Para ello, el patio de las Palmeras se ha transformado en el famoso barrio de Boca, en Buenos Aires. Con un ambiente colorido y musical, este espacio será el lugar elegido para llevar a cabo la programación de este año. Además, no solo estarán presentes en la zona de Santa Cruz, también en La Laguna se podrá disfrutar de esta fiesta en el CEDOCAM, Centro de Documentación Canarias América.

Todo ello es una recopilación de obras relacionadas con la historia, política y cultura del país. La gran mayoría pertenece a colecciones de diferente fundaciones que han permitido dotar a este centro de ejemplares relevantes e inéditos. Las actividades y eventos incluyen cine, música, baile o literatura entre otros. La Filmoteca Canaria, el Gobierno de Canarias y la Casa Argentina de Tenerife han hecho posible que se pueda celebrar.

El Ciclo 100 años de cine coreano incluye cinco películas como muestra de una disciplina que desde su nacimiento en 1919 ha sufrido numerosos avatares: desde la ocupación japonesa, a la guerra de Corea, pasando por las épocas oscuras de los regímenes dictatoriales. La llegada de la democracia en 1988 supuso una renovación, tanto de directores como de la industria del cine en Corea. Nombres como los de Park Chan-wook, Lee Chang-dong, Bong Joon-ho o Hong Sang-soo han situado el cine coreano en lo más alto del panorama internacional.

La serie de películas se presentarán conjuntamente en el Espacio La Granja de Tenerife y el Teatro Guiniguada de Gran Canaria,  que gestiona el Gobierno de Canarias con el objetivo de optimizar el área cultural de la Comunidad. En la isla de Tenerife, la cartelera arranca mañana jueves, 10 de septiembre, con el largometraje Oasis, y continúa el 17 de septiembre con The Battle of Jangsari. El 24 de septiembre se reanuda el ciclo con la película A Taxi Driver: Los héroes de Gwangju. El 8 de octubre, se proyectará Princesa y, por último, el día 15 de octubre, House of Us.

La primera de las proyecciones es Oasis, una película surcoreana del año 2002, dirigida por Lee Chang-dong. Su argumento gira en torno al complicado romance entre un hombre con una ligera discapacidad intelectual y una mujer que sufre de una severa parálisis cerebral. La película tuvo una recepción exitosa entre los críticos y ganó premios en numerosos festivales de cine.

Masterclass

Además, con motivo de este ciclo de cine, en el Espacio La Granja de Tenerife, el día 10 de septiembre, de 17.00 a 18.00 horas, habrá una masterclass gratuita sobre la historia del cine coreano, impartida por Gloria Fernández Adame y Enrique Garcelán Inarejos de CineAsia, quienes también se encargarán de presentar el ciclo antes de la proyección de la película Oasis de Lee Chang-dong, a las 19.00 horas.

Este evento se inició para conmemorar 125 años desde el nacimiento de John Ford. El director rodó su primera película en 1917, en la época muda del cine. No paró hasta su muerte en 1973, llegó a filmar más de 150 obras. La mayoría son westerns, aunque las cuatro que le valieron el premio Oscar a mejor director se escapan al género: El Delator (1935), Las uvas de la ira (1940), ¡Qué verde era mi valle! (1941) y El hombre tranquilo (1952). Aún hoy continúa siendo el cineasta más premiado por la academia.

En Centauros del desierto (1956), John Wayne encarna al antihéroe Ethan Edwards, un vaquero solitario que emprende la ardua búsqueda de su sobrina secuestrada por los indios. Por otra parte, El hombre que mató a Liberty Valance (1962) la protagoniza James Stewart en el papel de Ramsom Stoddard, un anciano senador que, en el funeral de su amigo Tom Doniphon, narra al detalle la relación que ambos tuvieron en la muerte del atracador y pistolero Liberty Valance.

Por su parte, la organización extremará las medidas de seguridad en las dos proyecciones y las mantendrá en las posteriores, mientras dure el estado de alarma. Será obligatorio el uso de mascarillas y el mantenimiento de las distancias. Para ello, el personal del recinto distribuirá a los espectadores por la sala. Solo podrán entrar en conjunto aquellas personas que convivan en el mismo domicilio. Además, la entidad limitó el aforo para garantizar las normas. El precio de la entrada para parados, mayores de 65 o estudiantes es de un euro, las generales valen dos.

