«Me sentiría más identificada con el romanticismo, que contemplaba al ser humano muy pequeñito frente a una naturaleza desbordante»

Victoria Ramírez estudia el grado de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna, en tercer curso. Es natural de Gran Canaria, pero se trasladó a Tenerife para estudiar. Su desempeño dibujando le permitió ganar el premio de Artes Plásticas Manolo Millares de la Fundación CajaCanarias con la serie Inmersión, compuesta por dos obras que representan el mar. Con respecto a su conexión al arte expresa que «siempre ha estado ligado a mí de alguna manera». Cuando era pequeña dedicaba los ratos libres a pasatiempos y actividades creativas. «Empecé con recortables y luego usaba cajas de lápices, pasaba muchas tardes entretenida», confiesa.

Ramírez demuestra que el esfuerzo y la dedicación tienen su recompensa e incluso te llevan a conseguir un galardón. «Para mí fue impactante ganar, pero también para mi familia y amistades porque es gratificante dar visibilidad a aquello a lo que le dedicas tanto tiempo». Ahora este reconocimiento le da la oportunidad de colaborar con la misma fundación en una exposición que tendrá lugar en enero del próximo año.

«La cuarentena hizo que comenzara a desarrollar lo que más disfrutaba»

En sus dibujos la técnica que emplea se basa en carbón comprimido y carboncillo, aunque también usa grafito en polvo. Todas ellas utilizando el papel como soporte. De hecho, la serie de dos dibujos con la que obtuvo la distinción está elaborada con estos materiales. El agua es el elemento fundamental sobre el que se basan, «el arte es manifestar lo que tenemos en la cabeza», expresa.

A pesar de su amor por lo artístico, no fue hasta 2021 cuando decidió empezar a estudiar esta modalidad. Y es que estuvo haciendo Medicina durante tres años, pero «la cuarentena hizo que comenzara a desarrollar lo que más disfrutaba, con todo el día por delante buscaba la manera de pasarlo bien». Las responsabilidades académicas y el desenfreno de su día a día hicieron que su pasión se mantuviera en un segundo plano. Además, la orientación del colegio hacia una enseñanza más formal frenó su visión más imaginativa.

La naturaleza y valorar cada momento que está viviendo es lo que hace que conecte con ella misma y le sirva de inspiración para comenzar a dibujar sus obras. «Me siento identificada con el mar, con el agua, es algo que llevo dentro y no tengo forma de expresarlo, me hace sentir especial», afirma. Sus emociones son las que la invitan a simbolizar lo que siente.

Al realizar sus trabajos busca una manera de concienciar y de invitar al público a que se sensibilice con el medio natural, con la pausa, aumentar la capacidad contemplativa de quien lo está mirando. «No busco solo que la gente pare, sino que hagan una interpretación de lo que he elaborado y pretendo transmitir», comenta.

«Estoy investigando otras formas artísticas, intento hacer un poco de todo»

Victoria Ramírez no se centra solo en el dibujo. «En el grado hay distintos itinerarios, yo escogí el transdisciplinar donde no estudiamos una técnica concreta, sino que exprimimos la parte conceptual para darle un sentido mayor», explica. No se cierra a probar con la pintura o escultura. Asimismo, también experimenta con productos audiovisuales como el videoarte y aclara que «estoy investigando otras formas artísticas, intento hacer un poco de todo».

Para desarrollar sus ideas cuenta con referentes como el americano Robert Longo que hace dibujos empleando técnicas monocromáticas y de carbón. De las islas destaca al grancanario Raúl Artiles que «le aporta presencia al dibujo, juega con el collage y eso me ha animado a probar con la tridimensionalidad del papel». Respecto al videoarte se queda con el neoyorquino Bill Viola y el colombiano Óscar Muñoz.

¿Qué le llevó a asumir el cargo de decano? «El anterior decano de la Facultad, Alfonso Ruiz, iba en el equipo de gobierno que acompañó a Francisco García y, en ese momento, hubo una transición en la cual ocupó el cargo Alfredo Rivero como decano en funciones, hasta que pude conformar un grupo con el que presenté mi candidatura. Lo que me motivó a hacerlo fue el compromiso por devolver a la universidad pública todo aquello que me ha ofrecido durante mi carrera académica».

 ¿Cómo define la misión de esta sección y cuáles son sus valores? «Nos hemos establecido unos objetivos en cuanto a la Facultad de Bellas Artes. Lo meramente académico consiste en la adaptación de nuestras titulaciones al Real Decreto 822/2021. Otro objetivo es analizar nuestros actuales planes de estudios para tramitar algunos ajustes de los mismos y estamos trabajando en la modificación de los planes de estudios de los tres grados que se imparten. Además, queremos convertir este centro académico en un componente prioritario del ecosistema artístico de Canarias y establecer convenios para poder realizar exposiciones en los municipios de la Tenerife».

