El mangaka y creador de la franquicia falleció a los 68 años. Se encontraba en un momento de plena creación y trabajando con gran entusiasmo, en diferentes obras, según el comunicado de la cuenta oficial de Dragon Ball. Sin embargo, un derrame cerebral agudo cambió su camino. Su obra culmen dejó una huella imborrable a lo largo de tres generaciones.

Su primera publicación fue en 1984 en la revista Shõnen Jump. Toriyama consideró este proyecto como su última oportunidad después de años de esfuerzo sin lograr el reconocimiento deseado con sus obras anteriores. Pero esta vez todo cambió. La aventura comenzó con Son Goku en busca de las esferas del dragón, luchando con sus técnicas desde las montañas Paoz hasta el templo del maestro Karin. El resto es historia.

El protagonista, Son Goku, es un personaje con una personalidad única: despreocupado, ansioso por entrenar y poner a prueba sus habilidades. Su amor por la vida y los animales se refleja a lo largo de la serie. No es muy protocolario ni tiene mucho conocimiento de cómo funciona el mundo. Sin embargo, lo que más valoramos de él, por encima de todo, es su inquebrantable espíritu de superación.

A lo largo de la saga se transmiten valores que han impactado en la educación de varias generaciones moldeando nuestra percepción de la vida y nuestra propia personalidad: Vegeta, con su orgullo y lucha mental; Piccolo, por su capacidad para redimirse ante su propio mal; Krillin y su lealtad; Muten Roshi y su sabiduría; Bulma y su carisma; Gohan y su madurez.

Akira, a través de su historia, nos enseña a perdonar, incluso cuando el daño es grande, a proteger a nuestros seres queridos, a no abandonar a un amigo, a no rendirnos y a amar la naturaleza. Su mayor lección es la capacidad de levantarnos una y otra vez a pesar de las adversidades. Además, ha sido un motivo de esperanza y fe en los momentos difíciles, ya sea a través de la serie, películas, videojuegos, montajes o fan arts.

El legado de Akira es inmortal. A pesar de casi cuarenta años desde su lanzamiento, su creación sigue vigente en nuestra cultura, presente en memes, continuaciones de secuelas, publicidad, música, moda y diversas formas de entretenimiento audiovisual. De hecho, en Japón, es casi una religión.

Gracias por llenar de felicidad nuestra infancia.
Gracias por Dragon Ball.

Gracias, Akira Toriyama. #LaCasaDelFútbol pic.twitter.com/ITAfeOC7Id

— Fútbol en Movistar Plus+ (@MovistarFutbol) March 8, 2024

«Dragon Ball va más allá de ser una serie, una película o un conjunto de personajes. Es un estilo de vida»

En muchos lugares del mundo, esta historia es valorada, incluso, por encima del fútbol. Un ejemplo de ello fue en 2015, cuando el final de la última temporada de Dragon Ball Super atrajo a multitudes que siguieron la serie en pantallas gigantes en plazas, cines y hogares, creando una atmósfera equiparable a la de un mundial del deporte rey. El impacto de esta saga en el sector de la creación ha sido fundamental para los géneros de lucha y desarrollo de personajes en la industria.

Todos los animes del mismo género están influenciados de alguna manera por esta obra, ya sea en los niveles de poder, las coreografías de los combates, los clichés, los famosos power ups y muchos otros aspectos. El 8 de marzo las redes sociales estaban llenas de homenajes a Goku, Toriyama y demás personajes de la Franquicia a pesar de ser el Día Internacional de la Mujer.

Las muestras de condolencias y admiración por el autor no paran. No sería sorprendente que el 1 de marzo se convierta en el Día Internacional de Akira Toriyama. Dragon Ball va más allá de ser una serie, una película o un conjunto de personajes. Es un estilo de vida.

Millones de personas se inspiran y despiertan cada día con sus canciones, viven con productos de su temática en el día a día, se motivan con sus frases y se emocionan con sus momentos. De hecho, yo mismo soy uno de esos fans.

Este manga siempre me acompañará y nunca olvidaré una de las frases que más me ha impactado, pronunciada por Son Goku antes de su pelea con su mayor rival, Vegeta: «Si un perdedor hace muchos esfuerzos, quizás pueda sobrepasar el poder que tiene un guerrero distinguido». Hagamos un Genki-dama que llegue hasta donde él esté. Gracias, Dragon Ball. Gracias, Akira-Sensei.

La propuesta del tinerfeño abarca dos conceptos que el autor clasifica como fundamentales en las sociedades de la actualidad, la perturbación y el descontento. A partir de estos envolverá a quienes asistan a la obra en tres historias que han sido escritas por el mismo García de Mesa en distintas épocas de su carrera.

En primer plano, presenta Naturaleza muerta sobre fondo blanco, redactada en 2007, en la que cuenta la historia de un atentado en una plaza pública desde los ojos de dos periodistas. «Esta es una obra de tránsito entre la muerte y el más allá, se produce en un plano metafísico«, asegura el dramaturgo. 

La segunda pieza, Segismundo siempre golpea primero, fue escrita en 2011 y trata de una versión de 30 minutos sobre La vida es sueño del poeta Pedro Calderón de la Barca. La obra concluye con Variaciones de la razón, una pieza que trata sobre un encuentro de parejas que discuten sobre asuntos que de forma aparente están desconectados entre sí.

«Lo que espero es conectar con las emociones de quienes asistan» 

Roberto García de Mesa creó su compañía teatral en el 2015 con el fin de plasmar los textos que nacían de su imaginación. En su recorrido como creador ha colaborado con muchas otras entidades y se ha formado en otros ámbitos como la dirección de obras y composición musical. «Mis obras no son realistas, antes que nada soy poeta«, afirma García, quien además considera que «lo más importante es crear una conexión con las emociones y la sensibilidad de quien aprecia la obra».

«Fue un mundo que me atrapó desde el primer momento»

Laura Navarro es jefa de Producción de la asociación Amigos Canarios de la Ópera desde hace veinte años. Era una joven profesora de piano cuando le surgió la oportunidad de cubrir un puesto de regiduría de luces que había quedado libre por casualidad. «Yo no tenía ni idea de en qué consistía», afirma Navarro. Sin embargo, esa fue la primera vez que se encontró dentro del Pérez Galdós de Las Palmas de Gran Canaria en 1993, antes de su gran reforma.

La experiencia como regidora de luces hizo que se quedara prendada de la profesión y se interesara por todo lo relacionado con la regiduría. A pesar de que «antes no había las facilidades técnicas que hay ahora», se pasaba el día viendo cómo funcionaba cada pequeña palanca o botón. Con el paso del tiempo aprendió y cogió veteranía, aunque no contara con la existencia de ciclos o cursos formativos. Más adelante se le presentó la oportunidad de hacer regiduría de escenario. Después de cinco años en la mesa de iluminación, tuvo la ocasión de hacer regiduría de escenario. Además, gracias a su esfuerzo y trabajo logró acercarse también a la producción.

