El recorrido empezó con un carismático narrador que explicaba la trama. La población se reunió expectante en torno al primer escenario. El actor Antonio Conejo interpretaba a un pobre mendigo sin piernas y con un parche en el ojo. Tres brujas vestidas de azul lanzaron un conjuro cantando y bailando para viajar al pasado y así contar a la audiencia la situación de ese indigente llamado Cristóbal.

El criado Cristóbal

El guía nos movió al siguiente destino. Una señora llevaba un carrito donde estaba escrita la fecha en una pizarra. Ubicando al público a finales del siglo XVIII. Una de las tres hechiceras se había transformado en una joven criada que recibía el nombre de Jacobina, interpretado por la actriz Guacimara Gil. El personaje de Antonio Conejo era un mujeriego arrogante que intentó conquistar a Jacobina. En la calle se reencontraron dos señores ricos uno de Gran Canaria y otro lagunero. «No sé lo que dice el fulano ni lo que dice mi amo, pues hablan en italiano», dijo Gil al oírlos.

En el siguiente tramo la artista Tairuma Méndez cantó una impresionante ópera italiana que acabó llena de aplausos. Cristóbal entró en escena y entre los dos simularon un beso. Las brujas vieron como le era infiel a su amiga, así que realizaron un encantamiento budú. Una de ellas hablaba y la otra gesticulaba el muñeco «de la pata te volverás cojo», entre carcajadas continuó diciendo «te quiero tuerto de un ojo». Terminaron con un escupitajo.

Disputa entre isleños

Méndez, celosa porque Cristóbal estaba con Jacobina, la echó por estar embarazada de él. La muchacha no tuvo suerte pues el padre de la criatura solo le dijo «¿y cómo me aseguras que es mío?». La señora de la casa mandó a Antonio Conejo a la guerra contra Francia, donde perdió las dos piernas. Jacobina finalmente perdió la criatura en el parto, acogido con una exclamación de lamento de la gente.

Para finalizar, los dos señores de islas distintas se encararon, cada uno presumiendo sobre su ciudad. «¿Cómo va a ser que la Universidad no esté en el arzobispado?», se quejaba el canarión. «Envidioso», vociferaba el otro. Méndez, en el papel de la mujer del lagunero tuvo que poner neutralidad, cantando una canción con él. El servicio entró en escena y se quejaron del abusivo poder de los amos. «Estamos en época de carnaval dónde no se distingue entre dueños y criados», dijo una de las hechiceras. La función acabó con todo el elenco unido tocando los silbatos de comparsa.

El espectáculo Bajau se representó el pasado domingo, 7 de julio, en el Espacio La Granja. Tuvo lugar un doble estreno en Tenerife. Así, la primera función fue a las 18.00 horas y la segunda a las 20.00 horas. La compañía teatral catalana Ponten Pie mostró una pieza mediante emociones, música y elementos materiales. Estaba integrada por dos intérpretes: Natàlia Méndez y Borja Nieto. La composición se realizó mediante mímica y expresiones faciales muy marcadas.

Sergio Ots, director escénico y dramaturgo, comenta que se trata de un «espectáculo visual con muchos efectos para volver a nuestro origen». El elenco pone en escena «el vínculo del ser humano con el agua y la maternidad», aclara el artista. Del mismo modo, puntualiza que hay un mensaje oculto, puesto que «nos han obligado a vivir en un medio terrestre, pero tenemos el derecho de volver al agua y buscar nuestros inicios».

«Los hermanos deciden vivir debajo del agua»

La obra consta de una pareja de gemelos que se dedican a cuidar plantas. Un arbusto empieza a morirse y comprueban que con el agua puede revivir. Con esto, el autor invita al público a la reflexión, ya que «si empapando su suelo y su tierra vuelve coger este verde, las personas también pueden hacerlo». Por tanto especifica que «los hermanos deciden vivir debajo del agua».

La dificultad de esta creación se debe «a los artefactos y a la manipulación constante de componentes líquidos», dice Ots. Además, afirma que «parece un gran trabajo de ingeniería». La Compañía separa «las luces del agua para que nunca haya un accidente de electricidad y sobre todo para que esta magia y esta técnica no se vea», explica.

¿Considera importante actuar para poder ser dramaturgo? «Pues sí, ayuda bastante. Como mínimo hay que tener experiencia sobre el escenario aunque no sea profesional. Encarar frente a un público siempre facilita. No es indispensable ser actor para ser director, porque son formaciones y trabajos diferentes. La actuación está más focalizada y la dramaturgia tiene una mirada más abierta. Aún así, para dirigir hay que conocer de todo un poco: set de iluminación, de vestuario, decorado…».