¿Qué consejos daría al alumnado que se quisiera introducir en el mundo de Bellas Artes? «Recomiendo que estudien lo que verdaderamente sienten, porque solo con una motivación intrínseca van a poder conseguir lo que se propongan. La sociedad tiene mucha presión en cuanto a la cuestión de la no salida profesional de los ámbitos creativos y artísticos. Pero no es cierto, porque cada vez hay una mayor demanda de perfiles creativos para trabajar como artista o en las industrias creativas, culturales o de la conservación y restauración. La gente se puede ganar bien la vida trabajando como artista o trabajando en las industrias creativas y culturales o de la conservación y restauración, porque cada vez hay una mayor demanda de perfiles creativos».

¿Qué programas o iniciativas se ofrecen para apoyar el desarrollo profesional del alumnado? «Nos planteamos diferentes líneas de trabajo. Una es la visibilización de los proyectos de final de grado. Vamos a poner en marcha una página web en la que se muestre lo realizado por el estudiantado de último curso. En este sentido vamos a fomentar la participación de nuestro alumnado en premios y reconocimientos de trabajo final de grado, tanto nacionales como internacionales, para dotarlos también de una visibilización de sus resultados».

«La inteligencia artificial va a reformular nuestros procesos de enseñanza y aprendizaje»

¿Cómo integran la tecnología y la innovación en la enseñanza? «Es un punto fuerte. La inteligencia artificial va a reformular nuestros procesos de enseñanza y aprendizaje. Esta Facultad cuenta con cuatro laboratorios digitales, donde estamos poniendo en marcha e intentando introducir aquellas materias vinculadas al avance tecnológico. Contamos con las últimas versiones de los programas de Adobe en los que ya se han introducido herramientas de esta tecnología y con eso también vamos trabajando. Entendemos la inteligencia artificial como una herramienta que nos va a ayudar en el proceso creativo».

Tomó cargo el pasado 22 de diciembre y afirmó que quería dotar al centro de una sala de exposiciones y un salón de actos. ¿Cómo van dichas iniciativas? «Todo este mes hemos estado reuniéndonos con diferentes vicerrectorados, gerencias y secretaría general para conocer el estado de este proyecto. La ULL está inmersa en un proceso de licitación jurídica con la contrata y con el estudio de arquitectura que realizó el edificio, y la sala de exposiciones es una de las zonas que se ve afectada. Nos encontramos en la fase de información del estado tanto jurídico como técnico de estos dos espacios».

Para finalizar, ¿qué necesidades considera que tiene la Facultad? «Nos hemos propuesto mejorar la confortabilidad de este espacio. Estamos instalando bancos, adecuando los espacios de jardinería para hacerlos más amigables y acogedores. De la misma manera, llevaremos a cabo zonas de descanso para que el alumnado pueda pasar el tiempo. Ahora mismo, tenemos una línea directa de conversaciones con la delegación de estudiantes mediante la cuál nos hacen saber las demandas que tienen y que se convierten en nuestra prioridad».

Según el profesor de Ingeniería Mecánica e Informática en la Universidad de La Laguna Jorge Martín, «esta nueva metodología representa un paradigma de trabajo completamente novedoso y que permitirá experimentar una inmersión total en los proyectos desde las etapas iniciales de diseño». Además, al emplear gafas de realidad virtual y aumentada, «quienes participen tendrán la oportunidad de explorar y modificar en tiempo real elementos como texturas, materiales, iluminación, colores y volúmenes, siendo partícipes directos de la transformación y evolución de sus propias creaciones», explica.

Este planteamiento no solo busca potenciar la creatividad y la eficiencia en el diseño, sino que también pretende poner en relieve las percepciones y sensaciones personales durante el proceso creativo. «Enseñaremos las emociones que el diseñador pretende producir en el usuario», asegura Martín.

El curso está dirigido tanto a estudiantes de máster universitario como al alumnado de Ingeniería, Arquitectura Técnica y Bellas Artes. Tiene como principal objetivo resultar práctico y brindar la oportunidad de experimentar de primera mano los conceptos básicos necesarios a la hora de diseñar espacios o productos. Quienes completen el curso con éxito y realicen un mínimo del 80 % de las horas lectivas presenciales recibirán un certificado de asistencia, aptitud y reconocimiento por un crédito ECTS, emitido por la Universidad de La Laguna a través de su Vicerrectorado de Cultura y Extensión Universitaria.

Ilustrará a la audiencia con formación en Bellas Artes sobre los conceptos jurídicos básicos que pueden ser relevantes en su formación y desempeño profesional, como son los de propiedad intelectual y patrimonio cultural.

Se compone de dos conferencias en las que se utilizarán los métodos de exposición, discusión y debate. La primera es una introducción al Derecho de la Propiedad Intelectual, impartida por Luis Javier Capote, la segunda una introducción al Derecho del Patrimonio Cultural, de la mano del mismo ponente.

La organización de la iniciativa ha creado una convocatoria para quienes quieran exhibir sus creaciones en la exposición. Las bases del llamamiento establecen que para participar solo hay que mandar un dossier de artista al correo electrónico del Consejo de Estudiantes. En el documento se debe adjuntar una fotografía de la pieza que se quiere exponer, un texto descriptivo y el planteamiento discursivo de la obra. El plazo para enviar la información estará abierto hasta las 17.00 horas del viernes 15 de abril.

