Si escucha la palabra ‘teatro’, ¿qué es lo primero que piensa? ¿Cómo definiría la conexión que tiene con las tablas? «Para mi el teatro es la parte más artística y creativa a la que me enfrento como intérprete. A estas alturas, me considero narradora y el escenario de un teatro es un lugar para narrar y donde me encuentro muy a gusto. Es un espacio sagrado para la palabra y para la interpretación».

Hablemos de La Profesora. ¿Cómo le llega el proyecto y por qué decidió embarcarse en el? «La obra es un texto contemporáneo y su propio autor, Eduardo Galán, es el que me pasa el texto. Desde la primera vez que lo leo me parece que tiene algo especial. En primer lugar, porque aborda la actualidad, y, por otro, debido a que cuenta la relación de dos personajes a través de las curvas de una comedia dramática».

¿Cuál diría que es la fortaleza de la obra? «La dirección de Carla Nyman ha llenado de poesía los espacios escénicos y ha conseguido, con muy pocos elementos, una obra muy hermosa. Junto a esto, que el proyecto trate temas de rabiosa actualidad, me parece lo más destacable. Hablamos de adolescentes que tienen problemas reales y con los que miles de jóvenes pueden encontrar similitudes. Esto provoca que entre las risas, que puede provocar ciertos comportamientos de rivalidad entre padre y profesora, se escuchen largos silencios de emoción y sensibilidad en los teatros ya que la gente capta, de manera perfecta, lo que se cuenta en cada momento. Hay mucho respeto hacia los pasajes dramáticos y me emociona mucho poder conmover».

«La obra trata temas muy latentes en la actualidad»

¿Qué se va a encontrar el público al ver la obra? «La trama cuenta la relación entre una profesora, el personaje que yo misma interpreto y la de un padre de una alumna conflictiva. Durante trece reuniones de tutorías los personajes, en un primer momento antagónicos, van revelando como en un pequeño thriller, cuál es el conflicto que envuelve a la alumna que no se aleja de problemas tan latentes en la actualidad como el acoso, la identidad de género, las relaciones de autoridad y las faltas de actuación en el ámbito educativo».

Temas muy actuales, ¿ha sido díficil hacerle frente? «Es necesario que el teatro sirva para contar estas realidades. Esta obra lo hace desde el respeto y siempre desde una perspectiva amable y amorosa. Esto produce en el público situaciones muy hilarantes pero también le causa complicidad y tolerancia hacia los problemas que se plantean».

Nombraba como el público se identifica con los temas de la trama. ¿Cree que la obra hace reflexionar a las personas que la ven? «Sí. La mayoría de obras teatrales actúan como espejo de la sociedad y en el escenario se revuelven numerosas emociones. Es precioso que las personas se vean reflejadas en el texto o que, a partir de entonces, entiendan la situación y abran su mente».

Conmover desde el teatro debe ser la recompensa más reconfortante… «Emocionar con una propuesta, es cambiar algo en la mente de las personas. Recibimos muchos agradecimientos por contar la historia de gente emocionada que nos cuenta lo que ha vivido. Ayudamos a conseguir más tolerancia y a que los corazones se abran».

«El público demuestra que quiere a los personajes»

En la obra interpreta a la profesora América Alcalá. ¿Cómo evoluciona a lo largo de la obra? «Es una docente que adora su profesión y que lleva muchísimos años ejerciéndola. No quiere jubilarse y su intención es ayudar en el problema de la chica. A medida que avanza la función, se va mostrando su lado más frágil y entre los personajes se van contando sus preocupaciones y miedos. Con este personaje rindo mi propio homenaje a todo el profesorado que siempre ha tenido un papel esencial en la sociedad».

Comparte la obra con Marcial Álvarez, que se mete en la piel del padre de la alumna. ¿Cómo ha sido trabajar con él? «Somos actores muy distintos y nunca habíamos coincidido, pero la verdad es que nos hemos acoplado muy bien. El hace un trabajo estupendo y estamos muy felices ya que el público nos demuestra que quiere y entiende a los personajes».

¿Qué espera de su paso por Tenerife? ¿Tenía ganas de regresar al Guimerá con una nueva propuesta teatral? «El Teatro Guimerá es un lugar precioso. Tengo muchas ganas de volver para acercar nuestra historia. Creo que va a ser una cita mágica, les va a gustar mucho y va a darles de que hablar y reflexionar, tanto de la propuesta y el enfoque del sistema educativo actual ante situaciones de crisis».

¿Cómo nace Mamá Noelia? «Surge de una idea de que nos encontramos en un mundo de hombres, donde ellos predominan, dirigen, distribuyen y organizan. Me inspiré en la frase que dice que detrás de todo gran hombre hay una gran mujer para puntualizar que detrás de una gran mujer puede no haber un hombre».

¿Nos podría comentar cuál es el punto de partida de la obra? «El egoísmo de Papá Noel hacia su esposa. Papá Noel decide dejar de repartir los regalos y es entonces cuando su mujer asume esa ardua tarea mientras él conserva su rol y estatus social, delegando en ella el trabajo pesado».

La obra está inspirada en el famoso Cuento de Navidad de Dickens, en este caso, con una mujer como protagonista de la historia. ¿Qué nos puede contar sobre la representación? «Sí. El espectáculo está inspirado en la Navidad al estilo de Dickens, aunque, en este caso, Mister Scrooge no tiene justificación. Se refleja que Noelia es una mujer que de manera constante ayuda a Papá Noel, pero él la maltrata. A medida que avanza la obra, se desvela que ella es la responsable de todo y que está constantemente salvándole la situación a Papá Noel».

«La obra utiliza la Navidad para abordar temas actuales»

¿Qué destacaría del espectáculo? «El punto fuerte del espectáculo radica en el texto. Creo que el guion es el componente más crucial en cualquier espectáculo. Mamá Noelia cuenta con un texto que evita la ingenuidad. Por ingenuo me refiero a un espectáculo blanco donde el único propósito es hacer reír y entretener. La obra ambiciona a ser más que solo un evento navideño, ya que utiliza la Navidad como pretexto para abordar temas actuales».

Es una comedia que, a través de la figura e historia de Mamá Noelia, trata temas cómo el machismo o las responsabilidades que a lo largo de la historia han tenido las mujeres. ¿Cómo conjuga humor y reivindicación? «Es una fórmula que he empleado durante toda mi vida. Una obra no debe convertirse en un panfleto, ya que de lo contrario, nadie la vería. Nunca podemos olvidarnos del elemento espectáculo, pero, al mismo tiempo, se puede incorporar contenido. De un espectáculo blanco no se aprende nada, debe aportar algo nuevo y hacer pensar al público».

¿Cómo se desarrolla el personaje de Mamá Noelia a lo largo de la trama? «Pues al principio será muy seria y estará enfadada con todo. Luego, vamos comprendiendo porque ha llegado a ese lugar y a ser así».

