El evento comenzó con la presentación de Roberto Gil, profesor del Departamento de Sociología y Antropología de la ULL y coordinador de la actividad. Introdujo a la ponente, remarcando su especialización en el análisis crítico del ecosistema del cine español, campo al que se dedica desde hace dos décadas. Gil también destacó la reflexión de la autora sobre los límites del séptimo arte para representar la totalidad, es decir, «la pretensión de recrear la experiencia real o ficticia de manera plena».

La ponencia versó sobre formatos que se alejan de los estándares de la industria cinematográfica. Estos, reflexiona Thibaudeau, «ofrecen caminos alternativos (…) para pensar el mundo y experimentarlo de otra manera». Desafían cuestiones como la omnipresencia del espectador o la estructura clásica en tres actos, lo que puede resultar tan diferente para el público que genere rechazo o incomprensión.

Nuevo significado a imágenes del pasado

La autora explicó el avance que supuso la digitalización para la recuperación y preservación de material fílmico antiguo. Esto, según describe, da más recursos a los artistas, quienes pueden usar estas grabaciones y darles otra significación. Así, las imágenes que en un inicio fueron tomadas como propaganda de un régimen pueden usarse posteriormente para criticarlo. «El cine es libre para usar imágenes documentales con creatividad», declaró al respecto.

Para ilustrarlo, Thibaudeau propuso un viaje a través de tres piezas cinematográficas españolas en un orden específico: de narrativa más a menos convencional. Todas ellas son producciones independientes donde se emplean imágenes de archivo alterando de manera profunda su función inicial. La profesora expuso cada ejemplo combinando la proyección de fragmentos de las obras con el análisis de los mismos.

Tres ejemplos contrahegemónicos

En primer lugar, la docente habló de La morte rouge, un mediometraje de 34 minutos realizado por Víctor Erice en 2006. El cineasta narra en él el trauma que experimentó en su primera vez en el cine. Esto le sucedió a los cinco años con La garra escarlata, película policiaca de 1944 donde se investigan los crímenes de un asesino serial. Erice establece un paralelismo entre la trama con la situación que se vivía en la España de la posguerra. La película mezcla escenas del filme antiguo, fragmentos del NO-DO franquista e imágenes contemporáneas tomadas por él.

Después se expuso La muchedumbre reaparecerá siempre, de la chilena Carolina Astudillo. Este corto del 2022 pertenece a un proyecto que reutilizó 67 tomas de una película perdida de los años 40. La artista emplea imágenes de un mutilado de la Guerra Civil y los destrozos de la Ciudad Universitaria de Madrid, alternándolas con otras de manifestaciones por los desaparecidos de la dictadura de Pinochet. El tema es la violencia de estado y la resistencia ciudadana. Aquí, la voz no narra un mismo texto sino articula un discurso heterogéneo: incorpora palabras de la autora, versos de María Zambrano y citas de ensayos.

El último caso fue De los nombres de las cabras, corto de 2019 de Silvia Navarro y Miguel Morales, cineastas de Canarias. En esta pieza llega al extremo la amalgama de voces, imágenes y reivindicaciones independientes, llegándose a contradecir lo que se muestra con lo que se dice. Ejemplo de ello es un fragmento donde se contrapone la enumeración de nombres de cabras con imágenes antiguas de rostros de mujeres y niñas campesinas de las Islas. Con esta extraña asociación se da a entender que ambas han sido explotadas y tratadas de manera histórica como «animales de carga».

El encuentro terminó con una ronda de ruegos y preguntas, donde el público felicitó a la ponente y planteó cuestiones referentes a su trayectoria y los cortos analizados.

Estas jornadas pertenecen a la vigésimo segunda edición del Festival de Internacional de Cine que comenzó el viernes 14 y durará hasta el domingo 23 de este mismo mes. Se celebra en diferentes escenarios de la ciudad: en el Edificio Miller, Cinesa El Muelle, Multicines Monopol, Centro de Iniciativas de La Caja de Canarias o el Teatro Guiniguada. Con este certamen se pretende dar más visibilidad al cine de Asia, Iberoamérica, África y Europa del Este.

“Dirigir es encontrar lo contrario a todo lo que querías hacer”

Cuatro directores abrieron las jornadas. Alejandro Amenábar, Álex de la Iglesia, Carla Simón y Fernando León empezaron contando como se adentraron en el mundo del cine, coincidían en que era su vocación. Hay quién lo vio antes, es el caso de Amenábar mientras estaba estudiando en la universidad se dio cuenta de que realmente le gustaba eso, Fernando León, por su parte, comenzó siendo guionista para más tarde pasar a dirigir sus propias historias.

Cada profesional de la dirección tiene una forma diferente de buscar su inspiración y esto se ve reflejado en el estilo de sus películas; Carla Simón, reconoció que para ella era una forma de terapia y suele escribir sobre temas personales. Para Álex de la Iglesia, las ideas surgen por asociación de varias cosas, diferentes conceptos que quiere expresar y a partir de una historia crea los personajes.

Aunque su forma de trabajar sea diferente, coinciden en que lo más importante es saber aceptar los imprevistos, que siempre los hay, y saber estar con mil cosas a la vez. “Dirigir es encontrar lo contrario a todo lo que querías hacer”, señaló Fernando León.

“Lo que no es fácil aquí, en la vida, en el cine lo es”

La segunda charla era una de las más esperadas por el público. Ángela Molina, entrevistada por la periodista Elena Sánchez, habló sobre su larga trayectoria. Desde muy pequeña supo que se quería dedicar a esto, cuando acompañaba a su padre y al verlo en el escenario se emocionaba.