Del total de propuestas, las personas responsables del comisariado seleccionarán las obras que se mostrarán. Para la elección se tendrá en cuenta la calidad, relevancia, viabilidad e interés de los proyectos. Asimismo, se dará preferencia a las piezas que giren alrededor del transfeminismo y la perspectiva queer. Sin embargo, este requisito no impide que se escojan aquellas que no traten estos conceptos directamente.

La Facultad de Bellas Artes acogió durante los días 15, 16 y 17 de diciembre un mercadillo benéfico navideño en el que el alumnado de la universidad que estuvo interesado pudo vender sus creaciones. Entre las obras que estaban a la venta se encontraban pegatinas, ilustraciones, libros o bisutería hecha a mano. La mitad del dinero recaudado durante esos días se destinará al campamento de inmigrantes de Las Raíces y a la Asociación de Animales de La Palma (AANIPAL).

En las redes sociales se le da mucha importancia a la imagen. ¿Considera que se trata de la forma adecuada? «La creación de la imagen conlleva la movilización de una serie de recursos y estrategias enfocados a establecer connotaciones que dotan al mensaje de significado, muchas veces apelando a lo emocional. Está en la voluntad del receptor filtrar, dar valor y activar su dimensión crítica. En su versión interpersonal, la importancia que le damos a la imagen está relacionada con la reputación. Se utiliza la fotografía, como notaria de una supuesta realidad, para proyectar ideales de belleza, felicidad, etc. Lo adecuado o no de todo esto es una consideración que debe tener en cuenta los efectos e interpelaciones que producen en cada uno de nosotros y si nos sometemos a la cultura de los likes».

¿Qué importancia tiene la imagen en nuestra sociedad? «En una sociedad de sujetos intelectualmente cada vez más inmaduros la imagen adquiere una importancia crucial. Los mecanismos retóricos y psicológicos que la imagen puede movilizar son utilizados continuamente para moldear la voluntad y la opinión del individuo. Desde un punto de vista semiótico la imagen es analógica, funciona manteniendo relaciones de proporcionalidad con las cosas referenciadas, a un individuo cualquiera le es más fácil absorber este tipo de mensajes que apenas necesitan un esfuerzo para su asimilación. Adquiere su máxima utilidad cuando el receptor es saturado permanentemente y en fragmentos rápidos con mensajes que adormecen los mecanismos analíticos en favor de la reacción emocional».

¿Cómo ha evolucionado la imagen con el tiempo? «La imagen en términos generales se ha utilizado como elemento persuasivo. Los grupos de poder han sido los grandes promotores de la imagen como herramienta de adoctrinamiento, en ese sentido su evolución se basa en la perfección de sus técnicas. El arte o el periodismo no dejan de ser subsidiarias de este sistema de la imagen. Desde un punto de vista técnico, la producción de la imagen ha significado la aparición de numerosas formas de llevarla a cabo. De las formas quirográficas, que utilizan herramientas y utensilios accionados manualmente (las técnicas tradicionales), a las formas tecnográficas que utilizan máquinas (la imagen óptica, fotográfica, cinematográfica, electrónica…)».

«La palabra no puede transmitir muchos aspectos que la imagen sí puede y viceversa»

 Con la llegada de las nuevas tecnologías, ¿la imagen ha evolucionado a mejor o peor? «La imagen ha evolucionado para aprovechar las posibilidades que ofrecían cada medio inventado, ello ha dado pie al desarrollo de los lenguajes asociados a cada uno de ellos. En este sentido no puede verse en términos de mejor o peor. El lenguaje pictórico, el fotográfico o el fílmico son muestras de la cultura que nos invitan a disfrutar y asimilar las obras que nos van ofreciendo sus autores. La tecnología y su desarrollo industrial han permitido la democratización del acceso a medios antaño solo asequibles a unos pocos. Esto ha permitido proyectar la imagen más allá de los mass media tradicionales con las posibilidades que nos ofrecen los self media».

Dicen que una imagen vale más que mil palabras. ¿Qué nos podría decir sobre eso? «Esa idea hace mucho que fue desacreditada. La palabra no puede transmitir muchos aspectos que la imagen si puede y viceversa. Si de lo que se trata es de representar una realidad dada, ambas solo lo logran a medias. Es evidente que hay limitaciones de la capacidad descriptiva de la palabra y que la imagen, aún en su escala de iconicidad más alta, tampoco permite llegar donde la palabra si llega. De ahí que ambas las encontremos habitualmente combinadas».

¿Qué es la imagen tecnográfica? «Se refiere a aquellas imágenes realizadas por medios técnicos. Es decir, son imágenes sustentadas por la técnica científica (la tecnología) en la medida que utilizan un elemento derivado de esa actividad: la máquina».