«Me encanta trabajar con gente de mi tierra»

También forma parte del elenco Santi Almeida, Yeyo Bayeyo y hace unos días publicó en sus redes sociales que colaboran en el espectáculo, sin desvelar de qué manera, Matías Alonso y Blanca Rodríguez. ¿Cómo ha sido trabajar con ellos? «Trabajar con gente de mi tierra es algo que me apetece. La colaboración desinteresada y generosa de Tania Gil, Matías Alonso y Blanca Rodríguez en este proyecto es un gesto de cariño inigualable que admiro profundamente. También ha sido estupendo trabajar con Santi y con Yeyo, ya que ambos han demostrado un gran respeto al dejarse poner en mis manos y confiar en mi trabajo como directora y autora».

Estrenó la obra el pasado 24 de noviembre en el Centro Cultural de Maspalomas en Gran Canaria. ¿Cómo ha sido el primer contacto con el público? «El primer contacto con el público en Maspalomas fue maravilloso y en la segunda función en Agüimes fue igualmente estupenda. Esto demuestra que hay mucho trabajo detrás, con ensayos previos para asegurar la comprensión de lo que se va a hacer en escena».

Gira insular

Tras su paso por el Leal, la obra continuará su gira teatral por las Islas. El día 9 visitará el Teatro Infanta Leonor, en Arona, el 10 el Teatro Unión Tejina y el 15 el Teatro El Sauzal. En Gran Canaria llevará la historia de Mamá Noelia a Telde el día 23 de diciembre, el 29 en Vecindario y el 3o en el Auditorio de Teror, donde las localidades ya están agotadas.

La Navidad es una fecha con mucho trabajo para Mamá Noelia y, pese a que ayuda de manera constante a su marido, ella siempre está en la sombra. La trama gira en torno a la crisis que despierta el egoísmo de Papá Noel, ya que este decide no hacer el reparto de juguetes el día 24 de diciembre y obliga a su mujer a hacer todo el trabajo de esa noche disfrazada de él e impostando su famoso «ho, ho, ho». 

«La obra trata y reivindica muchos temas actuales»

San Juan es la creadora, directora y actriz del espectáculo. Comenta que el proyecto surgió inspirado en la expresión «detrás de todo gran hombre hay una gran mujer», con el objetivo de puntualizar que tras una gran mujer, no tiene porqué haber un hombre. Destaca que el punto fuerte de Mamá Noelia es el texto. «La obra no es ingenua, no solo busca entretener y hacer reír», apunta mientras desvela que el espectáculo va más allá de eso. «Utiliza la Navidad como pretexto para abordar y reivindicar temas actuales», relata.

La actriz está acompañada en el escenario por Santi Almeida (Papá Noel) y por Yeyo Bayeyo. San Juan destaca lo estupendo que ha sido trabajar con ellos ya que han demostrado un gran respeto al dejarse poner en sus manos y al confíar en ella.

Tras su paso por el Teatro Leal, la obra continuará en el mes de diciembre con su gira teatral por las Islas. El día 9 visitará el Teatro Infanta Leonor, en Arona, el 10 el Teatro Unión Tejina y el 15 el Teatro El Sauzal. En Gran Canaria llevará la historia de Mamá Noelia a Telde el día 23 de diciembre, el 29 en Vecindario y el 3o en el Auditorio de Teror, donde las localidades ya están agotadas.

¿Cómo decidió embarcarse en Johnny Chico? «Llevaba mucho tiempo buscando un texto para teatro y entré en una página de guiones australianos y allí di con Go by night, el texto de Stephen House sobre el que hemos adaptado la obra. Me conquistó leer que el mismo actor interpretaba a todos los personajes, suponía un reto y es algo que me encanta. El detonante inicial de la obra es la muerte de la  madre del protagonista y eso es lo que le empuja a iniciar su viaje de autodescubrimiento. Cada vez que leía el monólogo no podía parar de pensar que quería llevarlo a un escenario».

¿Qué ha sido lo más difícil a la hora de crear la obra? «Lo más complicado de este montaje es que además de a Johnny, el protagonista, interpreto a el resto de personajes de la obra, y hay unos diez. Me meto en la piel de su madre, su mejor amigo del que está enamorado, su padre y hasta de un camionero. Darles voz, hacer que se distinguiesen y que fuesen creíbles, ha sido el mayor reto para mí».

¿Qué sientes cuándo te subes al escenario? «El trabajo es una locura. Son ochenta minutos incesantes con un ritmo en escena frenético y desquiciante por momentos. El público pasa de la risa a la emoción en segundos. A nivel actoral es un monólogo complejo. Siento mi corazón latiendo al máximo en algunos momentos de la función, pero disfruto mucho».

¿Cuál diría que es el punto fuerte de la obra? «Que está llena de aristas y que, a través del arte, trata temas como la prostitución, la homofobia o el abuso infantil que llegan a las personas para transformarlas con el entretenimiento, haciéndolas llorar, pensar y reír».

«Es necesario que la cultura nos haga evolucionar y empatizar»

El monólogo tiene una fuerte reivindicación contra la LGTBIQ+fobia y para romper ciertos tabúes en la sociedad. ¿Cree que la cultura debe dar cabida a estas historias, a veces silenciadas? «Es fundamental. Desde que nacemos escuchamos cuentos que dan ejemplos de cual es el camino correcto. Creo que las personas adultas deben elegir sus propias historias. Historias que acerquen a la verdad, a algo que nos haga evolucionar, mejorar y empatizar. Que nos señalen quién es caperucita y quién es el lobo».

Vuelve a retomar la gira en Tenerife. ¿Tiene ganas de meterse de nuevo en la piel de Johnny? «Muchas ganas. Johnny ha sido un revulsivo en mi carrera. Llevo tatuadas en la mente cada una de las palabras de este montaje y mostrárselas al público siempre me hace muy feliz. Siento muchas emociones en cada función. Es un montaje extenuante, pero el feedback de la gente que la ve es tan bonito, que solo puedo estar agradecido».

«La obra hace reflexionar a la gente que la ve»

¿Cree que es una obra que deja huella en el público? «Sin duda. Hemos recibido muchos mensajes de personas que, días después de verla, seguían con el montaje clavado en la sien, haciéndose preguntas, encajando piezas y agradeciéndonos la representación».

La obra lleva en cartel desde su estreno en Valencia en 2021 y suma ya más de cien funciones. ¿Cómo valora la acogida que ha recibido en estos años? «Ha sido alucinante. Sentir al reír al público a carcajadas en un montaje que inicialmente se plantea duro, ver el brillo en sus ojos cuando acaba la pieza o escuchar sus palabras es muy bonito. Repetiría este viaje mil veces».

«Tenemos que trabajar en proyectos que nos ilusionen»

¿Qué le ha aportado la obra tanto a nivel personal, como profesional? «Me ha hecho darme cuenta de que los actores no tenemos que esperar a que alguien llame a la puerta. Es necesario sacar hacia adelante proyectos que nos ilusionen y nos muevan por dentro. Soy consciente de que el reconocimiento da más facilidades, pero ese reconocimiento viene de la experiencia que me ha dado formarme, llamar a puertas que no siempre se abrieron y escoger trabajos sin remuneración para aprender y seguir creciendo».