«La regiduría es la eterna desconocida»

Pese a ser uno de los eslabones fundamentales que componen la estructura de un espectáculo, Navarro considera que «la gente no es consciente del trabajo que requiere esta profesión. La regiduría es la eterna desconocida». A su vez, afirma que es un trabajo vocacional debido a que no se dan horarios estáticos: «No puedes esperar tener una hora fija para irte a casa. En el teatro sabes cuando entras, no cuando sales». Tras más de cien representaciones a sus espaldas y treinta años en el mundo de la ópera, señala que el equipo de regiduría debe estar presente en gran parte del espectáculo, aunque no se vea en el escenario. Por ello sus jornadas de trabajo pueden durar hasta catorce horas o más si es necesario.

Normalmente se desconoce la cantidad de personas que hacen posible que una ópera se lleve a cabo y las horas que se invierten para que salga adelante. Ya que en la mayoría de casos «cuando la gente se sienta en la butaca no piensa en qué pasa detrás de la cortina». Sin embargo, la jefa de Producción y Regiduría asegura que a quienes aman la profesión no les importa el número de horas que tengan que permanecer en el teatro, cuando saben la satisfacción que sentirán al levantarse el telón y que el público reciba con agrado el espectáculo.

«La cultura dejó de generar ingresos económicos»

Navarro, como gran parte de artistas, sufrió las consecuencias de la Covid-19 en su ámbito laboral. «Con la Pandemia se cerraron la mayor parte de los teatros. Por lo que la cultura dejó de generar ingresos económicos», sostiene. Asimismo, es consciente de la suerte que ella y su equipo tuvieron a la hora de volver a los escenarios: «Pudimos ir representando los títulos que habíamos cancelado. El único que no pudimos hacer fue Aida, que la estamos haciendo ahora».

Después de tres años desde que empezó la Pandemia, la cultura en Canarias se encuentra en un momento prometedor. «La recuperación después del virus es espectacular y prácticamente ya ni nos acordamos de él. Ahora el nivel de oferta cultural, sobre todo en las Islas, es enorme», asegura Navarro. Aunque las restricciones sanitarias tuvieron un gran impacto en los teatros, con el tiempo la situación ha vuelto a la normalidad: «Fueron momentos muy malos, pero nos hemos recuperado con creces».

Las historias están protagonizadas por varios personajes, que, como afirma el autor, se van formando desde un principio, pero en cuanto seguimos leyendo los relatos, vamos viendo cómo cobran vida y se conocen por completo.

Al finalizar la presentación, Cagiao hizo varias referencias a la literatura. Aseguró que «todo el mundo hace las mismas ideas» y que no se varía entre un género u otro ya que todos tienen la misma base. Comentó, también, el problema que hay con las editoriales, debido a  que le dan mayor visibilidad a unos libros que a otros.

Por último, señaló varios aspectos que hacen que la literatura se vaya perdiendo, como la traducción literal de la historia, debido a que cambia el sentido del relato por completo y pierde la magia que esconde.

¿Cómo nace Clásicas Tertulias? «Por imitación de un ciclo que ya se organizaba en Las Palmas. Nos gustó el planteamiento de divulgación amena dirigida a un público no especializado y lo adaptamos con otras propuestas. Así, ampliamos el plantel de ponentes y de temas, y le dimos divulgación mediática. Afortunadamente, la prensa en Tenerife fue sensible a estas actividades y entendió su importancia. Esto nos ayudó mucho a crecer. Aunque, sin duda, el apoyo recibido por el Ayuntamiento de La Laguna fue el más determinante para alcanzar el nivel de calidad que tiene en la actualidad».

¿Cuál es el objetivo de este tipo de iniciativas? «Queremos que las enormes aportaciones al desarrollo de la humanidad que realizaron los antiguos griegos y romanos se divulguen, y así permitir la reflexión que mejore a las personas y a la vida en común. Ya en Atenas del siglo V a. C., por ejemplo, se produjeron unas circunstancias especiales que llevaron a vivir situaciones y conflictos que guardan grandes paralelismos con la actualidad».

«Si solo avanzásemos tecnológicamente, seguiríamos en la edad de piedra»

¿Por qué es importante promover la cultura a través de eventos como Clásicas Tertulias? «Sobre la importancia de promover la cultura no hace falta incidir. Constituimos una sociedad avanzada en la medida en que nos desarrollamos culturalmente. Si solo avanzásemos tecnológicamente, seguiríamos en la edad de piedra, pero con medios tecnológicos. Los eventos como las Clásicas Tertulias son necesarios porque por ahora llevamos nueve años seguidos, salvando el de la pandemia, ocupándonos de la divulgación y de la promoción de la reflexión de los avances que aportaron los antiguos griegos y romanos a la humanidad».

¿Qué tan importante es la cultura en las personas? «Para responderte a esta pregunta, me remito a las palabras de Juana Pérez, catedrática de Griego y vocal de la sección canaria de la Sociedad Española de Estudios Clásicos, que afirmó en una entrevista a la prensa en el año 2019 que la democracia necesita de las humanidades para tener criterio al votar. Y yo estoy de acuerdo. Solo añado que con cultura se disfruta más de la vida, se es más feliz, y te permite gozar, incluso, mejor de la vejez».

¿Cuál cree que es el mayor riesgo de una sociedad sin interés por la cultura? «Tendría muchos riesgos, pero yo me quedaría con dos: uno sería la carencia de valores morales, pero la existencia de armas que pueden destruir el mundo varias veces. El otro, el riesgo de carecer de una población crítica que ejerciera de contrapoder a los poderosos».

«Pensamos celebrar el décimo aniversario por todo lo alto»

¿Deberían haber más iniciativas destinadas a producir un contacto entre la cultura y la sociedad? «Creo que ya hay suficiente oferta cultural. Si acaso, falta mayor sensibilidad social para llenar los eventos culturales. Quizás haya que modificar el enfoque publicitario. A modo de ejemplo, acaba de concluir un extraordinario Festival Época que debió merecer un mejor apoyo del público. Y no termino de entenderlo. En este Festival participaron ganadores del premio Planeta, como Javier Sierra, además de escritores con varios premios como el lagunero José Zoilo Hernández, y mucha gente se lo perdió. Esto tenemos que mejorarlo».

¿Qué podemos esperar de las próximas Clásicas Tertulias? «Celebramos la décima edición, por lo queremos preparar algo especial. Hemos confirmado la presencia de Emilio del Río, el latinista tuitero profesor de la Universidad de la Rioja. También ha comprometido la asistencia Antonio Tejera Gaspar, una figura de talla internacional. Pensamos celebrar el décimo aniversario por todo lo alto. Para ello necesitamos seguir contando con el apoyo de la Concejalía de Cultura del Ayuntamiento de La Laguna».

¿Qué o quién fue lo que le impulsó para ser actriz? «Lo tengo desde muy pequeña. Mi madre es el pilar fundamental en mi vida y la que me inició en actividades extraescolares. También mi hermano estuvo en un grupo de teatro en al que más tarde me incorporé».

Chona (de En Otra Clave) es uno de los papeles por los que más se la reconoce. ¿Tiene cosas en común con ella? «En realidad, no muchas. Chona es muy enamoradiza, le gustan mucho las cosas del amor y eso lo puedo tener en común con ella. También el carácter. Aunque aparentemente soy una persona dócil (o no tan excesiva como ella), interiormente soy muy fuerte. Hay muchas cosas en las que no estoy de acuerdo con ella, pero yo me limito al guion».

