La Sala de Arte Contemporáneo del Gobierno de Canarias acoge la exposición Invasores hasta el viernes, 6 de septiembre. El horario de visita es de lunes a viernes de 11.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.00 horas. La entrada es gratuita. La exhibición es una protesta en contra de la propagación de plantas invasoras, como el rabo de gato, en la Islas. Además de las consecuencias de una demanda incansable de recursos por parte de la población. Asimismo, la artista, Pilar Boullosa, busca crear conciencia sobre cómo la inteligencia artificial, internet o la robótica están incrementando la globalización.

El espectáculo Bajau se representó el pasado domingo, 7 de julio, en el Espacio La Granja. Tuvo lugar un doble estreno en Tenerife. Así, la primera función fue a las 18.00 horas y la segunda a las 20.00 horas. La compañía teatral catalana Ponten Pie mostró una pieza mediante emociones, música y elementos materiales. Estaba integrada por dos intérpretes: Natàlia Méndez y Borja Nieto. La composición se realizó mediante mímica y expresiones faciales muy marcadas.

Sergio Ots, director escénico y dramaturgo, comenta que se trata de un «espectáculo visual con muchos efectos para volver a nuestro origen». El elenco pone en escena «el vínculo del ser humano con el agua y la maternidad», aclara el artista. Del mismo modo, puntualiza que hay un mensaje oculto, puesto que «nos han obligado a vivir en un medio terrestre, pero tenemos el derecho de volver al agua y buscar nuestros inicios».

«Los hermanos deciden vivir debajo del agua»

La obra consta de una pareja de gemelos que se dedican a cuidar plantas. Un arbusto empieza a morirse y comprueban que con el agua puede revivir. Con esto, el autor invita al público a la reflexión, ya que «si empapando su suelo y su tierra vuelve coger este verde, las personas también pueden hacerlo». Por tanto especifica que «los hermanos deciden vivir debajo del agua».

La dificultad de esta creación se debe «a los artefactos y a la manipulación constante de componentes líquidos», dice Ots. Además, afirma que «parece un gran trabajo de ingeniería». La Compañía separa «las luces del agua para que nunca haya un accidente de electricidad y sobre todo para que esta magia y esta técnica no se vea», explica.

La obra empezó con los tres protagonistas sobre el escenario. El del medio, interpretado por Toni Báez, era a la vez narrador y personajes de la historia. Iba vestido con un traje verde y cargaba una maleta enorme. A su derecha estaba el actor Manuel Jiménez, vestido de marrón con un sombrero de leñador. No articuló ninguna palabra pero su presencia corporal era imprescindible. Por último a la izquierda, estaba el artista Rubén Sánchez que tocó en directo las escenas musicales. Estos tres hombres representaban a unos gitanos, descendientes de Melquíades, personaje relevante en la novela de Márquez.

Báez llevaba una botella de alcohol en la mano y se reía de forma particular. Nos introdujo en el pueblo ficticio de Macondo. Para ello, cogió un libro de su chaqueta y leyó con voz de borracho el comienzo del libro: «Muchos años después, frente al pelotón de fusilamiento, el coronel Aureliano Buendía había de recordar aquella tarde remota en que su padre lo llevó a conocer el hielo». Del mismo modo, el elenco colocaba piezas de colores al borde del escenario mientras hablaba y formaban una pequeña ciudad.

Estalla la guerra civil en Macondo

La historia se basa en los Buendía, una familia incestuosa donde se casan entre primos. Úrsula y José Arcadio son el primer matrimonio de siete generaciones. Estalló la guerra civil en el poblado, con música dramática de violín a mano de Sánchez. «Arcadio, el sobrino del coronel Aureliano Buendía había quedado al mando de Macondo en ausencia de su tío», exclamó Báez. Simularon los disparos y el personaje de Arcadio murió gritando: «viva el bando liberal».

Jiménez abrió un abanico y lo agitó para que volasen dos mariposas amarillas de papel. Giró sobre si mismo y ambas estuvieron en el aire en todo momento. Báez caminando narró la escena de una mujer entrando a la casa de los Buendía con un bebé que era hijo del Coronel Aureliano. «En menos de doce años bautizaron con el nombre de Aureliano y con el apellido de la madre a 17 criaturas», exclamó el narrador.

