En la antigüedad existían grupos que tenían estilos definidos como el hippie, rockero o pijo. Ahora cada vez son más las personas que encuentran su identidad y necesitan un nombre concreto para sentirse integradas. Este es el mundo de la estética (aesthetic). Hace referencia a aquello que produce placer a la vista de cualquier manera y lo abarca todo, reivindica la libertad de expresión. Puede manifestarse en los conjuntos del día a día o en la decoración del hogar. Resulta una manera sostenible de evitar el consumo excesivo de ropa y contribuye en gran medida al medioambiente.

Esta tendencia surgió de forma oficial en 2020, en plena pandemia. Las personas que pasaban su tiempo en TikTok para entretenerse empezaron a crear vídeos con un estilo más definido, trayendo de vuelta antiguas modas o vestimentas que no se llevaban (de la década de los ochenta, noventa e incluso de periodos históricos como el Romanticismo). Poco a poco, se fue difundiendo hasta que todo el mundo expresaba su forma de ser en cualquier aspecto de su vida.

En la actualidad hay más de quinientas estéticas conocidas. Sin embargo, existen varias que son las más famosas debido a su difusión en las redes sociales por su generalidad. Los ejemplos más claros se encuentran en femme fatale (la mujer fatal), dark academia (libros y aprendizaje), cottagecore (naturaleza idílica), grunge (rebeldía oscura) y old money (antiguas familias adineradas).

Femme fatale muestra a la mujer fatal, aquella que es peligrosa, atrevida, inteligente, coqueta y seductora. Pone de manifiesto el poder de las mujeres y la seguridad de sentirse bien consigo mismas en la ropa que lleven. Suele ser representada en muchas películas, el ejemplo más popular es el de la actriz Scarlett Johansson en Viuda Negra. Lleva un aura de misterio y elegancia a su alrededor. Sin embargo, esta no es la primera vez que se visualiza esta estética en el mundo.

Saltó a la fama con el género cinematográfico del cine negro y la literatura del mismo estilo del siglo XX. La primera femme fatale más destacada es Brigid O’Shaughnessy con su papel en la película El halcón maltés (1941). Utiliza su belleza como distracción para asesinar a la pareja del protagonista.

En cuanto a la personalidad, una persona femme fatale evita dar información de ella misma. No suelen mostrar sus verdaderas emociones y las esconden tras una máscara de dureza. Son independientes, por ello no suelen tener pareja fija y utilizan cualquier medio para poder conseguir sus objetivos. La ambición es su guía principal.

«Femme fatale reivindica el poder de las mujeres»

Los colores que utiliza en su ropa son en mayor parte oscuros y rojos. No suele llevar estampados de ningún tipo, solo prendas monocromáticas. Los accesorios son algunas joyas o bolsos minimalistas que no destaquen, ya que la verdadera distracción es su labia y comportamiento. También usan abrigos de piel sintética.

A menudo llevan un perfume característico para que cuando se vayan recuerden su esencia. Es como una marca personal. Respecto al maquillaje, pintan sus labios de diversas tonalidades de rojo, además de utilizar largas pestañas negras que decoren sus ojos con una sombra sencilla que los resalte.

La estética Dark academia se relaciona con la escritura, poesía, bellas artes y arquitectura clásica. Refuerza la idea de la importancia de la educación superior y el aprendizaje. Las personas que se suman a este aesthetic tratan siempre de estar leyendo en bancos de madera o en bibliotecas. Su influencia viene de las culturas del periodo del Renacimiento, Barroco y, en menor medida, Romanticismo. Comenzó en 2015 en la plataforma Tumblr.

Las personas recomendaban libros clásicos en la red social de blogs para conseguir más audiencia. Esta tendencia pasó a ser conocida en YouTube, donde diversos booktubers (término que se refiere a influencers de libros) elaboraban vídeos para fomentar la lectura y la estética de las librerías. Hacían más hincapié en la visita de lugares que se parecieran al castillo de Hogwarts de Harry Potter.

La romantización de las universidades e instituciones es algo típico de esta estética. Realizan una conexión sentimental con el estudio y las buenas notas, idealizándolo. Analizan obras de arte y discuten las nuevas publicaciones literarias en sus lugares de reunión.

«La poesía y las bellas artes son propias de la dark academia»

Este aesthetic hace uso de colores negros, marrones, beiges, verdes oscuros, cremas y dorados. La iluminación se basa en la simple llama de una vela, ya que suelen realizar sus actividades en la tarde o noche. Muchas casas siguen la dark academia para la decoración de ciertas habitaciones como el salón o el comedor. El uso de la chimenea con un sofá al lado mientras llueve es una de las imágenes más reconocidas para representarla.