Ha trabajado con profesionales muy importantes del oficio, como Buñuel, Almodóvar o Tornatore, y ha ganado numerosos premios internacionales. Después de tantos años, confesó que cada vez que abandona a un personaje siente un duelo interno, pues asegura que “el cine ha sido muy grato en mi vida”. Para ella, “lo que no es fácil aquí, en la vida, en el cine lo es”.

“Yo a quién quiera dedicarse a la actuación le diría que no”

Para dar un toque cómico a las jornadas no podían faltar Karra Elejalde y Paco León. Dos actores de dos generaciones diferentes pero que el público adora. Es común verlos actuar, pero también trabajan como guionistas y directores. Ambos tienen una gran trayectoria y durante su charla dieron algunos consejos para quiénes quieran dedicarse al mundo del cine. Elejalde destacó que “por muchas escuelas a las que vayas, el cine se aprende practicando”, y que lo mejor es “ser distintos”, en un casting pasan miles de personas y hay que saber destacar entre la gente.

A pesar de que los dos amen su profesión y hayan conseguido un gran reconocimiento, Paco León argumentó: “Yo a quién quiera ser actor de diría que no”. Pues el mismo comentó que hay mucha gente en el oficio y mucha más preparándose para él y no hay espacio para todas esas personas.

“En el cine puedes estar en constante entrenamiento”

La generación más joven concluyó con las jornadas, Macarena García y Anna Castillo pusieron el broche final. Ambas se conocieron en un curso de interpretación y más tarde su participación en la comedia musical La Llamada les unió más, convirtiéndose en amigas, más allá de compañeras de profesión.

Ambas tienen una larga trayectoria para su corta edad, a pesar de esto Macarena García, dijo que “es una profesión muy complicada porque no sabes cual es la respuesta”. Aun así, ambas coincidieron en la afirmación de Anna Castillo: “En el cine puedes estar en constante entrenamiento”. Dieron mucha importancia a la continua formación para seguir creciendo.

Durante la formación se trabajará la realización de proyectos con los mínimos recursos posibles, además de conocer de forma teórica y práctica el lenguaje audiovisual. En la segunda clase, cada participante tendrá la oportunidad de llevar su guion para  comentar su realización y posterior puesta en escena. Se encargará de esta formación el editor y realizador Roberto Álvarez.

Cinedfest realiza anualmente un festival educativo de cine donde participan diferentes centros educativos canarios y de la Península, una iniciativa que este año cumplirá su décima edición. La actividad será gratuita y podrá asistir alumnado perteneciente a cualquier Grado.

Para participar se deberá enviar un correo electrónico indicando nombre y apellidos al correo electrónico de Cinedfest.

Roberto Álvarez señala que «en la primera sesión se darán las pautas para comenzar a desarrollar la idea, con consejos sobre cómo crear y enriquecer un guion». Luego, «hablaremos de la preproducción, intentando abarcar todos los elementos que debemos tener en cuenta antes de grabar. Además, se hará un ejercicio práctico sobre la puesta en escena».

El filme protagonizado por Leonardo DiCaprio y Kate Winslet fue la número uno de la taquilla mundial y, en la actualidad, es la tercera película más taquillera de la historia. La trama de romance épico gira en torno a la catástrofe del hundimiento del barco más grande de la historia. Los hechos son narrados desde los ojos de jóvenes de diferentes clases sociales.

El debate estará formado por el codirector del Festival Isla Calavera, Ramón González; el profesor de la Universidad de La Laguna, Luis Fernando Iturrate y la alumna de Periodismo de la ULL, Nieves Santana.

Con esta premisa entra en escena Joseph Cooper, interpretado por Matthew McConaughey, quien además de ser un granjero normal y corriente, también es un piloto de la NASA. Mediante unos mensajes escritos en código binario en el cuarto de su hija, realizados según cuenta por un «fantasma» , se describe una coordenada específica.

Dicho lugar de ambiente oscuro y frío pertenece a una base secreta del Estado. Sin embargo, sería difícil un punto de inflexión entre su familia o el futuro de la humanidad, ya que se le ofrece el puesto de tripulante en la expedición de la nave Endurance. El objetivo de la misión es la repoblación por el universo, sin un billete de vuelta.

Es aquí donde Nolan saca a relucir su marca de identidad. Sus característicos cambios de dirección espacio temporales, y un uso impecable de las tecnologías, como el icónico y fiel agujero negro representado en la obra cinematográfica, aportan un grado de inmersión superior. Como curiosidad, para la grabación se decidió plantar un campo de millo de 500 hectáreas en lugar de usar CGI. Después, todo el cultivo fue vendido y se obtuvieron beneficios.

«No se supone que debamos salvar al Mundo. Debemos dejarlo»

En un tramo del viaje, la tripulación de la nave decide hacer una parada en el planeta Miller para ahorrar tiempo y combustible. Al orbitar muy cerca del agujero negro Gargantua el transcurso de los segundos se vio gravemente ralentizado. Tanto es así que una hora allí equivalen a siete años terrestres. Al grito de «¡Cuidado, hay que salir de aquí!» el equipo se percata que lo que veían no eran montañas, sino enormes olas. Después de momentos de angustia y un retraso del  periodo acordado, logran escapar de forma milagrosa excepto el experimentado piloto Doyle.

Con una maravillosa banda sonora compuesta por uno de los mejores productores musicales de la historia del cine, Hans Zimmer crea un ambiente que me resulta imposible de describir con palabras. La intensidad, el miedo y la avaricia convergen de forma exitosa para recalcar la importancia de la escena.

Tras una infinidad de problemas derivados de cálculos erróneos, Cooper despierta desorientado en una habitación de hospital. Los médicos del centro le comunican que su hija Murph, una reputada física que estaba viviendo sus últimos días de vida, logró hallar la fórmula para salvar a la población de su extinción. Inmediatamente al visitarla se produjo un contraste entre una hija realmente mayor y un padre que por los efectos temporales que había sufrido veía morir a esa niña de ocho años.

