Dicho álbum se compone de trece canciones, cada una de ellas con un significado diferente. La autora hace alusión a las emociones que atisban tanto en el duelo de un amor ausente como en el de un ser querido que ya partió de este mundo. Sin duda, Rozalén abraza el amor en todas sus formas y colores.

Las entradas pueden comprarse a través de la página web del Auditorio.

En él analizan a profesionales de la música debido a que son un paradigma de estudio interesante. Aprenden a interpretar música tonal clásica occidental de autores como JS Bach o Motzart en los conservatorios y escuelas desde edades tempranas y solo cuando están entrando en su carrera profesional comienzan a estudiar e interpretar música atonal, la música que se compone hoy en día. «Hipotetizamos que esto puede reflejarse en su plasticidad cerebral y eficiencia en la interpretación, y para probar esta idea, analizamos redes de conectividad EEG (EEG-CN) de violonchelistas expertos en reposo y durante la interpretación musical real e imaginada de extractos musicales tonales y atonales», explica González.

Añade que utilizan grafos similares a mapas de ciudades y carreteras para poder representar las conexiones o colectividades (carreteras) valoradas a partir de medidas matemáticas de conectividad EEG entre regiones cerebrales (ciudades). Los denominan conectomas y los construyen para cada una de las oscilaciones representativas del EEG. Esto les permite definir modelos e índices de conectividad en cada una de las situaciones experimentales consideradas.

«Los diferentes estilos musicales son un asunto que se debe dilucidar en nuevos paradigmas experimentales»

Los resultados que obtuvieron fue que la interpretación tonal y atonal poseen desincronización/desconectividad global versus el reposo, particularmente durante la interpretación imaginada. «Durante ésta y en reposo, la estructura del conectoma corresponde a la de una red de mundo-pequeño, de acuerdo con los valores del índice de eficiencia de transferencia de información entre regiones cerebrales próximas (EL) y lejanas (EG) del conectoma», señala la profesora. Destaca que el índice (EL) aumentó significativamente durante la interpretación tonal y atonal, y más significativamente durante la interpretación atonal.

Por tanto, apunta la investigadora que su paradigma experimental EEG-CN reveló diferencias perceptuales en los cerebros de quienes son expertos en música durante las interpretaciones musicales tonales y atonales. Específicamente durante la interpretación imaginada, potencialmente debido a diferencias en las raíces cognitivas y la plasticidad cerebral de la música tonal y atonal. Por tanto, la práctica de diferentes músicas puede afectar a la interpretación de quienes estudian música y hasta de profesionales.

«Los diferentes estilos musicales son además de una cuestión estética un asunto que se debe dilucidar en nuevos paradigmas experimentales, ya que seguimos sabiendo poco sobre cómo nos influyen cada uno de ellos», asevera la investigadora de la Universidad de La Laguna.

Tras esto y con una sonrisa de oreja a oreja, saludó a su público: «Hola Tenerife». Ahora sí, daba comienzo el primer concierto del artista en las Islas. Suena No quiero ser un cantante, canción de inicio de su último álbum PO2054AZ. Uno de eses gatos fue el siguiente tema. Una colaboración con el productor Sky Rompiendo y una de las primeras canciones que quienes le siguen pudieron disfrutar antes de que saliera el disco. Senra recurrió al pie de micrófono para la siguiente: Euforia. Para seguir Wu Wu, otra canción de Corazón Cromado junto al colombiano Feid.

El escenario se fundió en luces rosas y verdes. Un silencio para recuperar el aliento y Meu Amore. Llegó el momento más romántico del concierto. Pero Senra sabe como llevar a su audiencia por una montaña rusa, así que cogió la guitarra y deleitó al público con un solo. Parecía que iba a cantar otra canción, pero comenzó a tocar Ya no te hago falta. De la tristeza, de nuevo al baile, con Hermosa Casualidad sonando. Una colaboración junto a Aitana que llenó el Phe Festival de amor. Por ti fue la siguiente canción. Senra no cantó prácticamente nada, fue el público quien se encargó de ello.

Volvió a PO2054AZ cantando Sin Excusa. La siguió Completamente Loco con una puesta en escena en la que intentó volver loca a la audiencia con parpadeos de luces y sonidos fuertes que no tenía nada que ver con la canción del disco. Llorando x 1 fue la siguiente. Un tema que es adelanto de la segunda parte del álbum del que todavía no se sabe fecha de salida. El Festival se fundió en luces rojas y hasta quienes no lo conocían bailaron y cantaron. Se quitó las gafas de sol para el momento más emotivo de todo el show, Familia. Una canción dedicada a sus familiares y su pueblo.

Qué facilidad con C. Tangana sonó y el público se volvió loco. Senra se sentó al borde del escenario para interpretar Nada y Nadie. El concierto parecía que había llegado a su fin, pero sonaron los acordes de Aroma y por encima de la voz del artista se escucharon gritos de felicidad debido a una pedida de mano. Bajo la frase «vivan los novios», el artista felicitó a la pareja. Ahora sí, última canción Hagan 40°. Sen Senra agradeció a la audiencia el cariño, «hasta siempre, Tenerife», y se fue del escenario mientras sonaba su último tema Ataúd y Phe Festival se inundaba de baile.

Shego es la siguiente banda y pisa el escenario dos, a las 18.45 horas. Un grupo de rock madrileño que forman Maite, Raquel y Charlotte. A las 19.35 horas y en el escenario principal toca el turno de los sevillanos de Vera Fauna, donde se cruza psicodelia pop y neo flamenco, blues o los ritmos jamaicanos. Tras los sevillanos, a las 20.25 horas llega el funk de Nala Rami, el proyecto del saxofonista grancanario Alan Himar.

Décimo aniversario de León Benavente

León Benavente actuará por segunda vez en el Festival a las 21.10 horas. Ya lo hizo en el año 2017, pero esta vez es con la gira del décimo aniversario. En el escenario dos, desde las 22.20 horas, estarán We Are Trash en continuidad mientras se completa el cambio de set en el principal para la actuación de Trentemøller, en formato banda con el danés Anders Trentemøller al frente. En lo que es su primer concierto en Tenerife y en Canarias estará acompañado, salvo cambios, por Diisa Jakobs (voces, guitarras, sintetizadores), Silas Tinglef (baterías, guitarras), Brian Batz (guitarras) y Jacob Haubjerg (bajo).

A partir de la medianoche y en el escenario dos se podrá disfrutar de Camellos. Una formación madrileña de actitud punk con un repertorio fiestero para cantar como la ocasión lo merece. La clausura de la novena edición vendrá desde Bélgica con Goose. A partir de las 01.00 horas, el cuarteto que forman Mickael Karkousse, Dave Martijn, Tom Coghe y Bert Libeert estará en directo en con una propuesta de electro rock y sonidos que invitan al baile.

Además, PHE Festival ofrece una programación de DJs, el PHE Club. El programa es el siguiente: Lau!, a las 18.00; Eva Olvido y MCR Selector, a las 19.00; Indigo, a las 20.00; Doppler, a las 21.00; Bobby Bob, a las 22.30; y Jessy La Ley y El Chico, a partir de medianoche.

Mañana los djs We Are Trash recibirán al público en la previa al comienzo de los conciertos en los dos escenarios, y estarán de continuidad entre las actuaciones. A las 18.00 horas estará en el escenario principal Enrique Ive, cantante y compositor canario-británico que fusiona el pop con pinceladas de jazz, bossa nova y elementos de bandas sonoras. En el escenario dos, a las 18.45 horas, será la cantante tinerfeña Jela quien marque el paso del Phe Festival.

A las 19.35 horas y en el escenario uno actúa Repion, el dúo cantabro de las hermanas Marina (guitarra y voz) y Teresa Iñesta (batería y coros). Grunge y rock y un directo que deja huella. Pipiolas es otra banda que estrena su directo en la Isla. A las 20.25 horas en el escenario dos, se presenta este dúo con base en Madrid, que forman la grancanaria Adriana Ubani y la madrileña Paula Reyes.

A las 21.20 horas llega el turno de la banda granadina Lori Meyers en lo que es su primer concierto en Tenerife. Soleá Morente ocupa el escenario dos a las 22.35 horas. Una creadora versátil y camaleónica, hija del cantaor Enrique Morente y la bailaora Aurora Carbonell, que ha publicado cuatro discos en los que ha sido capaz de tocar innumerables estilos de parámetros radicalmente diferentes: electrónica, rock, pop, indie, shoegazing, tecno, rumba y flamenco.

En el escenario principal, y a las 23.25 horas, estrena Sen Senra su directo en Canarias. El trío madrileño La Paloma, que tiene al frente, a la voz y guitarras, al grancanario Lucas Sierra, saltará al escenario dos sobre las 00.40 horas. Y para cerrar la jornada, el barcelonés Joe Crepúsculo actuará las 1.40 horas en el escenario principal.

Naranjo rendirá homenaje al pianista interpretando temas mundialmente conocidos como Nuvole Bianche, Una Mattina, Primavera o Fly. El espectáculo tendrá un ambiente acogedor e íntimo con el que poder disfrutar al máximo la experiencia.

La venta de entradas está disponible a través de la página web Feverup.com a un precio entre 20 y 38 euros. El evento se repetirá el domingo, 29 de septiembre, y el viernes, 25 de octubre.

Vítores de emoción. Silencio. Un teclado rojo y un único foco blanco sobre el escenario. Pablo López. Magia. El pabellón del Gran Canaria Arena se rindió el viernes, 16 de agosto, ante el mago del piano. Susurran los primeros acordes de Unikornio. «Yo no quiero que me perdones que siempre llego un poco tarde», bromea al retrasarse unos minutos.

Suena Dónde y Suplicando. El público canta. El cantante interpreta a continuación uno de sus temas más conocidos, Hijos del verbo amar, haciendo la percusión con sus manos en el piano. Invita al público a vivir un amor libre y a no temerle a la rebeldía en la búsqueda de la felicidad.

López al piano y la banda acompañando. Lágrimas y cantos al unísono: «No soy más que un niño, con los pies descalzos». El patio fue del público.

En una estampa menos habitual, el malagueño se reúne con su equipo en la otra parte del escenario. Luces apagadas y guitarra en mano. Primero, Mama no, y luego, Te espero aquí. Se crea un ambiente único. Un instrumento, su voz y su sencillez característica fue lo único que necesitó el malagueño para emocionar a más de tres mil asistentes.

Entre tema y tema, el cantante comparte anécdotas y reflexiones de sus canciones. Con cada verso y acorde demuestra, una vez más, porqué es uno de los mejores cantautores de su generación. Entre canciones más recientes, como Quasi, otras más antiguas, como El Mundo, aprovecha para hacer un recorrido musical por sus diez años de carrera.

Pablo López es uno de esos artistas que dicen lo que sienten y te hacen pensar. De esos que te hacen llorar y saltar hasta la última canción de la noche. Mira cómo bailan para el tiempo y el cantante se despide junto a su banda. Deja tras de sí el eco de una noche inolvidable. Qué bonita la vida.

Las entradas se pueden adquirir a través de la página web de Tickety.es.