En cuanto a la ropa, las personas académicas llevan largos abrigos en tonalidades oscuras, pantalones que suelen ser de cuadros o monocromáticos, faldas del mismo estampado, botas negras o marrones y mochilas de cuero artificial. Las temporadas en las que más se suele utilizar es en otoño o invierno, así que los conjuntos más abrigados prevalecen ante los veraniegos.

El cottagecore representa la vida rural y campesina. Conecta con todo aquello que tiene que ver con la naturaleza, como las flores, el campo, el exterior y el sol. Idolatra el concepto de la vida sencilla y autosuficiente, muy idílica. A las personas con esta estética les suele gustar el oficio de la agricultura y ganadería. El cuidado por los animales y las plantas es primordial. La verdadera tranquilidad la encuentran en un descampado con pájaros cantando.

La comida también es importante. Celebran la generosidad de la Tierra con canastas llenas de hongos, bayas y otras frutas frescas, y resaltan la alegría que se encuentra en la actividad cocinar. Productos horneados, pan y otros alimentos dulces también aportan un ambiente acogedor. Transmiten la calidez y el trabajo romántico asociados a su elaboración tradicional.

La luz, destellos y desvanecimientos son esenciales en sus imágenes. Tienen una edición muy brillante, soñadora. La presentación del cottagecore suele ser borrosa, como si vivieran en un mundo paralelo en el que la polución o contaminación no existe. Este estilo es el más sostenible, ya que su propósito no es la cantidad de ropa que se consiga, sino la tranquilidad, bienestar y comodidad que transmite el ambiente naural.

«En el cottagecore la vida rural prima ante la industrialización»

Los colores de esta estética tienden a ser pasteles o descoloridos, como el rosa palo, marrón, blanco, amarillo claro y azul cielo. Las telas no son sintéticas, sino de fibra natural. La mayoría son prendas de algodón, hilo de punto o lino. Muchos de los conjuntos también son vintage o comprados de segunda mano debido a su aprecio por el medioambiente.

Sin embargo, a medida que la estética se volvía popular consiguió llegar a la moda rápida, así que mucha de la ropa que se encuentra en páginas web contiene este estilo, sobre todo respecto a las blusas. El pelo largo se lleva suelto a merced del viento y el maquillaje es suave.

A pesar de que el cottagecore no es un movimiento político, gran parte de su conversación sí lo es. Las personas que siguen la estética suelen estar en contra del capitalismo y los roles comunes de género. Sugieren que este aesthetic presenta un mundo ideal para jóvenes que expresen su personalidad en la libertad de un espacio rural.

El grunge se trata de un estilo oscuro y rebelde. La mayoría de sus imágenes se editan como si estuvieran sucias y mugrientas. Muestra una desesperanza y desencanto con la sociedad moderna. Transmiten una depresión social utilizando tonos color tierra o negros. Su origen se remonta en 1990. Era un movimiento joven contracultural, anticonsumista y musical que definió a las generaciones de la época. La popularidad de esta moda fue gracias a bandas como Nirvana, Pearl Jam y Alice in Chains.

Comenzó a acabarse a partir de 1994 tras lo que sucedió con Kurt Cobain, pero gracias a la red social Tumblr volvió a estar en auge en 2014 entre adolescentes. Según Mina Le, influencer y modelo, «se trata de una subcultura llamada soft grunge (mismo estilo pero un poco más suave) que incluye hablar de forma abierta sobre diversos trastornos mentales».

Esta estética contiene ideas del Romanticismo debido a la libertad de expresión y pensamientos oscuros o revolucionarios. En la década de los 90 la ropa grunge se solía comprar en tiendas de segunda mano. Querían rechazar la moda moderna, pero la realidad es que muchas veces no tenían el dinero suficiente para el consumo.

«La rebeldía oscura representa el grunge»

Respecto a los conjuntos, las camisas, pantalones o faldas llevan estampados de cuadros o rayas blancas y negras. Sus colores son muy oscuros y profundos, y en el calzado predominan las botas del mismo tono. Para los accesorios escogen collares o cadenas, además de candados o muñequeras.

En cuanto al maquillaje, la sombra de ojos tiende a ser negra y larga. Los labios pueden pintarse del mismo color o cubrirse con una mascarilla que combine con el resto del look. El pelo se deja largo aunque, a veces, también queda bien corto (depende de la persona y su forma de ser).