¿Por qué elige el surrealismo frente a otras temáticas? «Porque es el ahora. Para mí es el movimiento literario, social y humano que más me apasiona. Desde el lado filológico esta actividad tiene creaciones interesantes. Como me fascina y no suele hacerse teatro de este tipo porque no es muy convencional, decidí llevarlo a cabo. Este tema se trata de obras fragmentadas que a lo mejor no tienen un inicio y un final. Tiene una mirada integral que abarca todas las artes. Los surrealistas crean una sociedad imaginaria».

«Crimen es el mejor texto escrito en prosa poética»

¿Cómo cree que se desarrolla un personaje escénicamente dentro de esta corriente artística? «Para los artistas hay un marco o un espacio donde se mueven, y dentro de ese territorio tienen un margen. Cada vez que representan una obra su interpretación es diferente. Muchas cosas solo pasan una vez, como la entonación o el movimiento.  Tienen libertad dentro de ese margen. De repente hacen hincapié en una palabra, o un silencio es mayor, se agachan, mueven un brazo…».

¿Por qué en su nueva creación En el escenario de Crimen: una experiencia surrealista plasma ideas de la obra de Agustín Espinosa? «Agustín Espinosa es un artista excepcional. Para mí Crimen es el mejor texto escrito en prosa poética que hay en el mundo. No conozco otra obra de ese calibre. Este tiene una poesía que la narrativa no suele tener. Además, tiene un valor inventivo para trabajar con objetos y ve la muerte desde otro ángulo. Debería conocerse a nivel internacional».

«El surrealismo fue un movimiento grandísimo en Canarias»

¿Por qué recibe ese nombre? «Se llama En el escenario de Crimen, porque es el lugar donde supuestamente se va a representar esa obra. Es jugar con esa paradoja. Son tres jóvenes versátiles que van a escenificar el texto de Espinosa y se encuentran con un cadáver surrealista. Hacemos un guiño con esta pieza con el nombre de los protagonistas. Del mismo modo, el 70 % está basado en Crimen, pero no de forma ordenada. Utilizamos fragmentos y los incorporamos en las intervenciones de los personajes».

¿Qué significa la música en la pieza teatral? «No hay ningún significado específico. Alberto Martín es el músico y además, es actor y compositor. La pieza está hecha con música experimental, pero con tecnología contemporánea. También hay sonidos inspirados del siglo XX, que se crean exclusivamente para esta obra. A raíz del texto la música iba surgiendo. Todo este trabajo se llevó a cabo en un laboratorio de experimentación». 

¿Cómo daría a conocer el surrealismo? «Primero habrá que reconocer que ese movimiento fue grandísimo en Canarias y tuvo una repercusión internacional tremenda. Hay que darle valor. Que la gente vivencie lo que es el surrealismo, no tanta teoría sino que haya una parte práctica. Ir por centros dando talleres y enseñando juegos.  Desde ahí, el alumnado generará intriga y curiosidad por conocer a ciertas personas».

La función consta de seis actuaciones de baile intercaladas con los fragmentos actorales. Así como: tres monólogos, un cuento versionado de Casona, una interpretación libre de una obra clásica griega y una pieza teatral recuperada de la primera dramaturga canaria Dominga Spínola de Bethencourt.

«La Maratón se podría definir como el culmen del año», explica Delia Tabares, coordinadora de los espectáculos musicales junto con Alba Rodríguez, otra alumna. Además, dice que «es el momento de compartir con el público todas las obras que han realizado este año». Del mismo modo, Tabares especifica que el grupo añade cosas nuevas para que no sea muy repetitivo.

El antiguo convento de Santo Domingo de Guzmán acoge Arrugas, de Silvia Gómez Delgado, más conocida como Silvia Zurro. La inauguración comenzó este viernes, 5 de abril, a las 20.30 horas y continuará abierta al público hasta el martes 30 del mismo mes, a las 20.00 horas. Se encuentra en la sala de arte uno y con entrada gratuita. Además, de las obras de arte hay un escrito que explica el significado de exhibición firmado por Zurro.

La exposición pictórica representa la historia personal y la trayectoria profesional de la artista tinerfeña. La muestra combina cuadros al óleo de diversos tamaños y periódicos, con trazos de pintura y con pliegues a modo de escultura. Estos papeles de prensa son diarios específicos que simbolizan el paso del tiempo y las imperfecciones de la vida.