«El amor es lo único que somos capaces de percibir que trasciende las dimensiones del tiempo y del espacio».

Renacimiento Producciones es una compañía que comenzó a principios del pasado año 2021. El grupo de once artistas, con edades comprendidas entre 19 y 20 años, está dirigido por Mario Varela. El joven director nacido en Tenerife en 2003, ama la música, el teatro y la danza, es por ello que estudia Comunicación Audiovisual en la Universidad Jaume I. El objetivo del equipo es reavivar el arte y la cultura entre los jóvenes canarios con la búsqueda de un nuevo aire en el teatro y el cine.

El grupo no es primerizo, ya que han realizado cómo trabajos previos como República Bananera y República Bananera VOL II, dos cortometrajes en los que demuestran su pasión por el teatro musical. Las producciones buscan mantener al espectador atento hasta el último segundo con giros de trama inesperados. El último estreno lo hicieron fuera de las islas, en el Menador Espacio de Cultura, en Castellón de la Plana.

El directo, como plan a corto plazo, querría tener la posibilidad este verano de hacer otro espectáculo dedicado al mundo de las artes y todo lo que ello conlleva. Su objetivo para el futuro es grabar una película que muestre la temática guanche de las islas para poder difundirla y que se conozca mejor.

«Hace diez años tener el sector audiovisual que tenemos a día de hoy era utópico»

Canarias es un lugar en el que se llevaron acabo ciento cincuenta y cinco rodajes de producciones en 2021, lo que demuestra que el sector audiovisual en las Islas se ha convertido en una industria de peso que genera empleo y riqueza. Jeniffer Castañeda es una prueba del talento cinematográfico que reside en el Archipiélago. Es directora, guionista, escritora y productora, y cuenta con un gran número de productos audiovisuales a sus espaldas, entre los que destacan El día Q o Libertad de Cátedra. 

La literatura fue su primera pasión. En la grabación de un booktrailer (pequeña pieza de video que sirve para promocionar un libro) para su primera novela experimentó algo que jamás había sentido. «Me gustó tanto el rodaje que empecé a estudiar un máster de escritura de guiones y realización de audiovisuales y espectáculos, y así fue cómo me metí de lleno en la producción cinematográfica», comenta la tinerfeña.

Jeniffer Castañeda dio un paso enorme en su carrera al fundar Nostrana Films en 2016. Su idea consistía en «montar una empresa de producción para seguir con mi trabajo, pero a una escala más grande». Así es como surge una de las pocas productoras canarias que ha logrado presentar obras en festivales de prestigio como la EFM-Berlinale, San Sebastián, Málaga, Lanzarote o La Palma. La directora subraya que «tanto la productora como yo trabajamos bajo la misma línea editorial, tanto en novela, como guion y producción, que es el drama y generar emoción».

«Si viendo una película de Nostrana se te escapa alguna lágrima, es que lo hemos conseguido»

Los momentos difíciles aparecen cuando salen piedras en el camino, y la Covid-19 fue uno de esos obstáculos que supuso un antes y un después en la industria cinematográfica. Gleich es un largometraje dirigido por Castañeda que sufrió las consecuencias de esta situación inesperada. La realizadora comenta que «la pandemia ralentizó el rodaje, el cual estaba previsto para 2020, lo retrasamos todo un año y acabamos rodando en verano de 2021».

La crisis del coronavirus no es el mayor reto que ha tenido que afrontar, ya que el principal problema constante al que se enfrentan las productoras canarias es la búsqueda de financiación. Salvo Estados Unidos, son muy pocos los países que financian el cine con la venta de taquillas o la propia película, y en España se tira mucho de las ayudas públicas. La directora explica que conseguir subvenciones a día de hoy es muy complicado, porque cada vez hay más competencia.

«Antes, la mayor dificultad era buscar personal técnico, actores o buenas historias, a día de hoy es el dinero»

La gran cantidad de empresas y profesionales que cada vez tienen más presencia en las Islas se debe a que «está saliendo y saldrá mucho más talento de Canarias, sencillamente porque últimamente tenemos más sector», indica la guionista. El cine es un ámbito económico, cultural y laboral muy potente que se está desarrollando muy bien.

El mundo audiovisual actual no se parece en nada al de hace diez años, ya que antes eran muy pocos los productos con una realización 100 % canaria. La directora es clara: «Empieza a haber un nicho de mercado en el que mucha gente está empezando a trabajar y a especializarse».

Castañeda se encuentra cerrando la postproducción de Gleich. «Tenemos distribuidora así que la idea es empezar a tener circuito en festivales y en salas de cine», explica. Además, también tiene previsto realizar varios proyectos entre este año y el siguiente: el rodaje de un documental para televisión y un largometraje.

Michele Morrone y Anna-Maria Sieklucka fueron protagonistas de este pelotazo de la plataforma de steaming, cuyo papel repiten en la segunda parte de esta trilogía: 365 días: Aquel día. No es raro pensar qué, al haber tenido tanto tirón al principio y, según parece, a nivel económico fue altamente rentable, la segunda parte se hiciera realidad, pese a las críticas de diversos sectores de la industria cinematográfica.

La saga 50 sombras de Grey es otra prueba de que el dinero gana a la ética, con la única diferencia de que  esta nueva saga de películas eróticas le da una vuelta de tuerca a las situaciones de maltrato y abuso, convirtiéndose en un nuevo ejemplo de machismo con toques de misoginia. Si algo es salvable en la saga del señor Christian Grey es la humanización del protagonista masculino. Su «rehabilitación», su entendimiento de que su comportamiento no era el más adecuado, dio un matiz que, en las actuales, no encontramos.