Old money es una estética basada en el estilo clásico y de bienestar económico. El término se refiere a aquellas personas que han hederado el dinero y que no han trabajado demasiado. Es sofisticado y elegante. Se originó en países donde no había aristocracia, sino una clase social elitista que tenía un estatus similar. En 1930 las familias old money se remontaban hasta la Revolución Americana, quienes generaron riquezas en la época de la Guerra Civil estadounidense y durante la Edad Dorada.

Se caracteriza por todo aquello que hace de la vida un lujo o capricho. Las grandes copas con los mejores vinos, bolsos de calidad y suéteres de punto. Este conjunto viene de las antiguas universidades en las que solo las personas ricas podían permitirse acceder. No suelen contar sus vivencias de una manera pública ya que prefieren la privacidad.

En muchas películas aparece este aesthetic. En TikTok se viralizó el concepto y la plataforma se llenó de pequeños vídeos en los que la gente iba al gimnasio, a jugar al golf, al tenis o al pádel. La mayoría lleva tonalidades blancas y puras, además de pantalones con el corte debajo de las rodillas.

«Familias adineradas y elitismo: old money»

Los valores que pretende transmitir son familiares, educativos y tradicionales. Aparece en mansiones con grandes jardines y piscinas. Para la decoración del hogar son importantes las figuras de porcelana, muebles anticuados, pinturas al óleo, flores, chimeneas, mesas de cristal y candelabros clásicos.

Algunos libros en los que se representa la estética son Early Autumn de Louis Bromfield, Freckles de Gene Stratton-Porter, A Separate Peace por John Knowles y The Forsyte Saga de John Galsworthy.

La moda sostenible es un concepto que está a favor del medioambiente y contribuye a la vida de los ecosistemas terrestres y marítimos. Está en contra de la contaminación y el maltrato animal. El aesthetic es una herramienta que ayuda a encontrar una identidad propia y a paralizar el consumo excesivo. Las personas que saben lo que quieren no pretenden comprar más allá de lo que les gusta ni se ciñen a las tendencias que cambian cada mes.

Nereida Fuentes, encargada del departamento de Moda en la Escuela de Arte y Superior de Diseño Fernando Estévez, comenta que «Hoy en día se adquieren productos para adaptarse a las nuevas tendencias que van cambiando en pocas semanas. Esto presenta una gran diferencia con la industria de la moda de antes del fast fashion, en la que las compras de ropa se realizaban unas pocas veces al año».

Algunas marcas sostenibles son Ecoalf, Volett y Rocamood. El problema con aquellas que son lo contrario es que «son capaces de mantener precios de venta bajos gracias a sus simplificadas cadenas de suministro y la integración global con la que cuentan que les hace poder reducir costes por las economías de escala».

«La identidad propia favorece la sostenibilidad»

Concienciar a las personas consumidoras es crucial para la moda ética. Deben atrapar y convencer a la clientela de que el producto es de más calidad y duradero. Según Nereida Fuentes las empresas textiles tienen que tenerlo muy en cuenta en el futuro sostenible. Las redes sociales pueden contribuir a este cambio.

El aesthetic es estático. Una vez que alguien encuentra su estilo tratará de mantenerlo y cuidarlo, sin dejarse llevar por las nuevas tendencias. Los nuevos modelos de moda comienzan cuando la personalidad y criticismo predominan ante el vacío mental consumidor.

¿Cómo llega la moda a formar parte de tu vida? «El mundo de la moda llega a mí desde que yo era muy pequeña. Recuerdo que tenía 14 años cuando mi madre comenzó a ser la maquilladora de miss y míster La Palma. Desde ese entonces yo la acompañaba. Aunque eso no era moda como tal, poco a poco empecé a interesarme por salir en desfiles y descubrí lo mucho que me gustaba subirme a la pasarela. A día de hoy puedo decir que el mundo de la moda ha estado conmigo desde hace mucho tiempo y me siento orgullosa».

¿Qué ha supuesto para ti el modelaje? »La moda para mí ha supuesto absolutamente todo pues significó un antes y un después en mi vida. Ahora mismo no me veo sin salir en desfiles y sin hacer test fotográficos. No me imagino de otra manera».

¿Cómo compaginas tus estudios con tu carrera como modelo? »Muchas veces se hace muy complicado trabajar y estudiar al mismo tiempo, pero como me gustan las dos cosas el día a día se hace más ameno. Intento tomármelo lo mejor posible y, sobre todo, con calma».

‘’Trabajar profesionalmente como modelo es cada vez más complicado’’

¿La ves como una afición, un trabajo o un estilo de vida? «Al principio todo comenzó como una simple afición. Lo hacía porque me gustaba y me sentía bien. Sin embargo, con el paso del tiempo me di cuenta de las oportunidades que me han ido saliendo y esto es algo que no podía obviar ya que en un futuro quiero trabajar como modelo de manera profesional, aunque hay que tener en cuenta que esto es cada vez  más complicado».