Su director, Vitaly Manski, recurre a su archivo particular y a testimonios personales de figuras muy destacadas para su elaboración. Entre ellos Mijaíl Gorbachov, antiguo secretario general de la Unión Soviética, Boris Yeltsin o el propio Putin.

El visionado se realizará en versión original con subtítulos y según palabras de la directora de la Filmoteca, María González-Calimano «parece que hay mucho interés por verla».

Esta proyección se realiza por iniciativa de la Filmoteca Canaria, organización que se encarga de la reproducción de un documental cada mes en diversas salas de cine de todo el Archipiélago.

La historia de una vuelta al pasado

El filme nos presenta a Bobbi Jene, una bailarina que, después de 10 años de éxito en Israel, toma la difícil decisión de volver a Estados Unidos y trabajar de forma independiente. A los 30 años y locamente enamorada de un joven bailarín israelí, deberá afrontar las consecuencias de dejar la estabilidad y luchar por su arte en solitario, que se volverá más personal y rompedor que nunca.

En otras palabras, presenciaremos la lucha de una mujer por su independencia, volviendo al país que prefirió dejar años atrás con una familia de fuertes convicciones católicas. Sin embargo, este nuevo entorno, lejos de frenarla, hará florecer en ella toda su creatividad.

Bobbi Jene busca cautivar a los espectadores tinerfeños tras haber sido calificado como «un tratado sobre el arte, la ambición, las relaciones a larga distancia y la lucha por encontrar la propia voz” por Screen International. Por otra parte, el New York Times lo ha definido como “enigmático hasta el extremo”.

Por su parte, este documental obtuvo reconocimientos en el Festival de Cannes 1983: Mejor director y Premio del Jurado Ecuménico, FIPRESCI. Según la programación de la Filmoteca Canaria: “Esta película nos enfrenta al deseo de querer congelar en nuestra memoria los momentos que le arrebatamos al olvido para vivir permanentemente en ellos”.

Centrado en el existencialismo del ser humano

Tarkovski, primer cineasta soviético ganador del León de Oro del Festival de Venecia con La infancia de Iván (1962), es considerado un poeta del cine por proyectar películas íntimas y controvertidas. Impresiona, además, por su capacidad de no rendirse ante las limitaciones técnicas y explotar la máxima creatividad de cada una de sus tomas.

Asimismo, el enfoque de sus obras está centrado en el hombre y su búsqueda de respuestas de la vida misma, la decadencia de la verdadera espiritualidad en la sociedad moderna y la incapacidad de la humanidad para atender de manera consiente a las demandas de la tecnología.

«Un artista nunca trabaja en condiciones ideales. Si existieran, su obra no existiría. El artista existe porque el mundo no es perfecto. El arte nace de un mundo mal diseñado», afirmó Tarkovski en una entrevista después del estreno de su primer film Andrei Rublev, a finales de los 60.

Además de ser uno de los directores europeos más prolíficos de la historia del cine reciente, Godard se erige, junto a Truffaut, como el máximo exponente del movimiento cinematográfico de la nouvelle vague. Esta estuvo presidida por una oleada de cineastas que pretendieron renovar el panorama audiovisual europeo tratando de trasladar a la pantalla algunas de las clásicas preocupaciones posmodernas, reivindicando la libertad expresiva tanto en el plano intelectual como en el técnico. De este modo, el franco-suizo se caracteriza por introducir recursos poco ortodoxos entre los que destacan el estilo documental en las ficciones, la discontinuidad de planos en sus diálogos o los rodajes con cámara en mano.

Como ya es habitual, la última cinta del casi nonagenario Jean-Luc Godard ha sembrado la discordia entre la crítica y aún más entre el público poco familiarizado con las provocaciones de este consolidado genio del celuloide. Expuesto en forma de documental, El libro de imágenes no podría tener un título más sincero en tanto que se trata de una colección de fotografías, textos y sonidos mezclados en aparente arbitrariedad. Tanto es así que la propia Fundación ha colgado en su página web unas instrucciones previas al visionado de la película, que advierten al espectador de que algunas escenas estarán mal encuadradas, no llevarán subtítulos o el sonido está desincronizado con respecto a la imagen.