Del teatro a la televisión pasando por el cine. Si tuviera que escoger una, ¿cuál sería? «Son cosas distintas. Yo siempre digo teatro. Ahí tengo el tiempo real para construir el personaje, si existen los tiempos, claro. También me gustaría hacer mucho más cine, es muy diferente porque los personajes no tienen tanta continuidad».

«Lo de ser actriz lo tengo desde pequeñita»

¿Qué consejo le daría a jóvenes que quieran introducirse en el mundo de la interpretación? «A la juventud siempre le digo que haga lo que verdaderamente quiera hacer, que siga su vocación. La felicidad no se vuelca en una única cosa, pero no pueden permitirse ser infelices con lo que hacen. Este mundo es muy complicado, siempre aconsejo perseverancia. Es cierto que también hay que estar ahí en el momento indicado. Yo he tenido mucha suerte trabajando cada semana en En Otra Clave, es muy sacrificado, pero bendita suerte».

¿Qué siente a llegar a tanta gente a través de la televisión? «Es un completo orgullo llevar a Canarias por bandera. Es hermoso. En el confinamiento Chona traspasó fronteras en Tik Tok. Tengo clubes de fans en numerosos países: Nicaragua, Panamá, Colombia… Casi todos creados por mujeres. Es muy bonito ver que desde Uruguay escriben: ‘Lili está en el teatro Leal’ y luego ponen alguna foto. Me parece alucinante que quieran tener ese conocimiento. Se interesan mucho por la profesión. Es una alegría que conozcan Canarias a través de mí».

¿Se siente más cómoda en algún género en concreto? ¿Se decanta por el drama o por la comedia? «Me encantan las dos. Una actriz cómica es muy buena en drama. Tenemos el ejemplo de Lola Herrera, Carmen Machi o, aquí en Canarias, a Nieves Bravo. Siempre es más difícil hacer reír. Ahora en Madre tengo partes de comedia, incluso viviendo un drama como es el de la guerra. Es un texto muy dramático, emociona mucho porque se ve cómo la protagonista pierde a sus hijos».

Esta última obra, Madre, representa a una mujer que es víctima de una guerra. ¿Cómo ha sido el proceso para prepararse esta interpretación? «Fue un proceso mágico, hermosísimo. La obra está basada en una vendedora ambulante, una buscavidas, por lo que necesitaba de una gran preparación. Tener el tiempo para hacerlo y estar con tus compañeros es una experiencia maravillosa. Tengo al lado a un gran actor como es Toni Báez y a un excelente músico, Saulo Valerón, así que ya te puedes imaginar. Además en el proceso de trabajo nos pasaron cosas personales muy potentes, muchas veces parábamos los ensayos para hablar de eso. El director quería que la guerra tuviera rostro de mujer, por eso me propuso este texto. Muchas veces no me creo que me haya elegido a mí».

¿Cree que el papel de la mujer ha evolucionado durante los distintos conflictos bélicos de las últimas décadas? «Al final, yo creo que sigue siendo la víctima. Me cuesta mucho ver las noticias ahora, todo es demasiado dramático. Ellas son el símbolo de la inutilidad de las guerras. He visto a una madre que se marcha del país para salvar a sus hijos e hijas, mientras lloraba porque su padre o su marido se quedaban ahí. No creo que la situación mejore en absoluto. Es muy tremendo».

¿Considera que su profesión es igualitaria en cuanto al género? ¿Comparten mujeres y hombres los mismos derechos? «Gracias a grandes mujeres como Pilar Bardem se ha avanzado mucho. Ellas batallaron mucho para darle un nombre a la mujer dentro de nuestro oficio. Creo que se ha equilibrado bastante en estos últimos años. Todavía falta que haya más directoras tanto en cine como en teatro, pero yo considero que hemos tenido bastante suerte. Hay que erradicar problemas como la violencia de género, ya luego equilibrar los salarios y ese tipo de cosas. Como dice Nacho Cabrera: ‘yo no necesito apoyarme en muleta alguna para ser libre’. Me considero que siempre he sido una mujer fuerte desde dentro».

«Soy muy quejica, pero tengo que estar agradecida»

A parte de Madre, ¿en qué proyectos trabaja actualmente? «En la televisión (En Otra Clave), en Mitad y Mitad con Yanely Hernández, en Tres mujeres y en el homenaje a la escritora Dolores Campos Herrera. También parece que próximamente aterrizaré en Madrid con un texto corto, pero muy bonito: Un músico y una bailarina. ¡Ah! Y también en el musical Malditas mentiras. Son tantas que se me quedan por el camino…».

¿Con qué palabra o frase definiría su carrera profesional? «Amor, sin duda. Amor a los demás y amor a lo que hago».

Uno de sus productos estrella es la línea Canary Islands by Dicky Morgan. Además, cuenta con la colaboración habitual de los artistas canarios Bejo, Iker Muro y Monteloco, quienes se han convertido en una de las atracciones principales de la tienda.

«La moda no existe solo en los vestidos. La moda está en el cielo, en la calle; la moda tiene que ver con las ideas, la forma en que vivimos, lo que está sucediendo», declaraba Coco Chanel hace más de cincuenta años. Oponiéndose al estatus quo de la época, la diseñadora comenzó su carrera en 1910 tras fundar junto a Arthur Capel su primera tienda situada en el número 21 de Rue Cambon de París. Era de esperar que con una entrada tan firme al mundo de la confección, Coco Chanel dejase huella en la historia.

Convertida desde los años veinte en la gran dama de la moda francesa, su influencia se extendería después en prácticamente todos los ámbitos, desde el corte de pelo hasta los perfumes, pasando por los zapatos y complementos. Fuera de lo tradicional, dedicó su vida a llevar la contraria textilmente. Los diseños elegantes, funcionales y con un toque masculino fueron sus puntos fuertes, a la vez que las líneas cómodas frente a los diseños rococó y corsés.

Al igual que la moda siempre ha tratado de innovar, no hay nada que refleje más esta acción que el propio arte. El artista Dalí, excéntrico en su propia esencia, imagen personal e ideas, tuvo una vida teñida por su sensibilidad artística. A través de sus obras y siguiendo los dictados de las teorías freudianas, sacó a la luz los aspectos más ocultos de su vida erótica, sus fantasías y sus deseos, plasmándolos de forma que su nombre destacase entre el resto de pintores de la época.

Hoy, la moda y el arte, de los que Coco Chanel y Dalí fueron máximos exponentes, se dan cita en un pequeño rincón de la ciudad lagunera bajo el nombre de Dicky Morgan. En el local, no solo se venden prendas de ropa originales. También sirve como lugar de exposición y de encuentro para ver piezas artísticas e, incluso, disfrutar con DJ en directo.

Un nuevo soplo de aire fresco cultural

Con un interés en la ropa desde su infancia, Laura veía en esta la posibilidad de poder transmitir sin necesidad del habla. Sin estudios previos, y simplemente una gran creatividad, decidió comenzar a abrirse paso en el sector del negocio, llegando a plantearse incluso la creación de un local hostelero. Siguiendo su instinto y preferencias personales, decidió crear Dicky Morgan, una tienda con un estilo totalmente alejado de cualquier idea anteriormente propuesta.

