Álex Cabrera, diseñador de los carteles de Numacircuit desde 2016, ofreció una charla titulada Diseño de imagen promocional. Durante su intervención, compartió su experiencia y filosofía de diseño, subrayando la importancia de la innovación y la creatividad en la creación de imágenes que capturen la esencia de los eventos. «El diseño no es solo estética, es comunicación y conexión con el público», afirmó.

Por su parte, el artista digital Dea-Woon Kang presentó Arte multimedia, donde explicó su instalación Tangerin. Destacó la interacción del público con su obra como un elemento crucial, mencionando que «el arte debe ser una experiencia inmersiva que permita al espectador ser parte del proceso creativo». La instalación, abierta al público en la Facultad, busca desdibujar las fronteras entre el arte y la audiencia.

«El arte es una herramienta poderosa para el cambio social»

El público asistente tuvo la oportunidad de interactuar con los artistas y organizadores, generando un espacio de diálogo y aprendizaje. «Este tipo de eventos son vitales para fomentar una comunidad artística vibrante y diversa», expresó una de las asistentes. La respuesta de los participantes fue muy positiva, destacando la calidad de las presentaciones y la relevancia de los temas tratados.

La jornada cerró con una invitación a seguir apoyando y participando en iniciativas culturales alternativas que promuevan la innovación y la inclusión. «El arte es una herramienta poderosa para el cambio social», concluyó uno de los organizadores de Numacircuit.

¿En qué beneficia al alumnado este proyecto? «Es una experiencia productiva y poco frecuente que permite al alumnado aprender de manera diferente. Vienen de un formato académico muy pautado que tiene que ver con su propia evolución personal. Cuando llegan a aquí aprenden a adaptarse al medio, a las condiciones y a un proyecto colectivo que abarca una serie de retos y objetivos comunes. Todo dentro de un espacio diferente en el que deben convivir de manera diferente. Se trata de una experiencia que les va a cambiar incluso su manera de concebir el arte».

¿Ha notado alguna mejora en esta segunda edición? «Por supuesto. No puedo dar detalles concretos porque más bien ha sido una sensación que se ha gestado en el escenario. El año pasado, al tratarse de la primera edición, desconocía muchas cosas como el lugar, la organización, la manera de trabajar… Pero este año ha ido todo rodado. He visto un cambio muy notable y espero que el próximo año mejore aún más».

«Siento que el equipo de trabajo ha formado una gran familia»

¿Cómo ha sido la convivencia entre el alumnado de Bellas Artes y Periodismo? «Ha sido increíble ver cómo personas de diferentes áreas se han complementado tan bien. Este año, a diferencia de la primera edición, el alumnado no ha convivido durante el curso académico sino que se ha ido incorporado desde diferentes asignaturas y siento que ha salido una gran familia. Se llevan muy bien y sé que esto no se va a quedar solo en el Campus. De alguna manera va a evolucionar. Es una experiencia inolvidable».

¿Cómo surgió la idea de la pieza escultórica de este año? «El primer día nos sentamos a debatir sobre las problemáticas de Lanzarote y concluimos que el tema de la vivienda era la idea más nombrada. El alquiler masivo a corta distancia acarrea problemas para quienes quieren quedarse temporadas mas largas o quienes quieren fomentar otro tipo de industria que no sea el turismo. Después empezamos a debatir de quién era culpa y nos dimos cuenta de que todo tenía que ver con la situación personal de cada quien. Con ese concepto planteamos un escenario utópico que tuviera que ver con diferentes maneras de ver la ciudad».

«Trabajamos con la idea de plasmar cuatro puntos de vista en la escultura»

¿Qué quieren transmitir con la escultura? «Diseñamos un módulo arquitectónico que representa los diferentes hábitats. Una de las premisas era la utilización de materiales del entorno. Trabajamos con la idea de plasmar cuatro puntos de vista. Uno en el que solo se ven troncos, otro en el que se ven las piteras, otro que solo muestra hojas de palmera y un cuarto que reúne todos los puntos de vista. Se trata de generar una ciudad que sea transformable e inmutable y que pueda ser alterada en función de la situación y perspectiva de la propia sociedad».