La obra empezó con los tres protagonistas sobre el escenario. El del medio, interpretado por Toni Báez, era a la vez narrador y personajes de la historia. Iba vestido con un traje verde y cargaba una maleta enorme. A su derecha estaba el actor Manuel Jiménez, vestido de marrón con un sombrero de leñador. No articuló ninguna palabra pero su presencia corporal era imprescindible. Por último a la izquierda, estaba el artista Rubén Sánchez que tocó en directo las escenas musicales. Estos tres hombres representaban a unos gitanos, descendientes de Melquíades, personaje relevante en la novela de Márquez.

Báez llevaba una botella de alcohol en la mano y se reía de forma particular. Nos introdujo en el pueblo ficticio de Macondo. Para ello, cogió un libro de su chaqueta y leyó con voz de borracho el comienzo del libro: «Muchos años después, frente al pelotón de fusilamiento, el coronel Aureliano Buendía había de recordar aquella tarde remota en que su padre lo llevó a conocer el hielo». Del mismo modo, el elenco colocaba piezas de colores al borde del escenario mientras hablaba y formaban una pequeña ciudad.

Estalla la guerra civil en Macondo

La historia se basa en los Buendía, una familia incestuosa donde se casan entre primos. Úrsula y José Arcadio son el primer matrimonio de siete generaciones. Estalló la guerra civil en el poblado, con música dramática de violín a mano de Sánchez. «Arcadio, el sobrino del coronel Aureliano Buendía había quedado al mando de Macondo en ausencia de su tío», exclamó Báez. Simularon los disparos y el personaje de Arcadio murió gritando: «viva el bando liberal».

Jiménez abrió un abanico y lo agitó para que volasen dos mariposas amarillas de papel. Giró sobre si mismo y ambas estuvieron en el aire en todo momento. Báez caminando narró la escena de una mujer entrando a la casa de los Buendía con un bebé que era hijo del Coronel Aureliano. «En menos de doce años bautizaron con el nombre de Aureliano y con el apellido de la madre a 17 criaturas», exclamó el narrador.

Los interpretes representaron un desfile, un baile con música festiva. El actor principal se subió a unas barras de metal y se columpió con ímpetu. Cuando el ruido cesó se colocó de espaldas a la audiencia, apoyó la frente contra el acero y exclamó la muerte del coronel Aureliano. Baéz cogió una caja de color en el escenario y con voz de locutor se hizo pasar por una radio. Su compañero Jiménez estiraba el brazo con un árbol de cartón como si fuese una antena. El público se reía cuando el segundo artista movía la mano, se perdía la señal y sintonizaban con otro canal.

«La guerra finalizó y José Arcadio II fue el único superviviente», comentó el protagonista. El personaje se encerró en una caja de aire construida por barras metálicas. Estaba descifrando los pergaminos que el gitano Melquíades le dejó al primer matrimonio de los Buendía. Con un sonido de lluvia, Báez contó que no paró de llover en dos años y que «el diluvio dejó a Macondo en ruinas». Cuando escampó los actores estaban eufóricos «aunque no volvió a llover en diez años», recalcó.

El final de la familia Buendía

Báez contó que Aureliano Babilonio, el último descendiente de los Buendía, mantuvo relaciones con su tía, Amaranta Úrsula. Ella se quedó embarazada y el narrador simuló su parto. Formó al bebé con una toalla gris y susurró que «era un colacerdo». Báez explicó la maldición de la familia cuando un bebé naciera de una pareja de la misma sangre. Describió el final casi entre lágrimas. Amaranta se desangró después del parto y el padre de la criatura huyó por el desierto. A la mañana siguiente volvió a por su hijo, pero ya era tarde, lo estaban devorando las hormigas.

La audiencia quedó expectante y Báez cogió el mismo libro del principio. Sonaba una melodía melancólica. Explicó que el personaje de Aureliano Babilonio descifró los pergaminos que dictaban el destino de su familia. Con la voz quebrada dijo: «Las estirpes condenadas a Cien años de soledad no tenían una segunda oportunidad sobre la tierra».

La función transcurre con un único decorado: un despacho blanco y ordenado. Hay una radio antigua que se enciende entre el cambio de escenas y da pie a continuar con la trama. Además, los elementos son relevantes y cada uno otorga un significado diferente. O’malley recalcó «la baraja de cartas», ya que este objeto pasa desapercibido y aún así «crea el discurso esencial al final de la obra».

Dos personajes muy distintos

Mingo Ruano dio forma al protagonista, Maurice Quevedo, un abogado serio y elegante que está destrozado por dentro. La historia comienza con él cogiendo una pistola para suicidarse, pero un futuro cliente le interrumpe. «Quevedo reflejó las emociones que un ser humano arrastra durante toda su vida», comenta el dramaturgo.

