera un tedioso debate sobre la apropiación cultural, el flamenco, la cultura gitana y Andalucía.

El flamenco ya no es lo que era

Malamente supuso un antes y un después para la carrera musical de Rosalía. Presentada con una estética diferente, que gira en torno a sus uñas extramadamente largas, las joyas, plataformas, el chándal y los flecos, consiguió golpear con bastante fuerza la puerta de la tradición flamenca y tal hecho ha suscitado incontables críticas. Para poder entender el por qué se tacha a la artista de apropiación cultura debemos hablar del factor geográfico, pues a pesar de interpretar cantos que presentan un reportorio amplísimo de dejes y de acentos propios del habla andaluza, Rosalía es de San Esteban de Sasrovira, es decir, Barcelona.

Además, Rosalía se mueve dentro de las siempre controvertidas aguas del flamenco. Su primer disco Los Ángeles, significó una aproximación al género y a sus cantos propios. Desde entonces establece, de manera maestral, una nueva estructura flamenca que contiene una gran carga de la explosión que supone la música urbana.

El foco de la polémica

La discusión no es en absoluto algo nuevo, y tampoco es la primera vez que un artista se tiene que enfrentar a una polémica similar. La cuestión de la apropiación cultural saltó a los medios de comunicación cuando se hicieron eco de un apasionado hilo que había creado una usuaria de Twitter, Noelia Cortés, para explicar los numerosos errores y calamidades en los que Rosalía había incurrido al tratar de imitar o adquirir una identidad que no le pertenecía.

Según Cortés, la catalana hacía uso de su privilegio como ‘’blanca’’ para extraer tradiciones, costumbres, léxico y referencias de una cultura tradicionalmente oprimida y utilizarlos como parte de su campaña de marketing. La teoría casa a la perfección con las tendencias culturales que marcan nuestros tiempos, sin embargo, no dejan de ser puras habladurías de cuñados y ofendiditos que buscan la mínima expresión para tener algo que comentar o a lo que enfrentarse para así no aburrirse.

Los límites de la libertad artística

Vivimos en una sociedad que no cuenta con la suficiente capacidad de autocrítica para corregir errores del pasado, anquilosados en antiguas creencias que huelen a baúl olvidado. Realmente, me gustaría preguntarles a estas personas si de verdad consideran que todo el imaginario que gira en torno a Rosalía invisibiliza la represión y el estigma del pueblo gitano. Lo único que ha hecho es ofrecer este concepto que, repito, está dibujado por un entorno antiguo, al público mainstream. ¿Acaso no es esto renovación? ¿Acaso no es esto arte?

De esta manera, se puede decir que se han creado ciertos grupos o asociaciones dictatoriales que marcan lo que sí se puede hacer dentro del flamenco y lo que no, estipulando y delimitando, bajo su criterio otorgado por la Universidad de Flamenco de Harvard, los aspectos que pertenecen a una cultura y que según ellos son inamovibles.

Me parece dantesco que, como ya está ocurriendo con los nuevos límites del humor, se esté cuestionando y coaccionando la libertad artística de una cantante que lo único que ha hecho es darle una segunda vida a un estilo musical, que se había congelado como las sobras de la cena, desde el respeto y la admiración. Por ello, solo puedo escribir algo concreto y es que, Rosalía debería cantar lo que le dé la gana, que desarrolle su carrera como lo ha hecho hasta ahora que, a pesar de las críticas, parecer irle bastante bien, que disfrute y que experimente todo lo que quiera porque la proyección que está haciendo para el flamenco y la música española no se veía desde hace muchos años y eso es admirable.

Instrumentos, voces y bailarines se unirán para crear esta nueva obra. Esta presentación será dirigida por el saxofonista y el flautista, Jorge Pardo, considerado el mejor músico europeo en el ámbito del jazz y galardonado con el Premio Nacional a las Músicas actuales. En esta V edición, se juntarán danza y música propia del flamenco y sus variaciones. Será una fusión de flamenco, sin abandonar este estilo musical en su estado puro.

Este festival intentará llegar al espectador para impresionarlo, de forma que disfruten con un tipo de música poco común en las Islas.

Nacida en San Fernando (Cádiz), acompañaba desde muy pequeña a su madre conocida como Pastori de la isla, por los espectáculos que daba por la localidad. Fue así como con la edad de 8 años decidió que podía seguir los pasos de ella y convertirse en una cantautora. Su duodécimo año de vida fue decisivo para su carrera cuando Camarón de la isla la presentó en el Teatro Andalucía de Cádiz y quedó tan fascinado que en mitad de un concierto le pidió que se subiera al escenario con él.

Desde ese momento hasta el día de hoy, la gaditana tiene a sus espaldas 11 álbumes de estudio, así como diversos números uno con canciones como Amor de San Juan, múltiples participaciones con estrellas como José el Francés, Vicente Amigo,  Rojas y Diego del Morao. También acumula numerosos premios, entre ellos 4 Grammys latinos. Además, es la primera artista flamenca en estar nominada a los Grammy Americanos con Raíz, considerado el número 1 en la lista Billboard 2014 como mejor trabajo latino.  A lo largo de este año planea lanzar su sencillo número 12 de estudio, de título desconocido.

Su último proyecto explora diversos géneros más allá del suyo, pero sin perder su pureza. Se trata de una iniciativa fruto de la madurez musical. Cierra el círculo con tres temas compuestos con Julio Jiménez ‘Chaboli’ (su marido): Yo tengo una cosa, Lo que yo daría y Eres tan pequeña, dedicadas a la hija de ambos.