¿Cuál es el objetivo del grupo de investigación Arte y entorno: creación, conservación, comunicación? «Somos un grupo multidisciplinar que partimos del entorno social y natural como base del trabajo de investigación. Nos interesan las manifestaciones artísticas que puedan desarrollarse o conservarse en el campo de la escultura y la fotografía».

Debido a la situación derivada del COVID-19, ¿cómo se está impartiendo las clases de Fotografía? «El planteamiento del proceso de enseñanza/aprendizaje que tengo desde hace tiempo está basado en el uso del Aula Virtual como elemento vertebrador. Esto ha significado tener que desarrollarla y dotarla de contenidos, tutoriales y actividades. Esta circunstancia me permite sobrellevar una docencia on line razonablemente bien, aunque solo para aquellos alumnos que manifiestan interés y que carecen de factores de fuerza mayor que les impidan acceder a la plataforma».

Atendiendo a la situación de la COVID-19, ¿cómo está impartiendo las clases en Bellas Artes? «Tengo dos grupos. En Escultura I, primer curso, el alumnado está haciendo una memoria cuyos contenidos de la asignatura estaban ya impartidos, hasta el día de la cuarentena, un 90 %. El otro grupo es de cuarto: Proyectos Expositivos. Atiendo las consultas para la realización de un proyecto expositivo a través del aula virtual y por e-mail».

¿Considera que el arte es necesario en nuestra sociedad? «Naturalmente. El arte genera riqueza y no solo me refiero a la económica en cualquier sociedad civilizada sino a la capacidad de hacer feliz al ser humano tanto en su concepción como en su disfrute. En estos tiempos que nos ha tocado vivir debido a la deriva existencial en la que estamos sumergidos apelo a la más absoluta necesidad del ser humano a acercarse al arte en todas sus manifestaciones, a la naturaleza y a su respeto total y absoluto».

Entonces, ¿no podemos vivir sin arte? «La necesidad de expresarse seguirá dando manifestaciones artísticas mientras existamos sobre la faz de la tierra».

¿Cómo es el arte de la escultura? «Un arte estrictamente tridimensional. Una escultura es, además, un continente que aglutina numerosos aspectos sensoriales, íntimos, materiales, conceptuales… En la escultura no puede hablarse de desmaterialización porque no puede renunciar por completo a la materia y al espacio».

¿Por qué eligió la escultura? «Pronto me di cuenta de que el hecho artístico, de alguna manera, intensificaba mi vida. Con posterioridad, en la preadolescencia, mis primeras incursiones se produjeron en la práctica de la pintura de paisajes y de objetos, en un intento por imitar a artistas cuyas obras llamaban poderosamente mi atención  como pueden ser Dalí, Magritte, Brueguel… En 1982 ingresé en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de La Laguna y allí mi interés se derivó hacia la escultura pues es en este campo donde más me identificaba».

«Cada exposición es el producto de un proceso creativo intenso y continuado en el tiempo»

¿Qué tipo de escultura es más especial para usted? «El arte de la escultura es tan variado y amplio, cuyo resultado no es más que la representación de los pensamientos y las ideas que abriga el artista en su interior. Ahí está lo especial, el lenguaje propio creado, algo enormemente complejo. En ocasiones oigo idioteces como escultura virtual, incluso en el ámbito académico».

¿Qué es lo más complicado de la escultura? «Todo es complicado en la escultura. Es un arte muy exigente desde cualquier punto de vista desde lo artesanal hasta lo conceptual. Lo importante, como bien afirmó Hegel sobre el arte, es que debe tener otro fin que el de la imitación puramente formal de lo que existe. Es un producto del pensamiento creativo».

¿En qué se inspira para realizar sus obras? «Yo no concibo el concepto de artista en alguien que no sea un atento observador de la naturaleza. He vivido y amado el paisaje desde mi más temprana infancia y he disfrutado intensamente nuestro entorno. Por tanto, el acercamiento al paisaje se define a través de la observación atenta del entorno, en todos sus detalles: arquitectura, flora, fauna, los objetos de uso cotidiano, los objetos de desecho encontrados en el paisaje naturales o producidos. Lo bueno y lo malo. Por ejemplo, en una de mis últimas obras titulada Hinnení Vakuum  incorporo una lata de aluminio encontrada en algún lugar del sur de la Isla que no recuerdo, un despojo que anduvo de un lado para otro de mi taller hasta que adquierió todo un sentido plástico y poético para mí. No busqué, encontré, dijo Picasso».

«Un reflejo de la sociedad»

¿Cómo ha evolucionado este arte a lo largo de los años? «A lo largo de los siglos el arte ha sido el reflejo de la sociedad. Los humanos seguimos sintiendo la necesidad de expresarnos y comunicarnos a través del arte y, por tanto, el arte que se genera es un reflejo de la sociedad. Lo que concebimos los seres humanos como arte ha cambiado, cambia y cambiará según el momento histórico y la sociedad en la que se enmarque.  Si analizamos las obras de artes realizadas en cada época veremos que responden a concepciones de la vida, la religión, la cultura… muy complejas, diversas y acordes con su tiempo».