¿Es sacrificado trabajar en un sector tan exigente? «Mentiría si dijese que no es complicado, aunque, como todo. También me atrevería a decir que la más exigente consigo misma soy yo. Me he encontrado en el camino a muchas personas maravillosas, a pesar de que dentro del sector de la moda haya mucha competencia. En Canarias somos muy buenos y tenemos que esforzarnos mucho para que nuestro trabajo cruce fronteras y todo esto lo hace más difícil».

Cuentas ya con una cierta madurez como modelo. ¿Cuál es tu trayectoria actual? «He estado en los desfiles de la Semana de la Moda en la Isla de La Palma. Además, ahí fui elegida imagen principal del evento. También he estado en Tenerife Moda, en dos ocasiones en Gran Canaria Bridal Collection, Botanical San Gregorio un año, Madrid Bridal en Cibeles y Madrid Bridal en el Círculo de Bellas Artes. También he salido en revistas como en Made Now, Vogue Italia y una revista de Estados Unidos y como vídeos he hecho un fashion film«.

«Me apasiona ponerme delante de una cámara y posar. Pero me quedo con los desfiles y la pasarela»

Trabajas como modelo de pasarela y de fotografía. ¿En qué sector te sientes más cómoda? «Las dos me encantan. Me apasiona ponerme delante de una cámara y posar, sentir la conexión con el fotógrafo y ver el resultado final. Pero, si tuviera que quedarme con una, sería, sin duda, con los desfiles y la pasarela».

Muchas personas ven a las modelos como seres fríos, frívolos y que solo se preocupan por su imagen. ¿Qué opinas de esta concepción? «Es verdad que muchas personas creen que solo nos preocupamos por ser y estar guapas todo el tiempo, pero eso no es así. Las modelos somos personas normales y, al igual que todos, nos gusta cuidarnos. Es verdad que trabajar como modelo profesionalmente te obliga a tener una mayor preocupación por tu físico».

¿Cambiarías algo del sector? «El mundo del modelaje siempre me ha aportado muchas cosas positivas. He aprendido, he crecido y me ha fortalecido a nivel personal y profesional. Eso no quita a que dentro del propio sector hayan cosas que se estén haciendo mal. Existe mucha competencia y mucha envidia. Sin embargo, al menos la realidad que yo he vivido aquí en Canarias es muy buena. Hay tan buen rollo con mis compañeras y las marcas que podría decir hasta que hemos formado una pequeña familia».

¿Desde hace cuánto tiempo haces cosplay? «El primero lo hice con 14 años, así que llevo unos 7 años en este mundillo».

¿Sigues a otros cosplayers? ¿A cuál admiras más? «Claro que sigo a otros en redes sociales. Mi favorita es una chica estadounidense que trabaja mucho en los detalles, se llama @sarahspaceman. Un cosplayer de España que me gusta mucho es un chico que también se centra en precisar todos los elementos del personaje que interpreta. Su cuenta de instagram es @ventura_villena«.

¿Al llevar el cosplay actúas como el personaje o simplemente llevas la indumentaria? ¿Consideras que eres algún tipo específico de cosplayer? «Realmente no actúo como el personaje, pero me preparo poses que haría este. Soy más de hacer el tonto y de realizar chistes sobre la serie o el personaje. Cada uno disfruta el cosplay a su manera. En lo referente a con que tipo de cosplayer me identifico creo que 50 % cosmaker, 50 % que compra los trajes. Si que es cierto que me gusta darle a los atuendos que me hago mi toque personal, por ejemplo, en la tela elegida o añadiendo algún detalle que concuerde con la indumentaria del personaje».

«Mi primer contacto fue tan positivo que quise repetir»

¿Cuál fue el primer evento en el que participate? ¿Lo hiciste sola o en grupo? «Pues fue con 14 años en un salón del manga en Alicante. Fue tan positivo que quise repetir, me pidieron muchas fotos. Lo hice sola y normalmente suelo trabajar de esta forma. Sin embargo, lo que hago en grupo es quedar un día del salón con más gente para ir de diferentes personajes de la serie y sacar fotos». 

¿Cuál es el proceso que llevas a cabo a la hora de elaborar un nuevo cosplay? ¿Cuál es la parte más complicada? «Primero analizo la ropa. Si es un patronaje que puedo llevar a cabo y obviamente, si me gusta el personaje. Posteriormente pienso en cuanto me voy a gastar. La parte más complicada es hacer los patrones y luego cortarlos en la tela, porque no tengo una mesa de trabajo apropiada y eso le pasa factura a mi espalda».

