Creo que este es el sentido que debería soltar al público o la que este espera oír. ¿Cómo reaccionarían si les dijera que la fotografía me suscitó un primer análisis totalmente diferente? ¿Debo contarlo? Si les soy sincera, la calidad del retrato, los tonos y los dos personajes me dicen que es un plano de película de los ochenta. El caballero guarda seis cifras en el banco, un Jaguar MK II y una asistenta mulata. Su existencia es una descripción de libro del self-made man. La señora tiene un trabajo y es independiente de las expectativas sociales y de su marido: es secretaria. Si alguna vez la necesitan, pueden preguntar por «esposa de (inserte apellido de un hombre)».

Esa fue mi primera impresión. La cambié porque sentía una invisible coacción de ajustarme a las interpretaciones éticas modernas. No ser, no decir, ni imaginar nada machista. No ser, no decir, ni pensar en nada fuera del pensamiento correcto. Perdónenme lo que digo, o no, lo digo y punto. Ocultar nuestros principios no significa darse cuenta de que lo que pensamos es cuestionable por un motivo comprensible. Yo tal vez sea falócrata y lo esconda con la segunda lectura de la foto.

«Las escasas voces de derechas juveniles que he oído han sido tachadas de poca moralidad»

La espiral del silencio explica la teoría científica de mi autocensura. Las personas hacemos un sondeo en la esfera pública para determinar cómo recibe la sociedad nuestra postura. Si esta no coincide con la opinión mayoritaria (generada a través de los medios de comunicación), tendemos a callarnos o nos decantamos por unas convicciones que satisfaga a la masa, aunque no nos represente.

Al hablar del dogma ideal no hablo de la obligación de mantener solo relaciones heterosexuales, casarnos y crear descendencia. Me refiero a la imposición de tener que estar de acuerdo con acoger a la inmigración que llega a España, a priorizar lo social en lugar de lo económico, de dar prioridad a la ciudadanía del país frente al que huye del suyo o deber refutar (que más bien ahora es criminalizar) las ideas conservadoras.

No se confundan, no simpatizo con estas concepciones. Puede que sea yo, niña de generación Z, la que no haya visto mundo, pero durante mis años de estudio las escasas voces de derechas juveniles que he oído han sido tachadas de poca moralidad.  Esa gente, ante la avalancha de discriminación por sus opiniones (con o sin justificación), se esconden del debate. Esto es peligroso para la ideología imperante y para la frágil actitud crítica que tanto intentan inculcarnos en la universidad. ¿Por qué? La respuesta la formuló Walter Lippmann: «Donde todos piensan igual nadie piensa mucho».

La historia se centra en la vida de Virginia (Carmen Machi), una mujer que, al quedar embarazada de adolescente, decidió dar en adopción a su hijo. Fidel (Paco León), es un empresario fracasado y perseguido  por el despido de 300 personas de su organización. Tras el reencuentro de los familiares, Fidel trata de suicidarse, pero, al fallar, acaba sufriendo amnesia y comportándose como un recién nacido. Es Virginia la que tiene que hacerse cargo de él. A través del baile, ambos personajes principales, más todas las mujeres que conforman el grupo de Las mamis, aceptan su pasado.

Al estar catalogada como comedia, esperábamos soltar más carcajadas y emocionarnos menos. Las dos personalidades protagonistas guardan tras de sí una gran carrera en este género, sin embargo, no fueron las risas las que inundaron la sala del cine. Con ciertas bromas en momentos puntuales, parecía más un drama. También hay que destacar que Paco León y Carmen Machi hacen un gran papel, notándose la química que ya existía entre ambos actores.

El baile como camino a la libertad

El comienzo es lento, y tardamos en involucrarnos en el mundo de Virginia y Fidel. A pesar de esto, una vez ocurrido el accidente, el largometraje se vuelve más dinámico. Con una lista de canciones de los más urbanas, La Tribu se convierte en un musical actual.