Tocarán algunas de sus canciones más famosas, desde Angeleyes a SOS, además de la banda sonora de la película Mamma Mia, con Chiquitita, The Winner Takes It All o Money, Money, Money, entre otras. Fue en 2008, con el lanzamiento de esta película, que el grupo elevó su fama mundial, llegando a ser número uno en todas las listas de reproducciones. Sin embargo, el grupo ABBA no volverá a los escenarios.

El evento dará comienzo a las 21.00 horas, ofreciendo una experiencia envolvente y emocionante al público, gracias a la magia de las velas sobre el escenario. Los asientos serán asignados según el orden de llegada.

Abrirá con la visita del artista malagueño Pablo López el 16 de agosto en el Gran Canaria Arena y al día siguiente en el Pabellón Santiago Martín de Tenerife. Pero previo al concierto de Gran Canaria, tendrá lugar el mismo día la conferencia llamada Energía para todos, soluciones para un futuro sostenible impartida por Laura García del grupo Trébol Soluciones Energéticas. En ella hablarán sobre el proceso de renovación que ha vivido el Festival para reducir su impacto medioambiental. Es gratuita, pero bajo previa inscripción en la página web del evento.

La segunda jornada, en Gran Canaria, estará marcada por el rock y la voz de Loquillo. Visita Canarias con su gira 30 años de Transgresiones, donde realizará un repaso de lo mejor de su música y su carrera. La actuación será el viernes, 13 de septiembre, en el Auditorio Alfredo Kraus, a las 20.00 horas, donde compartirá el escenario con su banda de siempre. La actividad cultural de ese día será la ponencia de la autora Anabel Vélez, que abordará la presencia de la mujer a lo largo de las décadas dentro de este género musical con Las mujeres en el Rock.

Omara Portuondo

La última cita también será en Gran Canaria con la actuación de la diva de Buena Vista Social Club, Omara Portuondo. La referente de la música latina de los años XX pisará el Alfredo Kraus el viernes, 22 de septiembre, ofreciendo un cierre del verano junto a La Orquesta Failde. En su espectáculo rendirá homenaje al Buena Vista Social Club y será su concierto de despedida de los escenarios. El apunte cultural será la proyección del documental Mujeres de sal, hombres de humo, de la artista Iris Carballo, que explora el fenómeno de la emigración canaria hacia Cuba en el siglo XX.

Festival Mar Abierto finaliza su ciclo con la cantante María José Llergo. La artista cordobesa presentará en el festival su último álbum Ultrabelleza, en el que avanza en la innovación del flamenco tradicional, aportando nuevos sonidos al género. La cita tendrá lugar el viernes, 4 de octubre, en el Auditorio Alfredo Kraus. Como actividad cultural, el presidente de la Asociación Canaria de Salud Mental, Eduardo Vera Barrios, ofrecerá una charla sobre la importancia de la salud mental en la sociedad actual.

¿Qué fue lo que le impulsó a comenzar en la música? «Cuando hacía teatro imitaba a Rosario Flores. Todas esas canciones me volvían loca. Iba por los escenarios cercanos a los pueblos donde vivía y de la Isla haciendo de ella. Con cuatro añitos también vino a mi colegio una rondalla donde estaba la grandísima África Alonso. Mi madre siempre me cuenta que yo estaba embelesada escuchándoles cantar. Me invitaron a ir a los ensayos y ahí comencé. Era una rondalla de adultos, pero me acogieron a mí. De ahí empecé de manera más seria con el folclore».

Además de la música, el mundo de la actuación forma parte se su vida, ¿cómo las compagina? «Van ligados. No consigo el uno sin el otro. Me especialicé y formé más en el mundo de la música, pero cuando canto interpreto. Quizás eso es un poco también como mi marca o seña. Vivo mucho las canciones, no quiero solo ejecutarlas de manera bonita y correcta, sino que las interpreto y conecto muchísimo con el público. Es una de las cosas con las que más disfruto. También hago montajes de interpretación. Tengo la suerte de estar preparando un proyecto con Jorge Rubio, uno de los actores canarios más reconocidos. Lo compagino con amor, pasión y durmiendo poco porque son dos mundos que exigen mucho y que tampoco tienes una continuidad asegurada. Entonces, todo lo que llega lo vas aprovechando».

«Vivo mucho las canciones, las interpreto y conecto muchísimo con el público»

¿Cómo es ganar premios y participar en festivales desde tan pequeña? «Es muy bonito porque cuando eres niña vives todo de una manera muy intensa y si por suerte te educan en el que no solamente lo importante es ganar, fantástico. Tengo muy buenos recuerdos. Fue una etapa porque en la adolescencia y en la parte más adulta no he participado mucho en concursos pero no porque no me gusten sino porque son etapas. No sé si alguna vez volveré de nuevo porque considero que es una forma de llegar al público, de hacer que te conozcan y de obtener un reconocimiento, ganes o no. En el mundo de la música el reconocimiento también es importante porque vives de la audiencia».

¿Recuerda algún concurso con cariño? «Sí. Uno en La Palma, mi familia materna es allí y mi abuela apenas me había podido ver en escenarios porque no era como ahora que podías mandar un mensaje o hacer videollamadas y demás. Fue bonito porque veía a mis familiares emocionados y contentos. También recuerdo otros en Tenerife. Iba haciendo amistades en todos y solíamos coincidir siempre las mismas personas en algunos festivales y concursos».

¿Por qué creó el grupo Sin Complejos? «Fue sin buscarlo. Tenía 16 o 17 años y ya cantaba como solista. Se fijaron en mí, me llamaron y comenzamos a quedar un par de adolescentes en un garaje creando música. La veo como una etapa muy bonita con muchísimos recuerdos. Crecí profesionalmente porque fue mi primera banda«.

Fueron teloneros de Amaral junto a la banda, ¿qué puede contar de la experiencia? «Poder formar parte de ello fue brutal. Era el primer concierto potente de pop rock que daba y encima yo soy fiel seguidora del grupo. Habíamos intentado serlo de otras agrupaciones, cantantes y demás y no había podido ser. De repente cuando nos dijeron con Amaral fue muy intenso. Lo visualizaba todos los días, vivía en mi cabeza el concierto hasta que llegó el momento, y fue muy bonito. Es algo que te marca porque después de ello pude compartir escenario con más artistas grandes, pero fue como el primero que llegó y te deja una huella».

«Después de tanto tiempo, sentí la necesidad de volar sola»

¿Cómo decidió que quería crear Nada en los Bolsillos? «Fue tras la ruptura de Sin Complejos. Como todos los grupos, no siempre se quiere ir hacia un mismo camino, pero el guitarrista y compositor y yo decidimos seguir el mismo y continuar juntos. Creamos el dúo y fue un bonito comienzo, pero a la vez complicado porque dejábamos atrás una etapa muy importante. Enfrentábamos nuevos retos, pero esta vez solos. Sin embargo, pronto llegaron los apoyos. Pudimos ir a Madrid, grabar allá, comenzar con giras por Canarias y la Península, incluso dimos el salto a México. El nombre se dio porque en ese momento nos encontramos sin nada en los bolsillos y con ganas de seguir adelante».

¿Cuándo se dio cuenta de qué ya era el momento de iniciar su carrera en solitario? «Después de casi diez años con Nada en los Bolsillos, sentí la necesidad de volar sola. No es una cosa de un día para el siguiente, es algo que sientes con el tiempo. Vas creciendo en ese proyecto personal y profesionalmente y un día te das cuenta de que tu camino va por otro lado. Ya no comulgas con las mismas cosas, ni te hacen vibrar las mismas canciones. En la pandemia y ese parón forzoso tuve tiempo de pensar y escucharme porque siempre iba con el piloto automático puesto. Me di cuenta de que había acabado un ciclo y quería emprender otro. Fue de manera natural y progresiva. No fue fácil porque al fin y al cabo es una ruptura y es algo con lo que venía muchos años, pero era una necesidad».

¿Podría contar cómo ha sido el proceso de creación de Camino entre cristales? «Surgió hace bastante tiempo y de golpe. Lo que había quedado a la sombra. Brotó la letra entera, algo que rara vez me sucede de sentarme y que fluyera. La escribí en un momento de cambio en mi vida. Era como una transición muy interna que no llegaba a exteriorizar, pero en el momento que me encuentro si lo hago. Me apetecía muchísimo comenzar mi carrera en solitario con esta canción autobiográfica que define bien como me encontraba y las ganas que tenia de seguir adelante a pesar de las dificultades».

¿Cómo la definiría? «Es una canción medicina. Un balón de oxígeno con la que buscaba de manera inconsciente autosanarme, lamerme esas heridas para poder seguir adelante. Es un grito de que quiero hacer lo que me nace, vibrar, respirar y nada ni nadie, ni siquiera yo misma me voy a boicotear en este momento. Es una canción super positiva que busca también contagiar a las personas de esa energía. También podría decir que es una canción vitamina».

«Tengo muchas ganas de lanzar canciones y en un futuro poder recopilarlas y sacar el disco»

¿Quiénes han formado parte de la creación del tema? «En el proceso de grabación he contado con grandes profesionales que han hecho que la canción crezca. Ruimón Martín para los arreglos; para la producción, Maimo Segue; Kiko León a la batería; Pablo González al piano y Marcos del Castillo a la guitarra. Para el videoclip y la fotografía buscaba transmitir ese cambio, esa luz, esa vitalidad. En el videoclip he contado con Ánima Escuela de las Artes, y para la fotografía con Pablo Durango, que es un grandísimo fotógrafo y que supo captar la esencia del tema».

¿Tiene ganas de sacar un disco? «Muchísimas. De momento sigo componiendo. Tengo la suerte de que el productor que hasta ahora se encontraba en México, lo voy a tener más cerquita en los próximos meses y todo el proceso creativo y demás va a ser mucho más fluido. Tengo muchas ganas de lanzar nuevos temas y ojalá en un futuro no tan lejano pueda recopilarlos y sacar el disco. Es verdad que he tenido la suerte de grabar varios, pero no como solista, así que hay muchas ganas».

«Fue un honor y una sorpresa actuar junto a Pedro Guerra»

El pasado 30 de junio actuó como telonera de Pedro Guerra en Güimar, ¿fue una experiencia bonita? «Tuve la oportunidad de abrir su concierto. Soy de Güimar, al igual que él y crecí con su música. Fue un honor y una sorpresa. No estaba planeado que coincidiera con el lanzamiento de mi primer single en solitario. Tuve la suerte de poner en pie al público y vivir una gran ovación en mi pueblo, en mi casa. Me pidieron cantar más aunque estaban esperando a Pedro, eso me dice que se quedaron con ganas de seguir escuchándome. Además, pude hacerlo con toda mi banda. El escenario es mi hábitat natural y donde mejor me desenvuelto. Gracias a las personas del municipio porque sentí muchísimo cariño y ha sido gasolina y un impulso tremendo».

¿Es fácil tener una carrera musical en Canarias? «No. Creo que también el tema insular a veces nos ha limitado porque es complicado hacerse un hueco aquí. También depende del estilo que escojas y en el que te quieras mover, pero sí es verdad que cada vez están habiendo más espacios y gracias también a las redes sociales. Siento que se empieza casi por fin a contar con el talento de nuestra tierra, que hay muchísimo, que muchas veces pecamos de que lo de fuera es mejor y por supuesto que no es así. Hacerse un hueco no es fácil, pero es verdad que estamos empezando a valorar lo nuestro. Aunque hasta ahora no lo he sentido como algo sencillo, he tenido mucha suerte en el camino, pero también la he peleado y luchado mucho».