¿Qué dificultades se han encontrado en el proceso de creación de la escultura? «El alumnado llegó sin saber soldar y sin haber hecho antes una pieza de gran formato. La dificultad fue no conocer el material y tener que buscar acuerdos para que eso se produjera de la mejor manera. Al final cumplimos en tiempo y forma el proyecto: Detrás del tronco, se ven las palmeras«.

«La pieza escultórica también simboliza un cambio de etapa»

¿Qué sensaciones tiene una vez acabada la pieza? «Se mezclan muchas cosas. Por un lado está esa parte de gestar un proyecto desde la intensidad, en un escenario diferente y con el cuerpo al cien por cien en producción. Pero con el paso de los días las emociones están más latentes y el cansancio se nota más. A priori parece que el Campus dura solo siete días pero se trata de todo un proceso académico durante el curso universitario que culmina en esta experiencia. Hay personas que acaban una etapa de cuatro años y no saben lo qué va a pasar mañana. Eso lo noté el año pasado y lo siento este año también. La pieza también simboliza ese cambio de etapa».

¿Participará en la próxima edición del Campus? «Siempre intentaré estar involucrada en cualquier proyecto que sirva para fomentar el aprendizaje y las experiencias en el alumnado. Por supuesto que voy a estar el año que viene. En el Campus no solo aprenden estudiantes, yo también mejoro. Me voy pensando en qué cosas puedo cambiar para perfeccionar y que debo mantener para que lo bueno se vuelva a repetir».

«Entre las numerosas manifestaciones y noticias que han circulado en las últimas semanas sobre el proyecto del Museo Rodin en Santa Cruz de Tenerife, hemos podido leer acerca de un supuesto apoyo o aval de la Universidad de La Laguna al mencionado proyecto. Es necesario hacer constar que la Facultad de Bellas Artes, como máxima institución docente e investigadora en escultura y en artes visuales de Canarias, en ningún momento ha sido consultada sobre la conveniencia o no de abrir en Santa Cruz de Tenerife un Museo Rodin.

Sin embargo, ante la alarma que dicho proyecto está generando entre el sector cultural de Canarias, y ante las manifestaciones vertidas sobre el supuesto apoyo de la Universidad de La Laguna al proyecto, la Junta de Facultad de Bellas Artes, reunida en sesión del día 20 de diciembre de 2022, desea comunicar públicamente lo siguiente:

1. Entre las gestiones emprendidas para la apertura del Museo Rodin, el Excmo. Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife solicitó un informe de tasación al Servicio de Análisis y Documentación de Obras de Arte (SADOA) de la Universidad de La Laguna. El SADOA es un servicio científico-técnico de apoyo a la investigación (SEGAI) que ofrece sus servicios tanto a los investigadores de la Universidad de La Laguna como a cualquier persona o entidad pública o privada que lo solicite. La tasación emitida es, por tanto, un informe científico-técnico basado en los precios de mercado, que no supone en modo alguno un aval, legitimación o apoyo explícito o implícito de la Universidad de La Laguna, ni mucho menos de la Facultad de Bellas Artes, al proyecto del Museo Rodin.
2. La Facultad de Bellas Artes desea manifestar su sorpresa y su profunda preocupación por la iniciativa de abrir en Santa Cruz de Tenerife, con fondos públicos, un museo dedicado a Auguste Rodin, un escultor francés del siglo XIX que no tiene vínculo alguno con Tenerife, ni con Canarias, ni siquiera con España.
3. Según se ha podido saber, el proyecto del Museo consiste en la adquisición de una colección de las esculturas de Rodin que, aunque se etiquetan como obras originales, van a ser fabricadas por encargo en los próximos meses, más de un siglo después de la muerte del artista, lo cual sitúa el proyecto del museo como una transacción comercial con la institución proveedora de dichas esculturas. De haber sido consultada, la Facultad de Bellas Artes hubiera informado de que, con independencia de que las piezas adquiridas se ajusten a los precios de mercado, su valor como patrimonio escultórico y su interés cultural son manifiestamente bajos.
4. La Facultad de Bellas Artes no está cualificada para opinar sobre la viabilidad económica de un proyecto empresarial. Podemos, en cambio, afirmar que un museo dedicado a un artista decimonónico, que no albergará piezas únicas sino esculturas seriadas, fabricadas de forma póstuma y que pueden verse en distintos lugares del Mundo, incluido París, carece por completo de interés artístico y, por tanto, es más que cuestionable su atractivo para traer turismo cultural a Tenerife. Consideramos que un proyecto cuyo único interés es su eventual viabilidad económica tiene un carácter eminentemente empresarial y debe ser acometido como una iniciativa privada.
5. La Facultad de Bellas Artes desea llamar la atención sobre el preocupante hecho de que este proyecto de museo sitúa a Santa Cruz de Tenerife como una ciudad importadora de cultura y que no es capaz de poner en valor sus propias aportaciones culturales. La firme apuesta que se está haciendo por un autor foráneo devalúa significativamente la imagen que ofrecemos de nuestra propia cultura.
6. En ese sentido, la Facultad de Bellas Artes quiere manifestar su total solidaridad y apoyo al sector cultural de Tenerife, a sus creadores y creadoras y a sus agentes culturales, que ven con enorme preocupación cómo se destinan los preciosos recursos económicos que el arte y la cultura necesitan y demandan a una operación comercial que no solo promociona el legado de un artista francés del siglo XIX, sino que sitúa al sector de las artes visuales de Tenerife -y a su cultura en general- como subsidiarios de la imagen de este artista. Desde la Facultad de Bellas Artes afirmamos que la cultura producida en Canarias, y en concreto en Tenerife, tiene un altísimo nivel y calidad y merece un apoyo firme y decidido por parte de nuestras instituciones.
7. En conclusión, la Facultad de Bellas Artes considera que este proyecto de museo perjudica seriamente a la cultura de Santa Cruz de Tenerife, y no beneficia en modo alguno a la sociedad santacrucera ni tinerfeña en su conjunto, beneficiando únicamente al Museo Rodin de Paris, que va a obtener unos sustanciosos ingresos con la fabricación y venta de las esculturas. Queremos hacer un llamamiento al Excmo. Ayuntamiento de la ciudad de Santa Cruz de Tenerife para que recapacite, paralice este proyecto y estudie la mejor manera de destinar sus fondos a la promoción de la cultura producida en y desde Tenerife».

Se trata de un acto reivindicativo donde se hacen eco de la perspectiva de una mujer que ha visto y ha vivido la exclusión social de estas personas en el mundo árabe. Pretende ahondar en el estigma de exclusión que sufren estas personas. Algunos de los elementos  artísticos principales son la tela satén y el rezo Al-Adham, una oración que llama al alzamiento para encontrar la salvación.

«Me gusta la idea de funcionar como un recordatorio y hacerles ver a las personas la realidad, no la que les imponen los demás»

«Todo surge porque siempre he querido representar todas esas cosas con las que no estaba de acuerdo en mi entorno. Crecí en un ambiente donde tenía que ser firme a mi cultura y a mi religión, pero cuanto lo analizaba veía un gran contraste entre estos dos aspectos», defiende Manchit.

«El 60 % de las personas que descubren que tienen esta condición, no aceptan ser ayudadas. Creo que este evento es, al fin y al cabo, una forma de poder contar y expresar mi indignación hacia este tema tan importante. Me gusta la idea de funcionar como un recordatorio y hacerles ver a las personas la realidad, no la que les imponen los demás», defiende la estudiante.

Este proyecto expositivo nace como resultado de la producción de esculturas, de pequeño y mediano formato, realizadas durante los cursos académicos comprendidos entre los años 2015 y 2019.

Los 150 kilos no hacen referencia al peso de las obras, aunque forman parte significativa en el momento de su gestación. El objetivo principal de la exposición no es resaltar este concepto. Los artistas intentan mostrar, bajo una presentación clara y coherente, el significado de la identidad poética y visual de las formas insinuantes que, al fin y al cabo, son objetos artificiales de nuestro escenario subjetivo.

En algunos casos, el procedimiento se desarrolló a través de la copia exacta fragmentada de nuestro cuerpo que los autores interpretan transformándolo para crear su universo particular. En otros son elementos representados del paisaje que se transfieren al diálogo que se mantiene con el mundo natural, descontextualizando el contenido original. Estas originales propuestas escultóricas han sido desarrolladas por casi cuarenta artistas.