«Del total de protagonistas cinematográficos de 2021, solo un 38 % fueron mujeres»

Las críticas en redes sociales, medios de comunicación y blogs ya han expuesto todo lo que está mal en esta película: la romantización de la mafia, del secuestro, del maltrato psicológico, del acoso, incluso del síndrome de Estocolmo. El caso en cuestión es, si tan mal esta la imagen que representa esta película, ¿por qué hay una continuación? ¿Pesa más en la industria el dinero que la moral y la posible imagen que le estemos dando a los más jóvenes?

Las estadísticas son claras con respecto a las mujeres: solo obtuvieron el 38 % de los papeles protagonistas del total de películas de 2021. No es un secreto que el género femenino está muy infravalorado y, si se se busca la lógica, este tipo de películas no ayuda pues las tratan como objetos sexuales, buscando más el morbo y la superioridad del hombre.

Las mujeres llevan siendo, desde los comienzo de la gran pantalla, objetivo de burla, discriminación y sexualización, no solo por la falta de oportunidades que se les da, sino por el tipo de papel que llevan a cabo. Lo peor de todo esto es que la gran mayoría de personas que ven este tipo de películas, como 365 días, son mujeres. Incluso, la autora de esa historia es mujer: Blanka Lipińska.

El ideal de romantizar actitudes machistas solo empeora la aceptación de maltrato psicológico y físico por parte de la sociedad, además de  estereotipar aún mas la idea de que toda mujer ha de ser salvada por un hombre y de que debe ser ella la que lo salve de una personalidad oscura, agresiva y con ciertas patologías severas.

El éxito de esta película y de sus libros resulta tremendamente inquietante porque cualquier persona con principios y un mínimo de conocimientos en los derechos de la mujer no vería con buenos ojos que se hicieran este tipo de largometrajes.

Todavía queda mucho por hacer en términos de igualdad y, contrariamente a lo que puede pensar una mayoría, el feminismo debe estar más presente aún en una sociedad marcada por unas ideas clasistas y peligrosas.

Este evento se trata de una iniciativa del Instituto Canario de Desarrollo Cultural del Gobierno de Canarias (ICDC) junto con el equipo de Canary Islands Film, que cuenta con la colaboración de PROEXCA Sociedad Canaria de Fomento Económico S.A., Consejería de Agricultura, Ganadería y Pesca (GMR) y con los siete cabildos insulares.

La recepción de propuestas estará abierta hasta el día 8 de abril y las bases para su participación se encuentran disponibles en su página oficial. A partir de ahí, el equipo de expertos dispondrá de un mes para la selección de participantes y las propuestas que resulten seleccionadas formarán parte de un programa tutorizado con varios de los mejores guionistas del país.

Guiones de largometrajes y de series de televisión para convertirse en proyectos de ficción y/o animación

Su objetivo es obtener guiones de largometrajes y de series de televisión susceptibles de convertirse en proyectos de ficción y/o animación, basados en historias y/o localizaciones de las Islas Canarias, a través de un laboratorio tutorizado por especialistas para su posterior producción y comercialización.

María José Manso, directora de isLABentura Canarias asegura que, «dada la proyección y mayor dotación de recursos para su difusión, se espera que el número de participantes y países de origen supere las dos anteriores convocatorias. Al no limitar la participación a territorio nacional, y teniendo en cuenta la difusión que se está dando a nivel internacional, el número de guionistas que quieren convertirse en participantes seleccionados es mayor».

Valor de la industria audiovisual canaria

Serán en total 14 plazas disponibles, de las que cuatro se reservan a guionistas con residencia en Canarias. El Comité de Selección tendrá en cuenta para su valoración la originalidad y calidad de la propuesta, así como la narrativa, presentación de personajes, coherencia y estructura. Además, valoraran los criterios de motivación de selección de la historia y/o la isla.

«Se ofrecen los recursos necesarios para desarrollar un buen proceso de documentación, es decir, viajar a un territorio para recopilar la información necesaria para la escritura a través de la familiarización con su cultura y ofrecer formación de alto nivel con un equipo de tutores de gran prestigio, además de promover el contacto con productoras», explica Natacha Mora, coordinadora de Canary Islands Film.

El laboratorio, que se desarrollará anualmente, pone en valor la industria audiovisual canaria a través de los rodajes que tendrán que producirse en las islas gracias a los guiones resultantes, al tiempo que potencia la internacionalización y la coproducción con aquellos territorios con los que nos unen lazos históricos (Latinoamérica, Europa y África) y con la participación de guionistas de cualquier parte del mundo con dominio de la lengua española.

El encuentro, mediado por Jorge Berástegui, giró en torno a los conflictos bélicos e hizo un recorrido por la larga trayectoria de la periodista que lleva ejerciendo la profesión desde 1982. Aranguren compara su experiencia con el conflicto ucraniano actual. Asimismo, abordó el tema de forma extensa y tratando de «no justificar, pero sí explicar» lo que estamos viviendo hoy en día, según explicó la reportera.

Aranguren declaró que está completamente comprometida con la causa palestina, pues gran parte de su carrera ha girado alrededor de esta. Por esta razón, afirma que «la violación del derecho internacional debería ser general» y lo único que espera en estos momentos es «tener una clase política que tenga claro que la prioridad es parar esta guerra».

«Una parte de la prensa occidental cuenta las noticias en cifras y no en historia»

Respecto a la lucha palestina, Berastegui aprovechaba para preguntarle a Al Khatib, cómo cree que actúan los medios de comunicación frente a esta. Según él, «el problema de parte de la prensa occidental es que cuentan las noticias en cifras y no en historia».

En la conferencia, la invitada también pudo hablar sobre ser mujer en un medio como este y, si bien se ha encontrado con algunos inconvenientes respecto a su género, nunca fue de importancia a la hora de cubrir un trabajo. Ella misma afirmó que para trabajar en dichos acontecimientos «es importante tener resistencia física, que no tiene nada que ver con la fuerza, pero eso vale tanto para mujeres como para hombres».