Ha trabajado en proyectos de televisión, cine y teatro. ¿Dónde se siente más cómodo? «Todo tiene su aquel. Personalmente me encanta la magia del teatro, el poder remover emociones y conciencias en un momento irrepetible. También, reconozco que la repercusión mediática que da la televisión o el cine son brutales y más aún con las plataformas digitales, que hacen que nuestros trabajos se conozcan en todo el mundo».

¿En qué proyectos futuros se encuentra inmerso? «Acabo de participar en el rodaje de Quién es quién, la próxima película de Martín Cuervo y se está preparando la gira de El monstruo de White Roses, un montaje dirigido por Jesús Torres y que protagonizo junto a Lucía Díez. Además, estoy desarrollando mi faceta como escritor y ando preparando la producción de mi primer corto como director y guionista, Abanto: La tradición«.

La obra es una adaptación de Go by night, un texto de Stephen House escrito en los años noventa. Víctor Palmero interpreta, a lo largo de la trama, a diez personajes. Da vida a Johnny (el papel protagonista) y la gente que lo rodea en su día a día: su madre, su padre o su mejor amigo. «Dar voz a tantas personas y hacerlas creíbles ha sido uno de los mayores retos del proyecto», apunta el actor.

Palmero tiene claro que «la fuerte capacidad reivindicativa» de la obra es su punto fuerte. «El texto está lleno de aristas y trata temas que son complicados de hablar en público como la homofobia, las drogas, la misoginia o el abuso infantil», relata. En este sentido, el actor añade que gracias al teatro estas realidades llegan y hacen reflexionar a las personas asistentes a través del entretenimiento, la emoción, la risa y la música.

«Es fundamental que la cultura de cabida a estas vidas silenciadas», comenta Palmero, añadiendo que se debe romper con lo que la sociedad ha establecido como camino correcto. «Las personas adultas necesitan escuchar historias elegidas por ellas mismas que acerquen a la verdad, hagan evolucionar y que señalen quién es Caperucita y quién el lobo», asegura.

¿Qué significado tiene la música en su vida? «Siempre tuve claro que era mi camino. Comencé a cantar con apenas cinco años y esto era lo que me hacía sentir tranquila y en mi zona de confort. Es cierto que cuando empecé en este mundo no sabía donde me llevaría, pero tenia claro cual era mi objetivo así que, en todo momento, seguí mi intuición. A día de hoy, poder dedicar mi vida a la música es un verdadero sueño».

Comenzó compartiendo covers en Instagram y ahora compone sus propias letras. ¿Qué siente al poder publicar sus canciones? «Siento mucha realización. Es una locura mirar atrás y verme empezando a cantar en mi habitación y ahora estar publicando mi música con un proyecto sólido. Para mi cada canción es un reto y cada día es una oportunidad para superarme».

¿Fue fácil abrirse hueco en la industria musical? «Yo creo mucho en el destino y, desde el primer momento, busqué siempre oportunidades e intenté tomar las mejores decisiones para cada caso. No es nada fácil, hay que emplear gran parte de nuestra energía diaria a ello. La clave para mantenerse es ser muy constante».

«Mi primer álbum vio la luz tras varios años de trabajo»

El pasado mes de enero publicó FOMO, su primer álbum de estudio. ¿Cómo nace el proyecto? «Vio la luz después de varios años de trabajo componiendo mucha música y conociendo muchas personas que me inspiraron. Algo destacable es que el disco no seguía una misma dirección desde el principio, sino que fue formándose con el tiempo».

Ha colaborado con cantantes como C.Tangana, Marc Seguí o Danny Ocean. ¿Con que otros artistas le gustaría colaborar? «En este momento de mi carrera estoy muy para mí. No busco nada que no sea orgánico y natural, ya que ahora todas las letras que escribo son tan personales que quiero exprimirlo al máximo. Puestos a soñar me encantaría cantar con Luis Miguel o Rihanna».

«Estoy escribiendo las canciones más preciosas de toda mi carrera»

La primera jornada del festival comenzó el viernes a las 15.30 horas con las actuaciones de Jesse Chacón, Taichu, Blvck Seal y Lyanno. Una de las sorpresas del día fue Quevedo, quien actuó junto a varios artistas para sorprender al público presente. A continuación, le llegó el turno a Ptazeta que hizo vibrar con sus éxitos como Mami, Trakatá y Mujerón, esta última acompañada de Villano Antillano en el escenario. Eladio Carrión y Mora fueron los siguientes artistas que actuaron en las plataformas del Boombastic, continuando con Duki, al que la audiencia le cantó «cumpleaños feliz» cuando el reloj marcó las doce de la noche. Después se le dio paso a Bizarrap quien, sin duda, fue uno de los platos fuertes de la noche.

Durante más de una hora, el productor enloqueció al público con sus éxitos mundiales en un show con muchas sorpresas y variaciones en algunas de sus music sessions. El argentino finalizó su espectáculo arropado en una bandera canaria y agradeciendo la energía a la Isla, mientras el público disfrutaba con la sesión de Quevedo.

El sábado llegó el turno de Emilia, Don Patricio, Villano Antillano, Saiko y Tokischa. Bad Gyal fue la encargada de cerrar el festival con un espectáculo en el que, acompañada de sus bailarines, hizo que el público rugiera y disfrutara con éxitos como Fiebre, Chulo o Flow 2000.

Texto: Yoel Peña // Vídeo: Nieves Santana

¿Cómo le llegó la propuesta para dirigir la obra? «A mi me llama la persona que distribuye los espectáculos de La Calórica y me comenta que conoce a unas amigas que querían montar un texto teatral y que buscaban un director joven para dar una visión y un enfoque distinto. Él les había hablado de mi y me pareció algo guay. Luego me enteré que esas amigas eran Candela Peña y Pilar Castro y me quedé encantado. Tras leer el texto, que me pareció muy interesante, acepté la propuesta e iniciamos el viaje».

Contracciones es una adaptación de Love Contract de Mike Bartlett. ¿Cómo ha sido el proceso de construcción de la obra? «Creo que hemos obtenido un buen resultado. La obra ya estaba montada en Inglaterra pero solo estaba escrita para la radio, con diálogos y sin apenas acción. Lo que hicimos fue fomentarle a la obra todo lo que no estaba escrito, crear la visual de las escenas que la componen».

El proyecto tiene un toque de crítica social. ¿Qué cuestiones quiere reflejar? «La pieza es bastante contundente con el abuso de poder y con la idea de que no hay que dejarse apretar o ceder ante pequeñas amenazas o peticiones de las empresas, por ejemplo, el miedo a quedarse embarazada por perder el puesto de trabajo. Refleja que tenemos que ser conscientes de dónde están los límites para que los altos cargos no nos ganen la partida».

Creo que es un tema que hace reflexionar a la gente que está en la butaca del teatro... «Sin duda alguna… Todas las personas hemos vivido o conocemos a alguien con problemas laborales. En los encuentros con el público que hemos hecho, cuentan testimonios reales sobre acoso laboral que nos sorprenden mucho. Contracciones es una exageración de estos casos, que los lleva al ridículo. La gracia de la obra es que esa hipérbole es un símbolo de que si nos impacta, es porque en el fondo no es tan extraño».