Por el contrario, encontramos el segundo artista, José Luis Massó. Interpretó a un ser extravagante con una forma muy particular de sonreír y mover las manos. Este individuo no recibe ningún nombre ya que según dijo en la representación «no lo necesita». Su escenificación juega con lo absurdo y hace reír a la audiencia por su manera ingenua de enfrentarse al mundo.

O’malley quiso mostrar «cómo la humanidad se enfrenta a los problemas y necesita hablar de ellos». Del mismo modo, transmitió «el egoísmo de la sociedad», ya que los personas no son «el centro del universo». La pieza trata un tema doloroso, como es el suicidio desde el humor.

La trama consta de dos protagonistas totalmente diferentes. Un abogado reconocido, interpretado por Mingo Ruano, está en su despacho con una pistola para acabar con su vida. Le interrumpe un hombre extraño que necesita a un profesional para que le ayude con un caso: denunciar a las Naciones Unidas. José Luis Massó da vida al segundo personaje, un individuo extravagante que actúa de forma surrealista.

Michelle refleja situaciones duras y extremas. Sin embargo, el autor explica que «a veces, cuando en la vida no tenemos salida encontramos un rayo de esperanza». Del mismo modo, esta pieza hace una crítica social con el egocentrismo, ya que «cada persona debe mirar más allá de sí misma». O’malley argumenta que «la comedia es un vehículo muy factible para contar las cosas más horribles del ser humano». Asimismo, profundizan en aspectos relevantes, como el suicidio.

El show forma parte de No dejes de soñar, productora de eventos canaria. La producción trabaja con distintos humoristas de las Islas y trata temas de interés social mediante bromas e ingenio. Jonatan Santana, organizador de esta función, explica que «el humor llega a todo el mundo y es una forma diferente de llegar y seguro que es muy efectiva».

Las intérpretes debutaron en Gran Canaria este año, conmemorando el día de la mujer. «Lo que se vivió allí entre lágrimas y risas fue muy bonito y emocionante», comenta Santana. Debido al éxito decidieron realizarlo en otros teatros del Archipiélago. Su mensaje es reivindicativo y activista. Las cuatro monologuistas intentan ser la voz de las mujeres que han sufrido malos tratos y tienen miedo de actuar al respecto.

El papa Francisco dice que «la homosexualidad no es un delito». Gracias a él, desde el 18 diciembre de 2023, el Vaticano puede bendecir a las parejas homosexuales. Eso sí, no acepta su unión y lo sigue considerando pecado. De hecho, la bendición no puede durar más de quince segundos, pues, argumenta la Santa Sede, no es un rito litúrgico.

Es cierto que el matrimonio es un sacramento que enlaza a un hombre y una mujer. La ley española respalda el matrimonio homosexual. No obstante, ¿algún día lo hará el catolicismo? Cualquier ser humano debería poder casarse con quién desee y contar con el apoyo de su propia religión. El Vaticano comienza a aceptar el colectivo pero tiene que dar un paso más allá. ¿De verdad sirve su aprobación cuando no quieren implicarse por completo?

«La religión también debería evolucionar y adaptarse al mundo actual»

Ante esta noticia el obispo español Rafael Escudero López-Brea, prelado de la prelatura de Moyobamba en Perú, manifiesta que esto «daña la comunión de la Iglesia». Es más, ha obligado a los 51 sacerdotes que la integran a que sigan su criterio. Parece que las personas heterosexuales tienen derechos distintos a los del colectivo LGTBI. Escudero López-Brea argumenta que «Dios no bendice el pecado». Entiendo que robar, mentir o asesinar se consideren actos impropios, pero ¿casarse?

Cada país se adapta a los cambios sociales, culturales e ideológicos. Sin embargo, el catolicismo establece la sodomía como algo antinatural. Los textos sagrados incluso lo consideran como una enfermedad. Son las personas ateas las más propensas a aceptar el amor en todas sus formas. Como todas las cosas, la religión también debería evolucionar y adaptarse al mundo actual. El desarrollo significa progreso y dentro de la propia institución ya hay voces críticas.

El grupo teatral ha adaptado la obra de John Boynton Priestley, con la dirección de José Antonio Ramos. «Es un clásico de la dramaturgia inglesa traído a la época contemporánea», explica Ramos. La trama gira en torno a la familia Concepción y su relación con una joven que se suicida de forma repentina. La inspectora que dirige el caso llega a sus vidas. Su aparición perturbará la tranquilidad familiar y descubrirá sus secretos escondidos bajo tanta hipocresía.