¿Qué opina sobre la concepción del arte en la actualidad? «La buena poesía es buena por algo, igual que la música, el arte, la literatura… No obstante, las opiniones son tan variadas como expertos en la materia existen. A mi juicio, el verdadero arte es aquel que debe plantear exigencias intelectuales y emocionales al espectador. De esta forma se recurre a la interioridad del alma».

El objetivo de esta formación es el acercamiento al universo de las imágenes como apoyo en el desarrollo de la ciencia y la investigación tal y como la conocemos. Además, dotará a los participantes de las herramientas básicas para la construcción de ilustraciones naturalistas de calidad, tomando como base el rigor científico y el conocimiento directo de las técnicas tradicionales.

La preinscripción cierra hoy miércoles

La enseñanza será impartida por profesorado del recinto cultural y la Facultad de Bellas Artes, aunque será liderada por Sergio Hernández Bello, doctor en esta materia, biólogo e ilustrador científico. Todos ellos, ofrecerán charlas bajo la supervisión académica de la doctora María Luisa Bajo Segura, catedrática de Dibujo de la institución lagunera.

La participación en el ciclo requiere de una preinscripción previa que cierra hoy miércoles, en la que los interesados deberán enviar bocetos para demostrar el requerido conocimiento. Todos se remitirán por correo electrónico a sernabe@ull.edu.es y, una vez revisados los trabajos, se les comunicará que pueden proceder a formalizar la inscripción.

La matrícula, que se podrá realizar hasta el 1 de octubre, tiene dos precios disponibles: la tarifa general por 80 euros y por 73 la destinada para estudiantes, pensionistas, parados y miembros de la Asociación de Amigos del Museo. El alumnado de la ULL que supere el curso recibirá dos créditos ECTS.

En un principio, se matriculó en el grado de Restauración y Conservación de Bienes Culturales, pero enseguida se percató de que la pintura le enamoraba. “Había encontrado lo que realmente quería hacer y, sobretodo, tenía muchas ganas de aprender”. Fue entonces cuando la estudiante apostó por cursar Bellas Artes, contando con el apoyo de su familia. Sin embargo, Mantas afirma que hay un gran desconocimiento de esta carrera. “Sigue habiendo prejuicios, pero es algo que poco a poco va cambiando”, comenta esperanzada.

La pintura, su especialidad favorita

Entre las diferentes disciplinas artísticas, siempre se decanta por la pintura, ya que a través de ella desarrolla temas que le entusiasman y le mueven algo por dentro. La acuarela es una de las técnicas pictóricas que utiliza para realizar bocetos, aparte de darle muy buenos resultados, pues es un procedimiento muy versátil. No obstante, la joven aclara que “la acrílica es mi predilecta, con la cual me siento muy cómoda y siempre utilizo para elaborar mis cuadros”. Pero la fotografía también le atrae y que, además, muchas veces utiliza como herramienta fundamental de apoyo para sus creaciones.

Carla Mantas presentó, desde el día 5 hasta el 29 de abril, una de sus obras en la exposición Corpus Siglo XXI junto a otros compañeros. Se trató de una oportunidad que vivieron con mucha emoción. Según asegura, “fue muy gratificante poder mostrar mi trabajo, una motivación para continuar esforzándome en lo que más me llena”. La joven no teme a la opinión del público, sino que considera que de cualquier juicio, ya sea positivo o negativo, se puede aprender. “En eso está el sentido del arte, en compartirlo con los demás y que eso te ayude a seguir evolucionando”, explica.

Su obra Toubab

Con dicha obra, titulada Toubab, pretende compartir su experiencia en Gambia, un viaje que le abrió la puerta a un nuevo mundo que formará parte de ella para siempre. “Capturé muchos momentos, memoricé sensaciones, colores, aromas que no puedo explicar con palabras. Pero, por encima de cualquier cosa, me quedo con la mirada de los niños, esa mirada feliz e inocente que me llenó de un cariño inmenso”. Mantas plasmó, desde la visión de una toubab, como así llaman los niños a los blancos, algunos de esos recuerdos en lienzo, un proceso en continua evolución al que aún no cierra la puerta. “Espero continuar con esta serie de retratos y que despierten algo en el espectador”, declara.

La estudiante también ha escogido dichas vivencias para su Trabajo de Fin de Grado. En él, se adentrará de una forma más profunda en una parte de la sociedad gambiana. “Pretendo dar visibilidad a las mujeres con un elemento que las caracteriza, su vestimenta, a través de la pintura mezclada con telas tradicionales, estampados y collage”, revela.

La joven ya ha vendido algunos de sus cuadros, entre ellos la mayoría que estuvieron en la exhibición. Una andadura de artista que, con solo 23 años, acaba de empezar.

Podrán participar en esta convocatoria de becas todos los estudiantes que se encuentren cursando actualmente el último curso de Bellas Artes y los egresados en los tres últimos años en esta Sección. Los interesados deberán entregar en la secretaría de la Fundación una iniciativa de arte contemporáneo. Este escrito debe ir acompañado de una memoria explicativa en la que se incluyan: los objetivos, la temporalización, el presupuesto y la producción desglosada por partidas. Por otro lado, la parte teórica del trabajo no debe superar en ningún caso los tres folios y deberá ir junto a su correspondiente soporte gráfico.