Situada en una casa del siglo XVIII, en sus inicios contaba con una galería de arte en la parte superior del edificio. Al contar con un gran vínculo de artistas cercanos, trajo consigo un movimiento artístico donde el ambiente y el espacio se compenetraron para la creación de Dicky Morgan Gallery. Aunque debido a las necesidades de la tienda, al paso de los años se decide trasladar las exposiciones al piso inferior, donde consigue una mezcla con la confección.

Sin tratar la iniciativa como una posible forma de marketing, se trató de una forma de atracción para el público. Ofrecer algo fuera de lo normal y no «vender ropa por vender», destacando que el local contaba con muchas más cosas que ofrecer que un simple servicio.

«No me limito, no solo quiero a artistas locales. Al contrario, cuanta más variedad mejor»

Sin necesidad de tener años de experiencia, Dicky Morgan recibe a multitud de artistas. «No me limito, no solo quiero a artistas locales. Al contrario, cuanta más variedad mejor», apunta la fundadora del Negocio. Cualquier artista exterior a Canarias puede solicitar sus espacios sin necesidad de ser originario de las Islas.

Al mismo tiempo que se desarrollaba el comercio, Laura Soriano, junto al artista Iker Muro, decidieron crear Canary Islands by Dicky Morgan, una serie de diseños plasmados en camisetas que se convierten en el producto estrella de la tienda, no solo a nivel turístico, sino a nivel local. Debido a la repercusión que produjo esta colección, comenzaron a vincularse marcas como Very Caliente Club, logrando que se dedique un espacio en el local al comercio textil canario donde se encuentran en su mayoría camisetas y bolsas de tela.

A pesar de contar con una oferta cultural espléndida, Dicky Morgan decide seguir innovando, por lo cual surge la iniciativa de realizar sesiones musicales con DJ en directo. «No concibo una inauguración sin música en directo, todo debe tener una banda sonora» declara Laura Soriano, tras expresar lo importante que es brindar a un momento en concreto una música que acompañe la ocasión y provoque el recuerdo de esta.

«Que un artista quiera plasmar su arte en Dicky Morgan para la directiva es emocionante»

Los ilustradores y pintores canarios Bejo, Iker Muro y Monteloco cuentan con sus propios espacios en el recinto. Con una colaboración distinta por parte de cada uno, a lo largo de los años han ido aumentado las obras que cuelgan en cada pared, siendo uno de los puntos atrayentes del lugar.

Como cofundador del local, Iker Muro, conocido artísticamente como Murone, acompaña a Dicky Morgan desde sus inicios. Desde la creación del nombre a la ilustración e imagen de la marca hasta los diseños que más han triunfado a lo largo de los 12 años de actividad. Ejerciendo como impulso, Murone creó una serie de vínculos para generar un llamamiento a nuevos artistas y que estos contasen con un nuevo espacio para darse a conocer.

A su vez, Monteloco decidió presentar su colección Osss en el establecimiento, traduciéndose en su comercialización en islas como La Palma. Esta colección cuenta con una línea tanto de textiles como de utensilios. Entre ellos, tazas serigrafiadas.

Asimismo, gracias a Iker Muro, el pintor y cantante herreño Bejo realizó un mural en una de las paredes de la tienda. Dicho evento fue recibido con gran entusiasmo por la clientela del local, que en ese momento se abarrotó de personas. Aunque cada cierto periodo de tiempo el mural se renueva, Dicky Morgan conserva obras de este artista en sus paredes.

La originalidad y diferencia de un negocio como el que dirige Laura Soriano ha convertido el local en un espacio que brinda orgullo a toda su directiva y trabajadores. Tras años de trabajo y esfuerzo todos aquellos momentos destacables a lo largo de la historia de Dicky Morgan han creado una burbuja de inspiración para todo aquel que se cruza en su camino. «Más que un referente, Dicky Morgan es un concepto», concluye.

La idea principal de la exposición surge de la necesidad de mostrar un paisaje natural y humano como parte del territorio de hace varias generaciones, ya que manifiesta el desuso y descuido del mar en la actualidad, manifestando incluso, un maltrato ambiental.

Los artistas han querido mostrar las diversas especies marinas que son habituales en las costas canarias, especialmente en el litoral de la isla de Lanzarote. Las acuarelas, los dibujos y las ilustraciones, acompañados de la poesía, son los protagonistas de esta exposición, que dan lugar a un vínculo entre la tierra y la fauna marina.

Francisco Rodríguez se ha encargado de ilustrar de manera naturalista a aquellos seres vivos que habitan en el mar, mientras que Francisco Montelongo ha hecho referencia tanto al paisaje humano como al paisaje natural.

Ambos reconstruyeron el universo marino y el vínculo que existe entre la tierra y el mar que a día de hoy se encuentra en peligro de extinción. Sus discursos hacen referencia a la destrucción del entorno marino debido a la construcción y a la urbanización.

El festival del MEI dará comienzo con la formación uruguaya El Galpón con su obra Bakunin sauna.  En ella, Margarita, una vieja anarquista, planea secuestrar en la sauna de un hotel de Las Vegas a Ema, la nueva gerente general. Será la primera vez que esta obra se disfrute en España. El el 8 de septiembre llegará la compañía nicaragüense Rufino Garay con el monólogo Francisca, que se pone en escena por primera vez en Europa.

El sábado 11 de septiembre,  los colombianos de 4 Paredes brindarán por primera vez fuera de Latinoamérica su producción De ratones y hombres. Esta historia, basada  en una historia de John Steinbeck, escritor estadounidense y ganador del Premio Nobel de Literatura, cuenta la vida de dos hermanos campesinos que viajan por distintas regiones labrándose un futuro mejor. Los chilenos de Silencio Blanco representarán el día 15 de septiembre la obra de títeres para adultos Pescador, dedicada a los hombres de mar.

Llegados desde Portugal, Hotel Europa mostrarán su obra Perfect Match el viernes 17 y sábado 18 de septiembre. El día 22 de ese mismo mes, el grupo Unahoramenos exhibirá su función Moria y, a su vez, el 24 presentarán el espectáculo Clara y el abismo.

La corporación Niño proletario dará a conocer el día 25 el espectáculo Nadie lee fuego cuando todo se está quemando. Por último, el sábado 2 y domingo 3 de octubre, la compañía uruguaya Marea Productora Cultural dará por finalizada esta edición del MEI con la obra Ana contra la muerte.

Una oportunidad única para toda la juventud que tiene algo que exhibir. Además, este formato se conforma a su vez por jóvenes que muestran todas sus capacidades y habilidades para así fomentar la participación de las personas que se presenten a las audiciones y tengan algún tipo de temor a la hora de subirse a un escenario.

El jurado estará compuesto por artistas del archipiélago canario y el resto de la geografía española. Los factores que se tendrán en cuenta a la hora de valorar las actuaciones serán la originalidad y el sentimiento, entre otros.  Se encargarán de dar comienzo a la función con una actuación de apertura en la que cada miembro mostrará al público sus conocimientos artísticos.

La idea surge con la intención de impulsar la variedad artística. No resultará fácil acoger a las más de 400 personas que se estima que se personen en los castings debido a la situación de pandemia que estamos viviendo. Pero, sin duda, merecerá la pena que por primera vez se pueda ir más allá y mostrar todo lo que saben hacer magos, drags o equilibristas.