«La pieza representa una relación de acoso laboral»

¿Cuál diría que es el punto fuerte de la obra? «Las dos actrices que tiene y la atmósfera tan bonita que crean juntas. Tanto Candela como Pilar son dos genias de la interpretación y lo dan siempre todo en escena. Hacen que la obra sea una montaña rusa que viaja entre la comedia y la angustia».

¿Y este vaivén de emociones era algo importante desde que se comenzó a montar la obra? «Sí. Me parecía que la obra tenía que generar sensación de asfixia, encima del escenario y sobre el público. Comienza con un tono cómico que despierta carcajadas entre la gente presente y el cerco se va estrechando hacia la oscuridad. Todo esto es posible gracias a las actrices y a la atmósfera que se crea por la iluminación y la música. Es la forma de representar la sensación que tiene el trabajador ante una situación de acoso laboral».

¿Cómo ha sido trabajar con Candela Peña y Pilar Castro? «Hemos trabajado desde un sitio muy cómodo. Pilar es la jefa y Candela la empleada de la empresa y hemos jugado a crear sus personajes, poco a poco. Al principio fue complicado para romper con el estatismo del texto, pero ha sido un lujo compartir este viaje con ellas ya que cada vez que se  suben al escenario dan una lección de maestría actoral».

«Espero que la gente de Tenerife disfrute mucho»

Contracciones se estrenó desde el pasado 25 de enero al 19 de marzo en el Teatro Pavón de Madrid e hicieron temporada en Barcelona hasta finales de mayo. ¿Cómo valora la acogida? «Ha sido muy calurosa. Hemos estado con los teatros llenos durante todas las funciones y con un público entregado, siempre en pie, que sale del teatro muy contenta por ver la obra pero, a la vez, lleno de angustia».

¿Qué espera de la nueva gira? «Creo que allá donde vayan les va a ir bien. Son dos actrices muy queridas y que el público quiere ir a verlas porque las ha visto en cine y en televisión. Espero que en Tenerife guste mucho y que sea un buen pistoletazo de salida para la gira de este año que empieza en verano».

La obra es una adaptación de Love Contract, una serie de radiofónica de la BBC creada por el dramaturgo Mike Bartlett. Candela Peña es Emma, una empleada de la sección de ventas de una empresa que es entrevistada por su jefa (Pilar Castro) acerca de su vida amorosa por la relación que tiene con Darren, un colega de trabajo. Poco a poco, el personaje de Pilar Castro exige más detalles a la trabajadora y termina manipulando aspectos de su vida.

Israel Solà, director de la obra, señala que el punto fuerte del proyecto son Candela y Pilar ya que piensa que son dos genias sobre el escenario que crean una gran atmósfera. «Siempre que actúan dan una lección de maestría actoral», apunta. Además, relata que Contracciones provoca que «el público presente esté todo el rato subido en una montaña rusa», ya que se pasa de la comedia a la angustia en cuestión de segundos.

«La obra trata un tema que, sin duda, hace reflexionar a la gente que la vea», comenta Solà pensando que, en mayor o menor medida, todas las personas han sufrido alguna vez situaciones laborales similares o conocen a alguien que las haya vivido. Sobre esto, desvela que en los encuentros con el público, tras las funciones, ha escuchado testimonios reales que le sorprenden mucho. Respecto a la representación en Tenerife, el catalán espera que sea un éxito como ha sido en Madrid y Barcelona, con la mayoría de funciones con el cartel de localidades agotadas.

Gira nacional

Tras su paso por el Teatro Guimerá, la obra continúa su gira durante lo que resta de año. Las primeras fechas confirmadas son el 8 de julio en Cangas, del 2 al 6 de agosto en San Sebastián, el 14 y 15 de octubre en Palma de Mallorca, el 20 y 21 de octubre en Villanueva de la Cañada y el 28 del mismo mes en Viladecans.

Ante un Paraninfo con las localidades agotadas, la palmera salió al escenario envuelta en un caluroso aplauso. Comenzó a tocar la guitarra y, poco a poco, fue atrapando al público con sus notas. Tras las primeras canciones, Dentro, el interludio del álbum y Poquito, la artista se presentó entre risas: «Por si alguien no me conoce soy Valeria Castro y estoy muy contenta de estar aquí». Además, aprovechó para agradecer la asistencia y el apoyo que siempre recibe en Tenerife.

«Con cariño y con cuidado es un disco muy especial»

El concierto continuó con Culpa y Ay, amor, dos de las seis canciones que conforman su EP, Chiquita. Castro también compartió con el público lo que siente con su nuevo trabajo. «Este disco es muy especial, no solo por ser el primero, sino porque habla mucho  de mi hogar y tiene unas raíces muy profundas». Tras esta reflexión, cantó, acompañada de su banda, La raíz, una canción que trata la importancia del autocuidado y de priorizarse en determinados momentos de la vida.

Las siguientes canciones fueron Un hogar, un emotivo canto que arropa a la sociedad palmera tras la erupción del volcán, Techo y paredes y Perdón (no me había dado cuenta). Después de esto, las luces de la sala se desvanecieron y presentó, a piano y voz, Con cariño y con cuidado, la canción que da nombre al álbum y que nace por la educación y la forma de vivir que le enseñaron en su infancia. Abril y mayo, Costumbre, Cuídate y La corriente fueron algunos de los sencillos que cerraron el concierto, aunque, para finalizar, la joven cantautora protagonizó uno de los momentos más emotivos de la tarde.

«No me voy de La Laguna sin cantarle a mi madre, que hoy la tengo cerquita», anunció Castro. Dedicó Guerrera a todas las mujeres de su vida y a las que estaban presentes en el Paraninfo. Mientras cantaba al grito de «Guerrera, yo te llevaré en el alma la vida entera», las lágrimas le impidieron continuar y el público tomó las riendas de la canción haciendo que la joven cantautora se emocionase aún más.

Gira canaria

Tras más de una hora y media de concierto, la cantante agradeció todo el cariño que había sentido y se despidió con un público en pie que protagonizó un aplauso de varios minutos. En los próximos días, Valeria Castro terminará su gira por Canarias visitando, El Hierro, La Palma y Lanzarote de la mano de Latitud Canarias para, después, continuar su tour por el resto de España y parte de Latinoamérica.

Bontempi recuerda que su vocación para actuar se fue despertando desde que era una niña. «Empecé mostrando algunos indicios. Cuando tenía cinco años le dije muy convencida a mi padre que quería salir en la televisión y me fascinaba ir a ver el circo», señala. A partir de los once años, comienza a formarse con distintos cursos que la introdujeron en el arte dramático.

«Hay varios proyectos que han dejado huella en mi vida»

Piensa que su carrera ha sido «lenta pero constante» ya que considera que ha recorrido el camino como una hormiga: «Desde que era muy joven me fui a estudiar a Londres y a Los Ángeles y ya llevo más de veinte años en Madrid. Ha sido un proceso de subir las escaleras pasito a pasito». Si tuviera que destacar algún aspecto de su carrera, no duda en poner en valor todos los proyectos que la han marcado, dejándole una gran huella tanto en lo personal, como en lo profesional.