La selección de los proyectos correrá a cargo de un comité formado por profesores de la Facultad y algunos miembros de Mapfre Guanarteme. El fallo del jurado se hará público en la página web de la entidad el 16 de julio de 2018. Finalmente, se dotará al ganador con una subvención de 10 000 euros para que puedan hacer realidad la idea inicial. Para facilitar el logro de los objetivos previstos, los estudiantes contarán, además, con un servicio de asesoramiento durante todo el proceso de realización. Los aspirantes tienen que ajustar sus presupuestos teniendo en cuenta que 3500 € de la beca deben estar destinados a la publicación de una edición digital de la memoria del trabajo.

Asimismo, se presentaron diferentes proyectos de los estudiantes. Entre estos se encontraban exposiciones como Clausura del Día Mundial del Diseño de segundo y tercer curso, así como de profesores como María Luisa Hodgson, Soheila Pirasteh y Manuel Luis Palmero, entre otros. Cada año, los chicos y chicas de tercer año participan en un sorteo en el que crean el cartel de presentación del Día Mundial de Diseño del año siguiente. El año pasado, la ganadora fue la alumna María Abreu Pérez, en cuarto en la actualidad. Al mismo tiempo, también se reúnen distintos letreros tipográficos, packagings, ilustraciones y demás.

En la conferencia inaugural se explicó la iniciativa del cambio de la imagen corporativa de la Universidad. «El objetivo de la modificación es que todos se sientan representados e identificados con ella», admitieron los docentes. Además, se trató de destacar el nombre en relación a la imagen anterior, en la cual predominaba el acrónimo ULL.

Todo esto se enfrentó a un gran problema, que las demás entidades del organismo educativo, como la Biblioteca de la Universidad de La Laguna, se verían invisibilizadas a la hora de unificar un mismo logotipo. El profesor González explicó que la decisión de cambiar el icono viene acompañada del cambio de estrategia llevado por la institución intentando adoptar un aspecto moderno.

La agencia Henry Hank repasó experiencias exitosas y negativas en el ámbito del diseño empresarial

Por otra parte, asistieron algunos miembros de la agencia creativa Henry Hank, quienes hicieron un recorrido por su trayectoria mediante el trabajo realizado a lo largo de los años con sus diferentes clientes. Una de las las empresas interesadas era Gran Visión, una multióptica canaria situada en varios centros comerciales. Este equipo creativo diseñó su logo, pero no tuvieron en cuenta a los consumidores, lo cual supuso un error en su lanzamiento.

A la vez, relataron un caso exitoso, el de la campaña del Festival Internacional del Cine de Las Palmas de Gran Canaria. «Fue un éxito para su público objetivo, pero un fracaso para el resto de las personas», comentaron. Sin embargo, con su campaña para Donuts consiguieron que esta entidad se hiciera clienta de ellos, lo cual ha sido una de sus mejores incursiones económicas, junto a GM Cash, cuyas campañas publicitarias obtuvieron un gran recibimiento.

Este jueves 14 de diciembre, se llevará a cabo, a las 11.00 horas, la inauguración mediante una mesa redonda titulada Experiencias de promoción de arte joven desde las Instituciones Públicas en la que participarán Jerónimo Cabrera, miembro del Proyecto Área 60 del TEA; Alejandro Vitaubet González del Centro de Artes La Regenta; el área de Juventud, Igualdad y Patrimonio Histórico del Cabildo de Tenerife: Merkarte-Tenerife Emerging Artist; Luna Bengoechea Peña, artista; y Saro León, dueño de una galería. Moderará Susana Gutiérrez Padín, gestora cultural e historiadora de Arte.

De 17.00 a 20.00 horas tendrá lugar el taller práctico teórico de Arte y Comunicación 2.0 que se titula Recursos y claves para manejar las redes sociales desde la autopromoción: cómo lograr visibilidad a través de Internet y está impartido por Natalia García, community manager y gestora cultural.

Model Canvas y autoempleo, temas a debatir

La cita del viernes se iniciará a las 11.00 horas con un curso de emprendimiento para artistas: Businees Model Canvas aplicado a proyectos culturales y artísticos, coordinado por Tomás Guido, gestor cultural. Posteriormente, a las 16.00 horas, se celebrará un debate abierto sobre La creación artística y su relación con el medio profesional del arte. En él, intervendrán José Luis Serzo, artista, comisario y presidente de AVAM; Marco Alom, artista; Idaira del Castillo, artista; Frasco Pinto, de la galería Artizar; y Dalia de la Rosa, comisaria de Arte. Todo ello lo moderará el artista Rafael Martinez Gomez “Reifah”.