Adaptación de la obra original

El elenco decide cambiar el género del inspector con respecto a la obra original. Al ser una mujer, la perspectiva del interrogatorio y la investigación tienen un enfoque distinto. Además, la chica que se quita la vida la convierten en una migrante. Con esto visibilizan la discriminación hacia las personas de otro país y en situación de precariedad económica.

Beatriz Ortiz, en el papel de la inspectora, comenta que la llegada de su personaje «pone el foco de atención sobre las sombras de la familia». Del mismo modo, ella es la encargada de «hilar todos los acontecimientos para sacar a la luz qué grado de implicación han tenido las acciones de cada miembro». 

El grupo artístico quiere fomentar la cultura y el teatro desde la propia Universidad. Actúa en distintos espacios de la Isla y participa de forma tradicional en el Festival Atlántico del Género Negro Tenerife Noir.

La artista explica que la pieza es comedia bastante autobiográfica. Cuenta su vida cuando llega a la capital con experiencia como carpintera y de como se ríe de los prejuicios con los que se encuentra. Del mismo modo, se expondrán temas poco cotidianos. Kovacs quiere que la audiencia se divierta y conozca más de su país. «Al final todos los humanos somos iguales», expresa.

La actriz recalca que para ella es «fundamental hacer reír desde cosas de la realidad y hablar de lo que pasa en la sociedad». Este monólogo «va creciendo», afirma y dice que cambia en función de cómo se sienta en cada momento.  En su trayectoria, la humorista ha participado en programas conocidos como Aida, La que se avecina y 30 monedas, entre otros. Además, presenta Las Noches del Club de la Comedia en Madrid.

«Disfruto mucho cuando estoy contando cosas que sé que les va a hacer gracia»

David García es humorista y monologuista canario. En sus actuaciones defiende los derechos LGTBI y hace monólogos para normalizar al colectivo dentro de la sociedad. Se graduó en el instituto César Manrique, en Imagen y Sonido y se dedica a las artes escénicas. Realiza muestras activistas en sus interpretaciones y pretende retomar un proyecto de «bromas homosexuales» en centro educativos para dar otra visión al alumnado.

García llegó a la fama con el show Divinas y Orgullosas, que realiza con Jessika Rojano en la Asociación Cultural Equipo PARA (Propuestas Alternativas Relacionadas con las Artes). El año pasado se pusieron en contacto con el gobierno de Canarias para representarlo en varios centros de las Islas. El comediante expresa su emoción: «Iba a ser yo lo que me hubiese gustado ver en mi instituto». Además, comenta la dificultad de no tener a nadie que «hablase de este tema».

Desde pequeño tiene contacto con los escenarios, gracias a que su padre es escenógrafo. Le gusta la comedia por la «naturalidad» y explica que si fuese un actor tendría que «construir un personaje» y no podría ser el mismo. El humorista recalca que le gusta hacer chistes sobre cosas reales y vivencias propias. Para ello dice que «el humor es la mejor manera de meter un mensaje camuflado para que llegue a un público».

«Uno tiene que hablar de lo que conoce»

Comenzó con la comedia mediante vídeos en Facebook. Un compañero del ciclo de audiovisuales lo vio y le animó a participar en una gala en La Plaza del Príncipe con MJ Castañeda, directora del programa radiofónico Click and Roll de los 40. «Esa fue la primera vez que hice el chiste», explica. De forma oficial, su primera actuación fue en 2020 en un concurso de monólogos. En la actualidad representa escenas basadas en hechos reales —»casi el 80 % de las cosas que cuento me pasaron a mí»—, aunque su «sueño oculto» es escribir un espectáculo de circo contemporáneo, mezclando circo, cabaret y teatro.

El artista sostiene la importancia de la cultura LGTBI porque le «toca de cerca», y con sus monólogos trata de crear consciencia y valores. Asimismo, afirma que «uno tiene que hablar de lo que conoce y no apropiarse de luchas que no le pertenecen». El cómico recalca que no tiene sentido hablar de cosas que no ha vivido y esto «lo conoce desde dentro». En alguna ocasión se encontró «con gente homófoba», pero nunca tuvo ninguna situación violenta.

 Vagos, maleantes y homosexuales es el inicio de la comedia que García desea enseñar. Se estrenó con otra actuación, en un teatro con Joel Hernández, uno de sus ídolos. «Cuando salía del escenario me ponía a llorar de la emoción», afirma. Esperó a «coger tablas» y debutó, con carcajadas, el 11 de marzo de 2023.

