¿Cómo fue trabajar con Óscar Bernàcer en El hombre que embotelló el sol? «Óscar y yo llevamos años trabajando. Desde el cortometraje Les sabatilles de Laura, una de sus primeras producciones, hasta El hombre que embotelló el Sol. Siempre nos entendimos muy bien a nivel artístico y personal, y los proyectos fueron apareciendo uno detrás de otro: Desayuno con diadema, Bikini, Reset y Apolo 81, cuya banda sonora también fue nominada en Fimucinema en la pasada edición. Bernàcer siempre deja espacio para crear y proponer y, en ese aspecto, tenemos gran confianza mutua. Discutimos juntos los elementos musicales pero, sobre todo, hablamos de la narrativa, de qué explica la música en cada escena.»

«La orquestación es una herramienta que nos ayuda a dar el color que buscamos»

La historia que se nos cuenta tiene sus inicios en los años 50, pasando por los 60 y 70, hasta casi llegar a la misma actualidad. ¿Cómo fue el proceso creativo para expresar este paso del tiempo a través de la música? «Cuando compongo música para cine intento que no sea (a no ser que el guion lo pida) como la que sonaba en la época en que sucede la acción. No se trata de poner una melodía de los 50 o 60 porque el hecho transcurra en ese tiempo. Se trata de buscar cuál es la que describe mejor la trama de la película y de encontrar la que, argumentalmente, haga más fuerte el relato. No se trata de adornar, sino de explicar. Esto no quiere decir que no se usen instrumentos cuyo sonido recuerde al de una época determinada».

Entonces… ¿cuál sería para usted la función real de una banda sonora? «La orquestación es una herramienta más que nos puede ayudar a dar el color o las reminiscencias que buscamos, sin que imite literalmente a un periodo en concreto. Eso no aportaría nada nuevo, puesto que simplemente observando el vestuario, nos daríamos cuenta. Sería un sonido únicamente ornamental, sin contenido».

¿Y qué pasa con los diferentes destinos geográficos y su contexto melódico? «Tampoco tienen demasiada importancia, por el mismo motivo que acabo de comentar. ¿Debería de haber música lapona por suceder una escena en Laponia? ¿Qué aportaría? Se trata de aclarar el cómo y el por qué, o incluso dar información que no aparece en la imagen o que se puede intuir. Lo demás es simple adorno».

Para este documental utiliza un arreglo sencillo para piano y una pequeña agrupación. ¿Qué le hizo elegir este formato? «Usé piano porque, en mi opinión, era la mejor manera de expresar lo que la historia exigía. La orquestación, elegir en cada ocasión qué instrumentos formarán parte de cada momento musical, es clave a la hora de desarrollar el relato. No podemos usar una gran banda con 5 percusionistas tocando en cada compás, cuando la escena que estamos viendo es íntima y sencilla. Se trata de elegir la instrumentación idónea para comprender con nuestras palabras, en mi caso, la música, lo que está sucediendo, o lo que no se está viendo, en algunos casos».

«Debemos hacer lo posible para que entre todos hagamos el mejor cine»

Este es su segundo año en Fimucité, ¿cómo ha sido la experiencia? «Sí, en la pasada edición también fui nominado por el cortometraje Apolo 81, también de Óscar Bernàcer. Es siempre un placer acudir a Fimucité, no sólo por los conciertos, por los Premios Alex North, sino porque es la ocasión de reencontrarse con otros compositores y la perfecta excusa para conocer a nueva gente que ama el cine y la música. Charlar y comentar un film con el mismo compositor, con aficionados o con gente de la organización siempre es enriquecedor, a todos los niveles».

En su trabajo como director de banda sonora, ¿cuáles son los principales retos a los que se enfrenta? «Nuestro oficio no es fácil, tenemos que saber qué quiere transmitir el director para poder traducirlo a una música que tenga el elemento narrativo necesario. La dificultad está en que los directores tienen que expresármelo en un lenguaje que no es el suyo. La complejidad es que esa composición explique algo interesante. Al fin y al cabo, lo más fácil es componer. El reto es entenderse y comprenderse, especialmente con directores y productores, hacer lo posible para que entre todos hagamos el mejor cine, sin rivalidades, entendiendo las necesidades del otro».

«Creer en la iniciativa es la primera premisa antes de decir sí»

¿De qué manera ha de empatizar con la historia que se cuenta? «Sería difícil trabajar en un proyecto en el que no crees o con en el que simplemente no te sientas identificado. Empatizar con la historia que se cuenta es básico. Creer en la iniciativa es la primera premisa antes de decir sí. No puedes casarte con quien no amas…».