A las 18.00 horas tendrá lugar otra mesa de diálogo abierto. En esta ocasión, se hablará sobre El autoempleo como otra posibilidad de proyección profesional y artística. En ella participarán Adonay Bermúdez de Espacio Dörffi; Beatriz Lecuona y Óscar Hernández de Numen Creative Shop y Studio; Fernando Maseda de Espacio Guía; la diseñadora Ana Beltrá, y Manolo Cruz de la Facultad de Bellas Artes de la ULL. Modera Ramón Salas, docente de dicha sección. Seguidamente, se hará un balance y se extraerán diversas conclusiones.

Para finalizar este acontecimiento cultural, el sábado 16 de diciembre, de 10.00 a 14.00 horas, se llevarán a cabo unas jornadas de networking en las que se realizarán, en primer lugar, un taller de Herramientas, ideas y claves para dar los primeros pasos en una carrera profesional impartido por Susana Gutiérrez Padín y, como cierre, un encuentro con el artista plástico José Luis Serzo, el cual hablará sobre Perspectivas desde la realidad del mercado del arte y retroalimentación para el desarrollo de la práctica artística.

Con un total de 25 horas lectivas y 30 de trabajo autónomo, el profesor Adán Ramírez de La Rosa orientará al alumnado que, a través de un taller en el que resolverá diversos ejercicios relacionados, aprenderá el manejo de las herramientas requeridas para transformar imágenes e instantáneas. El horario del taller será de lunes a viernes de 16.00 a 21.00 horas.

El criterio de evaluación se basará en la asistencia, la cual no puede ser inferior a un 80 % del total de horas dictadas. A este aspecto se le sumará un examen práctico de los conceptos y metodologías adquiridas durante el cursillo.

La participación en esta actividad le permitirá a los estudiantes de la ULL acceder a un reconocimiento académico de dos créditos según determina el BOC nº 91, de 9 de mayo de 2012. Las 18 plazas que se ofertan están disponibles en la Fundación ULL  y se podrá acceder a ellas entre el 23 y el 27 de septiembre, en las diferentes modalidades de inscripción.

Laura Báez Hernández presenta lo que denomina «pintura matérica», habitualmente asignada al ámbito de la abstracción, pero con interés por un componente figurativo dentro de la misma. La obra de Alejandra Burgos Hernández, por su parte, gira en torno a tres mujeres con síndrome de Down, que participaron en un taller terapéutico. Para ello se basó en imágenes fotográficas, posteriormente transformadas en pinturas.

Pablo Falcón Muñoz de Bustillo manifiesta que busca un cambio personal de la representación pictórica a través de la escultura, centrándose en saturación, líneas, grafismos y figura. La obra de Ariadna García Batista muestra en fragmentos la conexión entre luz y cuerpo, proyectando así la auténtica realidad visible ante nuestros ojos, nuestro yo.

Raquel Luis Rodríguez parte del rostro como la simbología más representativa de la identidad. Para ello ha realizado una serie de retratos donde se ha alterado y fraccionado conscientemente el aspecto de los sujetos representados, haciendo visible las consecuencias de vivir condicionados. Asimismo, Lucía Lupiáñez Alpuente presenta dos obras pertenecientes a una serie de cinco cuadros que tratan desde un punto de vista diferente los trastornos alimenticios de la anorexia y la bulimia.

Diego Ruano Medina muestra obras que hablan de un futuro incierto y un horizonte gris, donde predominan ruinas, naturaleza, melancolía. Juan Carlos Vallejo López centra su creatividad en los objetos y artefactos de que nos rodeamos, que hablan elocuentemente sobre nuestro tiempo y nuestra sociedad. Posando la mirada sobre ellos podemos vernos a nosotros mismos. Por último, Sara Vela Hernández se basa en la búsqueda de la soledad como concepto positivo, como encuentro de la serenidad y el descanso esenciales a través de la contemplación del paisaje pictórico.

A partir de ahí fue cuando el artista grancanario, afincado en Tenerife desde los 18 años, empezó a especializarse e inmiscuirse en el mundo del sonido, del arte experimental.“Es un colectivo que al final lo he ido componiendo con personas que son afines a mí. Profesores procedentes de ciudades como Barcelona o Valencia, con los que disfruto de un mayor acercamiento que con los de aquí. Hoy en día no tenemos proyectos de investigación en marcha, estamos centrándonos más en las aportaciones individuales”, lamentó.

Por un lado, Doreste Alonso reconoce que así es como mejor se puede funcionar. “Si el grupo fuese mucho más amplio, tendríamos que tirar de subvenciones y estar pendiente de todo lo que ello conlleva. Te vuelves loco de gestiones, por ello es que acaba saliendo más rentable desarrollar tu propio proyecto personal y dar con aquella gente con la que poseas una mayor afinidad”, aseveró.

Por otro lado, expresa sorprendido que el único aspecto negativo que extrae de este asunto es que, fuera de lo que constituye el archipiélago canario, apenas se conoce su producción artística y la de sus compañeros. Cree, no obstante, que esto se debe a que en otros lugares se sigue aportando valor a lo sonoro, mientras que en Canarias se sigue apreciando en su mayoría lo meramente visual.

