Perdiendo el contacto con la realidad, las escenas de su trabajo se antojan atípicas. Mujeres, lugares diáfanos y dudas rellenan el espacio entre el espectador y la obra. Sin embargo, Dailos Ruiz también explota ramas como la arquitectura efímera con trabajos que modulan escaparates o escenografías. Y, entre un limbo y otro nacen ‘monstruos’: desproporciones e imágenes que llaman a nuestro recuerdo.

¿En qué consiste la arquitectura efímera? «Básicamente se trabaja con diseños de stands, escenografías, instalaciones artísticas. Es un trabajo, como dice su nombre, efímero. Dura un tiempo específico, sin más. A diferencia de la arquitectura convencional, la obra que se trabaja es pasajera. Nace para cumplir una finalidad específica en un tiempo muy concreto. Esto elimina muchas pautas, y podemos utilizar materiales distintos que no se emplean en otras obras arquitectónicas».

¿Hay alguna belleza inherente a este trabajo instantáneo que escapa a lo estático? «No. En realidad no es una condición totalmente necesaria. Pero es cierto que sí puede existir una belleza específica en algunos trabajos como escenografías o instalaciones artísticas que están pensados para ser desechados. De todos modos, al igual que en el diseño, estas bellezas están reñidas por el encargo, por lo que te pida quien te encargue el trabajo».

“Busco algo más real”

¿Cuáles son sus principales referentes artísticos? «Una de mis fotógrafas favoritas es Diane Arbus. Su fotografía es oscura y directa, quiere que el espectador sienta temor o vergüenza. Me gusta que su trabajo sea en blanco y negro. Le encuentro una belleza importante a la ausencia del color. Sin embargo, también aprecio mucha la fotografía de Joel-Peter Witkin con una imagen grotesca, oscura, hecha para recordar, para dejar secuelas. De todos modos, no suelo tener muchas referencias a la hora de trabajar. Me gusta más buscar algo personal o que esté relacionado con mi entorno para materializar mi trabajo. Busco algo más real».

Trabaja con fotografías y juega con luces y sombras, ¿qué busca causar con ellas? «Penumbra, oscuridad, realidad. No quiero causar miedo, sino capturar el interés. La ausencia del color hace más directo el mensaje, no hay tanto descontrol».

En la exposición que tiene ahora mismo en el CAAM juega con trozos de personas y siluetas, ¿por qué? «La idea de esta obra se basa en la idea de ‘belleza perfecta’ de la gente común. Imagina que juntásemos los gustos de distintas personas en el mismo cuerpo, el resultado sería un caos. Si miramos como individuales, la persona puede ser bella, pero cuando juntamos todos esos fragmentos de ‘belleza’ creamos un monstruo, es algo grotesco, se pierde la belleza primigenia. Y eso es lo que he retratado en los collages que he expuesto en el CAAM».

“Veo una belleza diferente en las mujeres”

Recurre a fotografías de mujeres, ¿qué lugar ocupan en sus proyectos? «Yo he nacido y me he criado en un ambiente de mujeres. He visto con el tiempo la realidad que las rodea y eso me empuja a cederles un espacio importante en mi trabajo. De hecho, al principio, mis fotografías eran solo de mujeres. Trato de plasmarlas como una ‘mercancía’ en nuestra sociedad para darle valor crítico al trabajo. También desarrollé un proyecto en torno a Sylvia Plath para The Cultural que va de la mano con estas ideas. Al final, lo que he querido es fotografiarlas con respeto, cariño y belleza».

¿Tiene algún proyecto pensado o en marcha ahora mismo? «En este momento estoy preparando una convocatoria del TEA. Tengo algunas ideas rondándome por la cabeza, o incluso quiero recuperar algunas como la que presenté al CAAM, me apetece crear más monstruos».

La exhibición reúne Mr Hyde I (2004), Mr Hyde III (2004), Cataratas (2005), y Sweet Dreams are made of this (2015), esta última es la que le da el nombre a la misma. El autor ha intentado relacionar los relatos de cada una de las obras audiovisuales, aunque se encuentren alejadas en el tiempo. Para ello, ha insistido en la naturaleza de diálogo de imágenes que de por sí trabaja en sus vídeos. Las instantáneas ofrecidas muestran guerras, violencia, catástrofes y símbolos del día a día relacionados con el capitalismo.

Asimismo, las creaciones se encuentran bajo el comisariado del cubano Omar-Pascual Castillo, muy presente en el panorama artístico contemporáneo de los últimos años en las islas, dado que ha sido director del Centro Atlántico de Arte Contemporáneo (CAAM) de Las Palmas de Gran Canaria entre 2010 y 2015.

Sweet Dreams está filmada en HD y proyectada en monocanal. Además, incluye una música de fondo, la canción versionada del tema de las Eurythmics, la cual choca con la danza ejecutada por los policías vestidos con sus uniformes antidisturbios, situada en el Museo Cerralbo de Madrid. Cabe mencionar que el artista desarrolla una estética de la ambigüedad y una actitud analítica para mostrar sus obsesiones sensoriales y perceptivas, y opta por estimular al espectador a través del reflejo de un lenguaje visual más directo y depurado.