A las 20.45 horas actuará D’Local Groove, interpretando su disco Sigo Aquí. Para finalizar el evento, los estadounidenses, The Lucky Strokes, harán disfrutar a la gente con algunos de sus mayores éxitos.

La presencia en el Festival será de manera gratuita y sin tener que presentar entrada. El aforo será limitado, así que si quieres disfrutar del evento, es recomendable asistir de manera temprana.

El evento está diseñado para generar una experiencia completa y única, apostando por nuevas actividades en cada edición. Serán dos semanas que se desarrollarán en la plaza del Príncipe de Santa Cruz de Tenerife. El director de Mar Abierto Producciones, Jairo Nuñez, destaca que a través de estas actividades, «Peñón Rock quiere avanzar en la mediación cultural del patrimonio artístico y cultural del rock, mediante su vinculación con el cine o la literatura».

Programación paralela

El viernes, 4 de octubre, comenzará la programación paralela con  una jornada nocturna de cine al aire libre, a las 20.30 horas. La obra proyectada será Escuela de Rock, protagonizada por el actor Jack Black. Al día siguiente, Anabel Vélez, periodista, escritora y responsable de comunicación de la Barcelona Film Commission, presentará su libro Las Mujeres en el Rock. Visibiliza la influencia de muchas mujeres que participaron en forjar este estilo musical vinculado a la rebeldía.

Continuará el jueves, 10 de octubre, a las 20.30 horas con una conferencia de Trébol Soluciones Energéticas. Estará dedicada a las innovaciones que implementa el festival para potenciar un modelo de ocio más consciente y respetuoso con el  cuidado del medioambiente. El viernes, 11 de octubre, Paco Pérez Bryan, comentarista musical, explorará la historia del rock a través de portadas icónicas de discos. Comenzará a las 20.30 horas. La programación terminará el sábado, 12 de octubre, con un coloquio dirigido por el periodista Héctor Martín que será retransmitido en el programa Canción a Quemarropa de Canarias Radio.

Conciertos

El Palmetum acogerá dos jornadas de música con apertura de puertas a las 15.00 horas, y actuaciones desde las 16.00 hasta las 23.30 horas. Al cartel de artistas se incorporan los canarios DeLokos y Simón Salinas.

• El viernes, 18 de octubre, actuarán DeLoKos, Niños Mutantes, Depedro y Sidonie.
• El sábado, 19 de octubre, será el turno de Simón Salinas, Baldosa, Vinagres, Travis Bird y Hombres G.

Esta nueva edición pretende que la pasión por la música trascienda el escenario, ofreciendo una experiencia completa de ocio. El festival dispondrá de zona gastronómica con foodtrucks y propuestas culinarias de marcas reconocidas en la isla, actividades de la mano del patrocinador Pepsi Cola, animación durante todas las horas de festival o cámara 360º, entre otras.

Hazmes es musicoterapeuta y utiliza la música para conectar y fomentar el crecimiento interior en personas de todo el mundo. Es por ello que considera a Tikún un reflejo de sus sentimientos que ha dejado a disposición de quienes deseen escucharlo.

La cantante tinerfeña Claudia Basterra compartirá escenario con Hazmes. Su intervención será en set dúo con Jorge Hernández, guitarrista. Basterra ofrecerá un repertorio de melodías donde el jazz, el soul y el pop-rock serán protagonistas. Asimismo, cantará una selección de canciones de su disco Semilla.

Desde su creación en 2012, el evento ha contado con la participación de más de sesenta artistas y grupos de Canarias. «Nuestro objetivo es que la gente baile, cante y se divierta mientras consume cultura en su tiempo libre», asevera. Sin embargo, en 2020 y 2021, las ediciones correspondientes no pudieron llevarse a cabo debido a la crisis sanitaria global. El concejal explica que el fin del festival es unir sobre un mismo escenario todo tipo de géneros, estilos y mensajes, pero, sobre todo, llegar hasta un público diverso e intergeneracional.

La Avenida Marítima, con su amplia variedad de restaurantes y terrazas, es el complemento ideal para el éxito de este evento gratuito y abierto, explica González. «Queremos que la juventud disfrute de otros tipos de música más allá del reggaetón o el TikTok», afirma. El Marea Festival se encuentra organizado y financiado por el Ayuntamiento de Candelaria, con apoyos eventuales del Cabildo de Tenerife y el ICDC del Gobierno de Canarias.

Desde Mar Abierto Producciones y desde la oficina del artista aseguran que ha intentando todo lo posible para llegar a las dos fechas marcadas, pero «la salud es lo primero y ahora solo queda recuperarse para llegar a las Islas en plena forma y poder ofrecer dos shows que no van a olvidar nunca». Agradecen la comprensión de quienes le siguen.

La programación de esta edición del Fiestoron cuenta con cinco grupos musicales cada día. El viernes, el público presente disfrutará de las actuaciones de La Cabra Mecánica, Celtas Cortos, Reincidentes, Mojinos Escozíos y Sober. El sábado se cerrará el evento con los shows de Nena Daconte, Café Quijano, La Pegatina, Pignoise y Efecto Pasillo.

La organización ha prometido dar un regalo a las personas que llegan antes de tiempo, además de poder  visitar la famosa Destilería de Arehucas. La entradas están a la venta en la web de Fiestoron.com y los precios oscilan entre los 40€ y los 80€.

El malagueño repasará sus grandes éxitos y dará a conocer su nuevo trabajo discográfico. López tiene una larga carrera en la escena musical española. Lleva a sus espaldas más de cuarenta conciertos sold out. Es el primer artista español en lograr entrar en la lista Poll Star, que mide la venta de entradas a nivel mundial.

La Biblioteca de la ULL ofrece algunos viernes durante el curso académico veladas musicales, por lo que se estudia la posibilidad de interpretar algunas de las composiciones del autor canario.

Según el rector, se trata de «una colección muy valiosa que la Universidad custodiará adecuadamente». Pretenden que pueda estar disponible al público y que sea una fuente de investigación. Los docentes Pompeyo Pérez y Javier Marrero actuaron de mediadores para que la donación llegase a término.

Asimismo, María Luisa Gordo, su viuda, destacó que entre el material donado se encuentran obras manuscritas, trabajos en proceso de creación y textos y dibujos acerca de las partituras. A esta colección es previsible que se añadan programas de mano o CDs. Gordo destaca que «con este paso la música creada en Canarias tendrá una mayor difusión, al tiempo que también permitirá un mejor conocimiento de este compositor».

Enrique Guimerá se formó en el Conservatorio de Santa Cruz de Tenerife. Realizó estudios de guitarra, piano y viola, y se licenció en Biología por la Universidad de La Laguna. Desde joven mostró interés por combinar la música clásica o académica con la popular y urbana. En los años sesenta formó parte del grupo musical-teatral Expresión TUEC, y junto a Javier Marrero y Sabas Martín llevó a cabo varios espectáculos multimedia con poesía, danza y proyecciones. Más tarde el grupo pasó a denominarse Almargen y varios discos vieron a luz entre 1990 y 2004 con sus composiciones.

Violista en la Orquesta Sinfónica de Tenerife

También ingresó en la Orquesta Sinfónica de Tenerife (OST) como intérprete de viola y fue miembro fundador de la Asociación de Compositores y Musicólogos de Tenerife. A partir de la creación de la suite orquestal Ballet para mujeres estrenada en el Festival de Música Visual de Lanzarote, quienes eran instrumentistas comenzaron a interesarse por sus creaciones.

El compositor creó muchas piezas asociadas a la percusión, pero su mayor reto fueron las obras para orquesta. Tuvo la oportunidad de grabar muchas de sus composiciones de cámara. Tampoco le fue ajeno el jazz ni como instrumentista ni como docente, y además se mostró proclive a la colaboración con otros músicos, como arreglista para grupos como Mestisay, Taburiente o Añoranza.

Pérez comenta que su objetivo es conseguir que el público se conmueva y que se reencuentre con canciones y sentimientos. «Vamos a dejarnos llevar en esa conexión emocional que siempre intento conseguir», declara.

El músico explica que «el encuentro contará con un recorrido por grandes artistas como Francisco Céspedes, Kany García o José Luis Perales«. Asimismo, asevera que algunos temas que interpretará serán Yo vengo a ofrecer mi corazón, Me enamoré de ti y Por ti seré. El cantante agradece el apoyo recibido: «Estoy muy feliz por haber agotado las entradas con casi un mes de antelación».

El disco de oro Polaris lo catapultó a la fama en 2022. Asimismo, cuenta con temas musicales tan notorios como Supernova o Bad Gyal. Esta última es la tercera más escuchada del año en España y la que más tiempo ha perdurado en el top uno de 2024.

Las entradas pueden comprarse a través de la página web del tour Saiko en Canarias y en la página web tickety.

El timple canario siempre ha vivido en el seno de las familias, en las parradas a la luz del sol, en las romerías, en los asaderos y en las folías. Los Sabandeños, Los Gofiones, Benito Cabrera o Domingo Rodríguez (El Colorao) se nos vienen a la mente cuando escuchamos hablar sobre el folclore canario. Aunque la música está en constante evolución y eso también lo experimenta el instrumento. Una nueva generación de timplistas está desafiando las fronteras que nunca se han llegado cruzar con nuevas sonoridades como el jazz o el pop.

La cantante Julia Rodríguez es un ejemplo de ello. «Mi primer recuerdo ya es con el timple en la mano», cuenta. La joven explica que en su casa siempre han habido muchos instrumentos como laudes, pianos, guitarras, timples o cuatros venezolanos. Con los años comenzó en la Escuela de Música donde aprendió a tocar la flauta travesera. «En la Escuela oía y tocaba todo tipo de instrumentos», afirma.

Rodríguez creció escuchando folclore canario, pero sus familiares también le inculcaron otros como el argentino o el venezolano. «Ahora me doy cuenta de que todos los géneros que he escuchado desde pequeña se ven reflejados en las canciones que hago», comenta. Expresa que «mi música se mueve entre el folclore canario y latinoamericano con pinceladas de jazz».

«Se trata de un instrumento que no conoce límites»

Desde su punto de vista, el timple siempre suena diferente porque cada quien tiene su propio sello. «Lo más bonito de la música es que nos podemos expresar como queramos», afirma la canaria. Asimismo, asevera que «la juventud se está formando mucho y hay mucha información en las redes que se nos queda impregnada con la que vamos investigando sin ningún tipo de pudor». Rodríguez tiene clara una cosa: «Estamos demostrando que el instrumento no tiene límites y que es uno como otro cualquiera».

Por su parte, el músico canario Abraham Ramos fue a clases obligado por su padre y abuelo, pero sintió una conexión con el instrumento desde que asistió a la primera de ellas. Comenzó investigando el timple tradicional, pero luego conoció al timplista José Antonio Ramos y descubrió otro mundo. «Me di cuenta que no era solo un camino sonoro que va parrandeando por ahí, sino que es un instrumento que puede ser el solista de una banda», apunta.

«Ahora hay más información y la juventud busca nuevos estilos»

El timplista aclara que le gusta componer música de estilos como new age, world music o jazz. «Me gusta hacer música de la corriente clásica de la que vengo, pero con armonía moderna», revela. Asimismo, asegura que no le gusta hacer temas allegados a ciertos países y que no busca centrarse en estilos como puede ser el del Congo.