La serie Nacho es el trabajo más reciente de la actriz. La ficción, basada en la vida de Nacho Vidal, muestra las luces y las sombras de la industria de la pornografía y sus comienzos en España. Recuerda que hizo varias pruebas y que uno de los puntos para decantarse por el proyecto fue Bambú, su productora: «Me dio mucha confianza las series que tienen a sus espaldas, su gran visual y su forma de trabajar. Sabía que iban a hacer algo espectacular».

Explica que «antes de que se estrenara la serie, quizás había cierto morbo por que Nacho Vidal fuese el eje conductor», pero piensa que existen otros aspectos que sorprenden, como el enfoque de las tramas o el dinamismo.

La tinerfeña interpreta a María Bianco, una actriz, directora y productora de cine porno. «Todos los papeles están inspirados en personas reales, a modo de referencia, pero al  interpretarlos son muy diferentes», afirma. En cuanto a su personaje, desvela que le atrajo «que fuera una mujer con mucho poderío, ejecutiva, fuerte y sumamente sexual, desde el punto de vista del disfrute».

«He tenido que romper mis tópicos con el cine porno»

A la hora de ponerle voz a su personaje y de enfrentarse a la serie, la actriz indica que ha tenido que superar una serie de prejuicios respecto al cine para adultos. «En Nacho no hacemos pornografía, pero sí la interpretamos», sentencia. Asimismo, desvela que ella era la primera que tenía tabúes con el porno y que ha tenido que romperlos. «Fue una forma de quitarme prejuicios que tenemos todas las personas», añade.

«Una serie como Nacho requiere muchas partes subidas de tono», narra. El rodaje del proyecto contó con la figura de la coordinadora de intimidad, que ha ayudado en las escenas de sexo. Bontempi indica que «es un rol novedoso en España y que ha sido bastante importante», ya que da la confianza de estar en un entorno protegido y tranquilo. «Siempre me preguntaba con qué no me sentía cómoda o hasta que punto quería llegar y, eso, es de agradecer», añade.

«La gente no esperaba el dinamismo de la serie»

La actriz comenta que «el proyecto está teniendo una buena acogida, tanto en nuestro país, como en Latinoamérica» ya que cree que la gente no se esperaba que fuera tan dinámica y divertida. Además, desvela que, para ella, el punto fuerte del proyecto es el ritmo, el entretenimiento y la capacidad de generar morbo sin caer en lo obsceno.

En cuanto a proyectos futuros, cada domingo se estrena un nuevo capítulo de Nacho y la actriz desvela que, este año, se mantendrá en el mundo de la ficción. «Estoy preparando una serie nueva para este año, pero no puedo adelantar mucho», concluye.

¿Cómo valora la situación actual del cine español? «Está pasando una mala racha. Las salas de cine están vacías y corren peligro. Por eso, pienso que los festivales son muy importantes para que el cine siga manteniendo su esencia, para que no caiga en el olvido. Considero que un país sin cine se queda ciego, le faltaría un trozo de cultura».

¿Qué ha sido lo más importante de toda su carrera? «El público. La gente me quiere mucho, me lo demuestra y es lo mejor que me puede pasar. Siempre digo que mis premios son las personas que me siguen y me apoyan. Son la gran motivación de mi oficio. Sin el público nada de esto tiene sentido».

«Si echo la vista atrás, me asombro de mi recorrido»

¿Tenía ganas de regresar a Canarias? «Estuve el año pasado en el Teatro Guimerá con Una noche con ella, mi último espectáculo, y estoy muy contenta de regresar a las Islas. Me tratan siempre genial, disfruto mucho de vuestra tierra y aquí siempre me he sentido muy querida».

¿Cuál ha sido el mayor aprendizaje que ha obtenido? «Hay muchos aspectos. Quizás, lo que he aprendido es a perseguir las metas y a llegar a ser lo que mi corazón me ha dicho. Si echo la vista atrás, hoy me asombro de todo el recorrido que he hecho y de todos los esfuerzos. También, pienso que elegir este camino ha valido la pena, pese a todos los contratiempos que han surgido».

Y seguirá valiendo la pena... «Pues claro. He llegado hasta aquí y yo voy a seguir contando, interpretando y hablando de lo que me gusta».

Se ha metido en la piel de muchas mujeres y ha trabajado en muchos proyectos distintos entre sí. ¿Hay algo qué no haya hecho todavía y en lo qué desea participar? «Pues quiero estar en un musical. Ja, ja, ja… Me gustaría un musical grande, donde yo cante un poco, me marque mis pasitos, pero en el que yo sea la maestra de ceremonias. Si es verdad que Una noche con ella tiene ese toque musical, pero quiero algo más espectacular».

«Creo que Alimañas va a gustar mucho»

Ya terminó de rodar Alimañas, la primera película de Jordi Sánchez y Pep Antón Gómez. ¿Cómo ha ido el rodaje? «Todo muy bien. Es una comedia negra que creo que va a gustar y que va a ser muy graciosa. Además, el elenco es muy bueno y coral. Carlos Areces y Jordi son los protagonistas absolutos y completo reparto junto a Silvia Abril, Carmina Barrios y Pilar Bergés. Se va a montar una…».

¿En qué proyectos futuros la veremos pronto? «A finales de marzo empiezo con la nueva temporada de La que se avecina y estaré rodando hasta diciembre. Creo que este año ruedo la película Padre no hay más que uno 4 de Santiago Segura. Tengo también otras cositas en marcha, aunque no puedo adelantar mucho. Ya lo iréis viendo».

¿Cómo empezó en este mundo? «Pues comencé estudiando Filología y, después, ingresé en una escuela de teatro para formarme en dirección y dramaturgia. A partir de entonces, trabajé como ayudante de teatro y escribí mis primeros textos. Luego, llegué a la televisión y sentía que no encajaba mucho ya que tenía que adaptarme a las normas de las series y no tenía tanta libertad creativa».

El pasado mes de diciembre estrenó Fácil, su primera serie, inspirada en la novela Lectura Fácil. ¿Cómo nace el proyecto? «Fue todo por mi amiga y actriz Pilar Gómez, que me conoce mucho. Leyó el texto de Cristina Morales y me dijo que tenía que hacer una serie. Luego la leí y me inspiró muchísimo, Enseguida le pedí una entrevista a la autora, le solicité los derechos y comenzó el viaje».

¿Qué dificultades tuvo a la hora de adaptar el libro a la serie? «El proceso de escritura fue muy duro. La novela da voz a cuatro mujeres que no interactúan entre ellas. Lo único común es lo que cuentan, en un punto determinado. Entonces, era complicado porque las protagonistas no tenían trama conjunta ni ningún tipo de vínculo. Otro gran reto fue crear un universo de personajes que no estaban en la novela, para crear un contexto audiovisual.

«Con el rodaje me he dado cuenta de los errores que cometía»

¿Qué le ha aportado Fácil, tanto a nivel personal como laboral? «Sin duda, lo más bonito de este viaje ha sido poder conocer a mucha gente con discapacidad y darme cuenta de los errores que yo misma cometía en cuanto a poner la discapacidad antes que la persona. Creo que esto es un problema social. También ha cambiado bastante mi visión como creadora».