El acto se dio por finalizado con una ronda de preguntas donde las personas presentes pudieron interactuar con la periodista y conocer más acerca de su trayectoria profesional.

En varias de las sesiones se ofrecerán charlas, como por ejemplo, en Apenas el sol, con Arami Ullón; Bancal, con Rafael Montezuma, o Versiones, con Claudia Torres, permitiendo así que el público tenga una experiencia más allá de lo visual.

Las entradas costarán un euro, que será totalmente derivado al programa de apoyo a la localidad de Knifing. Debido a la situación sanitaria, este año serán vendidas a través de la plataforma digital de Tomaticket y, además, contarán con un punto de información y soporte en la plaza frente al centro cultural de Guía de Isora, solo en horario de mañana desde el 28 de febrero, y en horario de mañana y tarde a partir del 4 de marzo.

El público también será capaz de formar parte de los encuentros, completamente gratuitos, que se darán entre los días 5, 6 y 8, donde se tratarán la temática LGTBIQ+ con Pedro Zerolo, y las reporteras de guerra, con Teresa Arugen. Por su parte, el 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer, se dedicará a las mujeres en el cine con la participación de Claire Simon, Carla Antonelli y Tatiana Mazú.

CAOS, EL INICIO

La adaptación del libro de Patrick Ness, The knife of never letting go, no fue lo que se esperaba. Pese a tener figuras de la talla de Tom Holand o Mads Mikkelsen, no convenció ni a crítica ni a público, que la calificó como dispersa y que no llegaba a explicar un mundo tan complejo como los libros. Pasó con más pena que gloria por la taquilla de medio mundo.

Presupuesto: 125 millones de dólares

Taquilla: 26.4 millones de dólares

EN EL BARRIO DE NUEVA YORK

Musical creado y dirigido por Lin-Manuel Miranda. Aunque es muy ameno, con ritmos que invitan a bailar y es una representación de la diversidad de historias que podemos encontrar en las calles de la ciudad americana, su estreno de forma simultánea en cines y en HBO Max en Estados Unidos le perjudicó gravemente en la recaudación, aunque no fue la que más pérdidas obtuvo.

Presupuesto: 55 millones de dólares

Taquilla: 43.9 millones de dólares

G.I JOE: SNAKE EYES

El spin-off que narra la historia del ninja más famoso de la saga de los G.I Joe fue un auténtico fracaso. Con una historia muy básica, unos efectos especiales y unas actuaciones algo pobres, fue despedazada por la crítica y el público. El naufragio fue peor que el vivido en el Titanic.

Presupuesto: 88 millones de dólares

Taquilla: 40.1 millones de dólares

EL ESCUADRÓN SUICIDA 2

James Gunn dirige la secuela de esta película de antihéroes o villanos convertidos en santos, depende de cómo se quiera ver. Con un plantel de grandes figuras como Will, Smith, John Cena o Margot Robbie, esta era la cinta que estaba llamada a tener una de las mayores recaudaciones del año. Su estreno simultáneo entre plataforma y cine truncó lo que podría haber sido un pelotazo para Warner Bros.

Presupuesto: 185 millones de dólares

Taquilla: 167.4 millones de dólares

REMINISCENCIA

Lisa Joy, guionista de la aclamada Westworld, hizo su debut con esta película algo distópica sobre un investigador privado de mentes que intenta ayudar a sus clientes a través de sus propios recuerdos. Un romance apocalíptico, un film que intenta navegar entre la filosofía de la vida, pero que no convenció a nadie y se quedó en un gran nada.

Presupuesto: 54 millones de dólares

Taquilla: 15.5 millones de dólares

QUERIDO EVAN HANSEN

Un musical muy aplaudido por la crítica musical cuando se estrenó en Broadway, ganador de varios premios Tony’s y con una gran legión de fans, no consiguió tener el mismo éxito cuando se llevo a la gran pantalla. Un elenco con carencias a nivel vocal, un guion muy limitado y una historia sobre los problemas de salud mental que no convence, ayudó a su baja recaudación.

Presupuesto: 28 millones de dólares

Taquilla: 18.8 millones de dólares

LOS SANTOS DE LA MAFIA

Los Soprano es una de las mejores series sobre gángster de la historia, por no decir que es una de las que mejor crítica tiene en la historia de la televisión. Esta precuela que se centran en la juventud de Tony Soprano no convenció. Para muchos, innecesaria, pero que no empaña lo que se logró el día de su estreno.

Presupuesto: 50 millones de dólares

Taquilla: 12.7 millones de dólares

EL ÚLTIMO DUELO

La película fue catalogada cómo la mejor película que había hecho Ridley Scott desde Gladiator. Esta producción histórica que cuenta con Matt Damon, Ben Affleck o Jodie Comer, fue aclamada por la crítica, pero dejó claro que todavía falta mucho para que la gente vuelva a acudir en masa al cine.

Presupuesto: 100 de millones de dólares

Taquilla: 30.5 millones de dólares

REY RICHARD: UNA FAMILIA GANADORA

La cinta todavía no se ha estrenado en muchos mercados, entre los que se encuentra el español, ha sufrido lo que muchas, el estreno simultáneo en plataformas. La producción, que cuenta la historia del padre de las tenistas Venus y Serena Williams, aún no ha dicho su última palabra, pero tampoco ha tenido la acogida que se esperaba.

Presupuesto: 50 de millones de dólares

Taquilla: 26.2 millones de dólares

WEST SIDE STORY

Steven Spielberg dirige la adaptación de uno de los mayores musicales de la historia. Una banda sonora reconocida, una historia juvenil de amor imposible y un colchón económico detrás no pudieron ayudar al descalabro de la cinta. Aunque alabada por la crítica y denominada como ‘la película de las navidades’, para que el público no pensó lo mismo cuando se estrenó en los cines.