El músico recuerda que veía a su hermano improvisar con la guitarra y se aventuró a hacerlo con el timple. Declara que «ahora me doy cuenta que lo esencial es coger la melodía, adaptarla, ponerle la armonía que necesita y después jugar con los recursos del propio instrumento». Además, manifiesta: «Ahora tenemos mucha más información de como suenan otros instrumentos del Mundo y eso fomenta que la juventud esté buscando nuevos estilos y sonidos».

Hay que tener en cuenta las raíces

Como todo, el timple tiene un comienzo y una historia. Todo apunta a que el instrumento nació de las vihuelas y guitarras renacentistas y barrocas llevadas por las sociedades europeas a Canarias. Así fue que siguió evolucionando hasta lo que hoy concebimos como una pieza indispensable en nuestras fiestas del Archipiélago Canario.

Rodríguez cuenta que es importante saber de dónde viene el instrumento, pero que también hay que avanzar. Explica que «cualquier timplista tiene que vivir el folclore canario desde la raíz». Asimismo, dice que es imposible que el folclore no se contamine ya que es un movimiento muy complicado de controlar. «El timple viene de donde viene y la historia no se va a ir así porque sí», sostiene la música.

Ramos afirma que «es necesario saber de donde se viene». Asevera que hay que aprender la técnica básica para poder avanzar a nuevas sonoridades, repertorios y formas de tocar. «Hay que tener presente la seña de identidad del timple», asegura. Además, explica que «el pasado siempre nos dará lo que necesitamos, incluso para innovar más aún».

Una mirada hacia el futuro

El instrumento ha ido pasando por un proceso de evolución, de innovación y experimentación en la búsqueda de sacarlo de la faceta tradicional de folclore, del rasgueo y de los timples sencillos de antaño. José Luis Hernández, profesor de timple en el Conservatorio de Santa Cruz de Tenerife, comenta que «las generaciones más nuevas conciben un instrumento total que puede hacer frente a cualquier tipo de género musical, de repertorio o de proyecto». Asevera que el timple ya no es el protagonista, sino que es el proyecto del artista. «Se trata de una serie de jóvenes que están haciendo evolucionar el instrumento y llevándolo más allá», apunta Hernández.

Sostiene que hay cantera juvenil para el futuro y que el instrumento está viviendo su mejor momento en la historia. «Cada vez hay más estudiantes, no solo de edades tempranas, sino también gente de la tercera edad», explica. Menciona que en caso del Conservatorio tienen entre 20 y 25 estudiantes. Además, destaca que «aunque antes no era común ver a chicas tocar el timple, ahora hay diversidad de género».

«El objetivo del timple es que se deje de ver como un símbolo y se le considere una herramienta musical con la que se puede construir lenguaje artístico», ratifica el músico. También asegura que negarse a descubrir nuevos sonidos en el instrumento va en perjuicio del mismo. «Todo lo que sea progreso está bien recibido», analiza. Hernández tiene una labor para el futuro: «Tenemos que seguir renovando el instrumento para que las nuevas generaciones vayan haciendo su propia música».

En su última gira por Europa y Estados Unidos estará acompañada por la Orquesta Failde. Rinde homenaje al Buen Vista Social Club, agrupación musical que nació en la década de los 90 y que marcó un punto de inflexión en la historia de la música latina, al que se integró junto con Compay Segundo e Ibrahim Ferrer. La artista es una leyenda de la música de América Latina y una de las vocees más importantes junto a destacados nombres como: Celia Cruz, Mercedes Sosa, Violeta Parra o María Dolores Pradera.

Portuondo empezó a cantar profesionalmente a finales de los años 40 y desde sus comienzos se volvió una referente emergente en Cuba. En los 50 expandió su carrera a nivel internacional. Alcanzó la cima en 1997, cuando se convirtió en la diva del Buena Vista Social Club. Ganó su primer Grammy Latino al Mejor Álbum Tropical Contemporáneo y un Grammy Latino a la Trayectoria en 2009.

Ha estado nominada en 2019 y 2021. Obtuvo otro en 2023 a Mejor Álbum Tropical Tradicional por su disco Vida. Durante su larga trayectoria ha recibido numerosos reconocimientos, como la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes del Ministerio de Cultura y Deportes de España, en una ceremonia presidida por los Reyes de España, o el premio Songlines Pioneer, por su contribución durante toda su vida con la música y la cultura cubana.

¿Qué le inspiró a dedicarse a la música y cuándo comenzó su carrera? «Me inspiró el estar rodeado de diferentes influencias musicales en casa desde pequeño y comenzar a los trece años con el freestyle me facilitó a escribir canciones. Igualmente, mi profesión de oficio es higienista bucodental, lo que decidí estudiar en su momento. Intento compaginarlo lo mejor posible con la vida de artista».

¿Cómo describiría su estilo musical? «Está altamente influenciado por el hip-hop y los ritmos urbanos como el reggaeton y el dancehall. Estoy en una búsqueda constante de integrar elementos de la música electrónica, tratando de conseguir un sonido propio».

¿Qué influencias le han marcado? «Principalmente, el rap hispanohablante ha sido muy importante desde mi infancia y la curiosidad de explorar en la música me ha llevado a recibir influencias de artistas vanguardistas. Los últimos años, los más que me han marcado e inspirado son C. Tangana y Ralphie Choo».

«Colaborar con Dellafuente sería un sueño»

¿Cómo se tomó su familia que quisiera dedicarse a esta profesión? «Por fortuna, siempre he recibido apoyo moral de mis familiares y colegas. Me han alentado, motivado y están pendientes de lo que hago. Su respaldo, junto con el de quienes aprecian lo que escribo, me impulsa a dar lo mejor de mí para hacer la mejor música posible».

¿Cómo ve la escena musical en Canarias? «Está repleta de talentos emergentes sin descubrir. He tenido la posibilidad de colaborar con artistas locales y con gente de la Península, como Manuel Mandala y Nueve R de Andalucía, y en las Islas con Kike Falcón, Kiddy, Kevin Armas, Deyde, Anapology. Creo que es importante unirnos y darle visibilidad a lo que se está haciendo en Canarias. Si no nos unimos, no hay movimiento y no salen las cosas. Lo que veo es que falta crear eventos o espacios para que la cultura se pueda difundir de mejor manera».

Si tuviera la oportunidad de cantar con cualquier artista, ¿quién sería? «Creo que se puede con quien sea mientras estés en sintonía con su estilo y lo que promueve. Personalmente, pienso que una colaboración soñada es con alguien que te haya marcado o impactado de alguna manera. Por eso, hacer un tema con Dellafuente sería muy bonito. Su música tiene mucho arte y utiliza ritmos con los que me familiarizo».

«He aprendido a base de fracasos»

¿Está trabajando ahora en algo? ¿Qué futuros proyectos tiene en mente? «Trabajo diariamente en mi carrera, tratando de encargarme de la mayoría de los aspectos posibles de mi propuesta musical y de crecer como músico cada día. En este momento, estoy enfocado en los singles que tengo por estrenar, y más adelante, elaborar un proyecto largo. Por ahora quiero centrarme en lo que tengo delante».

¿Qué consejos le daría a las personas que están comenzando? «Creo que nadie tiene la fórmula del éxito y que cada carrera es única. No me gusta decirle a la gente qué es mejor para su proyecto, pues he aprendido a base de fracasos y a seguir lo que siento en el corazón, más que por intereses o números. A todas las personas que les pueda servir de ayuda, les digo que se encuentren a sí mismas. Toda la gente tiene una estrella en su interior esperando brillar en el momento y lugar adecuado, así que hagan la música que les haga feliz y busquen crecer cada día».

¿Cómo empezó en el mundo de la música? «Desde que era muy pequeño, con tres años iba cogiendo las cacerolas y calderos de mi casa e iba tocando y cantando. Pero con siete años cuando mi madre estaba buscando en que actividad extraescolar meterme me apuntó en música. Ahí empecé a cantar en un coro infantil. Al año siguiente me metí en técnica vocal y ya comencé a dar clases para mi voz. Solo tuve un parón que fue con doce o trece años debido al cambio de voz. Siempre había tenido esta opción como un hobby y no como algo profesional».

¿Ha sido difícil buscar un hueco dentro de la industria? «Sí y no. Previo a La Voz había formado una pequeña banda con algunos compañeros de clase. Uno tocaba el bajo, otro la guitarra y tocábamos en bares y restaurantes. Ahí si que era más complicado porque eran bolos muy pequeños. Pero una vez salí del programa ya el teléfono empezó a sonar más. Comienzan a llamarte de distintos espectáculos como coberturas de galas drags, hacer temas para una gala de JuvenCan con Cristina Ramos, entre otras. En este momento, ya todo fue más sencillo porque estás dentro del mundo y la gente te conoce».

«Te das cuenta de que no dejas de ser un producto»

¿Cómo fue su experiencia en La Voz? «Fue muy bonita, pero en aquel momento fue agridulce. No tenía apenas experiencia ni en el mundo televisivo ni en cuanto al tema musical. Imagínate un chico de dieciocho años que llega a un plató enorme, en los estudios de Mediaset, que de repente cree que tiene la oportunidad de su vida de estar frente a Pablo López, Manuel Carrasco, Malú y Juanes. Fue una vivencia increíble porque la realizas con mucha pasión y conoces gente con tu misma ambición. Pero se vuelve agridulce cuando ves la realidad de la televisión. Te das cuenta de que no dejas de ser un producto para venderlo a la gente que está en su casa. Sin embargo, con lo que me quedo es con la experiencia de haber estado delante de cantantes tan importantes en la esfera musical y coger tablas para continuar mejorando».

¿Cómo surgió la idea de apuntarse al programa? «Pues la idea no fue mía, fue de un amigo. Previo a La Voz hubo un concurso que se hizo a nivel regional que se llamaba Gana con tu Voz, que estaba afiliado al programa. Mi amigo me apuntó sin mi consentimiento, pero me dijo que «tienes que subir un vídeo a la página y esperar a que la gente te vote». En ese instante me vi entre la espada y la pared, por lo que decidí publicar el vídeo. Por suerte, tuve bastantes votos. Las personas del concurso me llamaron y realicé una audición con jurado en Gran Canaria. Angie, la actriz de Física o Química, era una de las juezas. No fui ganador, pero sí que me escogieron para continuar y me llevaron a Madrid. Ahí interpreté otro tema y quedé entre los siete primeros de España. Al estar afiliado a La Voz fui recomendado para presentarme al casting. Lo hice y finalmente me llamaron para decirme que había sido seleccionado. Fue todo como una snowball y acabé ahí sin saber como».

Llegó a cuartos de final, ¿qué supuso llegar tan lejos? «Ni me esperaba estar en el programa. Siempre he sido una persona que no cree mucho en su capacidad. Muchas veces decía «quizás eso no está para mí», pero inconscientemente había hecho un trabajo previo de visualización de decir como me vería aquí. Me ponía a ensayar en mi casa y me imaginaba delante de las cuatro sillas, pero no confiaba en mi. No obstante, cuando te ves en el escenario, rodeado de trescientas o cuatrocientas personas, con la banda detrás piensas «wow, no me creo que este aquí». Además, en cuartos de final me quede a un 4 % de pasar a la semifinal. Pero me sentía ganador porque pasé de no saber a donde iba hasta llegar ahí».