Las entradas podrán adquirirse a través de TomaTicket. El evento también podrá verse en casa y en directo en la plataforma de YouTube. Sin duda, será un maravilloso espectáculo para disfrutar en familia, donde personas de diferentes lugares nos mostrarán sus talentos más ocultos.

«Si te paran por la calle es que algo estás haciendo bien»

Nauzet Gutiérrez es miembro del dúo de música urbana Adexe&Nau, el cual cuenta con casi un millón de seguidores en Instagram y más de once millones de suscriptores en Youtube. Lo que comenzó inocentemente subiendo un cover a esta plataforma con tan solo doce años, terminó por convertirse en un fenómeno mundial que ha arrasado en una cantidad innumerable de territorios. Ahora, como estudiante de primer año de Filosofía en la ULL, comienza una nueva etapa en su vida de la que dice estar muy satisfecho.

El tinerfeño se define como un ser extraño, pero curioso «me considero inteligente porque me interesan muchísimas cosas». Esa curiosidad, junto con la seriedad y la necesidad de no aburrirse y de poder tener experiencias nuevas, le llevó a tomar la decisión de estudiar filosofía. Además, confiesa haber elegido la Universidad de La Laguna como su centro de formación por la confianza que le transmite. «Las instalaciones son muy bonitas y están muy bien. No tengo ningún tipo de queja», subraya el intérprete.

«Durante mucho tiempo lo veía como un hobby»

Su infancia ha estado marcada por la música. Su abuelo actuaba en fiestas, pero él y su hermano pequeño son los primeros en convertir esta herencia familiar en algo más profesional. De hecho, todo empezó con el otro componente, Adexe, en un cumpleaños en el que decidió actuar delante de dos cantantes de la isla quienes, asombrados por sus capacidades, le propusieron participar en una canción. Tras dos años y tres temas, Nau quiso probar y unirse a esta aventura. «Yo era más tímido, pero verlo a él me hizo decidir quitarme esa espinita e interpretar algo juntos», explica el cantante.

Nunca se imaginó que ese cover de la canción Si tú no estás de Nicky Jam iba a darle tantas alegrías. «Al subirlo a Youtube, de repente empezó a tener demasiadas visitas y comentarios pidiendo más. Ahí fue que nos animamos y empezamos a hacer más canciones», recuerda Nau. Pasaron de hacer versiones a canciones propias y, de esto, a crear discos. Pero, sin duda, el inicio lo sitúa en redes sociales. En distintos países como México, Argentina, Uruguay, Perú y España son seguidos desde hace ya unos cinco años.

El cantante expresa que es difícil determinar el comienzo de su fama: «Me lo tomo como un trabajo porque lo es, pero durante un tiempo lo consideré un hobby, al final yo hacía lo que me gustaba». La clave está en los conciertos. Recuerda con cariño su primera experiencia al otro lado del charco, en México concretamente no se esperaba el recibimiento que les brindaron. «Llegamos al aeropuerto y escuchamos gritos y mi cabeza pensó: habremos coincidido con algún equipo de fútbol. Pero se abrieron las puertas y vimos que era por nosotros».

 «Conocen cómo soy a través de lo que hago, pero lo que hago no tiene por qué reflejar lo que soy»

A quienes quieren perseguir un sueño como él, les aconseja que disfruten de lo que estén haciendo. Que no se obsesionen con los números que consigan o los beneficios que puedan obtener, sino que cada uno se sienta en paz con lo que hace. Añade «que trabajen muy duro, que sean constantes y luego ser, obviamente, uno mismo».  Sabe que muchas personas dudan sobre si el Nau artista es igual al Nau persona, ante lo que responde que sí. Sin embargo, reconoce que es una mezcla de los dos «Me conocen cómo soy a través de lo que hago, pero no tiene por qué reflejar cómo soy. Hay aspectos de mi vida personal que no querré compartir». Aunque, siempre será partidario mostrarse tal cual es y mostrar su corazón.

Por suerte no necesita entrenamiento alguno para ser humilde, pues parte de la culpa la tienen tanto sus padres como sus fans. Piensa que es importante no olvidarse de que se encuentran donde están gracias a la gente que los apoya, motivo suficiente para sentirse agradecido. «Creo que hay que saber donde estás y de donde eres», comenta el artista. Como él mismo apunta, es un orgullo que conozcan al archipiélago por ellos. Sabe que ha cumplido un sueño, y puede decir que ha llevado el nombre de una isla pequeñita del Atlántico por muchos lugares.

Combinar su carrera musical con las clases no es fácil, pero el cantautor sabe organizarse perfectamente, marca unos tiempos en los que se dedica a estudiar o componer. De esa forma cumple con sus obligaciones profesionales y académicas. En Tenerife dice ser un alumno más, y cuando viaja «Justifico las faltas avisando a mis profesores con antelación y recibo ayuda de mis compañeros para los apuntes». En estos momentos se encuentra inmerso en numerosos proyectos, de los que nos invita a estar atentos. En cuanto al futuro, el músico señala que su objetivo es «continuar con la música, escribir letras y producciones. También terminar el grado para tener esa alternativa abierta».

Más allá de la repercusión del mismo, podemos afirmar que, a pesar de ser una obra del famoso escritor colombiano, este no alcanza las cotas de calidad a las que no tiene acostumbrados. Tampoco podemos culparle, ya que lo escribió sin firmar en su momento, con la única intención de transmitir de forma fidedigna la historia del náufrago. Aún así, nos deja un buen escrito en primera persona, con mucha garra al principio, pero que se va desinflando a medida que avanzan las páginas.

Mi primera impresión, al darme cuenta de que estaba sumergido en la oscuridad, de que ya no podía ver la palma de mi mano, fue de la que no podría dominar el terror. Por el ruido del agua contra la borda, sabía que la balsa seguía avanzando lenta pero incasablemente. Hundido en las tinieblas, me di cuenta entonces de que no había estado tan solo en las horas del día.

Una aventura que no acaba de emocionar

El bajón se debe, principalmente, al hecho de que la narración es demasiado plana. Es imposible negar que está escrita con la maestría de quién domina su oficio y que el relato se adapta a la perfección al formato elegido originalmente para su difusión. Si me pongo en el lugar de los lectores que esperaban con entusiasmo cada episodio de la serie, que duró catorce días consecutivos, lo apreciaría de una manera diferente. Pero, leyéndolo en su conjunto, no puedo negar sus taras a la hora de conseguir que te mantengas en vilo con los sucesos que cuenta.

Y es que Gabriel García Márquez no trata en ningún momento de escribir nada más que un texto periodístico. Todo el abanico de recursos que demuestra a lo largo de su obra apenas aparece, quedándose en la más anodina corrección. Que no se me malinterprete. Si otra persona lo hubiera escrito, aplaudiría su capacidad para hilar la historia. Sin embargo, acostumbrado a las mieles que nos ha regalado el Nobel de la Literatura, se echa en falta un poquito más de riesgo para darle su propia voz, sin tanta obsesión por la transmisión neutral, quedando la sensación de que podría haber sido mejor.