Presupuesto: 100 millones de dólares

Taquilla: 38.5 millones de dólares

Eternals, de Marvel Studios, es lo más diferente que se ha podido visualizar por parte de la subsidiaria de Disney en la gran pantalla. Es tan diferente que el contraste crítico entre los expertos y la audiencia es abismal. Eternals se estrenó en la plataforma de crítica Rotten Tomatoes con un débil 53 %, convirtiéndose en la película de la productora peor valorada. La incertidumbre por lo que podría causar estas críticas ha conseguido que las expectativas de la audiencia fueran notablemente bajas, y en cierto modo ha sorprendido para bien.

Una trama que puede llegar a encajar, o no

Eternals es la tercera película de la fase 4 del Universo Cinematográfico de Marvel. La fase arranca con el devastador final de Vengadores: Endgame, en el que el elenco principal se despide tras más de diez años de entregas. La productora subsidiaria de Walt Disney Pictures nos presenta a estos nuevos personajes.

Los Eternos son una raza de seres inmortales con poderes sobrehumanos originarios de Olimpia, enviados por los Celestiales a la Tierra para ayudar a los humanos a protegerse de los super depredadores llamados Desviantes. En esta trama, los Eternos deberán hacer frente a una amenaza que tiene como fin la extinción de la humanidad.

La duración de la película alcanza las 2 horas y 37 minutos, convirtiéndose en la segunda película más extensa del Universo Cinematográfico de Marvel (UCM). Para algunos expertos, la duración del filme es demasiado corta, para otros demasiado extensa. Para mí, ideal. Abundan los diálogos, pero en ningún momento miras el reloj, pues te sumerge en explicaciones que cobran sentido mientras avanza la trama.

La relación amor-odio de Eternals

Quizás para un espectador medio de superhéroes Eternals se convierta en ‘el tostón del siglo’. Desde luego, este largometraje explica la mitología y la historia desde un punto de vista humanizado. Tal como se esperaba, la semilla que plantó Chloé Zhao, en 2019 al fichar por Marvel Studios, dio sus frutos en el producto que rompe tabús en este 2021. Vemos en la cinta la primera escena de sexo y el primer beso de una pareja homosexual de la historia de Marvel.

Se especulaba que parte de la mala crítica de Eternals se debiese a un ámbito de críticos reticentes a ver una relación LGBTI+ en la gran pantalla, y más viniendo de Marvel. Sonaba sospechoso el hecho de que la cinta de la actual ganadora del Óscar a mejor directora, Chloé Zhao, fuese la peor del UCM. Resulta todo tan natural y tan incuestionable a la vez ver a una superheroína sordo-muda y a una pareja homosexual, la cinta no da rienda a la duda o a la pregunta, todo fluye de manera natural e irrelevante, lo que lo convierte en un punto positivo.

Si algo caracteriza a Chloé Zhao, y como ya vimos en la cinta ganadora del Oscar a mejor película en 2021 Nomadland, el hacer a los personajes lo más humanos posibles es su objetivo desde el primer momento. Si algo tiene este largometraje es que hasta los dioses son seres terrenales en ciertos momentos. Quizás no es lo mismo que ver a Thor.

Sin ningún tipo de dudas es una película muy densa, pero que rescata su excelente fotografía. Además, ha sido grabada en su mayoría en Lanzarote y Fuerteventura, lo que aporta a las Islas un atractivo visual aún mayor. Se vio a Angelina Jolie, Richard Madden y otros actores en otoño de 2019 grabando por el Archipiélago.

En definitiva, la película es un sacrificio necesario por parte de Marvel para ampliar el universo. Quizás no se llegue a empatizar en su totalidad con los personajes, pero son la puerta a grandes momentos que están por llegar en las fases venideras, como ya pudimos ver en sus escenas post créditos.

La festividad ha crecido y, desde hace años, se celebra en diferentes partes del mundo. Por ello, y porque las películas de terror son perfectas para recordarnos este tipo de eventos, se han elegido cinco cintas de obligado visionado en este día tan oscuro y terrorífico donde los fantasmas y los vampiros hacen su aparición.

EL RESPLANDOR

El filme, catalogado como cine de terror clásico, no es extraño para nadie. Aun para aquellas personas que no la hayan visto, el simple hecho de nombrarla ya nos transporta a Jack Nicholson, la puerta, un hacha y una mujer gritando desesperada. Y, aunque recibió muchas críticas, no parece que a Sthepen King, creador del libro que inspiró la película, le hiciera mucha gracia la adaptación.

La trama nos habla de Jack Torrance, un padre de familia que acepta el puesto de guarda de invierno en el hotel Overlook. Se traslada con su hijo, su mujer y los problemas de alcoholismo a un lugar en donde estarán aislados del resto del mundo. Todo muy ideal. Stanley Kubrick, director de la cinta, nos traslada a una atmósfera hipnótica y claustrofóbica.

THE RING

Muchas personas hablan de la versión americana, pero, seamos sinceros, la película dirigida por Hideo Nakata tiene un toque más terrorífico, unos actores que llegan a dar más miedo y crea una ambientación más perfecta que la versión de los yankes. Aunque, para gustos colores, como dice el refranero.

El concepto es simple. Tenemos una cinta de video que está maldita. Aquella persona que tenga el valor de verla, recibirá una llamada que le advertirá que en los próximos siete días morirá. Tras esa advertencia, nuestra protagonista hará una carrera a contrarreloj para no morir y para que los quiere sobrevivan.

LOS MUNDOS DE CORALINE

Primera película de animación para el día más terrorífico del año, pero no la única. Dirigida por Henry Selick, se convirtió en la primera película de animación de la productora Laika, además de ser con la que inició su carrera dentro del mundo cinematográfico. Aunque es de dibujos, se recomienda a los fans de Disney menores de doce años que no tengan prisa por verla.