¿Qué oportunidades le dio el La Voz? ¿Le ayudó a explotar tu carrera musical? «Sí, por supuesto. Una vez llegué de Madrid, contactó conmigo la productora canaria Jiribillas 3.0. Me dijeron que me habían visto en el programa y que les gustaría que participase en la presentación de la gala drag de Gran Canaria. Este fue mi primer trabajo como profesional. Estuve rodeado de grandes artistas del sector como Mingo Ruano, un actor muy reconocido en la onda teatral, con Tania Gil, también participante de la voz, etc. También, me dio la oportunidad de pertenecer a distintos grupos musicales como Karma o The Duke’s Band, que son muy reconocidos en el panorama regional. Todos estos momentos me hicieron enriquecerme más aún».

¿Repetiría la experiencia? «Sí, pero con el conocimiento que tengo ahora. Incluso no descarto, que si se me cruzan los cables, me presente a un La Voz México o algo así, como hizo Cristina Ramos, porque con la experiencia que tengo ahora creo que lo podría gestionar mejor y orientarlo de una forma más enriquecedora para mi carrera musical, lo explotaría más. Es verdad que con dieciocho años no lleve bien esa «fama» que te da el programa, que te paren por la calle, se sacasen fotos conmigo. Decía «pero si sigo siendo el mismo de siempre, soy un mindundi, no soy nadie». Sin embargo, lo repetiría mil veces».

«Estar en la banda lo recibo como si estuviera en una escuela»

Ahora has entrado como vocal en la banda de Manolo Guerra, quién fue músico del famoso cantante Manolo Tena, ¿qué supuso para usted la noticia? «Ha sido y es una vivencia increíble porque estoy tocando de forma asidua, entre tres o cuatro veces por semana. Quieras que no exponerte a un público durante varios días te hace adquirir bastante experiencia y esa picardía para analizar los elementos que te rodean en el escenario y lo que sucede fuera de este. Todo es una enseñanza que recibo por parte de Manolo Guerra día a día y yo lo recibo como si estuviera en una escuela».

¿Cómo surgió la oportunidad de estar en el grupo? «Todo se dio a raíz de que Guerra me vio actuar un día en un concierto en el Hard Rock Café. Coincidió que ese día estaba haciendo un tributo al grupo The Police, justo después de tocar nos sentamos a hablar y a raíz de ahí comenzó a llamarme cada vez que me necesitaba. Así estuve durante dos años y hasta ahora que me ha puesto como titular de la banda».

¿Que significa para usted formar parte de The Duke’s Band? «Mucho. Porque para mi es súper importante aprender, sobre todo, de la parte técnica de sonido, luces y todo lo necesario para en un futuro saber aplicarlo y no tener que recurrir de terceras personas.»

«Tengo intención de salir de la Isla e incluso de España»

¿Cuáles son sus próximos proyectos? «Ahora mismo, no tengo un proyecto concreto, pero si que me gustaría explotar mi carrera personal como Samuel Guedes. Quiero componer temas o incluso crear una banda propia desde cero en la yo sea la voz cantante. Lo que tengo claro es que lo haría a través de redes sociales, a través de un canal de YouTube, por ejemplo. Mientras tanto seguiré en The Duke’s Band y fluyendo con como se va dando todo. También es cierto que hay intención de salir de la Isla o incluso de España».

¿Quiénes han sido sus referentes en la música? «Sonará tópico, pero Michael Jackson ha sido un gran referente. Además de Bruno Mars, The Weekend que a nivel de composición me parecen brillantes. A nivel nacional, Alejandro Sanz. Y a nivel local y personal, me ha llenado mucho mi profesor de canto, de cuando empecé, Manolo Matos, al igual que Manolo Guerra. Ellos me han abierto mucho la mente a nivel musical gracias a sus consejos».

¿Qué es la Generación 21? Paula Suárez: «Somos un conjunto de jóvenes entre veinte y veintiséis años que tienen inquietudes artísticas y que nos hemos juntado para poder tener una retroalimentación entre todas las disciplinas». Adriana Medina: «Al final quien escribe poesía y solo se lo manda a sus contactos poetas, pues no tiene esos comentarios que le podría dar una persona que pinte o que le diga otro punto de vista. Lo que más estamos intentando hacer es combinar las disciplinas para crear otras cosas juntos». Sandra González: «También creo que esto aporta que quien nos ve, de alguna manera, pueda sentirse identificado de diferentes maneras y que llegue al propósito artístico que tiene la generación».

¿De dónde surge la idea de comenzar con el proyecto? A. M.: «Parte de una presentación del libro que hizo Paula Suárez. Tiene un poemario llamado Entre Versos y Canciones y cuando lo presentó en la facultad decidió que, como sus poemas tenían mucha relación con la música, que hubiera música y que hubiera lectura de poema, y ahí nos dimos cuenta de lo bien que cazaban las dos disciplinas». P.S.: «También creemos que lo que le interesaba el público era no estar una hora escuchando solo poesía o solo solo música, porque al final si lo combinas tienes de todo y genera dinamismo».

«Tenemos muy presente la historia de Canarias y el paisaje»

¿Cuál fue el proceso hasta alcanzar lo que hoy es el proyecto? P.S.: «La idea material surgió en la facultad, un día tomando cerveza en la cafetería, para variar. Queríamos hacer un recital que al principio fuese con Adriana, Xavi Suárez y Paula Suárez. Y después empezamos a pensar que quedaría genial Ana Falcón, Mararía González, también las ilustraciones de Sandra González, etcétera, y ahí fuimos metiendo gente». A.M.: «Fue un proceso superbonito porque claro, al final todo esto eran ideas nuestras. Pensamos en quién se podría querer subir al barco y nos acercamos mandándoles mensajitos, llamándoles… hasta que nos fueron dando el «sí, quiero», como quien dice y aquí estamos».

¿Por qué eligieron ese nombre? A.M.: «Tiene varios motivos. Principalmente, el nombre viene porque nos graduamos en el año 2021, pero también lo cogimos prestado porque nos conocimos ese mismo año. Es como una fecha muy significativa que incluso los extrapola al siglo, porque al final nos hemos juntado gente de todas las edades».

¿Quiénes pueden formar parte de este movimiento? P.S.: «Cualquier joven que tenga inquietudes artísticas que trabajemos. Tenemos a ilustradoras, en poesía estamos cubiertos porque somos bastantes, pero es verdad que no tenemos novelistas, ni cuentistas y quizás ahí cojeamos más». A.M.: «También es importante que compartamos ideales porque somos muy de poner en valor el isleño y el arte joven. Tenemos muy presente la historia de Canarias y el paisaje. Una serie de constantes que hacen que, aunque vengamos de otras disciplinas, compartamos ejes temáticos».

¿Cuál es la relevancia con el compromiso de representar la cultura canaria? S. G.: «Creo que al final el hecho de crear desde Canarias hacia fuera, es decir, que el origen sea Canarias y no al contrario. Desde aquí tendemos un poco a si ambientamos cualquier cosa, sea artístico o lo que sea, sea fuera y no en las Islas. Estamos manifestando la validez que tiene el archipiélago en sí. Es un grito a la cultura y a las creaciones canarias». A.M.: «Estamos intentando es ponernos en el panorama artístico». P.S.: «También es una reivindicación a que la gente tenga que irse fuera a estudiar porque no tienen las oportunidades o las posibilidades de hacerlo aquí. Se da por hecho que aquí no hay esas inquietudes».

¿Es más complicado conseguir visibilidad al ser de las Islas? P.S.: «Creo que hay un complejo de inferioridad. Nos hemos creído completamente el mito de que, al ser de aquí, pues, ¿para qué? Esto nos lo muestran las obras de teatro, cuando es una producción canaria no se ve, pero luego llega Ghost y se venden todas las entradas el primer día porque viene de fuera y viene Bustamante y es genial». S.G.: «Y también se puede ver con el tema del lenguaje. El hecho de que uses el vosotros pensando que es una variante mucho más correcta que el ustedes, ya está diciendo montón desde donde partes».

«No hay financiación suficiente para el arte»

¿Con qué dificultades se encuentran quienes quieren dedicarse a las artes? A.M.: «Creo que nos hemos dado cuenta en el desarrollo del proyecto, sobre todo que no hay financiación para el arte y la que hay no es suficiente. No nos está siendo nada fácil conseguir los espacios, conseguir las subvenciones, porque claro, al final hay que pagarle al equipo de sonido, hay que pagarle al equipo de luces… Además, no se apuesta, no se facilita a quien quiera estudiar arte que lo haga. Aquí no tienes la posibilidad de desarrollarte, tienes que irte fuera».

¿Creen que esta iniciativa motivará a otras personas a iniciar su camino en el mundo del arte? P.S.:»Lo vimos también un poco cuando hicimos las presentaciones de Generación 21 en los institutos. Por ejemplo, fui una niña que escribía poesía en segundo de la ESO y me sentía la rara o la señalada. No había nadie en mi entorno que lo hiciese y no fue hasta que llegué a la Universidad que me di cuenta de que no soy tan rara. Es necesario que la gente joven encuentre ese ejemplo y se sientan identificados».

¿Qué le dirían a aquellas personas que no saben si dedicarse a una disciplina artística? P.S.: «Diría que arriesgarse es lo primero que tienen que hacer. Da igual lo que salga, ya luego se pule. No hay que buscar la perfección en lo primero que se haga porque es imposible, pero yo creo que hay que arriesgarse a ver qué sale». S.G.: «También es verdad que todo está enfocado a lo laboral, pero por mucho que no tengas salida en una disciplina concreta, no hay por qué abandonarlo, es decir, tú puedes nutrirte de la misma manera». A.M.: «Además, es importante que no se abandone».

Bautista comenta que el álbum navega entre el pop, el folk latinoamericano, la música brasileña y mediterránea. «Siempre partiendo de la canción de autor y con letras que intentan ser emotivas e ingeniosas», manifiesta.

No es la primera vez de Bautista en la Isla. «Espero poder devolver toda la generosidad en forma de música», declara. Además, comenta que «incluso puede que haya alguna colaboración porque Tenerife está lleno de talento». La música incentiva para que asista quien quiera al concierto: «Vamos a pasar un buen rato entre canciones, copas y abrazos».

El cantante británico Ed Sheeran llenó el estadio Heliodoro Rodriguez López, este sábado, 29 de junio. Acudieron 37 000 personas para ver a uno de los ídolos de esta generación. Callum Scott fue su telonero, quien calentó el ambiente cerca de una hora y media antes del arranque del concierto y consiguió mantener una atmósfera agradable y divertida en el Estadio. Ed Sheeran comenzó puntual y el Heliodoro estalló en júbilo desde ese mismo momento hasta la última canción. Temas como Galway Girl, Shape of You, la colaboración con Eminem River o Perfect, con pedida de matrimonio en la grada incluida, sonaron en la Capital tinerfeña.

¿Cómo surgió la idea de traer a Ed Sheeran a Tenerife? «He estado explorando la posibilidad de su presencia durante muchos años, manteniendo conversaciones el año pasado con personas cercanas al artista y del sector en el Reino Unido. Con el tiempo, esta idea cobró fuerza y finalmente logramos que visitara Canarias, comenzando por Tenerife».