De los cosplay que has realizado, ¿cuál es tu favorito? ¿Hay algún personaje de videojuegos del que te gustaría hacer cosplay? «Tengo dos favoritos, Ragyo Kiryuin de Kill la Kill y Blue Diamond de Steven Universe. Ambos los confeccioné yo, y son donde se ve mis avances en cuanto a costura y confección, por lo que estoy muy orgullosa de ellos. Un cosplay que siempre he querido hacer es el de Alice, de un juego otome llamado Trick or Treat«.

¿Te has presentado a algún concurso? ¿Competirás en la TLP 2018?  «Sí y me dio mucha vergüenza porque me caí. Me he presentado dos veces a la pasarela de cosplay de la Japan Weekend de Madrid. No he recibido ningún premio, pero mi mayor recompensa es cuando la gente aprecia mi trabajo. Para la Summer-Con 2018  tengo 3 cosplays nuevos (comprados) que tengo muchas ganas de llevar, obviamente si la espalda me lo permite. Me gustaría ponerme para ese evento a Jirou (Boku no Hero Academy), Bortz (Housekuni) y Momobami (Kakegurui)».

¿Crees que de aquí a cinco o diez años seguirás metida en este mundillo? ¿Qué consejos darías a alguien que quiere comenzar?  «En diez años no lo sé, pero en cinco sí que me veo haciendo cosplay. Aconsejar es díficil pero creo que lo más importante es no hacer caso de los comentarios negativos y divertirse. Si te lo pasas bien sigue hacia adelante porque con el tiempo mejorarás tu trabajo».

En un principio, se matriculó en el grado de Restauración y Conservación de Bienes Culturales, pero enseguida se percató de que la pintura le enamoraba. “Había encontrado lo que realmente quería hacer y, sobretodo, tenía muchas ganas de aprender”. Fue entonces cuando la estudiante apostó por cursar Bellas Artes, contando con el apoyo de su familia. Sin embargo, Mantas afirma que hay un gran desconocimiento de esta carrera. “Sigue habiendo prejuicios, pero es algo que poco a poco va cambiando”, comenta esperanzada.

La pintura, su especialidad favorita

Entre las diferentes disciplinas artísticas, siempre se decanta por la pintura, ya que a través de ella desarrolla temas que le entusiasman y le mueven algo por dentro. La acuarela es una de las técnicas pictóricas que utiliza para realizar bocetos, aparte de darle muy buenos resultados, pues es un procedimiento muy versátil. No obstante, la joven aclara que “la acrílica es mi predilecta, con la cual me siento muy cómoda y siempre utilizo para elaborar mis cuadros”. Pero la fotografía también le atrae y que, además, muchas veces utiliza como herramienta fundamental de apoyo para sus creaciones.

Carla Mantas presentó, desde el día 5 hasta el 29 de abril, una de sus obras en la exposición Corpus Siglo XXI junto a otros compañeros. Se trató de una oportunidad que vivieron con mucha emoción. Según asegura, “fue muy gratificante poder mostrar mi trabajo, una motivación para continuar esforzándome en lo que más me llena”. La joven no teme a la opinión del público, sino que considera que de cualquier juicio, ya sea positivo o negativo, se puede aprender. “En eso está el sentido del arte, en compartirlo con los demás y que eso te ayude a seguir evolucionando”, explica.

Su obra Toubab

Con dicha obra, titulada Toubab, pretende compartir su experiencia en Gambia, un viaje que le abrió la puerta a un nuevo mundo que formará parte de ella para siempre. “Capturé muchos momentos, memoricé sensaciones, colores, aromas que no puedo explicar con palabras. Pero, por encima de cualquier cosa, me quedo con la mirada de los niños, esa mirada feliz e inocente que me llenó de un cariño inmenso”. Mantas plasmó, desde la visión de una toubab, como así llaman los niños a los blancos, algunos de esos recuerdos en lienzo, un proceso en continua evolución al que aún no cierra la puerta. “Espero continuar con esta serie de retratos y que despierten algo en el espectador”, declara.

La estudiante también ha escogido dichas vivencias para su Trabajo de Fin de Grado. En él, se adentrará de una forma más profunda en una parte de la sociedad gambiana. “Pretendo dar visibilidad a las mujeres con un elemento que las caracteriza, su vestimenta, a través de la pintura mezclada con telas tradicionales, estampados y collage”, revela.

La joven ya ha vendido algunos de sus cuadros, entre ellos la mayoría que estuvieron en la exhibición. Una andadura de artista que, con solo 23 años, acaba de empezar.