La sinopsis nos habla de la familia Jones y su mudanza a Pink Palace, una lugar pintoresco y habitado por personajes bastante peculiares. Coraline, la protagonista de nuestra historia, se siente ignorada por sus padres, así que comienza un trepidante viaje para explorar su nueva casa y conocer a sus vecinos. Tras encontrar una pequeña puerta, aparecerá en otro mundo paralelo donde se cumplirán todos sus caprichos, pero, llegado el momento, ¿en qué mundo se quedará?

SHUTTER  ISLAND

Con figuras como Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo o Ben Kingsley, esta obra de Martin Scorsese no podía falta. Sí, quizás no es una película que se podría pensar para una lista de este tipo, pero no deja de ser un thriller psicológico bien llevado e interpretado.

La trama nos habla de dos detectives que deben investigar la inexplicable desaparición de una interna en un lejano psiquiátrico. Aislados del resto de la humanidad, intentan averiguar qué ha pasado en un lugar donde ni pacientes ni doctores parecen tener mucho interés en colaborar. ¿De verdad se escapó o es solo la mente jugando una mala pasada?

PESADILLA ANTES DE NAVIDAD

Obra creada en 1993 que fue, es y será el clásico por excelencia del día de Halloween. Película de animación dirigida por Henry Selick y producida por Tim Burton, que se convirtió en la primera película de animada en ser nominada a los premios Oscars.

Jack Skellington, el Rey de la Ciudad de Halloween, empieza a sentirse desencantado con siempre repetir la misma fiesta y, tras un largo paseo, se encuentra con varias puertas que los llevan a otras festividades. Es en ese momento cuando descubre la Ciudad de la Navidad y decide de que él puede darle un respiro a Santa Clavos y celebrarla con ayuda de sus amigos.

Amigo ganó el premio del público y  el mejor actor en el festival de cine canario Isla Calavera en 2019. El director madrileño nos presenta un thriller en el que el personaje de Javi ha sufrido un accidente por el que se queda en silla de ruedas, por ello, su amigo David decide ayudarle y le acoge en su casa. El largometraje muestra escenas de su día a día: Dándole de comer, a la hora del baño, ayudándole a moverse… Pero la historia se torna a una situación más oscura en la que el espectador llega a preguntarse a qué límites estaría dispuesto a llegar por un amigo.

La sala de cine tomará las medidas sanitarias necesarias para que sea un espacio seguro. Habrá un aforo máximo de sesenta personas y los asientos estarán separados por la distancia de seguridad y serán divididos por parejas o individuales, manteniendo una pequeña separación por precaución entre espectadores no convivientes. Los asistentes deberán utilizar la mascarilla en todo momento y no se permite el consumo de alimentos o bebidas.

Hákonarson es reconocido en el circuito internacional por dirigir la película El Valle de los Carneros, con la que recibió diversos premios del Festival Internacional de Toronto (TIFF), una Espiga de Oro y un Certain Regard en el Festival de Cannes. El largometraje, de 90 minutos de duración, ha sido nominado a los premios TIFF y proyectado en la Semana Internacional del Cine de Valladolid.

Las emisiones comenzarán hoy viernes 28 y se prolongarán hasta el domingo. Las sesiones tienen un aforo limitado a 46 personas y se recomienda llegar con unos minutos de antelación para poder acomodar al usuario en las butacas sin ningún riesgo. Las entradas pueden conseguirse tanto en taquilla como en la página web del TEA por un precio de 4 euros. El uso de la mascarilla en la sala es obligatorio.

Es una pieza audiovisual perteneciente al género dramática que ha obtenido reconocimiento en los grandes festivales cinematográficos de 2019. La cinta, que está inspirada en hechos reales, ha conseguido diversas condecoraciones, como el premio César, otorgado por la Academia del Cine Francés; el premio Seminci y un galardón en el Festival de Cine de Cannes.

Las entradas pueden conseguirse tanto en taquilla como en la página web del Tea por un precio de 4 euros. Asimismo, las sesiones tienen un aforo limitado a 46 personas y se recomienda llegar con unos minutos de antelación para poder acomodar al usuario sin ningún riesgo en las butacas. El uso de la mascarilla dentro de la sala es obligatorio.

Ejemplo claro de ello, es el caso de la continuación de la saga Avatar,  prevista por James Cameron para este próximo 2021. Las adversidades producidas por el coronavirus han hecho que la producción de películas se retrase y fue, el pasado 23 de julio, cuando se confirmó que su llegada a la gran pantalla será para el año 2022. Entonces nos hacemos la siguiente pregunta: ¿Qué pasará con todas esas películas pendientes de estreno para este año y que ya fueron pospuestas?

«¿Qué pasará con todas esas películas pendientes de estreno para este año y que ya fueron pospuestas?»

Esta es una de las cuestiones que se plantean los seguidores de la  compañía Disney, que no ven la hora del estreno del remake de una de sus famosas obras como es Mulán. Su estreno estaba previsto para el 27 de marzo, pero fue postergado, en un primer momento para el 24 de julio, y ahora, por segunda vez, para el 21 de agosto.

A parte, de los cambios en las fechas de debut, no podemos obviar el declive económico al que se enfrentan todas las salas de proyecciones de películas al ver mermado, claro está, por esta crisis sanitaria que nos azota, el foro habilitado y permitido en sus instalaciones. Y tampoco podemos olvidar el miedo o inseguridad de contagiarse.

Nuestra especie se caracteriza, entre otras cosas, por su resiliencia. No podemos vivir con miedo, ni esta industria se puede permitir tal descalabro económico. Debemos superar como conjunto este devenir y afrontarlo como una unidad para, con responsabilidad, superarlo y volver a disfrutar del ocio fílmico con todas las garantías.