«La seguridad de nuestros asistentes es nuestra máxima prioridad»

¿Qué medidas de logísticas se están implementando para garantizar la comodidad y seguridad de quienes asistan? «Nuestro compromiso con la seguridad es riguroso. No solo cumpliremos con las medidas estándar requeridas, sino que las superaremos ampliamente. Dado que habrá más de 200 personas entre personal de seguridad y acomodadores. Estamos adoptando un enfoque integral para asegurar que cada persona pueda disfrutar del evento con total tranquilidad. La seguridad y el bienestar de las personas que asistan son nuestra máxima prioridad, y nos aseguraremos de cumplir con creces todas las expectativas en ese sentido».

¿Cómo se prepara el Estadio para un concierto de esta magnitudes? «Este será el primer concierto que se llevará a cabo en el Estadio Rodríguez López con asientos numerados. Tradicionalmente, hemos organizado eventos en este espacio sin numeración, pero esta vez hemos optado por una disposición numerada para mejorar la comodidad del público. Además, hemos incrementado el número de butacas para facilitar que todos encuentren rápidamente su lugar asignado».

¿Cómo ha sido la respuesta del público local ante la llegada de un artista internacional? «La venta de entradas fue histórica. En apenas diez minutos se vendieron más de 35 000 entradas. No es sorprendente, dado que estamos hablando de un artista de renombre mundial en el apogeo de su carrera. Además, este concierto es uno de los pocos que tendrá lugar en Europa, con España siendo el único país aparte de un festival en Galicia. La respuesta ha sido abrumadora, con una gran afluencia tanto local como internacional, demostrando el alcance y la popularidad del artista».

¿Qué expectativas tiene para la primera edición de Ed Sheeran en Santa Cruz de Tenerife? «Este año estamos emocionados por la primera edición en la Capital, donde la respuesta ha sido impresionante, con la venta de más de 20 000 entradas en los primeros días. Estamos llenos de esperanza y entusiasmo por este nuevo festival, con la aspiración de que se convierta en un evento de larga duración».

¿Siente que Tenerife puede competir con otros destinos para conciertos de primer nivel como este? «Sin lugar a duda, estamos demostrando que las Islas Canarias pueden competir con las principales capitales mundiales en turismo musical y de festivales. Lo hemos visto con la respuesta entusiasta del público a eventos como el Festival de Música Canarias. Además, proyectos como este están mostrando que las Islas pueden albergar eventos a gran escala».

«En apenas diez minutos se vendieron más de 35 000 entradas»

¿Cómo cree que este concierto contribuirá a la escena cultural y turística de la Isla? «Este año celebraremos la tercera edición del Granca Live Fest, y el año pasado, más del 37 % de los asistentes eran personas que venían de fuera de Canarias. Esto demuestra que podemos generar una economía basada en un turismo diferente al habitual en las Islas. Existe un mercado global de personas que viajan para disfrutar de festivales y conciertos, y el impacto económico puede ser significativo. Por ejemplo, el año pasado, durante el Granca Life Fest, donde se presentaron artistas como Rosalía y Maluma, la estancia de quienes asistieron fue de cuatro días y cuatro noches, lo que generó un considerable gasto en transporte, alojamiento y otros servicios locales».

¿Hay algún mensaje que le gustaría enviar a quienes siguen a Ed Sheeran que están ansiosos por asistir a este concierto? «Espero que este evento marque el inicio de una tendencia constante en lugar de ser algo esporádico que sucede cada treinta años, como ocurrió con Michael Jackson. No deberíamos tener que esperar tanto tiempo para tener artistas de primera línea aquí en Canarias. Sería ideal que pudiéramos garantizar la presencia de estrellas de este calibre cada año. Este año, por ejemplo, apenas unos días después del festival de Chillán, tendremos a Robbie Williams en Gran Canaria, junto con Black Eyed Peas y muchos otros artistas destacados».

¿Tiene planes para futuros eventos similares en la Isla? «La similitud es algo complicada de encontrar, ya que son situaciones que no se presentan siempre. No obstante, es verdad que nos esforzamos por mantener una programación estable. Por ejemplo, el año pasado organizamos dos eventos notables: uno centrado en la música de Sabina y Leiva, y otro en Camilo. Este año, continuamos con esta línea, con la participación de este artista colombiano el 15 de junio y el Tenerife Music Festival los días 8 y 9 de junio. El cartel del Festival es muy sólido, con artistas como Marc Anthony, Efecto Pasillo, La Oreja de Vang Gogh y Vetusta Morla».

David Rodríguez, integrante de la banda, asevera que «es un orgullo poder celebrar el cincuenta aniversario ante un público que ha disfrutado tantos años del disco». Además, comenta que darán el nivel que se presupone a la representación de un grupo como Pink Floyd. «Sobre todo es un ejercicio de responsabilidad», confiesa el músico.

Rodríguez explica que sienten responsabilidad al homenajear a la banda británica ya que «estamos contribuyendo a que el legado musical sea más conocido en nuestro contexto más cercano». Asimismo, asegura que esperan disfrutar del nuevo reto ya que cada concierto supone una nueva prueba. El músico lo tiene claro: «Vamos a recrearnos, junto con el público, del universo musical de Pink Floyd».

Bruce Springsteen brindó a Barcelona una noche para la memoria de todas las personas que asistieron. Regaló más de tres horas de concierto en las que no paró ni un solo segundo, algo bastante llamativo para un artista que tiene 74 años. Tuvo un comienzo un poco desentonado, literalmente. Se le notaba con la voz algo tocada, con cierta afonía, y hubo varias notas que no atinó, dándolas fuera de tono e incluso llegando a escuchar un «gallo».

A partir de ahí el concierto no paró de ir in crescendo. Con las cuerdas vocales más calientes, se pudo disfrutar del mejor Bruce Springsteen, cantando sus legendarias canciones, bailando, conectando con el público y divirtiéndose como nadie. No se había sobrepasado la primera media hora cuando Springsteen introdujo Radio Nowhere, punto de inflexión en el concierto donde se empezó a escuchar aún más el rugido del estadio. Luego, No Surrender, en lo personal, uno de mis momentos favoritos de la tarde.

«Radio Nowhere fue el inicio de la tendencia creciente que no frenó en toda la noche»

El Jefe radiante, Montjuic al unísono, y toda la banda ofreciendo un espectáculo sobresaliente. El momento en el que llama a Steven Van Zandt para cantar el «La, la, la, la, la, la, la» será, sin duda, uno de las vivencias que quedará guardada en la retina de por vida.

A resaltar la increíble actuación que firmaron Jack Clemons, sobrino del histórico Clarence Clemons, antiguo saxofonista de la banda, que sonaba exactamente igual que su tío y Max Weinberg. El baterista estuvo, no de diez, de matrícula de honor.  Yo, que me fijo bastante por mi pasado tras los bombos, quedé bastante impresionado por su habilidad y talento. Sin olvidarme de Roy Bittan, pianista que no bajó, ni muchísimo menos, la media del grupo.

El concierto siguió en esa línea creciente con una gran atmósfera, llena de nostalgia y efusividad por la totalidad del público, disfrutando de canciones como Ghosts, Darkness On the Edge of Town, Born to Run, Promised Land con la increíble habilidad del cantante para tocar la armónica, Hungry Heart y demás temas. Uno de los puntos álgidos fue cuando cantó la canción de Patti Smith, Because the Night, cuando el estadio se vino abajo cantando a todo pulmón. Algo parecido a cuando sonó The Rising, donde se podía sentir la historia viva de la música.

Cuando parecía que no podía ir a mejor, entonó los acordes de Born in the USA. Momento en el que con las manos en la cabeza y los ojos llorosos, me uní al público, que se volvió loco, y se dejó todo lo que le quedaba de voz en cantar uno de los himnos más icónicos del rock & roll.

Para irse tardó más de media hora. Jugó con el público, siguió cantando canciones, preguntó si queríamos irnos e incluso montó un monólogo. Empezó diciendo que era hora de irse a casa, que deberíamos estar cansados después de pegarnos tres horas sin parar de cantar y saltar y que él mismo se quería ir a casa.

Llamó a Steven: «Stevie, I think it’s time to go home. What are you thinking?«. A lo que Steven respondió «I don’t wanna go home«. En su intento de irse, y dentro del papel que seguía interpretando, llamó a Max diciendo, en pocas palabras, que sabe de alguien que debe de tener el «culo muy cansado». A lo que el propio Max respondió: «My ass is feeling pretty nice«.

«I’ll see you in my dreams fue la canción escogida por el cantante para cerrar el show«

Entre carcajadas el público celebró el convencimiento al intérprete y este siguió extendiendo la despedida mientras animaban con la famosa canción de los Beatles Twist & Shout, la cual duró cerca de diez minutos. Tras despedir a la banda, volvió al escenario para interpretar una última canción, él solo, con su guitarra, su armónica, su inigualable voz y el corazón en un puño. I’ll see you in my dreams puso el sello a una noche de ensueño y con todo el aura de jefe que tanto le caracteriza, todo medido, todo entregado y ese mensaje de «les llevo conmigo y con esta nos vamos».

Todo bien hecho, aguantando tres horas de corrido en las que no paró ni para beber agua, acordándose de los suyos que ya no están y transmitiendo como una figura tan grande como él solo sabe hacer. El público, incrédulo por lo que acababa de vivir y con los sentimientos a flor de piel. No faltaron ovaciones para el cantante, hasta el público parecía que les dolía las manos de aplaudir a una de las mayores figuras que ha podido dar la historia de la música.

Con este tour, presenta sus últimos álbumes Subtract y Autum Variations, con los que alcanzó el número uno en todo el Mundo.  Este concierto es uno de los pocos que tendrá lugar en Europa. «Finalmente logramos que viniera a Tenerife», explica. No obstante, el artista tiene una conexión con las Islas Canarias desde hace años. Su tema, Tenerife Sea, fue una canción de amor dirigida a su novia donde hace referencia a la Isla.

Su carrera despegó después de lanzar un EP de forma independiente a principios de 2011, lo que le llevó a firmar un contrato con el sello Asylum Records. Con el paso del tiempo, recolectó numerosos premios y reconocimientos como uno de los artistas más exitosos y versátiles de su generación, incluyendo múltiples Brit Awards.

«Mi proceso creativo puede empezar en una cafetería o viendo una red social»

Étel Santos es una talentosa compositora y cantante teguestera que empezó en la industria de la música a temprana edad. «No recuerdo un momento en mi vida en el que la música no estuviera presente», comenta. A los once años tomó clases de flauta travesera, solfeo y coro en la antigua escuela municipal de música de Tegueste. Aunque el deporte ocupaba inicialmente su interés, descubrir su amor por el canto marcó un punto de inflexión.

La guitarra llegó más tarde, a los 24 años, impulsada por un reto personal. «Siempre que había un tenderete o algún evento, alguien me pasaba una guitarra», recuerda. La insistencia de los demás en que «tenía cara de tocar la guitarra» la llevó a aprender de forma autodidacta, utilizando tutoriales de YouTube. Así, el instrumento se convirtió en la fiel compañera de todas sus canciones.