Los interpretes representaron un desfile, un baile con música festiva. El actor principal se subió a unas barras de metal y se columpió con ímpetu. Cuando el ruido cesó se colocó de espaldas a la audiencia, apoyó la frente contra el acero y exclamó la muerte del coronel Aureliano. Baéz cogió una caja de color en el escenario y con voz de locutor se hizo pasar por una radio. Su compañero Jiménez estiraba el brazo con un árbol de cartón como si fuese una antena. El público se reía cuando el segundo artista movía la mano, se perdía la señal y sintonizaban con otro canal.

«La guerra finalizó y José Arcadio II fue el único superviviente», comentó el protagonista. El personaje se encerró en una caja de aire construida por barras metálicas. Estaba descifrando los pergaminos que el gitano Melquíades le dejó al primer matrimonio de los Buendía. Con un sonido de lluvia, Báez contó que no paró de llover en dos años y que «el diluvio dejó a Macondo en ruinas». Cuando escampó los actores estaban eufóricos «aunque no volvió a llover en diez años», recalcó.

El final de la familia Buendía

Báez contó que Aureliano Babilonio, el último descendiente de los Buendía, mantuvo relaciones con su tía, Amaranta Úrsula. Ella se quedó embarazada y el narrador simuló su parto. Formó al bebé con una toalla gris y susurró que «era un colacerdo». Báez explicó la maldición de la familia cuando un bebé naciera de una pareja de la misma sangre. Describió el final casi entre lágrimas. Amaranta se desangró después del parto y el padre de la criatura huyó por el desierto. A la mañana siguiente volvió a por su hijo, pero ya era tarde, lo estaban devorando las hormigas.

La audiencia quedó expectante y Báez cogió el mismo libro del principio. Sonaba una melodía melancólica. Explicó que el personaje de Aureliano Babilonio descifró los pergaminos que dictaban el destino de su familia. Con la voz quebrada dijo: «Las estirpes condenadas a Cien años de soledad no tenían una segunda oportunidad sobre la tierra».

La función cuenta la historia de Leonora, una joven pintora que ama el arte surrealista, la naturaleza y la vida en general. Cuando se dispone a crear una de sus originales pinturas, los colores comienzan a desaparecer y todo se vuelve gris. De repente, un extraño mensaje aparece de forma misteriosa en uno de sus cuadros: Esperando a Lucky. La chica tratará de averiguar quién es Lucky y qué tiene que ver con la desaparición de los colores.

Los temas primordiales de la obra son el arte surrealista y la defensa de los animales en libertad. La compañía teatral se caracteriza por realizar propuestas basadas en problemáticas sociales. En esta ocasión, han decidido hacer reflexionar al público acerca de la importancia de luchar por los derechos de los animales. Guaxara Baldassarre, la directora y dramaturga de la compañía, afirma que «el amor por el arte, el respeto por la naturaleza y el deseo de transmitir estos dos conceptos a través de nuestro trabajo es lo que nos ha llevado siempre a seguir por esta línea».

Comunicar y sensibilizar

La concienciación es una parte fundamental de la obra. Los animales acompañarán a la protagonista en su aventura y le harán ver que «la vida a veces es un poco gris, pero está en nuestras manos llenarla de mil colores», afirma Baldassarre.

IaGodot esCénica cree en la capacidad del arte como medio para comunicarse y sensibilizar sobre asuntos que afectan a la sociedad. Es por ello que la directora declara que «hay que ofrecer nuevos lenguajes que aporten colores diversos a la escena e inviten no solo al disfrute, sino también a la reflexión y a la toma de conciencia sobre determinados problemas, con el objetivo de generar un cambio».

Baldassarre asegura que la representación estará narrada con un lenguaje poético y puede resultar «extraño para los sentidos», pues se fundamenta en el surrealismo. «El lenguaje que se emplea aporta nuevas formas de ver y sentir al público que asiste a la representación», subraya.

El espectáculo comenzó con una escena en la que dos actrices avanzaban hacia el público, acompañadas por una inquietante y emotiva música instrumental. Con el transcurso del tiempo, se las observaba sufriendo en silencio, reflejando un profundo dolor y agonía. Al finalizar la pieza instrumental, una de ellas tomó la palabra y dijo: «Todo comenzó con un dolor en el pie».