¿Siempre estuvo presente el objetivo de hacerle llegar un mensaje a la sociedad? «Por supuesto, aunque el toque de crítica social lo quise suavizar. Me interesaba más contar la historia de cuatro mujeres. La cuestión es que están tuteladas y privadas de libertad y no pueden desarrollarse. La crítica está ahí».

La serie esta protagonizada por Anna Marchesi, Coria Castillo, Natalia de Molina y Anna Castillo. ¿Cómo ha sido trabajar con ellas y con el resto del reparto? «Ha sido fantástico. Al principio tuvimos numerosos ensayos porque los personajes son muy delicados y había que verlos de manera individual y en conjunto. Asimismo, hubo un proceso de búsqueda de qué tipo de discapacidad podrían tener, sobre todo las de Natalia y Anna Castillo que eran las actrices más reconocidas y las que más vulnerables se han sentido».

Lo que trae consigo una mayor preparación del personaje… «Eso está claro. Hicimos una piña y ellas trabajaron mucho. Conocieron a personas con discapacidad para poder interpretar, desde el respeto siempre. Por ejemplo, Natalia de Molina tuvo la oportunidad de conocer a Alma, una chica con el mismo grado de discapacidad que Marga, su personaje. Después de esto, lo más importante fue ver que todo funcionase a nivel humano que era lo que más me interesaba».

A la hora de seleccionar las actrices, ¿tenía los nombres claros desde un primer momento? «Mi primera idea era que no fuesen actrices conocidas para evitar ese primer impacto que podría tener la gente viendo a Anna Castillo o a Natalia interpretando a un personaje con discapacidad. Luego, Movistar+ me pidió que por lo menos la mitad de las protas fueran reconocidas para que el proyecto tuviese otro tipo de interés».

«Creo que Fácil ha hecho pensar»

¿Cómo valora la acogida de la serie en sus primeros meses? «Creo que hemos hecho un gran trabajo, estoy muy contenta. Hemos puesto en el audiovisual un tema que nunca se había tratado. Ellas son las verdaderas protagonistas y vemos el mundo a través de sus ojos. Aunque también hemos estado expuestos a críticas».

¿De dónde cree que proviene ese rechazo? «La mayoría de comentarios negativos giran en torno a que actrices sin discapacidad interpreten estos personajes. También, mucha gente me ha dicho que no la ha visto porque el tema no le apetece y eso me lleva a pensar que la discapacidad no está tan integrada como pensamos. Supongo que será porque no les apetece que desde una serie le cuestionen ciertos temas y actitudes».

Comentaba que hacer la serie le ha cambiado su visión como persona y creadora. ¿Cree que ha podido también cambiar la de la gente que la haya visto? «Me han escrito muchas personas diciéndome que la serie funciona como un bofetón de realidad. Creo que hace pensar que las personas, en mayor o menor medida, podemos estar en un saco que trata a las personas discapacitadas con desdén, con un tono de compadecencia y con intención de infantilizarles y esto debería cambiar. Creo que, pese a todo lo malo que podamos haber hecho, lo bueno, también esta ahí».

La Muestra de Cine Español surgió con el objetivo de poner en valor el cine español y, así, reivindicar su calidad. Esta tercera edición comenzó con la proyección de La reina de España, una película de Fernando Trueba estrenada en 2016.

La trama gira en torno a Macarena Granada (Penélope Cruz), una estrella de cine que regresa a la España franquista para interpretar a Isabel la Católica y se ve envuelta en los entresijos de la dictadura. El reparto del filme lo completan, entre otros rostros, Antonio Resines, Rosa María Sardá, Javier Cámara, Chino Darín y Neus Asensi.

La película terminó y, entre aplausos, subió al escenario Luis Yeray Gutiérrez, alcalde de La Laguna, para entregar el premio honorífico a Loles León. La actriz agradeció al equipo de la Muestra el galardón y afirmó que «su mayor regalo es el público» y que sin su apoyo su carrera no habría sido lo mismo.

«El rodaje de La reina de España fue muy duro»

El evento continuó con un coloquio moderado por el codirector de la Muestra, Ramón González Trujillo, en el que León y Areces charlaron, en primer lugar, sobre la película de Trueba. Loles León señaló que le guarda mucho cariño a su personaje ya que tiene mucho parecido con ella misma y, también, aseguró que «el rodaje fue muy duro, porque había muchos exteriores».

El actor, que solo rodó una secuencia, comentó que en esta película era la quinta vez en su carrera que encarnaba a Franco y aseguró, con tono irónico, que «uno de los talentos que le había dado la vida era parecerse al Generalísimo. «Me pongo una peluca y soy mi madre, un bigote y soy Franco», afirmó entre carcajadas.

Loles León recordó, durante el coloquio, que en Águila Roja, interpretaba a la madre del personaje de Areces y que, desde entonces, han coincidido en otros proyectos y han forjado una fuerte amistad. «Desde ahí tengo claro que es mi mamá», declaró Areces.

«Mujeres al borde de un ataque de nervios me marcó»

Asimismo, hablaron sobre los proyectos más especiales de sus respectivas carreras. Carlos Areces no dudó en su respuesta: «Me marcó mucho Balada triste de trompeta, me costó mucho rodarla y me lanzó a la fama».

Loles León recalcó que todos sus trabajos son muy importantes, pero que su pequeño papel en Mujeres al borde de un ataque de nervios marcó su vida y le dio un cambio de 180 grados. «Fue un antes y un después. Es un personaje con un gran impacto en mi vida personal y artística»

Al finalizar la charla, Carlos Areces pidió la palabra y arremetió contra Loles León y con la organización. «No me han dado ningún premio, creo que ha sido un lamentable error», bromeó despertando grandes risas entre las personas asistentes. Tras este primer encuentro, la Muestra de Cine continuará el próximo miércoles, 8 de marzo, con la proyección de Viaje a ninguna parte, que contará con con la presencia del actor Gabino Diego.

Esta tercera edición estará marcada por las personas invitadas. Una de las actrices que visitará la Isla será Loles León, reconocida por su larga trayectoria, tanto en la gran pantalla como en televisión. Ramón Gónzalez Trujillo, director de la Muestra de Cine, resalta que la figura de la actriz es muy relevante en el panorama nacional. «Tiene mucho talento y es una maravilla de persona», afirma. El plantel de invitados lo completan los actores Gabino Diego y Carlos Areces.

Programa

El evento comenzará este sábado, 4 de marzo, a las 19.00 horas, con la proyección de La reina de España, una película de Fernando Trueba. Tras el visionado, se llevará a cabo un coloquio con la actriz Loles León, una de las protagonistas del filme, y el actor Carlos Areces. León y Areces podrán conversar sobre la película y, también, responderán a las preguntas de las personas presentes. Ramón González tiene claro que «la mesa redonda va a ser una garantía de éxito y que va a divertir mucho».

El miércoles 8 de marzo, también a las 19.00 horas, se proyectará Viaje a ninguna parte, una película de Fernando Fernán-Gómez, protagonizada por Jose Sacristán y Juan Diego. Esa misma tarde, habrá un coloquio con el actor Gabino Diego, a modo de homenaje por su trayectoria.