La FECE también recomienda fomentar, como vía principal de compra, la venta de entradas por internet y el pago con tarjeta contactless, la instalación de dispensadores de gel hidroalcohólico en varios puntos de las instalaciones accesibles a los espectadores y a los trabajadores, el incremento en la frecuencia de limpieza y desinfección (sobre todo en zonas de contacto) y dotar a los trabajadores con equipos de protección individual adecuados.

Sabino Álvarez, gerente de Multicines Tenerife, asegura que además de estas medidas, tomarán otras prevenciones propias como la distancia de dos butacas entre espectadores (salvo que estos sean convivientes) y la  obligatoriedad de mascarillas en los clientes. Esto último, apunta,  no impedirá que se pueda consumir alimentos. De hecho, otra de las medidas será la eliminación de alimentos a granel, que pasarán a servirse en bolsas precintadas. Álvarez también adelanta que solo harán dos sesiones diarias, espaciadas en el tiempo, para poder tratar las salas.

«El primer gran título, TeneT, de Cristopher Nolan, el 17 de julio»

Como muchos cines del mundo permanecerán aún cerrados, la cartelera se irá ampliando paulatinamente. El primer estreno oficial será el 26 de junio, y cada semana se irán incorporando nuevas películas. El primer gran título, TeneT, de Cristopher Nolan, llegará el 17 de julio. Aunque, al tratarse de una gran producción, está condicionado a que el 80% de los cines del mundo estén abiertos. A finales de julio arribará Mulán de Disney y a principios de agosto está previsto el estreno de Padre no hay más que uno 2 de Santiago Segura.

Después de que la situación provocada por el coronavirus obligara a cerrar todos los cines de España, y casi todos los del mundo, la desescalada y el progresivo desconfinamiento que venimos viviendo, posibilita la apertura de todos los cines de Canarias. Acogiéndose a este derecho, Multicines Tenerife, cuya plantilla se encontraba en un ERTE, trabaja para volver a traernos  las historias a la gran pantalla, a partir del 12 de junio, con seguridad y distanciamiento social.

El cine se ha convertido en uno de nuestros mejores aliados durante el confinamiento. Hemos seguido disfrutando de grandes estrenos aún cuando todas las salas del mundo colgaban el cartel de cerrado. ¿Cómo es posible vivir una experiencia cinematográfica sin ir al cine? Es una pregunta retórica pero todos tenemos la respuesta en la cabeza: Netflix.

Es un hecho que Netflix nos ha salvado del aburrimiento. Durante más de dos meses la plataforma de streaming ha sido nuestro mejor socio en la batalla, no contra el virus, sino en esa que libramos todos a los que nos ha tocado quedarnos en casa: las largas tardes de confinamiento o las noches después de las intensas jornadas de teletrabajo.

«¿Son los estrenos en streaming el futuro? ¿Están salvando al cine o arruinando a la industria?»

Aunque las series siguen liderando el fenómeno Netflix alrededor del mundo, cada vez son más las películas originales que produce la plataforma. Durante esta etapa tan complicada para el mundo de la cultura, Netflix ha seguido estrenando contenido con normalidad, y obteniendo unos resultados que, favorecidos por la situación, claro, le están haciendo replantearse muchas cosas a la industria del cine.

La pregunta es necesaria: ¿son los estrenos en streaming el futuro? ¿Están salvando al cine o arruinando a la industria? Y, lo más importante, ¿significa esto que las salas de cine tienen los días contados? Hasta un director de la vieja escuela como Scorsese se ha animado a estrenar en streaming (El Irlandés, 2019).  Y esta no es la única gran producción de Netflix.  En los últimos Óscar hasta ocho largometrajes originales de la plataforma fueron reconocidos por la Academia de Cine. Acumularon un total de 24 nominaciones. Eso sí, de las 24, solo salieron dos estatuillas.

Y es que la Academia de Hollywood aún se muestra algo reacia a la hora de valorar positivamente a las películas que no se estrenan en cines. No por temas de calidad, está claro, el problema es la taquilla. Steven Spielberg, uno de los directores más importantes  del cine actual, ya criticó en 2018 el modelo de negocio de la plataforma y el modo en el que está rompiendo las reglas tradicionales de producción y distribución de las películas. Netflix contraatacó con este mensaje: «Amamos el cine. Estas son otras cosas que también nos gustan: acceso para gente que no se puede permitir el cine, o vive en pueblos sin cines; dejar que todo el mundo en todas partes disfrute de los estrenos a la vez; dar a los cineastas más formas de compartir su arte».

«Ir al cine es mucho más que ver una película, es una experiencia para los sentidos»

El debate sigue abierto y los argumentos de Netflix son muy acertados. Disfrutar de los estrenos desde casa tiene muchas ventajas, sin embargo, hay películas que son concebidas para ser estrenadas en salas de cine y para ver en pantalla grande.  Y hay cosas contra las que ninguna plataforma de streaming puede luchar.

Ir al cine es mucho más que ver una película, es una experiencia para los sentidos. Una experiencia que comienza cuando compras las entradas y que no termina cuando encienden las luces, sino que se prolonga hasta que llegas a casa. No hay que perder la bonita costumbre de quedar con amigos, sentarse en una sala rodeados de gente y disfrutar de un par de horas de arte y entretenimiento. No por un tema de recaudación o de taquilla, sino por una cuestión de experiencia, de vivencias, de emoción. Puede ser muy cómodo ver una película desde el sofá o desde la cama, o verla en cualquier parte a través un teléfono móvil, pero no es comparable a verla desde una butaca y en pantalla grande.

Ir al cine no es solo ver una película, también es el trayecto, la cola de las entradas, el olor a cotufas, los carteles de los estrenos y los murmullos de la gente.