Las protagonistas, entablaron un diálogo donde mezclaron elementos de la realidad con la ficción, generando un ambiente caótico. A través de esta narrativa, contaron múltiples historias que se entrelazaban y se superponían, destacando la compleja y oscura relación entre una madre y su hija. En este sentido, representaron temas como la aceptación, la culpa o el perdón.

«Por fin te convertiste en algo»

A medida que avanzó la obra, la hija relató los malos tratos que había sufrido a manos de su madre, mientras representaron visualmente su transformación gradual en un árbol de manzana. Su cuerpo se cubrió de raíces, simbolizando su carga emocional y el sufrimiento oculto. Esta metáfora reflejó cómo el dolor y las experiencias difíciles que vivió la joven, se extendieron por todo su cuerpo sin poder detenerse. La familia decidió ubicarla en el jardín, pero la madre, debido a la mala relación que tenían, expresó con auténtica alegría: «Finalmente, te has convertido en algo».

Las actrices, en su intento por contar y representar la obra de manera simultánea, experimentaron ciertas dudas acerca de cuál era la realidad en ese preciso momento. Mientras narraban los acontecimientos y se adentraban en los sentimientos de aquella supuesta joven maltratada por su familia, especialmente por su madre, a las dos les surgían flashbacks de sus propias vidas. Con todos esos recuerdos, descubrieron facetas que antes habían pasado por alto, como el hecho de haber sido abandonadas por sus propias progenitoras sin conocer el motivo. Sin embargo, continuaron con la construcción de su relato gracias a la imaginación.

Por último, una de las protagonistas, a pesar de sus interminables metáforas mientras contaba el cuento, no pudo resistirse a llorar desesperadamente porque no quería seguir interpretando. Ya no sabía lo que era real y lo que no, por lo que su compañera no hizo más que repetir: «Sigamos con la obra, lo vas a entender todo al final» pero ella no quiso seguir con la trama así que lanzó una pregunta final: «¿Qué es lo que ocurre verdaderamente en la historia?». Una pregunta que dejó a sus espectadores con un amplio abanico abierto de conclusiones.

En SED no importan los formatos, las posibilidades o las presentaciones, el público participa de manera activa en la pieza al implicarse en su elaboración y sentido. Ponce denomina su obra como «la hija» de Cuatro Colores en Blanco, una obra anterior en la que también se estimulaba la participación de la audiencia.  

Características

La artista declara que ambas tienen rasgos similares, pero con la diferencia de que la primera es una versión expositiva. «Las personas asistentes entran con todo expuesto y desplegado en las paredes de la sala”, sostiene. Además, narra que en SED el público es activo y tiene que decidir lo que está sucediendo.

La creación gira en torno a la palabra, se forma una especie de sopa de letras en la que los términos representan la acción, la imagen y la fotografía de un sonido. Los textos se mueven en el espacio, son coreográficos, dibujan escrituras y palabras.

«Cada vez que trabajo con el público trato de movilizarlo»

En esta actuación no hay gradas ni asientos, las obras pueden contemplarse desde el punto en el que las personas lo deseen. «Cada vez que trabajo con el público trato de movilizarlo», destaca la artista.

Asimismo, señala que se trata de un proyecto que «se adapta a cada uno de los espacios». Por este motivo, prepara en el Espacio La Granja unas acciones específicas que no se van a repetir en otro sitio, debido a las particularidades del lugar.

El sexteto femenino deslumbró al Espacio La Granja ayer, sábado 11 de marzo, con El sonido de las caracolas, una travesía por la vida de muchas mujeres a lo largo de la historia de Canarias. Representándolas a través de la música, Las Caracolas contaron anécdotas, conseguidas en entrevistas, de las «guerreras» que dieron forma a las islas que conocemos hoy en día. El hilo conductor de la noche fueron los mismos municipios y ciudades de Tenerife, como San Cristobal de La Laguna o Puerto de La Cruz; lugares donde vivieron las protagonistas de las historias de las canciones.

La Biblioteca Pública de Tenerife y el Espacio La Granja celebró el sábado 23 de abril de 11.00 a 22.00 horas, el Festival de las Letras o Festival Trash, en honor al Día del Libro. Este encuentro se realiza para que artistas locales de la isla se den a conocer y puedan sacar sus proyectos adelante, centrándose principalmente en aquellas personas del mundo fanzine y de la autoedición. El espectáculo incluyó talleres de improvisación, debates, lecturas y música, una edición que se acerco a un público de todas las edades, con múltiples actividades.