Este experimento en el que Godard juega con los colores y las formas hasta deformarlos fue galardonado con la Palma de Oro especial en la última edición del Festival de Cannes. Además de ser una habitual en este certamen, el franco-suizo también cuenta en su haber múltiples premios de prestigio internacional, como un óscar honorífico, un oso de oro y un león de oro. El largometraje que pondrá punto y final al ciclo, Shut up and play the piano (Philipp Jedicke, 2018) será proyectado el próximo 11 de marzo.

Pero en realidad, como todas las buenas historias, esta empieza meses atrás, con un café de por medio. La cafetería, repleta de gente y la gente, vacía. Pero allí, en medio del patio de butacas, con la camarera marcando bien sus pasos de swing entre las mesas universitarias al puro estilo La La Land, el tiempo lleva un par de horas detenido. Si reprodujera ahora mismo la inverosímil conversación, quizás en lugar de inmortalizar el laberinto de ideas lo banalizara. Por eso solo confesaré que Alexis y yo discutimos. No del modo en que se resuelven las verdades categóricas que se gestan en el seno de Twitter, increpando al adversario en busca del meme más descalificante.

En su lugar, nuestra conversación se basó en sembrar a través de los ventanales de la Pirámide la semilla de la duda con la esperanza de que un día el árbol diera sus frutos. Ambos sabemos que eso no ocurrirá o que, al menos, no estaremos vivos para verlo. Pero nosotros nos contentamos con poco: basta con mimar y regar con nuevos interrogantes las viejas cuestiones que han acuciado siempre al ser humano. Allí, por primera vez, surgió el nombre de Tarkovski.

El homo sapiens sapiens

Tampoco tengo espacio para enumerar los múltiples argumentos con los que se podría dejar en entredicho este bellísimo eufemismo: homo sapiens. Solo tengo tiempo, en realidad, para una reflexión fugaz: sentir también es pensar. Tarkovski se puede resumir en esas cuatro tontas palabras o, mejor aún, en una sola: ser. Porque el director soviético recupera en cada uno de sus fotogramas el sentido amplio del verbo hasta convertirlo en poesía. Y mientras los cuatro gatos solitarios que nos pasamos la noche de San Valentín mirando a una pantalla, la mayoría postrados en su asiento batallando contra el sueño (tal y como interpreto por los sucesivos bostezos), el pequeño Iván nos enseña las diferencias entre ser y estar. Y es que to be en boca de Tarkovski deja de tener sentido como todo recurso expresivo que limite los matices literarios.

Al menos, de lo que sí estoy seguro es de que el cineasta ruso ha dejado mella en el tercio universitario que se congrega en corro al término de la proyección. Las opiniones son muchas y variadas y, en mi silencio, agradezco la intensa medida en la que se propaga esta reacción. Pienso en la filmografía de Tarkovski, apenas siete haikus que supieron ver la belleza en la sencillez. Luego voy un paso más allá y dejo revolotear en mi memoria su mayor provocación: recuperar el cine como un arte para hacer pensar. Rechazo la invitación de mis colegas y, ensimismado, me doy la vuelta y me marcho con una sonrisa tímida. Y, cuando en lo alto de las escaleras mecánicas echo la vista atrás, alguien me grita desde un árbol en la acera de en frente:

 — En cuanto cedes en algo que no crees, luego sucumbes y te conviertes en un conformista. Se puede —continúa Tarkovski entre las ramas—, es posible esculpir el tiempo en un poema.

Yo, que estoy convencido de que es así, me apresuro a anotar la cita célebre del maestro. Pero en realidad, como todas las historias de gaveta, de esas que el escritor guarda en su mesilla en barbecho en busca de una idea algo menos manida, esta termina conmigo al volante de un coche bajo un cielo de tierra sin estrellas. En el silencio de una radio rota, aprovecho el tiempo para pensar sobre el tiempo, sobre la ausencia y las virtudes del alma, sobre la condescendencia y la connivencia, sobre los dos escritores y aspirantes a periodista con los que, por fortuna, comparto generación… Tarkovski, por raro que parezca, no es más que eso. Un cine hecho para la reflexión. Que, con los tiempos que corren, no es poco pedir.