Cuando vine a Bogotá, ya casi completamente restablecido, me di cuenta de que mi vida había cambiado. Me recibieron con todo los honores en el aeródromo. El presidente de la república me impuso una condecoración. Me felicitó por mi hazaña. Desde ese día supe que seguiría en la Armada, pero ahora con el grado de cadete.

No obstante, si borramos estas sensaciones arbitrarias nacidas injustamente por el ilustre nombre que lo firma, nos quedamos con un buen trabajo que encandiló a un país entero, recomendable para dárselo a leer a alumnos que cursen la carrera de Periodismo, pues seguro los estimulará. En definitiva, un relato interesante si lo analizamos acorde a la finalidad con la que fue escrito, pero que falla a la hora de leerlo en su conjunto, sin que esto signifique que sea de mala calidad. Más bien, todo lo contrario.

Sobre las relaciones del filósofo hindú Jiddu Krishnamurti, es una obra que habría rechazado unos años atrás tras leer su premisa, al confundirlo con el típico libro de autoayuda barato que traza unas consignas inservibles en la vida real. Por suerte, la situación personal privada que llevo ha dado pie a que mi cerebro se pregunte sobre como se da la conexión vital con las personas que me rodean, lo que me ha permitido descubrir las interesantes lecciones que el autor es capaz hacer llegar a través de sus coloquios, pues el escrito es una transcripción de lo tratado en sus conferencias.

El pensamiento sin directrices

Es reconfortante encontrar una filosofía tan personal como es la de Krishnamurti, basada en un aprendizaje empírico que usa para despiezar la idea que tenemos de las relaciones y los problemas que surgen de ellas, sin por ello mostrarnos un camino que seguir, actuar de gurú o intentar meternos a la fuerza una serie de conceptos que dejan confuso al oyente. Su visión es simple y se basa en reflexiones concretas y específicas que nos permiten darnos cuenta de forma individual de las trampas mentales que creamos por culpa de no poseer un conocimiento real de nuestra psique a la hora de relacionarnos.

El conocimiento no puede adquirir ni sabiduría ni amor. Por consiguiente, es muy importante comprender toda la estructura de la relación porque esa es la base de nuestra vida. Desde la relación tienen lugar todas nuestras acciones. Si la acción es meramente la continuación del conocimiento, se vuelve mecánica. Y nuestra acción llega a ser mecánica cuando se basa en la rutina y el conocimiento. Cuando hay libertad respecto de lo conocido, la relación cambia totalmente. (Pag. 77)

Jiddu Krishnamurti señala que actuamos a partir de los recuerdos, por lo tanto, la relación que sostenemos con nuestro entorno se mantiene con el fin de perpetuar el placer que extraemos del otro individuo, ya pueda manifestarse este bajo los nombres de amor, amistad o familia. Si nuestra pareja nos deja y se va con otro, nosotros nos enfadaremos porque ya no podremos recibir aquello que nos daba. Esto no es amor según el filósofo, porque defiende que en él no intercede el yo, es decir, es algo natural que se da sin esperar recibir nada a cambio.

El amor es algo que no puede ser cultivado, no es una cosa que la mente pueda comprar. Si usted dice «Voy a practicar la compasión», entonces la compasión es algo de la mente; por lo tanto no es amor. El amor adviene secretamente, inadvertidamente, plenamente, cuando comprendemos todo el proceso de la relación. Entonces la mente está quieta, no llena el corazón con sus propias cosas; por lo tanto, eso que es amor puede surgir a la existencia. (Pag. 46)

Es un libro ligero y corto para aquellas personas que gusten de reflexionar sobre una materia que domina nuestra vida y es la que ha conformado lo que somos a día de hoy. El autor cree con firmeza que si logramos comprender como funcionan estos mecanismos del subconsciente, seremos capaces de actuar de manera correcta al librarnos de la carga de recuerdos que nos lo impide. Con independencia de la ideología que profese, una obra particular que seguramente le haga meditar sobre la complicada naturaleza del ser humano.

Satori Ediciones

Título: Tatsumi

Autor: Yosihiro Tatsumi

Géneros: Seinen, Recuentos de la vida, Drama

Tomos: 1 volúmen

Páginas: 264

Precio: 20 euros

Fecha de lanzamiento: Ya en tiendas

Sinópsis: Recopilatorio de 9 historias cortas del fundador del estilo gegika. Su obra ofrece una visión punzante y desgarradora de la sociedad japonesa de posguerra y retrata la naturaleza del ser humano de un modo realista y fiel, sin ofrecer lecciones ni juicios morales. Sus personajes vagan confusos entre la desesperación, el aislamiento y los placeres fugaces que destellan de vez en cuando en las vidas de hombres y mujeres anónimos. Sin pretensiones estilísticas, pero con un trasfondo humano conmovedor, Tatsumi reduce su arte a una simplicidad esencial y demoledora gracias a un trazo aparentemente sencillo, pero inconfundible, que despliega toda su maestría en la expresividad de sus personajes y en los fondos de paisaje urbano.

Título: La casa de los insectos

Autor: Kazuo Umezz

Géneros: Terror, Shojo

Tomos: 1 volúmen

Páginas: 216

Precio: 18 euros

Fecha de lanzamiento: 14 de septiembre

Sinópsis: Siete relatos escalofriantes de Kazuo Umezz, el maestro del terror japonés, publicados en Japón entre 1968 y 1973. Siete historias oscuras y perturbadoras protagonizadas por personajes cuyas vidas cotidianas se desmoronan de la noche a la mañana, al tiempo que sus mentes se van hundiendo gradualmente en la locura. Siete relatos de celos, codicia, angustia y muerte que traspasan los tortuosos límites de la cordura y exploran los confines de la perversidad. Con su imaginación desbordante y su dibujo sublime e inquietante Umezz nos sumerge en los abismos más oscuros del corazón humano. Un estilo único e inconfundible, unas historias perturbadoras y un sentido del humor peculiar y extravagante han convertido a Umezz en referente fundamental del manga de terror durante décadas.

                                         Kitsune Books

Título: El ratón de biblioteca

Autor: Miya Kazuki

Géneros: Comedia, Drama, Recuentos de la vida, Fantasía

Tomos: 7 volúmenes

Precio: 8,50 euros

Fecha de lanzamiento: 14 de septiembre

Sinópsis: Una estudiante universitaria a la que le encantan los libros desde que era pequeña muere en un accidente y resucita en un mundo completamente distinto del que no sabe nada en absoluto. Ahora es Myne, la enfermiza hija de cinco años de un pobre soldado. Las personas de ese mundo apenas saben leer y los libros prácticamente son inexistentes, además de muy caros. Así que Myne decide convertirse en bibliotecaria para vivir rodeada de libros para siempre. Sin duda, esta es una historia dulce que hará las delicias de los amantes de la lectura y de los ratones de biblioteca.

Título: Orhpen el brujo: El viaje temerario

Autores: Yoshinobu Akita, Yu Yagami

Géneros: Artes marciales, Comedia, Fantasía

Tomos: 4 volúmenes (En publicación)

Precio: 8,50 euros

Fecha de lanzamiento: 21 de septiembre

Sinópsis: Cuando raptan a su amiga, Orphen se embarca en una aventura para rescatarla. En el camino, conocerá a mucha gente amable que parece querer ayudarlo, pero ¿debería fiarse de ellos? El joven brujo tendrá que ir con mucho cuidado si quiere seguir con vida y recuperar a su querida amiga.