En este acto colaboran la Red española de teatros los programas de Danza a Escena y el Circuito Acieloabierto de la Red de danza de calle y espacios insólitos, ambos pertenecen al Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) del Ministerio de Cultura del Gobierno de España. Además, el festival cuenta con el sello Europe for Festivals, Festivals for Europe (EFFE) de la Unión Europea.

El festival comenzará en el Paraninfo de la ULL a las 10.00 horas con Ina de Paloma Hurtado y Daniel Morales. A las 12.30 horas tendrá lugar, en el Espacio La Granja, Dance, no goal, de Carlota Mantecón. Esa misma tarde arrancará en el Teatro Guimerá el estreno en Canarias de Dosis de Paraíso de la compañía de danza Sharon Fridman. En el Centro de Arte de la Recova actuará la compañía de danza DeNada Dance Theatre con Ruffle. La jornada concluirá en el Auditorio de Tenerife con After the party de la compañía Thomas Noone Dance a las 17.30 horas y con Sintempo de la bailaora Sara Cano a las 19.00 horas.

El jornada del jueves comenzará también en el Paraninfo de la Universidad de La Laguna a las 10.00 horas con El vuelo de Daniel Morales. A las 12.30 horas en La Granja será la actuación de La Carne de Paula Quintana, coreografía estrenada en la pasada edición. En el Teatro Guimerá a las 16.00 horas tendrá lugar Get No de la compañía de danza La Quebrá. Una hora después, en La Recova se dará cita Campo Cerrado de la compañía de Daniel Doña. Por último, en el Auditorio de Tenerife actuarán a las 17.30 horas Cualquier mañana de Álvaro Esteban y Laura Aris, y a las 19.00 horas Nocturno de Leonor Leal.

El sábado, a partir de las 10.30 horas en La Granja, empezará Lettre d’amour de Pau Arán. A las 12.00 horas se subirá al escenario del Teatro Guimerá la compañía de danza La Intrusa con It’s a wrap, ganador del Premio Nacional de Danza en 2015. En los exteriores del Auditorio de Tenerife tendrá lugar a las 17.00 horas 147 horas de la compañía Sharon Fridman y Laika de Isabel Vázquez. A las 18.30 horas empezará La oscilante de Pol Jiménez. Para finalizar, Trama, una coreografía de Roser López Espinosa a las 20.00 horas.

Para finalizar con la última jornada del festival, a las 10.30 horas en La Granja estará la compañía de Natalia Medina con Petitdanza. En el Teatro Guimerá a las 12.30 horas tendrá lugar El hijo, el último espectáculo del bailarín tinerfeño Daniel Abreu, ganador del Premio Nacional de Danza en 2014. A las 16.00 horas en el Auditorio de Tenerife empezará Work in progress, una sesión solo para programadores en la que algunos artistas mostrarán sus últimos avances. A la misma hora, en el exterior del auditorio se representará Esto que tú ves de Javier Cuevas y Paula Quintana. Cerrando esta edición del festival se representará El pastor, una coproducción del Auditorio de Tenerife con la compañía Nómada y Kenophobia de la compañía Osa + Mujica.

El equipo que llevó a cabo la actuación estuvo compuesto por un pianista, José Alberto Medina, y cuatro comediantes: Adri Torrijos, Romina Vives, Toto Curcio y Alejandro Rod. Todos ellos a cargo de la compañía Impro Canarias. El evento comenzó a las 18.00 horas y se extendió hasta las 20.00 horas. Durante todo este rato, el elenco logró sacar numerosos aplausos y, sobre todo, carcajadas al público.

En la primera pieza se seleccionó un cuadro donde se mostraba una heladería, se llama Repostar comida y fue fabricado por Tetsuya Ishida. El reparto ideó el relato de una heladería mágica cuyo helado lograba dejar pasmada a su clientela. Tan solo había que consumirlo desde el mostrador con una pajita y la sensación era plena y reconfortante. De una sola persona, la fama de este establecimiento, se extendió a millones. Sin embargo, había truco y era que ese surtidor se había elaborado en Japón.