Esta edición suma, a diferencia de años anteriores, un día mas a su programación. El viernes 10 de marzo se proyectará La caza y se llevará a cabo una masterclass, impartida por el profesor Gonzalo Pavés, para rendir tributo a su director, Carlos Saura. En esta jornada se hará un recorrido por la figura del cineasta, la importancia de su trabajo y su contribución en el mundo del arte.

González comenta que «el equipo esta muy contento con todo lo que tienen preparado» y anima a todas las personas a asistir a las proyecciones. «Compartir cine con la gente que hace cine pasa muy pocas veces y hay que aprovecharlo», declara.

¿De dónde viene su amor por la música? «Siempre digo que no se cuando empecé a querer dedicarme a la música porque ella me dedicó a mi. Ha sido al revés. Desde que era una niña mi padre cantaba y me enseñó a tocar el cuatro venezolano. Recuerdo que siempre quería cantar en el coro de la iglesia y participar en los musicales del colegio, me llamaba mucho la atención. Creo que, poco a poco, me di cuenta de que no se me daba mal y aquí estoy».

¿Cómo fueron sus comienzos en este mundo? «Años más tarde, comencé a tocar la guitarra y formé una banda con una amiga. Con este dúo nos presentamos a Cuanto vale el show, uno de los programas musicales más importantes de Venezuela y aquí tuve mi gran salto. Al salir nos fichó una discográfica y en ese momento inició todo».

¿Qué significa la música para usted? «Es una forma de vivir y de llevar los días, más allá de dedicarme de manera profesional a ella. Siento que es un estilo de vida, todo lo relaciono con tempos, ritmos y melodías. Si no fuera cantante, sentiría lo mismo. Ahora que soy madre es más importante, si cabe».

¿Cómo fue su llegada a España? «A nivel profesional me iba muy bien con mi grupo en Venezuela y en Puerto Rico. Con 23 años llego a Madrid y me flipó la vida del lugar, su estilo de llevar la música. Fue un flechazo por una vida bohemia. Empecé a tocar en sitios pequeños y me fui quedando».

«Me meto en situaciones para cantarlas con mi voz»

¿En qué se inspira para componer sus canciones? «Depende de mis emociones y de la época en la que me encuentre. Si estoy feliz, me sale una buena de amor. Otras de existencialismo o despecho. Varía mucho. A veces me invento historias y me meto en esas situaciones para cantarlas con mi voz».

¿Podemos ver, entonces, a Georgina entre las letras? «Sí. Totalmente. En ocasiones es algo descarado, me marco un Shakira casi siempre. Ja, ja, ja. Se me ve el plumero en cada tema. Mola mucho. Al final es cómo construir un álbum fotográfico con canciones que hablan de mi vida.

Ha publicado numerosos sencillos, cuatro discos de estudio. ¿Le guarda especial cariño a algún trabajo? «Tengo muchas niñas bonitas entre mis canciones. Actualmente me siento muy identificada con Infinitamente, que habla del amor y de mi presente. También tengo algunas que disfruto mucho con ellas sobre el escenario».

Hablemos de Bienvenido a mi habitación, su disco más reciente. ¿Qué significó este trabajo para usted? «Fue una forma de desnudar mis canciones antiguas e incluir nuevos temas, una reconciliación entre el pasado y el presente. Está hecho en un formato acústico, con una imagen y arte muy propio. Fue una época donde incorporo nuevos ritmos y géneros y plasmarlos. Fue un lujo colaborar con voces como Pablo López  o Vanessa Martín».

Comienza su gira 2023. ¿Qué puede esperar el público? «Este tour va a contar con temas inéditos y voy a contar mis historias. Va a ser un show muy intenso y muy pequeño, conmigo y con mi guitarra. Además, algo muy especial es que cada concierto de la gira va a ser único porque cambio las canciones y el argumento. Tengo ganas de visitar ya todas las ciudades».

¿Qué nuevos proyectos tiene en mente? «Pues estoy terminando de producir un tema nuevo que se llamará Superpoderes, una canción que le compuse a mi bebé antes de dar a luz. Seguiré grabando temas porque el disco saldrá dentro de muy poco».

Georgina inicia su camino en la música hace más de veinte años en Venezuela al participar en Cuánto vale el show, uno de los programas musicales más importantes del país. Tras cosechar un gran reconocimiento en su país natal y formar un grupo, la cantante decide quedarse a vivir en España para emprender su carrera en solitari0.

A lo largo de su trayectoria ha publicado numerosos sencillos, cuatro discos de estudio y ha colaborado con voces como Vanesa Martín, Pablo López o Dani Fernández. Además, en 2012, la nominaron a los Latin Grammy en la categoría de mejor vídeo musical de versión corta.

«Tengo muchas ganas de volver a Canarias»

La artista comenta que para ella «ya es tradición empezar sus tours en Canarias» y que tiene muchas ganas de regresar. «Tengo un amor mutuo con las Islas desde siempre, me parece un lugar increíble», afirma.

La venezolana ánima a la gente a ir a su conciertos: «Si están cerquita y quieren desconectar y pasar un buen rato, ahí voy a estar yo para hacerlo posible». Tras su paso por el Archipiélago, la gira continuará hasta el próximo mes de mayo y visitará ciudades como Gijón, Sevilla, Valencia, Alicante o Zaragoza.

Estudiaba cine. De pronto, la serie Élite se cruza en su camino. Realiza el castin y deja su formación para dedicarse de lleno a la interpretación. El actor comenta que «siempre ha tenido ganas de trabajar en el teatro» pero que nunca había tenido la oportunidad para hacerlo. Hace poco menos de un año, llegó a sus manos el texto de El sonido oculto junto a la propuesta de sumarse al proyecto de Juan Carlos Rubio. Ayuso tiene claro que aceptarlo fue una buena decisión: «Para mi debut teatral esta obra es lo mejor que podría haber tenido».

«Al pisar el escenario entendí que ese era mi lugar»

Recuerda que, en un primer momento, le daba algo de vértigo subirse al escenario y que «no quería sentirse un impostor» y encontrarse en el sitio equivocado. «El teatro es algo sagrado para mí y para el mundo actoral, por eso le guardo mucho respeto», señala. Con ilusión, narra que una vez pisó el Teatro Leal, lo comprendió todo: «Entendí que es mi lugar y que quiero estar en el mucho tiempo más».

Ayuso subraya que El sonido oculto «ha sido un reto». La trama de la obra gira en torno a la historia entre una profesora de Literatura de la Universidad de Salamanca (Toni Acosta) y Hugo Barroso, un alumno que le pide consejo para escribir su primera novela. A partir de entonces, comienzan a conocerse y a intentar solucionar algunos de sus problemas.

«Hugo es un desconectado de la realidad y de su generación», relata Ayuso mientras define su papel. Comenta que su personaje no tiene redes sociales, escribe a máquina y tiene una «lengua afilada» y una gran velocidad mental. «En su interior se esconde un chico solitario y con traumas enormes que le llevan a realizar acciones a lo largo de la obra», asegura.