La película

La infancia de Iván (1962) es la historia de un niño sin infancia, la ópera prima del soviético Andréi Tarkovski. Con una espléndida fotografía en blanco y negro y 90 minutos de duración, la cinta se caracteriza por la crudeza de su relato, enternecido con un puñado de símbolos de una estética tan cuidada como significativa. Iván es reclutado por el ejército soviético durante los últimos meses de la II Guerra Mundial y, en lugar de aceptar la oferta educativa que se le propone, está convencido de que jugará un rol decisivo para derrotar al flanco alemán. Aunque primerizo, Tarkovski comienza a explorar en este largometraje el lenguaje figurativo, onírico y, en ocasiones, surrealista que lo caracteriza y que más tarde desarrollará en sus cintas Andrei Rublev, El espejo, Stalker y Nostalgia. Todas ellas serán proyectadas en Multicines Tenerife de la mano de la Filmoteca Canaria. Así que ayer fui al cine. Quizás mañana vuelva.

Filmoteca Canaria se zambulle en las aguas para darte la respuesta a través de la memoria del buceador Jacques Mayol, el primero capaz de sumergirse a 100 metros sin respiración artificial y que revolucionó el buceo libre mediante la introducción de técnicas de yoga y zen. Una historia inmersiva, una experiencia sensorial y transformadora bajo el mar que nos conecta con nuestro yo interior.

Dolphin Man se acerca a la vida del hombre de inspiración de la película de culto The Big Blue de Luc Besson. Mayol viajó por todo el mundo, promoviendo la urgencia de los humanos de volver a conectar con la naturaleza.

Toda una proeza

La proyección forma parte del ciclo El Documental del Mes, una iniciativa que desarrolla en las Islas esta entidad del Gobierno de Canarias, con la finalidad de trasladar al público historias reales y fuera de lo normal que se suceden en diferentes rincones del mundo. En esta ocasión, nos relata la de Jacques Mayol, practicante de yoga y la meditación, que conseguía hacer bajar el ritmo cardíaco a unas 20 pulsaciones por minuto y disminuir, de este modo, la necesidad de oxígeno. Tal proeza sorprendía a los científicos, ya que para la mayoría de personas puede provocar un síncope o incluso, el coma. Él afirmaba que sumergirse era como viajar en el interior de uno mismo.

La isla toscana de Elba, en el mar Tirreno, fue el lugar escogido por Mayol en 1976 para romper el récord de inmersión a pulmón libre, superando la anterior de 70 m que ostentaba él mismo desde hacía ocho años. Aguantar la respiración bajo el agua lo veía como una manera de fundirse con el océano, de parecerse a los mamíferos marinos a quien había observado largamente y con quien había convivido. De ahí que se le llamara el hombre-delfín.

Dirigido por Lefteris Charitos (Atenas, 1969), Dolphin Man hace un retrato íntimo de su vida y revela cómo forzar los límites del cuerpo y de la mente con la esperanza de descubrir la afinidad más profunda entre los seres humanos y la mar.

La proyección de la película se encuadra dentro de la programación de Charlas de Cine Canario que supervisa Alisios, revista del audiovisual canario junto con el Aula de Cine de la ULL y la Asociación Charlas de Cine. Participan en la organización, además del Paraninfo ULL, la Filmoteca Canaria. La hija del Mestre, con 84 minutos de duración, fue rodada en la década de los veinte en Gran Canaria, siendo la primera producción de autores, localización y temática canaria. Las entradas serán dobles, tendrán un precio de 5 euros y se podrán obtener en TomaTicket.

Basada en la zarzuela de igual título, de Santiago Tejera Ossavarry, y dirigida por Carlos Luis Monzón y Francisco González González, la película es un drama costumbrista. El viejo Mestre, personaje popular del barrio marinero de San Cristóbal, se opone a los amores de su hija Rosilla con Pancho, un joven barbero, ya que su este desea que se case con Antoñillo, un pescador vecino. Mientras transcurren las fiestas patronales, el Mestre se entera, mediante la alcahueta Tía Chacarona, de los encuentros furtivos de su hija con Pancho, y decide terminar con todo de una vez.  Su primera proyección se realizó en Gran Canaria en el Cine Royal el día 3 de abril de 1928 y su estreno comercial se celebró el 18 de mayo de ese mismo año.