Cinco cuadros, cinco improvisaciones

La segunda obra pintoresca mostrada fue El triunfo de Vaco de Julio Velázquez cuya temática principal era el alcohol. A raíz de este tema, se mezclo el amor con las borracheras. Mari Carmen se hundió en lágrimas, al enterarse que su prometido rechazó casarse con ella a dos días de la boda. Él había sido calificado en esos últimos tiempos como un borracho, un hombre que no tenía compasión con su pareja. Esa situación es aprovechada por Gustavo, amigo de Mari Carmen, que tenía impulsos amorosos hacia ella. Él es tímido, no es capaz de transmitir a Mari Carmen su amor y para cuando se decide a dar el paso ya es demasiado tarde pues ella también se encuentra borracha ahogando sus penas hasta caer dormida.

En la tercera pieza, el elenco escenificó un cuadro donde se ilustraba a Jesús de Nazaret crucificado, titulado Cristo de San Juan de la Cruz y creado por Salvador Dalí. Para ello, crearon una historia sobre el crimen de un varón llamado Jorge que falleció crucificado sin falda. Dos policías investigaron el caso, y cuando parecían haber descubierto a los culpables, no logran capturarlos. Esto creó una gran decepción en uno de ellos que acaba por suicidarse.

El cuarto relato estuvo dedicado al lienzo Atenea, cuyo autor es Fabián de la Cruz. En él se expone a una mujer con un pirsin. Para realizar una idea similar, los intérpretes pusieron en escena a un varón, que acudía a un centro donde su cerebro era conectado a una máquina. En ella, el individuo se transformó en un anciano y fue considerado como tal. A pesar de las fallas que se producieron posteriormente en el sistema, el hombre logró volver a la vida real.

Por último, se eligió un cuadro final entre cuatro sugeridos para representar la quinta historia. La elección cae del lado de Muchacha en la ventana, también ideado por Salvador Dalí. La mujer que seleccionó este cuadro consideraba que mostraba bien cómo era Argentina, su país de origen. Por esta razón, el relato estuvo enfocado en dicho país, ya que se aprovechaba además que uno de los artistas era argentino. La trama trataba de un chico llamado Damián que llevaba viviendo durante muchos años en Canarias y cuyo sentimiento por Argentina era incluso palpable en su oficio. Sus amigos decidieron reglarle un billete de avión a su país de origen con motivo de su cumpleaños.

Tras esta última obra, concluyó el acto. La iniciativa fue respaldada por los asistentes, puesto que se trataba de algo poco común y diferente en el ámbito teatral y la despidieron con fuertes aplausos.

Este evento se inició para conmemorar 125 años desde el nacimiento de John Ford. El director rodó su primera película en 1917, en la época muda del cine. No paró hasta su muerte en 1973, llegó a filmar más de 150 obras. La mayoría son westerns, aunque las cuatro que le valieron el premio Oscar a mejor director se escapan al género: El Delator (1935), Las uvas de la ira (1940), ¡Qué verde era mi valle! (1941) y El hombre tranquilo (1952). Aún hoy continúa siendo el cineasta más premiado por la academia.

En Centauros del desierto (1956), John Wayne encarna al antihéroe Ethan Edwards, un vaquero solitario que emprende la ardua búsqueda de su sobrina secuestrada por los indios. Por otra parte, El hombre que mató a Liberty Valance (1962) la protagoniza James Stewart en el papel de Ramsom Stoddard, un anciano senador que, en el funeral de su amigo Tom Doniphon, narra al detalle la relación que ambos tuvieron en la muerte del atracador y pistolero Liberty Valance.

Por su parte, la organización extremará las medidas de seguridad en las dos proyecciones y las mantendrá en las posteriores, mientras dure el estado de alarma. Será obligatorio el uso de mascarillas y el mantenimiento de las distancias. Para ello, el personal del recinto distribuirá a los espectadores por la sala. Solo podrán entrar en conjunto aquellas personas que convivan en el mismo domicilio. Además, la entidad limitó el aforo para garantizar las normas. El precio de la entrada para parados, mayores de 65 o estudiantes es de un euro, las generales valen dos.

Su director, Vitaly Manski, recurre a su archivo particular y a testimonios personales de figuras muy destacadas para su elaboración. Entre ellos Mijaíl Gorbachov, antiguo secretario general de la Unión Soviética, Boris Yeltsin o el propio Putin.

El visionado se realizará en versión original con subtítulos y según palabras de la directora de la Filmoteca, María González-Calimano «parece que hay mucho interés por verla».