Además, él exalta su capacidad de «hacer reír a los demás en muchos contextos» de forma habitual. Por tanto, sentir al público es «una sensación bastante gratificante». En una mala experiencia se encontró con Juanito Panchín, humorista cubano, y le dijo que «a veces la risa que tu ego quiere, no es la risa que te da el público, pero no significa que no hayas triunfado». García agradeció el consejo y aprendió que a pesar de querer risas, «hay que aceptar a una audiencia callada mientras le guste el texto». 

La recepción en Canarias es más «limitada», en ciudades como Madrid hay más población. El comediante sostiene que aquí hay un punto donde «no te va a ver nadie más y tienes que hacer algo distinto para destacar». Aún así, es de la mentalidad de que «no hace falta irse fuera para triunfar». Se puede tener éxito de forma artística en Canarias, dice que «vivir aquí no es un obstáculo», y refuerza que «debemos luchar por seguir adelante con el arte en las Islas». Para hacerlo bien hay que «aprender a disfrutar en el escenario». El comediante sostiene que la mejor mentalidad es «darlo todo», puesto que «se nota la implicación».

Esta exhibición es una idea original creada y dirigida por David García y Jéssika Rojano, los presentadores. A lo largo de la noche el público podrá participar sobre el escenario y dar rienda suelta a su creatividad y «ser ellos mismos». García explica que el lugar le parece «un pequeño oaisis en medio de tanto postureo», dado que es «un sitio auténtico».

García y Rojano mostraron esta función en institutos de las Islas con un proyecto del Gobierno de Canarias el año pasado. Transmitieron un mensaje a los escolares de concienciación para una sociedad igualitaria. El Equipo PARA acoge este número para visibilizar a los artistas, tanto nóveles como profesionales.

La trama transcurre en un acantilado de Tenerife, donde tres artistas deciden interpretar la novela Crimen de Agustín Espinosa. Se encuentran un cadáver y sienten la necesidad de descubrir al asesino mediante textos, situaciones y reflexiones espontáneas, que reflejan la etapa histórica, social y artística de las vanguardias. Bordón explica que la idea surge por su «pasión por el surrealismo y por reivindicar la contemporaneidad y sus manifestaciones artísticas».

Proceso de investigación

Esta pieza es el segundo proyecto escénico de la Compañía, después del éxito de Ardiendo como mariposas. Hojarasca se forma a través de un proceso de investigación y experimentación de las artes escénicas, respaldado por el Laboratorio Escénico, una plataforma que fomenta el progreso de las actividades artísticas. La Agrupación continua creciendo y promoviendo las artes.

«Como toda propuesta escénica de este calibre ha sido un reto y un regalo poder sumergirnos en el surrealismo a través de un laboratorio teatral que hemos desarrollado durante nueve meses», comenta el dramaturgo. En esta creación «la palabra, la expresión corporal y la musical original, que se tocará y cantará en directo, van de la mano». Asimismo, Bordón recalca que lo más importante es que «abran su mente y su corazón a todo lo acontecerá en el teatro».

La escenificación muestra detalles de la existencia del famoso poeta español. Del mismo modo, da a conocer una de las teorías más extendidas sobre su asesinato. Fue ocasionado no solo por sus ideales contrarios al régimen, sino por disputas familiares con los Roldán y los Alba por asuntos de tierras y cosechas en la Granada del siglo XX. Estos fueron los parientes en los que se inspiró para escribir una de sus obras más conocidas, La casa de Bernarda Alba.

«La obra aborda temas que están vigentes y siguen siendo universales en nuestros días, como la libertad de expresión»

El texto está pensado para el lenguaje audiovisual. Armando Jerez, dueño de la Agrupación, expresa el costoso trabajo que es transformarlo al género dramático, ya que «debe haber un solo escenario y hay un elenco limitado». Se han adaptado escenas para que «la audiencia pueda seguir y entender la historia, con ayuda de un juego de luces muy elaborado y efectos sonoros».

Alejandro Fuertes, actor principal, explica que esta obra aborda «temas que están vigentes y siguen siendo universales en nuestros días, como la libertad de expresión». También comenta el privilegio de interpretar a Lorca dado que «además de ser una oportunidad actoral» ha tenido la posibilidad de «verlo con otros ojos y conocer sus miedos e inseguridades». Asimismo, recalca la complejidad en este personaje puesto que «es llevarlo a la cotidianidad sin apagar su brillo».

¿Por qué cree que el alumnado de doctorado requiere una representación? «Porque necesitamos apoyo para que ayuden a las personas que realizan los doctorados y para eso hay que presionar desde la parte estudiantil. Con el cambio del rectorado han habido pequeñas mejoras, pero no creemos que sean suficiente. Hay que ponerse manos a la obra para que se tenga en cuenta nuestra voz. Nadie ve las carencias y necesidades como el propio alumnado, por eso debe haber un representante desde dentro».