Norma Editorial

Título: Chainsaw Man

Autor: Tatsuki Fujimoto

Géneros: Acción, Comedia, Horror, Sobrenatural

Tomos: 8 volúmenes (En publicación)

Páginas: 192

Precio: 9 euros

Fecha de lanzamiento: Ya en tiendas

Sinópsis: Denji es un chico sin un duro que se deja la piel trabajando como Devil Hunter junto a su perro demoníaco Pochita para resarcir una deuda astronómica, pero entonces… ¡una sangrienta traición da un giro radical a su miserable vida!

Título: Under Ninja

Autor: Kengo Hanazawa

Géneros: Seinen, Drama, Recuentos de la vida

Tomos: 4 volúmenes (En publicación)

Páginas: 188

Precio: 9 euros

Fecha de lanzamiento: Ya en tiendas

Sinópsis: Incluso a día de hoy los ninja se camuflan entre la gente llevando a cabo misiones en secreto. A algunos les va mejor que a otros y Kurô Kumogakure, un ninja nini, se pasa los días bebiendo y haciendo el vago. Sin embargo, un día recibe una misión de un superior y su vida empieza a tomar un rumbo inesperado…

¿Considera fundamental estudiar idiomas? ¿Por qué? «No solo fundamental, sino imprescindible. En el mundo globalizado y globalizador en el que vivimos, el flujo comunicativo (oral o escrito) ha de ser fluido y no se puede permitir ningún tipo de barrera lingüística. Por ello, quienes no sean capaces de comunicarse en, al menos, otra lengua extranjera, quedan en desventaja con respecto a los que sí pueden hablar y entender otras lenguas distintas a la materna. En la actualidad, en el caso del inglés, esta lengua se ha convertido, a todos los efectos, en lingua franca».

¿Cuáles son los beneficios de saber hablar idiomas a nivel personal y profesional? «Son muchos los beneficios que aporta el aprendizaje de lenguas extranjeras. Un psicopedagogo o algún experto en neuropedagogía podría dar mayores señas que yo a este respecto. Otras lenguas distintas a la materna ayudan en la reducción de barreras comunicativas entre individuos y favorece las relaciones con otros. Comúnmente, escuchamos frases del tipo «hablar idiomas te abre puertas». Este decir general resume, en esencia, la idea de que saber hablar otras lenguas amplía horizontes en todos los sentidos».

¿Cuál es una buena manera de fomentar constantemente el aprendizaje del inglés? «Con pequeños hábitos y rutinas como, por ejemplo, ver la televisión en versión original -con subtítulos para facilitar la comprensión, si fuera necesario-; escuchar -y por qué no, también cantar- canciones en la lengua meta, siguiendo la letra y buscando el significado de aquello que se desconoce; transferir el gusto por la lectura, leyendo pequeños relatos; entablar amistad con angloparlantes; acudiendo a reuniones específicas para charlar de manera distendida con aprendices de la lengua extranjera (los conocidos como ‘Coffe talks’); o, por ejemplo, a través del uso lúdico de apps para aprender lenguas extranjeras».

«La lengua es la llave a cualquier cultura»

¿Qué estilo es el más adecuado para un mayor aprendizaje o conocimiento? «Todos tienen sus pros y sus contras. Los nuevos métodos didácticos beben de los antiguos y así seguirá ocurriendo como consecuencia de la investigación en el ámbito de la didáctica de las lenguas extranjeras. No obstante, toda metodología debe reunir las siguientes características: estar contextualizada en la realidad más próxima del aprendiz; ser significativa, es decir, realista y no figurada; que favorezca la comunicación en todas sus vertientes (oral y escrita) y, además, que sea motivante para el propio aprendiz».

¿Aprender un idioma puede fomentar el conocimiento sobre la cultura de otro país? «La lengua es la llave a cualquier cultura. Por ello, el aprendizaje de una lengua extranjera debe ir de la mano con el conocimiento de aspectos culturales de aquellos lugares donde se hable la lengua meta. Es a esto a lo que nos referíamos cuando hablábamos de aprendizaje contextualizado y significativo: se aprende más y mejor cuando se contextualiza el nuevo conocimiento en un escenario cultural ligado al código que se está estudiando».

¿A qué edad es recomendable comenzar a aprender un idioma? «Cualquiera puede comenzar a aprender un código distinto al materno. Sin embargo, sí que es preferible que la exposición -que no aprendizaje- a una lengua extranjera sea siempre lo más pronto posible. La razón es sencilla: la exposición temprana a un código distinto al materno favorece la concepción y asimilación de dicho código o lengua como algo natural. Asimismo, a nivel fonológico, el aprendiz joven suele ser más proclive a discriminar e imitar sonidos de un modo más sencillo que el adulto».

¿Cómo de importante es para los niños y niñas aprender idiomas desde pequeños? «Es sinónimo de oportunidades en distintos aspectos vitales: sociales, académicos, profesionales, etc. Aunque se ha mejorado levemente respecto a años anteriores, el nivel instrumental de los españoles en lengua inglesa es, generalmente, bajo en comparación con el de los vecinos europeos. Por tanto, si existe un interés en el fomento de las lenguas extranjeras y se invierte esfuerzo y dinero en programas y metodologías ¿por qué no se obtienen los resultados esperados? O más directo: ¿qué se está o qué estamos haciendo mal?».

El protagonista del libro es Bernardo Vorace Martín, un joven librero que intenta suicidarse y descubre que posee aquello que ha buscado la humanidad durante toda su existencia: la inmortalidad. La historia girará en torno a su relación con Marta, su novia;  y David, su maestro literario. Aunque, realmente, poco importa, pues se irán sucediendo eventos inconexos que revelarán a la novela como una retahíla de frases simbólicas e imágenes surrealistas que convierten lo que podría ser una obra corriente en un enigma incomprensible al que cada cual puede sacarle un significado diferente.

Simbología e imágenes

Al caer la noche encendieron las hogueras, las bocas de los animales con sabor a cereza, trozos de carne de jabalí en los senos de una pantera, gatos borrachos besándose con el perro verde, los ancianos sibilinos eran búhos con canas.

Si nos atenemos a los elementos que componen una novela, El don de Vorace cumple con todos los requisitos. Aún así no da la sensación de estar leyendo una como dicta la convención, pues hay escenas en las que desaparecen los personajes principales y entran en acción otros que luego no tomaran parte en las acciones siguientes, reduciéndose a ensoñaciones puntuales de Bernardo Vorace, lo que dificulta saber cuando los sucesos forman parte de la realidad.

La fascinación real que emana el escrito nace de la inspiración momentánea de Félix Francisco para crear imágenes originales. Ahí radica la razón de su éxito. El escritor canario, pese a su corta edad,  no cae en la típica novatada de recordar a otros autores, sino que consigue plasmar, con sus pros y sus contras, un estilo propio cargado de fuerza. Con todo, se hace pesada a pesar de su brevedad, pero deja frases reflexivas y poéticas de gran calibre, lo que justifica su lectura.