¿Tiene algún proyecto en marcha ahora mismo en mano? «En breve se estrenará El Gigante y la Sirena, cortometraje en el que he tenido el placer de compartir camino con el director canario Roberto Chinet. Ha sido un proyecto en el que nos hemos entendido muy bien, seguramente repetiremos. Ademas, en breve empezaré a componer también para un corto en Madrid; cuando llegue al estudio tendré seguramente el montaje».

¿Y para el futuro? «Los otros propósitos no tan inmediatos que tengo pensado son un par de largometrajes en Hollywood. Ambos están actualmente en pre-producción y seguramente se empezarán a rodar en 2018. También tengo dos o tres cortos en España, aunque no puedo concretar más, de momento».

La tarde comenzó a las 17.00 horas con la presentación del documental El hombre que embotelló el sol de Óscar Bernàcer, la cual corrió a cargo del compositor Iván Capillas. Un tierno relato sobre cómo Benidorm, ciudad costera de la provincia de Alicante, pasó de ser un pueblo pesquero en los años 50 a convertirse en referente turístico español a partir de la década de los 60. El obrador de tal milagro: Pedro Zaragoza, el alcalde del municipio durante aquella época.

Una fábula que, entre mitos y recuerdos, cuenta la evolución del uso del bikini en el régimen franquista y el cambio que experimenta con la llegada de los turistas extranjeros. Lo que ahora supone una prenda más, tuvo un significado de aperturismo en la España de la dictadura. No obstante, lejos de desfallecer en su empeño, Pedro Zaragoza fue a ver al mismísimo Francisco Franco. Semanas más tarde, acudirían la mujer del dictador y el ministro de gobernación a hospedarse a su casa. Cierto o no, la leyenda ha quedado impregnada en la creencia popular. Otra de las curiosidades del dirigente benidormense fue la de repartir botellas de vino con el etiquetado Embotellando el sol de Benidorm desde el País Vasco hasta Noruega.

La banda sonora de esta cinta complementa el ambiente festivo de los chiringuitos y las noches estivales, hasta el frío de Finlandia, país desde el cual el alcalde invitó a una familia lapona a visitar la localidad. Una locura o una lucidez que le valió la cobertura mediática nacional. Mientras, la música, en un cuidado arreglo de piano y con tintes de los años 70, se queda zigzagueando en nuestro recuerdo. Una memoria que no se despega de la figura de Zaragoza, a quien Benidorm debe hoy su nombre.

Cortometrajes feministas

La siguiente sesión, programada a las 18.30 horas, contó con tres relatos sobre mujeres. El primero fue Family Portrait, una producción anglo-francesa ambientada en la época victoriana cuya protagonista es Louise. En un mundo patriarcal, y ante la muerte de su padre, ha de asumir el casamiento con su tío para librar así a la familia de la ruina. Con tonos oscuros y diálogos cortos, Louise desprende un destello de luz que intenta rebelarse contra los márgenes establecidos.

Seguidamente se proyectó Mothers of Luna. Una voz infantil actúa como hilo conductor de cuatro tragedias similares: una joven del continente africano muere durante el parto al no contar con las medidas sanitarias adecuadas, una niña que muere durante el parto tras ser forzada a casarse con un hombre mayor, una adolescente que muere durante el parto después de ser asistida en su habitación ante la atenta mirada de su proxeneta y una mujer que muere durante el parto al ser golpeada por su agresor. En todos los pasajes el personaje común era un hombre que se mantenía observado la escena, sin hacer nada para impedir estas atrocidades que intentaron mostrar a los espectadores la dura y aún violenta existencia de muchas féminas.

El último turno fue para el cortometraje futurista The TinWife. Este se enmarca dentro de una sociedad en la que los coches vuelan y las mujeres, a semejanza de lo que empieza a ocurrir hoy en día en la cultura china, son robots que sirven como acompañantes. A la protagonista, cuyo nombre se desconoce, la policía le informa de que su marido ha muerto. Esta, que previamente había estado preparando su maleta de viaje para marcharse, se queda conmocionada. Entonces, los agentes la instan a acompañarles, ya que al ser un robot deben desconectarla. En medio de toda esta trama la afectada duda querer hacerlo, porque aun siente y posee recuerdos. Sin embargo, lejos de escucharla, supone una razón más para encerrarla junto a las demás máquinas. Aquí se cuestionará si realmente es o no algo más que un entramado de cables.

Hoy a las 17.00 horas, nueva sesión

Se trata de tres producciones audiovisuales que denuncian, de una manera u otra, la temática sexista, la soledad, la violencia y los sacrificios a los que se ven sometidas las mujeres. Así, Fimucité se ha comprometido un año más con algunas problemáticas sociales a través del arte. Este ciclo continuará hoy por la tarde con entrada gratuita a partir de las 17.00 horas.