Estéticamente es bella y, sobre todo, real. Nos muestra un barrio antiguo, donde la pintura de la fachada se rompe y los tendederos son hilos que salen de las ventanas. Con las historias de cada una de las que forman el grupo de baile nos podemos sentir identificados. En general, la historia, por muy surrealista que parezca, tiene un ambiente y unos matices que puede que hayamos visto antes en nuestra vida cotidiana.

Dominika Egorova (Jennifer Lawrence) es una famosa bailarina de ballet en Moscú. Durante una actuación sufre un accidente que la separa del mundo del espectáculo. Su tío, Ivan Dimitrevich (Matthias Schoenaerts) trabaja para los servicios secretos del país. Este promete hacerse cargo de su madre enferma si Dominika participa en el programa Gorrión Rojo, donde adquirirá capacidades de espionaje y seducción.

Nate Nash (Joel Edgerton) es un agente de la CIA destinado en Rusia. Mantiene contacto con Mármol, un topo dentro del servicio de inteligencia exterior del país. Dominika deberá descubrir la identidad del infiltrado cautivando al americano, perpetrando un plan en el que el engaño y la atracción serán el arma cardinal.

Que no sorprenda el tópico ruso-americano

La complejidad de trasladar una obra literaria a la gran pantalla reside en el difícil, pero satisfactorio proceso de comprimir y resumir. La profundidad en el trato de la personalidad y la trascendencia de los personajes es menor. Es posible que la línea argumental sufra y el mensaje originario se transforme en una burda sugestión comercial. Sin embargo, no es el caso de Gorrión rojo.

Sin olvidarnos de aspectos que favorecen de forma negativa al film, como por ejemplo situaciones de confusión y enredo desmedido, apatía en las interpretaciones que exigen emotividad minuciosa y una continua y aburrida uniformidad en ciertos intervalos de la historia, Gorrión rojo es una obra digna de ver.

La sutileza en las escenas eróticas conforma una producción modélica. Jennifer Lawrence nos recuerda a Katniss Everdeen en Los juegos del hambre, pero su actuación no deja de ser admirable. Que no sorprenda el tópico ruso-americano, pues conforma la base argumental. La fotografía, la edición y la dirección de arte sumergen al espectador en una intimidad que penetra entre las butacas. Dejemos que nos cace.

El filme nos sitúa en 1969, en América, lugar al que una familia de cuatro hermanos se traslada. Desde el principio se deja claro que están huyendo de algo, o más bien, de alguien: su padre, un personaje misterioso y cruel. Escapan de Inglaterra con el objetivo de dejar atrás un pasado tormentoso y lleno de violencia, cruzando la línea a una nueva vida y a un nuevo apellido: los Marrowbone.

Los tráileres nos la presentaban como una cinta de miedo, y eso es lo que se esperaba en las butacas del cine. Sin embargo, no fue así. Si tuviéramos que limitarla a un género sería suspense o misterio. El terror brilló por su ausencia, a excepción de un par de sustos contados.

Suspense y misterio

A pesar de esto, el argumento engancha desde su inicio. Los cuatro hermanos ocultan más de un secreto, algunos de ellos realmente impactantes. Van construyendo un relato que nos mantendrá pensativos durante todo el largometraje.

Hay que destacar la estética de toda la historia. Dispone de planos realmente especiales y cada minuto está teñido de una belleza cargada de emoción. Junto a Sergio Sánchez, queda latente la participación de Bayona, como uno de los directores, ya que se acerca mucho a otros trabajos del mismo como Un monstruo viene a verme o El Orfanato. Asimismo, George MacKay, que da vida a Jack, es uno de los grandes descubrimientos de este filme.

La cuestión es que El secreto de Marrowbone no ha dejado indiferente a nadie y, a pesar de no transmitir el terror que tanto habían anunciado, nos hará exprimirnos la mente desde el primer momento.