¿Qué es lo primero que cree que debería cambiarse? «Hay que resolver el mal contacto con la EDEP. En mi caso puedo decir que en 2021 pedí ayudas para la Formación de Profesorado Universitario. Para solicitarla hay que pedir firmas, documentos y certificados en unos plazos muy concretos. Estaba en la Península y no respondieron ninguno de mis correos ni me cogían las llamadas. Luego me enteré de que la dirección de correo no estaba vinculada. También quiero recalcar que el año pasado no salió la convocatoria de contratos predoctorales del Gobierno de Canarias que sale anualmente».

«La EDEP debería abogar por igualar oportunidades»

¿Considera que hay igualdad entre el alumnado? «Pues no exactamente. Parte de la base que para empezar el doctorado tienes que tener una persona que te apadrine. No hay ningún listado que soliciten personas investigadoras, cada grupo hace sus publicaciones y las personas que hacemos el doctorado debemos estar pendiente. Si por suerte consigues una buena agrupación de investigación tendrás dinero para ir a congresos y financiar tus proyectos. Por el contrario, si estás en uno minoritario vas a encontrarte con más problemas. La EDEP debería abogar por igualar oportunidades para que no dependa de la naturaleza del equipo».

¿Cómo mejoraría la comunicación interna entre estudiantes y la EDEP? «Trataría de crear redes de apoyo de doctorado. No puede ser que cada estudiante vaya por libre, hay que fomentar el compartir. Si alguien conoce la información de un plazo de apertura de algo que puede interesarnos a la mayoría sería apropiado tener vías de comunicación entre las personas que lo realicen, más allá que difundirlo por redes sociales. Del mismo modo, la EDEP debería establecer un ágil proceso con la Sede Electrónica y un correo. El campus virtual es complejo, te encuentras con mil procedimientos y plataformas. Al final no entiendes los trámites burocráticos que piden».

«Se debería gestionar mejor la financiación de la bolsa de viaje»

¿Cree que los plazos generan confusión y que se debería simplificar este sistema? «No hay plazos predeterminados y no puede ser que estemos con la incertidumbre de recargar la página todos los días para ver si sale algo. Con la nueva gestión llegan correos, pero hasta ahora no había procesos marcados. Quiero exigir cierta estandarización y poner plazos en el calendario. También la EDEP tiene que contemplar las épocas donde el alumnado va a necesitar más cooperación, porque incluso hay momentos donde habría que pedir refuerzos».

¿Qué opina sobre las subvenciones para la formación? «Se debería gestionar mejor la financiación. Por ejemplo, con las bolsas de viaje, que son ayudas para acudir a eventos y pagar alojamientos. En mi caso fui a Estados Unidos a una conferencia internacional y me concedieron el máximo, 400 euros. El dinero se remunera después, lo que ya es un inconveniente. El problema fue que con la solicitud aprobada me dijeron que se habían quedado sin créditos. Si se aprueba deberían cerciorarse de que se puede pagar».

¿Ve justo el criterio de selección a la hora de escoger a una persona para financiar avances en su investigación? «No coincido con el criterio que siguen. Se basa en cosas como la asistencia a congresos y en las publicaciones, por lo que el alumnado de primero estaría abajo en la lista de elección. Al final, los privilegiados y los que van a recibir ayuda son quiénes llevan más años. Las personas de nuevo ingreso no van a tener esta posibilidad y puede que pierdan oportunidades importantes para su formación».

El espectáculo comenzó con una voz en off contextualizando el tiempo y el lugar. Con esto, el público entendió que se encontraba en la Sevilla del siglo XVI y que dos hombres estaban a punto de reencontrarse. Al abrir el telón se observó a una divertida tabernera vitoreando y dando palmas. Los presentes se sumaron alegres mientras los personajes subían por las escaleras del escenario.

Don Juan, interpretado por Armando Jerez, y Don Luis, por Andreas Figueiredo, se reunieron y presumieron de las hazañas que habían realizado el último año. Ambos alardearon con respecto al número de muertos que consiguieron en batalla y las mujeres que conquistaron. En este punto, comenzó la trama que marcaría el destino del protagonista. Aceptó una apuesta: seducir a la prometida de un compañero y a una novicia que estuviera a punto de hacer sus votos a la Iglesia.