«Mi personaje es uno de los papeles más ricos de mi carrera»

A la hora de crear el personaje teatral, el madrileño ve diferencias con la televisión y lo define como «algo más intenso a nivel emocional, mental y físico». Expresa que el proceso de meterse en la piel de los personajes es parecido al de una serie, pero que el hecho de interpretarlo con un arco completo hace que lo conozcas más. Confiesa que Hugo Barroso ha sido muy importante para él: «Es probable que sea uno de los papeles más importantes y ricos de mi carrera en cuanto a información, tiempo dedicado y capas que le he podido dar»

Para llegar al estreno de la obra en Tenerife, han pasado unos meses de creación, ensayos y trabajo. Al ser preguntado por este proceso, no duda en destacar a Toni Acosta: «Lo más bonito de este viaje ha sido conocerla». Desvela que la actriz tinerfeña «ya se ha convertido en una persona imprescindible» en su círculo de intimidad y que se ríe mucho con ella. «Es un animal escénico, me tranquiliza estar a su lado», señala agradecido.  Asimismo, relata que en los últimos meses ha vivido un buen momento personal y laboral.

El actor, además de debutar sobre las tablas, ya se ha puesto detrás de las cámaras para dirigir Matar a la madre (2021), su primer cortometraje protagonizado por Iván Pellicer y La Bien Querida. Apunta que esta experiencia ha sido lo mejor de su vida profesional. «La historia llevaba mucho tiempo en mi cabeza y tenía la necesidad de que fuese contada», afirma el joven madrileño.

«Este año viene cargado de trabajo, algo que se agradece en la profesión», cuenta Ayuso refiriéndose a sus proyectos futuros. Comenta que continuarán con la gira de El sonido oculto este viernes en el Teatro Víctor Jara, en Gran Canaria, y que luego visitarán ciudades como Madrid o Barcelona.

El actor revela que escribe en sus ratos libres para dirigir otro corto el próximo año. También, relata que ya rueda la séptima temporada de Élite y prepara una nueva serie: «Tengo un nuevo proyecto con una plataforma que me hace muy feliz porque conecto bastante en lo personal».

¿Qué significa el teatro para usted? «Siempre digo que es mi lugar, el ámbito de la profesión que más me gusta y al que siempre vuelvo. Para mí el teatro es como un gimnasio, te pone a prueba. Actúas sin las trampas de un rodaje, sin repetir y sin montajes. Compartir historias con el público y llevar la cultura a diferentes lugares me aporta mucha energía».

Estrena a nivel nacional El sonido oculto en su tierra y además en La Laguna, su ciudad. ¿Qué sensaciones tiene? «Lloro todo el rato. En el momento que se nos planteó dijimos que sí enseguida, pero luego la vida va muy rápido. Cuando ya he estado aquí subida al escenario me he dado cuenta del acto de amor que supone que venga a verme mi familia, mis amigas e incluso mis profesoras del colegio que me han dicho que tienen entradas. Se que me voy a ir de Tenerife con el corazón lleno de cariño para el resto de la gira».

¿Cómo surgió el proyecto? «Yo leí el texto de Adam Rapp, en el que se basa la obra, en un avión a finales de 2020 y durante un tiempo el texto no se me quitaba de la cabeza, lo volvía a leer y lo paseaba por mi casa. En ese momento yo estaba trabajando con Juan Carlos Rubio, nuestro director, en la gira teatral de  Anfitrión. Cuando terminamos le enseñé a Juan Carlos El sonido oculto y aquí estamos. También creo en las casualidades y que, a veces, hay determinadas cosas que están para ti, y en mi caso ha sido con esta obra».

¿Cuál es el punto fuerte de El sonido oculto? «Lleva a la gente desde el drama a la comedia. Esto me emociona mucho. Mi personaje es tan solitario que es capaz de estar llorando y a la vez reírse de sí misma por estar entre lágrimas. Eso ha sido un reto personal al que me he enfrentado como actriz».

Coprotagoniza la obra con Omar Ayuso. ¿Cómo ha sido vivir este viaje con él? «No tengo palabras para agradecer que un actor como Omar, en este momento de popularidad y triunfando mundialmente por sus series, se venga al Teatro Leal a estrenar conmigo esta función. La evolución de Omar desde el primer día hasta ahora es como si te subes al Teide. Creo que los directores que lo han visto en series como Élite al verlo en el teatro van a quedarse con la boca abierta por todo lo que sabe hacer».

¿Cómo ha sido estar bajo las órdenes de Juan Carlos Rubio? «Tenemos una gran amistad fuera, pero dentro tenemos el rol de director y actriz. Él me pide y yo soy muy obediente. Mi relación con Juan Carlos es un flechazo. A mí me encanta su manera de trabajar, creo que a él también le gusta como trabajo yo y que trabajaremos más en conjunto».

«Ojalá podamos volver con la obra a Canarias»

¿Qué le diría a la gente para que vaya a ver El sonido oculto? «Ya las entradas en Tenerife están agotadas, pero ojalá podamos volver. Como nuestras agendas están tan apretadas no hemos podido poner una tercera función pero animaría la gente a ir al teatro este 20 de enero en Vecindario. Si no pueden venir a nuestra obra que consulten la programación de los teatros de las Islas y que consuman, que regalen entradas porque la cultura nos hace libres».

Tras su paso por Canarias continuará con la gira teatral de la obra. ¿Tiene otros proyectos futuros? «Sí. Tengo tres películas por estrenar este 2023 que ya empiezan a oírse. Una de ellas se llama Fenómenas para Netflix, otra Vaya vacaciones que es una comedia, y Lobo. El día 16 de enero me incorporo a una serie de Televisión Española de la que no puedo dar más detalles y bastante cuento con esto porque todavía no se ha hecho noticia».

La obra es una adaptación de The sound inside, el texto del novelista y finalista del premio Pulitzer, Adam Rapp. La trama gira en torno a Julia Martín, una profesora de Literatura de la Universidad de Salamanca, personaje que interpreta Toni Acosta, y a Hugo Barroso (Omar Ayuso), un misterioso estudiante que la visita para encontrar inspiración para escribir su primera novela. Ambos personajes encuentran en la literatura la única vía de escape a su existencia y a lo largo de la función intentan resolver sus problemas.

«La obra conecta con las emociones del público»

Juan Carlos Rubio, director de la obra, tiene claro que el punto fuerte de El sonido oculto es la capacidad de mantener alerta. «La obra tiene una habilidad para pasar de un estado emocional desolador a situaciones cómicas y divertidas, y eso atrapa», añade el dramaturgo. Además, señala que conecta con las emociones de las personas asistentes ya que hace reflexionar sobre la soledad y la fragilidad del ser humano. 

Rubio comenta que los dos personajes tienen muchos vértices interesantes y que tanto Acosta como Ayuso le están sacando el máximo jugo posible. En este sentido, comenta que trabajar con la actriz tinerfeña, con la que ya había coincidido en otros proyectos, es un regalo. En el caso de Omar Ayuso, destaca que ha sido un descubrimiento y que está muy contento que esta obra sea su debut en el teatro.

La estructura de la producción teatral es muy particular y dinámica. Durante la mayoría de la duración de la obra, el personaje de Toni Acosta, habla de una forma directa con el público, mientras el hilo conductor se mueve a través de flashbacks entre el presente y el pasado.