«He aprendido a ofrecer un contenido contundente, consciente y sin tapujos»

Su evolución como artista ha sido un reflejo de su crecimiento personal. Al principio, la inseguridad la hacía dudar de su propio contenido, llevándola a realizar muchas versiones de otras canciones. «Con el tiempo, he aprendido a darle valor a mi trabajo y a ofrecer un contenido contundente, consciente y sin tapujos», afirma. Hoy, su música es un vehículo para el empoderamiento social y la libertad, con letras que invitan a las personas a levantar la voz y romper con las ataduras que las frenan.

La cantautora recuerda con humor su primera canción de amor, descrita como «horrorosa». Sin embargo, fue Morfeo la primera que tocó oficialmente para sus amistades. Esta narra lo que veía desde la ventana de su habitación, reflejando tanto la belleza de su entorno como las problemáticas sociales que percibía. La canción lleva el nombre del dios de los sueños, instando a las personas a no tener miedo de alzar la voz ante las injusticias.

«Respétate como profesional, a ti, a tu música y trabajo”

Hasta la fecha, ha actuado en Tenerife, Gran Canaria y Lanzarote, y espera anunciar pronto fechas en más islas. Además, sueña con llevar su música por toda Europa para «hablar de las realidades de su tierra y desmitificar el paraíso turístico que muchos imaginan». Su futuro está lleno de música. «De cara al futuro, cantar, cantar y cantar», comenta con entusiasmo. Este verano, tiene programados numerosos conciertos en diferentes puntos de la Isla, incluyendo el Ecléctico Café, el ciclo de conciertos Lavaderos Live Music y Equipo Para.

Para jóvenes que recién comienzan en la industria, la artista tiene un consejo valioso: «Respétate como profesional, a ti, a tu música y a tu trabajo». Su trayectoria es un testimonio de que la autenticidad y la pasión son esenciales para construir una carrera significativa en la música. Con una combinación de talento, autenticidad y un firme compromiso con la justicia social, Santos continúa conquistando corazones y escenarios, llevando su mensaje a donde quiera que su música la lleve.

El título de su último álbum representado con velas que lentamente se iban apagando indicaba el comienzo del espectáculo. Desde que sonaron las primeras notas de bad idea right? el público se puso de pie y comenzó a hacerle coros a la cantante. La joven americana, arropada por luces moradas y rojas, bailaba y saltaba al ritmo de la música. Con una energía vibrante que se transmitía a la audiencia cantó la siguiente canción del set list, Ballad of a homeschooled girl.

La alegría dio paso a una de las canciones de su nuevo disco, Vampire. Dos lunas llenas en la pantalla y una Rodrigo sentada en el escenario hipnotizaron a las más de 17 000 personas que cantaban a la vez: «I’ve made some real big mistakes but you made the worst one seem fine».

Drivers license, un himno que une generaciones

Una frase que marcó el 2021 de gran parte de quienes ayer compartieron un mismo sentimiento, y que llorando se desahogaron de todo lo ocurrido desde ese año fue: «Brown guilty eyes and little white lies». A continuación, llegó la que es posiblemente la más conocida de todas y la del inicio del primer disco que sacó al mercado. Drivers license, un himno que une generaciones y que unió a todo el Palau.

El último disco también estuvo muy presente, cantó canciones como Teenage dream, Pretty isn’t pretty y Logical. Para dar paso a un momento íntimo con Enough for you, en el que la cantante se subió a una luna morada y tras decorar el estadio con estrellas lilas viajó por encima del público que se encontraba en pista. Recordándonos que, aunque nos hayamos encontrado con gente que no ha sabido apreciarnos, encontraremos a quien sí sepa y decida querernos de la forma más bonita y sana que podamos imaginar.

Momentos previos a tocar So american, la única canción en la que habla de un amor que la trató bien, Rodrigo decidió cantarle feliz cumpleaños a una chica de la audiencia, Martina, quien recibió el mejor regalo que cualquier fan puede desear.

Happier fue la siguiente canción que cantó acompañada por su guitarrista. La artista decidió compartir una pequeña anécdota del nacimiento de ese single, aseguró que se le ocurrió «I hope you are happy, but don’t be happier» mientras rodaba el episodio de un programa de televisión y tuvo que mentirle a la directora diciendo que necesitaba ir al baño urgentemente para poder apuntar la letra y que no se le olvidase.

Asimismo, decidió interpretar Favorite crime y Logical seguidas, una combinación que consiguió que toda la audiencia llorase y cantase a pleno pulmón. Ambas piezas tienen cosas en las que no se parecen, pero lo que sí tienen en común es el dolor con el que Rodrigo las interpreta, conectando con el público y con sus experiencias personales. Al ver la intensidad con la que le hacían los coros, preguntó con ironía si nos habían roto el corazón alguna vez, hubo quienes rieron ante la pregunta y quienes callaron, sabiendo que la respuesta era obvia.

Tras momentos en los que la cantante se dirigía al público y leía los carteles que llevaba la gente se iba acercando el fin del concierto. Casi sin voz y sin más lágrimas que echar el público disfrutó de Obsessed, All-american bitch y Good 4 you, todas de distintos álbumes, pero diciendo lo que no somos capaces de admitir, por vergüenza, rencor, enfado o porque no queremos que esa persona sea consciente del daño que nos ha hecho.

Y lo inevitable sucedió: tras una hora y cuarenta minutos de terapia el concierto terminó con Get him back!. Rodrigo nos pidió pensar en alguien que nos enfadase de verdad y dedicarle esa canción usando toda la rabia que teníamos contenida. Ya puesto el mono rojo de lentejuelas, el último outfit del espectáculo, la artista nos ayudó a deshacernos de todo el dolor vestido de rencor que representa la canción.

Tras terminar, se despidió con una sonrisa de las suyas, un «muchas gracias» con acento americano y dejando al público con ganas de más. Porque personas como Olivia Rodrigo, que en una noche te regalan las estrellas, la luna y la mejor noche de tu vida, hay pocas.

Asegura, además, que este tipo de música está conectada a su pasado, pues perteneció durante muchos años a un grupo latino de La Laguna donde interpretaban éxitos de este estilo. Por eso, afirma que «este festival me viene como anillo al dedo».

La entrada al Festival es gratuita.

«De todos los planes posibles para pasar un sábado por la noche, elegimos estar aquí juntos»

Tras esto, apareció en la pantalla un vídeo de la silueta del artista terminando de colocar los instrumentos. El escenario se fundió de una luz naranja y bajo la instrumental de la bachata Bebé, daba comienzo el show. Apareció en el escenario ondeando la bandera de La Tribu, nombre que tienen quienes le siguen. Seguidas cantó Aeropuerto y KESI y el público no cesaba de cantar. «Buenas noches, tribu. Está noche Tenerife es nuestro lugar feliz», exclamó el artista para seguir con Una vida pasada, canción junto al ganador de dos premios Grammys, Carin Leon.

El público comenzó a gritar de nuevo su nombre cuando el artista volvió a saludar. «Que montón de gente, parce», aseguró señalando hasta el final de la colina del campo de Golf, donde se terminaba de amontonar la audiencia. Añadió: «De todos los planes posibles para pasar un sábado por la noche, ustedes y yo elegimos estar aquí juntos». Y comenzó a sonar No se vale de su último disco, Cuatro.

«Tengo que decir que desde aquí arriba, están todos y todas guapísimos. Tienen una cara bonita, pero su corazón lo es más». Con esta frase el colombiano continuó cantando No se vale, seguida de la cumbia Pegao y Contigo voy a muerte, canción que tiene con la cantante Karol G. Durante todo el show realizó mezclas entre sus canciones más recientes y más antiguas, cantando Tattoo Remix y Desconocidos. Temas con los que el público se volcó. Junto a su guitarrista Daniel, contó una historia de desamor para introducir la siguiente: Gordo.

La música cesó y explicó que el primer concierto que ofreció en su vida fue en España y que su primera gira también comenzó en el País. «Llegué a España montado en canciones que construyeron un puente precioso que unieron mi casa y la suya», expresó el artista emocionado y bajo una lluvia de aplausos y vitoreos. Le acercaron la guitarra e interpretó El mismo aire y Salitre. Canciones en las que colabora con dos artistas españoles, Pablo Alborán y Manuel Carrasco, respectivamente.

Millones, Tutu y Favorito siguieron el animado ritmo del concierto. Y llegó el momento más esperado por todas las personas presentes. «Les presentó a mi artista favorita y al amor de mi vida, Evaluna». La mujer del artista subió al escenario para interpretar PLIS, Por primera vez e Índigo, canción que escribieron para su hijo. Evaluna se fue con una gran ovación, mientras Camilo explicaba la historia de como hizo la canción que seguía el setlist del evento, La Boda. Un tema dedicado a su mujer y que escribió para poder plasmar los votos de su casamiento. «Esta canción la hice para inmortalizar nuestro amor», exclamó.

La puesta en escena cambió. El artista apareció sentado con un pie de micrófono, una máquina de escribir y su guitarra, con una foto de Evaluna pegada en ella. «Mi vida antes se parecía mucho más a esto», aseguró. Continuo explicando que desde pequeño había soñado con ser famoso, poder cantar y alcanzar cosas grandes, pero que muchas veces no se han sentido como él pensaba. En cambio, añadió que sus fans son algo con lo que no había soñado, pero que le han dado todo: «Mis canciones estarían vacías si no fuera porque ustedes les dan sentido y una historia».

Una Canción de Amor para La Pulga sonó con solo el artista en el escenario y a guitarra. Tras ello, pidió al público que levantaran todos los carteles que habían traído y que eligieran la siguiente canción. La elegida fue Medialuna, otra de las canciones que dedica a su mujer. La siguiente canción elegida fue una de desamor, Manos de Tijera. Antes de comenzar, el artista preguntó entre risas «¿A alguien le rompieron el corazón?».

El evento llegaba a su fin, Camilo comenzó a tocar Vida de ricos y cuando menos se lo esperaba la audiencia, tiraron cañones de confeti y el artista se levantó. Quienes estuvieron presentes bailaron y cantaron como nunca. El artista presentó a su banda y agradeció su gran esfuerzo. Gritó un último «Muchas gracias, Tenerife» y se fue del escenario seguido de su grupo y una cámara, para culminar detrás del escenario al grito de «Buenas noches, Tenerife». Cerrando así una noche que quienes estuvieron presentes recordaran toda la vida.

¿Qué fue de la banda Milhojas? ¿Sigue colaborando en ella? «Milhojas es donde comencé a tocar mis propias canciones. Por ahora estamos en un momento de standby. Nunca se sabe, quizás podamos volver en algún momento. Nos detuvimos en medio de la pandemia. Ahí, como se frenó un poco, decidimos parar y por ahora nos mantenemos en ese estado».

¿Y con No Lo Soporto? «Con el grupo No Lo Soporto, hace más tiempo tuvimos también un impasse. Ellos son una familia y yo formé parte siete años. En su momento decidimos separarnos y cada uno hacer sus proyectos. Por supuesto que algunos de los hermanos, Naila y Kevin, podrían volver y continuar cuando quisieran. Es obvio que nosotros seguimos siendo amigos, inclusive con Milhojas también. Así que siempre aparecen colaboraciones en nuestros proyectos por separado. Nunca se sabe qué es lo que puede pasar».