Comienza la apuesta

El drama siguió con el coraje del protagonista. Consiguió conquistar a la inocente Doña Ana de Pantoja, futura esposa del amigo que propuso el reto. Quedaba lo más complicado, enamorar a una religiosa. Para ello, recibió la ayuda de una bruja pizpireta, llamada Brígida, que se convirtió en una celestina. Esta figura fue imprescindible para el desarrollo de la obra y proporcionó un toque humorístico gracias al carisma de la actriz que la interpretó, María Rodríguez.

Sandra Hernández, en el papel de Doña Inés, se quedó a solas con el galán. La audiencia se mostró expectante al famoso monólogo que venía a continuación. Jerez lo recitó con dulzura:»¿No es cierto ángel de amor que en esta apartada orilla, más pura la luna brilla y se respira mejor?». El romanticismo se plasmó en un beso afectivo y un amor intenso.

Duró poco, puesto que aparecieron en escena Luis Mejía y el padre de Doña Inés con la intención de matarlo. Se batieron en duelo dejando al público con la respiración contenida. Esto iba acompañado por una música rápida que generaba tensión. Acabó con sus rivales, pero por desgracia el padre de la novicia es el Comendador de Calatrava, la máxima autoridad de la orden militar y religiosa. La única forma de evitar su castigo es huir de España, y eso fue lo que hizo. 

Se cierra el telón

Hubo un descanso para diferenciar las dos partes de la obra de Zorrilla. La segunda parte contó con la actuación de Satomi Morimoto, una cantante y pianista japonesa que regaló a la audiencia unas hermosas piezas musicales. Su voz y el piano estaban acompañados de un contrabajista. Con la emoción cargada en el ambiente salió niebla del escenario y se mostraron tres esculturas blancas y un ataúd en medio.

El protagonista regresó de su exilio y se dio cuenta de que el amor de su vida había muerto. Su figura apareció detrás, en lo alto, y le habló como un espíritu. Él salió de escena y la estatua del Comendador se movió alzando su espada. Después, el personaje principal regresó al escenario y organizó una cena, pero los difuntos le perseguían y le atormentaban. En un momento de locura luchó contra sus invitados, pero no consiguió ganar.

En la escena final vemos a Tenorio de rodillas. Son sus últimos momentos de vida y debe arrepentirse de sus errores para que Dios le perdone. El espíritu de su amada repetía que «el amor salvará a Don Juan a los pies de la sepultura». Él agonizaba y rezaba para que pudieran reencontrarse en la eternidad. En su último aliento admitió su final y exclamó que: «Es el Dios de la clemencia, el Dios de Don Juan Tenorio».

Es costumbre representar esta función el día de los muertos en sitios de España y de Latinoamérica, dado el trasfondo místico y religioso que posee. Esto se refleja en el último acto, donde el protagonista vuelve de su exilio y se encuentra en un panteón donde están enterradas todas las personas relevantes de su vida. Se levantan y hablan con él en forma de espíritus. La compañía tinerfeña Timaginas Teatro fue quien introdujo esta tradición en la Isla hace quince años. La primera escenificación fue un éxito y la siguen haciendo cada año hasta la fecha.

Referente del teatro en Canarias

El grupo teatral se fundó en 2009. Ofrece clases de interpretación en colegios y en su propia academia. Además, se ha convertido en un referente del teatro en Canarias y su influencia cultural es imprescindible, ya que ponen en escena clásicos de la literatura española. Su prestigio va en aumento y en la actualidad interpretan piezas originales de la compañía en el Teatro Arlequín de Madrid.

Armando Jerez, actor principal y dueño de la Fundación teatral, comenta que «es una responsabilidad muy grande, dado que si hay un mal Tenorio se cae la obra». Añade que al interpretarlo tiene «sentimientos encontrados» puesto que el personaje pasa por «muchos estados de ánimo». Del mismo modo, explica la dificultad del final: «La última escena es la más fuerte porque son los últimos segundos de vida del personaje, pero es una sensación muy bonita porque escuchas el aplauso del público al cerrar el telón».

El Festival Internacional Periplo de literatura de viajes tuvo lugar del 16 al 22 de octubre en el Puerto de la Cruz. En el evento se organizaron charlas y actividades formativas para dar a conocer la diversidad cultural. Además, se realizaron exposiciones fotográficas en el Castillo de San Felipe y otras actividades relacionadas con la literatura en Ébano Café. «El encuentro tiene como objetivo que se conozca el significado de viajar en su amplio espectro», explicó Marcelino Martín, director del área de Cultura del Ayuntamiento del Puerto de la Cruz. Este año intervinieron el periodista David Jiménez, el poeta Luis García Montero o la activista Helena Maleno.