Me muevo ágilmente como un potro salvaje con las crines mojadas por la lluvia. Me encamino al gran río. El frío en mis huesos como cirios. Toco el agua y en agua me convierto.

Los hechos transcurren en un país en guerra sin nombre, ocupado por un ejército extranjero, donde se nos cuentan las duras y crueles vivencias de dos hermanos gemelos, Claus y Lucas, dotados de una gran inteligencia que les permitirá sobrevivir en el horror del totalitarismo. Esta premisa guarda relación con la vida de la autora, que sufrió en sus carnes los efectos de una guerra mundial y una complicada posguerra que convirtió su tierra en un país satélite de la URSS.

Una obra enrevesada bajo un envoltorio simple

La trama del primer libro gira en torno a los jóvenes y la relación que sostienen con su abuela, una mujer retorcida y de fuerte carácter que los cría tras haber sido abandonados por su madre. Adopta un lenguaje sencillo, pero lleno de complejidad, que será la insignia de la trilogía, a pesar de que a lo largo de esta probará nuevos enfoques, marcando un estilo diferenciado en cada novela, aunque a priori no sea evidente. Esta sencillez también la transporta a los diálogos, claros y precisos, como podemos ver en el siguiente fragmento:

«Encontramos un hombre en el bosque. Un hombre vivo, joven, sin uniforme. Está echado en un arbusto. Nos mira sin moverse.

Le preguntamos:

-¿Por qué se queda ahí echado?

Responde:

-Ya no puedo andar más. Vengo del otro lado de la frontera. Llevo andando dos semanas. Día y noche. Sobre todo por la noche. Ahora estoy demasiado débil. Tengo hambre. No he comido nada desde hace tres días».

Los capítulos se suceden con este despliegue técnico, narraciones cruentas y experiencias demasiado fuertes para unos niños tan pequeños, cuya personalidad embelesará a todas las personas que van conociendo, dando la sensación de que, pese a la ruina que viven, el mundo gira alrededor de ellos. Esto dotará muchas escenas de un aire irreal pese al realismo intrínseco que desprenden. Pero no es un punto negativo. Más bien positivo, al conseguir mantener su esencia literaria intacta, pura y original.

Lo más llamativo, y es lo que demuestra el talento de la autora, es la capacidad de crear múltiples relatos de la vida de los hermanos, con tantas similitudes y conexiones entre ellos que te hará dudar hasta la última página del último libro de cual es la auténtica y, aún así, puede ser necesario una segunda lectura para atar todo los cabos sueltos, que puede resultar insatisfactoria. Es una de esas historias con un significado oculto que, o está en la imaginación del lector, o es un tejido enhebrado con tal maestría por la escritora que debe ser mirado con detenimiento para notar donde están sus costuras.

En definitiva, una joya perdida durante años en el mercado español cuya nueva reedición no debería dejar pasar nadie que busque algo fresco y reflexivo.

El pasado 26 de mayo se dio el pistoletazo de salida con una reunión con todas las asociaciones iberoamericanas de productoras y creadores de animación y la Unidad Técnica del Programa Ibermedia. Durante todo este mes han tenido lugar las proyecciones de diversos cortometrajes, charlas impartidas por profesionales, mesas redondas, entre otros contenidos para garantizar la divulgación de la animación, objetivo principal de los premios.

Hasta el próximo sábado 27 de junio, tendrán lugar diversas actividades en el canal de Facebook de la organización, en las que se contará con los finalistas de las diferentes categorías que se premian. Entre ellas, entrevistas a las finalistas a mejor serie de animación iberoamericana: Crias dirigida por Mélia Gilson y Camille Authouart.

Asimismo, también participaran Víctor Monigote y Eduardo Gondell, directores del mejor largometraje de animación iberoamericano: La gallina Turuleca. La gala final será retransmitida por el mismo perfil de Facebook, que además contará con un photocall animado. Se darán a conocer las obras ganadoras en las nueve categorías del concurso.

La también investigadora en el Instituto de Estudios de las Mujeres (IUEM) de la ULL y escritora (Carmela García, Diccionario biográfico de mujeres artistas en Canarias), ha trabajado además en el área de Patrimonio Histórico-Artístico del Cabildo de Tenerife. Fue fundadora y directora de la galería de arte murNó de La Laguna y conservadora jefa del Departamento de Exposiciones Temporales de TEA-Tenerife Espacio de las Artes, entre otras cosas. Su currículum avala su experiencia en el sector de la cultura, pero lo que más le gusta, confiesa, es la docencia y la investigación.

Peralta reconoce que los profesionales de la cultura se han visto muy afectados por la situación provocada por el coronavirus, y considera importante recordar que en este sector, como en el resto, los efectos y las consecuencias afectan de forma diferente a hombres y mujeres: «La COVID-19 ha agravado las desigualdades que ya existían y creo que si queremos paliar los efectos de esta crisis mundial, el impacto de género debería ser tenido en cuenta y no ser ignorado».

«Que lo que más preocupe sea la apertura de bares y terrazas dice mucho del interés que existe en nuestro país por la cultura»

Mañana lunes Canarias entrará en la Fase 3 de la desescalada, esto permitirá la apertura de los teatros y centros culturales. La decisión de priorizar otras actividades, como la hostelería, permitida desde la fase uno, no sentó demasiado bien a los profesionales de la cultura. «Que lo que más preocupe sea la apertura de bares y terrazas dice mucho del interés que existe en nuestro país por la cultura y del lugar que ocupa», confiesa Peralta. Además, asegura que se habilitaron rápidamente mecanismos y protocolos para que los bares pudiesen abrir pero no ocurrió lo mismo con los espacios culturales: «Parece que no hay tanta prisa o urgencia por abrir cines, teatros o museos».

Yolanda Peralta también se muestra algo preocupada por las medidas que tendrán que adoptar los recintos, y las limitaciones de aforo impuestas. Asegura que «muchos espectáculos, conciertos, exposiciones, representaciones o festivales, no serán rentables», ya que con un aforo muy reducido, lo que se recaude no dará para pagar los costes y gastos que generan estos actos. Espera que con controles de temperatura en los accesos, mascarillas y medidas de higiene adecuadas se pueda pronto volver a los aforos habituales «pero tardaremos mucho tiempo en volver a ver, por ejemplo, conciertos multitudinarios», asegura.

«Cambiará la forma en la que visitaremos las exposiciones, los museos, las salas de arte…»

Según Yolanda Peralta la pandemia ha cambiado muchas cosas, como, por ejemplo, la forma de acceder a determinados contenidos a través de la tecnología, y prevé que la experiencia a la hora de acercarnos a la cultura también será distinta: «Cambiará la forma en la que visitaremos las exposiciones, los museos, las salas de arte… Supongo que la experiencia será otra».

Peralta, natural de Girona pero residente en Canarias desde los 14 años, se doctoró en Historia del Arte por la ULL. Su campo de trabajo es el arte y su línea de investigación son las prácticas artísticas contemporáneas y los estudios de género y de las mujeres. Hace unos meses finalizó el que será su cuarto libro, una monografía dedicada a la artista Cristina Gámez. En la actualidad, trabaja en un estudio sobre las cotizaciones de las mujeres artistas en el mercado del arte.