¿Le gustaría iniciar algún proyecto de nuevo junto a ambos grupos? «Sí. Me gustaría quizás hacer un revival, como para compartir un lindo momento. Ahora estoy poniéndole más energía a otros proyectos artísticos. Siento que esa etapa ya pasó a otro nivel, quizás pase a otro estado en algún otro momento. No me gusta cerrar puertas porque nunca se sabe lo que puede llegar a suceder. Pero en este momento no está en mi top de cosas por hacer».

Ha estado de gira por Francia. ¿Cómo fue ese gran paso que le llevó a atravesar el Atlántico? «La pasé muy lindo. Viví una experiencia maravillosa. Fue uno de los motivos más grandes por los cuales decidí venirme para Europa. Además, tengo a mi familia de este lado y me gustaba viajar. Pero, sobre todo, lo que más me gusta es vivir nuevas experiencias a nivel musical y a nivel cotidiano. También tuve la vivencia de trabajar con el artista francés Benjamin Biolay, que lo admiro profundamente y me gusta muchísimo lo que hace. Así que para mí era más que una experiencia, también por estar en un país que habla un idioma tan diferente al mío».

¿Cómo llegó a formar parte de la banda para las actuaciones de Karol G en Argentina? «Fueron una recomendación de mi amiga Juliana Merelo, que es una baterista argentina. Cuando ella fue para Argentina estaba en busca de una tecladista y con muy buena onda ella me recomendó. Al momento fui a probar y así es que hicimos algún show en vivo en un programa de la televisión argentina. También un vídeo de YouTube de una canción muy conocida que se llama Tusa. Fue toda una experiencia para mí, porque nunca había tocado reggaeton. Así que fue algo a lo que le tuve que echar ganas. Cómo incursionar en el estilo que al ser bailable uno piensa que es algo sencillo, pero nada que ver. Es algo que tiene mucho groovy, hay que saber agarrarle el estilo».

Shima es su primer proyecto solista, ¿es eso cierto? «Sí, es también el nombre de una de las canciones. Fue la primera que lancé. Algunas personas me confunden o me llaman Shima, pero mi nombre artístico sigue siendo mi nombre, Gimena Álvarez Cela. Me gusta mucho esa confusión porque siento que así resalta un poco más la obra sobre el artista. Además, el nombre surgió de un apodo. Mis amistades me suelen llamar Shimi. Tenía una carpeta en el ordenador con fotos y no quería que se confundieran con mis documentos, así que cambié la última letra y resultó en Shima. Jugué con la idea de que se trataba de una versión más adulta. Creé ese personaje para atribuirle todos los sentimientos que quise volcar en el álbum».

«Al empezar a lanzar música en solitario encontré mi camino»

¿A qué se debió la espera para lanzar música en solitario? «A ganar experiencia y encontrar lo que quería decir, cómo y con qué sonido. Por más que tengas canciones, letras y algunas composiciones, la manera en la que querés transmitir eso, la sonoridad, el paisaje musical que querés armar, para mí es lo más complicado de encontrar. Es lo que define tu concepto y estilo. Entonces, no quería que mi primera canción o que mi primer disco, se manifestara de una manera en la que me pudiese arrepentir. Hice bandas y toqué en otras muchas como sesionista, trabajando para ganar esa experiencia y encontrar mi camino, que está claro que lo encontré ahora».

Hace poco más de un año del lanzamiento, ¿cómo fue el proceso de su creación? «Muchas de esas canciones las fui haciendo a lo largo del tiempo y otras quizás fueran hechas en un día. La primera la produje y la grabé en mi casa y fue la que me impulsó a decir: «Ahora me encontré y esta es la canción que voy a lanzar». Así que me marcó el concepto de todo lo que iba a venir después, que por suerte fue llevado a cabo en un estudio de grabación. De un amigo y gran productor argentino que admiro bastante, Tweety González. Empezamos a colaborar en nuestras canciones, él en las mías (Los Fantasmas) y yo en las suyas (El Que Rompe No Paga). Creo que la esencia de cada una de las personas que fui eligiendo y que fueron apareciendo en ese momento son las que también le dieron forma y color al concepto que tiene Shima».

¿Qué canción escogería de su nuevo álbum? «Siempre me representa una diferente, pero yo creo que Shima, porque esa fue la primera que me prendió la lucecita como para decir: ahora voy a hacer el disco. Con todas las otras canciones que ya tenía guardadas y con las nuevas no se me había prendido eso. Se me prendió con esa y por eso la elijo».

Al escuchar el disco hay una canción que no pasa desapercibida al estar en otra lengua. ¿Qué puede contarnos sobre ella? «Maruxiña es una canción que, tanto a mí como a mi familia, nos cantaba y aún nos sigue cantando nuestra abuela Maruja, oriunda de Galicia. Nunca en mi vida escuché la música que la acompañaba, es decir la instrumentación. Pero siempre tuve presente su voz y la manera en la que la canta. Entonces una vez, no sé cómo, se me ocurrió algo que estaba tocando en el piano que me recordó esa canción y me imaginé cómo sería la parte instrumental. Luego, me animé a grabarla».

«Planeo hacer un nuevo disco»

Menciona al productor Tweety González. ¿Cómo es trabajar con él? «Lo más lindo es que estás trabajando con un amigo. Entonces, lo pasas muy bien. Además, siento que me deja expresarme libremente. Lo que lo caracteriza es que habla justo cuando tiene que hablar. Cuando tenía alguna duda y no sabía si una cosa o la otra, por más que él parecía que estaba haciendo otra cosa, siempre estaba escuchando. Entonces, me daba la vuelta y lo miraba y me decía sí o no, y él lo tenía muy claro. Para mí la palabra final la tenía Tweety. Hay muchas canciones en la cual se nota con claridad su color musical».

¿Qué planes tiene? ¿Algún proyecto nuevo en mente? «Planeo hacer un nuevo disco. Tengo varias cosas escritas y música nunca me falta. Tal vez lo que sí me gustaría hacer es no programar tanto lo que haga. Me gustaría hacer como en otras épocas, que se metían en un estudio, hacían la música y la grababan en el momento. Me encargaría de tener las letras para dejarme afluir con la música que salga, porque siento que no me es difícil siempre que me abro en canal. Si hay muchos instrumentos alrededor empiezo a grabar y creo que no hay nada más puro que eso».

Será un concierto con una experiencia única y transformadora. «Mi consejo personal es que dejen las expectativas a un lado», afirma la cantante. No será un espectáculo común, sino un espacio para «soltar todo lo que te pesa». Asimismo, invita al público a participar activamente en una experiencia de «liberación emocional y confrontación». Se enfocará en la ansiedad, la protesta, la denuncia de injusticias, entre otros con un énfasis en enfrentarse a estos problemas de manera directa y decidida.

Desde muy pequeña, empezó a tocar la flauta travesera y comenzó con clases de solfeo hasta tocar la guitarra. La artista explica que «no recuerdo un momento en mi vida en el que la música no estuviera presente». Sin embargo, no comenzó su carrera artística hasta que se inició como cantautora en 2014. Desde entonces, ha participado en numerosos festivales de las Islas.

“Tenemos artistas de gran nivel pero estamos distanciados en cada isla”

El beatbox consiste en la elaboración de ritmos, sonidos y melodías utilizando la boca y los labios, entre otros. Los artistas de este género son conocidos como beatboxers y Rubén Zerpa Naranjo, también conocido como Zerpa, es uno de los más reconocidos a nivel nacional. El artista canario es bicampeón de la Spanish Beatbox Battle, el campeonato de beatbox a nivel nacional (2021 y 2022). Además, consiguió el subcampeonato del Mundo en la categoría de Mejor Efecto de Sonido en el año 2023.

Zerpa descubrió su pasión por el beatbox a muy temprana edad. «Conocí el beatbox por un compañero en el colegio y gracias a eso comencé a practicarlo y ver vídeos al respecto. Más tarde me junté con mi compañero Abdiel en el instituto y nos presentamos al campeonato nacional en la categoría de dobles o Tag Team, quedando cuartos. Ese fue el momento en el que diría que comenzó mi carrera», señala.

Sin embargo, esa no sería la última vez que Zerpa se presentaría a la Spanish Beatbox Battle, pues en 2021 logró su primer título nacional en categoría individual enfrentándose a otros grandes artistas como Cartoy o Gascón. «Recuerdo con especial cariño el primer campeonato que gané. Para mí, fue una meta y un sueño cumplido. Había estado mucho tiempo entrenando para lograrlo y al hacerlo me pude quitar esa espinita clavada», asegura el artista. Ese mismo año, Fabi Boss, otro beatboxer canario, logró ganar en la categoría de loopstation, una disciplina en la que los artistas graban sonidos en una grabadora y crean temas musicales al reproducirlos al unísono.

«Lograr el campeonato de España de beatbox fue una meta y un sueño cumplido»

El beatbox cuenta con múltiples plataformas a nivel internacional dedicadas a la promoción y difusión de este género musical. Sin embargo, de entre todas ellas destaca Swissbeatbox. Esta plataforma es la creadora del campeonato más importante del mundo de beatbox conocida como Grand Beatbox Battle o GBB.

Por su parte, Zerpa cuenta con un vídeo publicado en esta plataforma en la que muestra sus habilidades artísticas: «Estoy muy orgulloso de contar con un vídeo en ese canal en concreto porque yo me crié viendo vídeos y escuchando a artistas de esa plataforma. Para mí es otro logro más en mi carrera y espero que sirva de inspiración para otros beatboxers«.

Como referente del beatbox canario, Zerpa juega un papel fundamental dentro del panorama del Archipiélago y no duda en alabar el buen estado en el que se encuentran los artistas isleños. «El panorama actual de las Islas es especial ya que contamos con unos artistas de gran nivel, concentrados en Lanzarote, Gran Canaria y Tenerife», apunta

Además, se ha propuesto crear un campeonato en Canarias, ya que «es necesario y, aunque sea difícil y dependamos de algún ayuntamiento que nos preste un espacio, el nivel en las Islas es altísimo».

Por último, Zerpa ha elogiado la increíble evolución que ha experimentado el beatbox a nivel internacional desde que lo comenzó a seguir hasta la actualidad. Así dice que durante los últimos años «el beatbox ha evolucionado de manera fenomenal. Se han creado y descubierto una cantidad enorme de sonidos, técnicas y patrones rítmicos que podemos hacer los humanos que hasta hace nada eran impensables».

El artista cuenta con una larga carrera musical como intérprete, colaborador, compositor, docente, arreglista y productor. En el año 2005 viajó a Nueva York para recibir clases privadas del guitarrista Jonathan Kreisberg. Estudió en la Escuela Superior de Música de Barcelona entre los años 2000 y 2011, donde obtuvo dos titulaciones superiores. Y formó parte del profesorado del Conservatorio Superior de Música de Tenerife entre el 2016 y el 2022.

Las letras de las canciones nos relatan historias de amor y hablan de la belleza de la propia ciudad de Nápoles. Por lo tanto, es crucial tener conocimiento del dialecto para así poder expresarla de forma correcta. Actualmente imparte clases y seminarios en varias provincias de España y en las Islas de La Palma y Tenerife. Destaca que su misión principal siempre que se sube a un escenario es conseguir conectar con el público y hacerle partícipe de lo que está viviendo. «Lo que más disfruto de mi profesión es tocar en directo», asegura.