Paesaggi migranti, su nuevo proyecto

Actualmente, el especialista está avanzando en los preparativos de lo que en junio será «un camino sonoro». El lugar de la escena, un pequeño pueblo italiano de campo y montaña, Pennabilli, conforma una minúscula parte de todo un valle que conecta el norte de Europa con la nación transalpina. El recorrido está ideado de tal manera que, cuando se pasee sobre su superficie, se produzcan una serie de sonidos que se proyecten en unos altavoces.

“Cuando acudí a Italia fui a ver qué me encontraba. Hice una zanja en un terreno campestre, puse una red dentro de ella y le coloqué micrófonos de contacto cubiertos por una malla de plástico, con la presencia añadida de la tierra y el agua. Todo ese ruido que se crea cuando pasas por encima se traslada por línea a unos altavoces”, explicó.

Con este proyecto, lo que persigue el docente es hacer disfrutar al espectador del juego de la vivencia sensible y transmitir esa idea de que la experiencia del momento es efímera. “Se trata de algo multidisciplinar. Primero soy caminante y luego soy pintor y fotógrafo. También está la experiencia del tránsito, del caminar, sin que falte nunca el sentido del humor. Posteriormente se da paso a la documentación gráfica», comentó.

En ese sentido, el investigador de Bellas Artes resalta la importancia de poner por delante, en la práctica artística, la experiencia del aquí y el ahora, y no afrontarla con un discurso mega-filosófico preconcebido. De lo contrario, confirma que el artista está «fastidiado».

Paesaggi migranti, nombre de la obra, se expondrá en el Festival Artisti in Piazza el próximo mes de junio, en la ya mencionada localidad de Penabilli. Puede observarse un pequeño avance en la web de Atilio Doreste.

Lucía Lupiañez, estudiante de Bellas Artes, combina suéter deportivo con pantalones vaqueros en color claro, de estilo oversize vintage.  Lleva cazadora de cuero negra y tenis de antelina en color marrón. Además, y para hacer frente al frío característico de esta ciudad, elige calcetines altos en color gris y una bufamanta bicolor. Un look con rasgos noventeros que se caracteriza por una superposición de capas que no deja indiferente a nadie.

Valentina Alves, que cursa el mismo Grado que la compañera mencionada anteriormente, escoge un estilismo propio del invierno. Combina vestido color vino plisado, característica que lo convierte en un traje especial, con una chaqueta jaspeada en colores blanco y negro. Como complementos, Valentina elige medias y botas de estilo militar en color negro.

A la salida de una de las clases del Grado en Conservación y Restauración de Bienes Culturales, nos encontramos con Sara Pizuela, que ha elegido prendas cómodas para acudir a la misma. Combina camiseta blanca de algodón con pantalón fluido en color negro. Como calzado, Sara lleva mocasines y como abrigo, una parka en color marino.

Creativos y originales, sin duda, los estudiantes de esta rama de Humanidades son de los más arriesgados a la hora de elegir sus vestimentas estableciendo con firmeza que la moda no tiene límites.

Íñiguez pertenece a una generación de mujeres que sobrevive con voz propia a una época sobrepoblada de nombres masculinos en todos los ámbitos sociales. El tránsito de la artista por las horas de la vida se fija en los lienzos con una fuerza y una ironía que contagia vida. El color y las formas son algo secundario, puesto al servicio de la imperiosa necesidad de transmitir.

En palabras de la pintora, se trata de “una muestra terapéutica, en la que la contundencia de las piezas provoca una reacción innata. En ese gesto automático, la emoción atrapa al espectador, sorprendido por su propia respuesta. Todo ello hace que algún cuadro nos recuerde una asignatura pendiente; otro, un deseo irracional que despierta de nuevo; y otro más nos lleve a descolgar el teléfono para anunciar que volvemos, o que vamos».

Las obras pretenden despertar el debate interno en el espectador ante las metáforas que suscitan, iniciando un intercambio de sensaciones entre el universo de la artista, sus fuentes de inspiración y la mirada que observa cada uno de los cuadros. El resto es parte del camino: proceso, cambio, tristeza, alegría, amistades, lecturas, sueños y realidad. El color y las formas que brotan del pincel de Iñíguez son las señales de lo acontecido durante el trayecto vital de la autora, sus huellas. Fluctuaciones, vivencias, periodos y transformaciones. El proceso de individuación de una artista. Un hermoso muestrario desde los orígenes hasta ayer mismo en su estudio de Santa Cruz.

Como explica Jordi Solsona, comisario de la exposición, “color, temática, mensaje y técnica se reúnen en los pinceles de Loli Íñiguez”, a quien define como “una mujer introspectiva con claras referencias psicológicas (Jung, y su principio de individuación), cuyo argumentario bebe de las influencias del inconsciente y las jerarquías sociales impuestas a la propia voluntad, como elementos que trazan el camino de la sociabilidad y la formación como persona”.

Esta es la décimo sexta exposición individual de una carrera iniciada en 1979 en la que se cuentan también una cincuentena de participaciones en muestras colectivas, muchas de ellas de carácter internacional.