El director Rolando Díaz ofrecerá la primera ponencia sobre la carrera profesional del homenajeado, seguido del largometraje Fuera de juego. Por la tarde, a partir de las 17.00 horas, será el turno de los oradores Juan Antonio Castaño y Claudio Utrera. Ellos serán los encargados de hablar sobre la Filmoteca Canaria y el Colectivo Yaiza Borges, organizaciones que fueron impulsadas por el protagonista del día. Seguidamente, se visualizarán los cortometrajes Álvaro, mi niño y Apartamento 23 F, considerados ambos como unos de sus trabajos más importantes.

A las 19.00 horas será la ceremonia de clausura de un evento, que será organizado por Filmoteca Canaria, con la colaboración del Gobierno de Canarias y la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España.

Referente del cine canario

Aurelio Carnero es doctor en Ciencias y licenciado en Ciencias de la Información por la Universidad de La Laguna. Inició su carrera cinematográfica dirigiendo cortometrajes y documentales. También actuó como coordinador de los Talleres de Cine del Cabildo Insular de Tenerife y perteneció a Luna Llena Producciones.

Su colaboración con el director Rolando Díaz, le consolidó como productor. La película Si me comprendieras (1999), dirigida por Díaz y producida por Carnero, se considera un hito en la historia del cine canario por haber sido seleccionada en los festivales de Berlín y Toronto. Su último trabajo es el documental Un lugar sobre las nubes (2017), dirigido por Guillermo Carnero y que contó con la colaboración de la ULL. En otro ámbito, el profesional ha publicado artículos en prensa sobre la historia del cine, además de ser coautor de los libros El cine en Tenerife, apuntes para una historia (1988) y El cine en Canarias (2012).

Pasado este primer compás y sin dejar decaer el nivel, la directora de la Filmoteca Canaria, María González Calímano, pasará a analizar y comentar el filme anteriormente citado, dando así más bagaje en las andaduras del séptimo arte local. También se proyectarán otras obras de distinta índole, pero todas con algo en común: la temática canaria; desde creaciones de renombre hasta descubrimientos amateur y charlas de personalidades expertas en la materia.

Este evento, promovido por la Sociedad Económica de Amigos del País y el Instituto de Estudios Hispánicos, promete, entre otras cosas, innovación, a pesar de que podría parecer lo contrario teniendo en cuenta que se tratará una pieza encaminada a cumplir nueve décadas de vida. En las ediciones previas se trató con directores del panorama actual. Puede que en esta cuarta entrega aguarde otras sorpresas.

El acto fue organizado por Filmoteca Canaria y contó con la colaboración del Cabildo de La Palma y Digital 104, empresa que prepara un largometraje sobre la figura del artista. «El objetivo es acercar las obras de un gran virtuoso al público, sobre todo a los más jóvenes», destacó Barco Machado. «Nos mostró a nuestro Archipiélago en color y en movimiento. Descubrimos paisajes prácticamente desaparecidos. Aunque ya no esté entre nosotros [falleció el pasado 3 de abril], creo que le gustarían estas actividades», resaltó.

Los ciudadanos y, en especial, todos los estudiantes de la Isla Bonita de la ULL que se acercaron al Círculo conocieron mejor su trayectoria a través de la reproducción de seis cortometrajes, como fueron Anatomía pétrea (1975), El juego del palo (1976) o Pueblo en flor, Puntagorda (1977). » Soy de La Palma y es un orgullo que reconozcan el trabajo de mi gente», nos contó Eva Zamara, estudiante de Derecho.

Por su parte, María González – Calimano, directora de Filmoteca Canaria, declaró a PERIODISMO ULL que «Rodríguez fue un creador que comenzó con la fotografía y la pintura antes de aficionarse al cine. Tenía un sentido del encuadre y de la composición que no tenían otros apasionados», subrayó.