En esta ocasión, le representación contó con una nueva versión dirigida por el director austriaco André Heller-Lopes y protagonizada por la soprano Ángeles Blancas  que retomó el papel de Rusalka después de 17 años. El espectáculo tuvo una duración de 141 minutos sin incluir los descansos. A lo largo de tres actos, el legado de Antonín Dvořák inundó la sala en un mar de tragedia, desamor y música.

La representación dio comienzo a las 19.30 horas. Con expectación, la gente aguardó en sus asientos hasta que el director musical apareció. El británico Paul Daniel salió al foso de la orquesta acompañado de un cálido y fuerte aplauso. Alzó su batuta, las luces se apagaron y dio por inaugurada la función. 

En el inicio del primer acto, se vislumbró un escenario repleto de atriles, instrumentos y al fondo, sentada en una silla, estaba la ninfa Rusalka. Tras una interpretación introductoria emocionante de seis ninfas, la protagonista se quedó a solas con su padre Vodnik, interpretado por el bajo Vazgen Gazaryan. La soprano cantó la devastadora Canción a la luna acompañada por el arpa. 

La bruja Jezibaba, interpretada por la mezzosoprano Adriana Bignagni Lesca, ayudó a Rusalka a convertirse en humana bajo dos condiciones: perdería su voz durante su estancia con el príncipe y sería exiliada si no lograba un amor correspondido. El acuerdo se formalizó con la reconocida pieza Cury muy fuk mientras la cantante preparaba la poción mágica. 

Tras veinte minutos del primer descanso se inauguró el segundo acto. Lo hizo con un deslumbrante escenario que recreaba las paredes interiores de un Palacio Real. El príncipe, a cargo del tenor Rodrigo Porras, quedó cautivado por la belleza de la cantante en cuanto la vio. Sin embargo, su incapacidad para mantener una conversación enfrió poco a poco la conexión entre ambos. 

Rusalka confesó a su padre sus preocupaciones sobre la relación del príncipe con una princesa extranjera, interpretada por Magdalena Anna Hofman. La atracción entre ambos hizo que el monarca rechazara a la protagonista. La decisión provocó el exilio de la ninfa a las profundidades marinas. 

El espectáculo llegó a su fin en un nuevo escenario repleto de ruinas navales. La actriz se posicionó en medio del decorado rodeada de sillas amontonadas y atriles quemados. Rusalka, repudiada por los humanos y por su familia, cantó con desesperación y tristeza.

Después  de los últimos diálogos de la obra, el príncipe, tras ser rechazado por la princesa extranjera, va en busca de la ninfa. La protagonista le confiesa que un beso entre ellos provocaría la muerte de él. A pesar de ello, el príncipe decidió besarla, enfrentando un destino trágico y devastador para ambos.

Una versión contemporánea

Andre Heller- Lopez quiso reenfocar la estructura convencional de Rusalka. Para ello, pensó en añadir una visión más contemporánea que expresase los problemas de la sociedad actual, tales como la falta de comunicación entre individuos o la evolución del concepto de amor ideal.

El director cambió el escenario del primer y tercer acto. El mundo fantástico de las hadas y sirenas, fue sustituido por una convencional sala de orquesta, con atriles, sillas e instrumentos. Además, la protagonista interpretó a cantante de ópera, que sacrificó lo más preciado que poseía: la voz.

La pieza escrita por el dramaturgo y productor Eduardo Galán, está coprotagonizada por Isabel Ordaz y Marcial Álvarez. Narra la historia y relación de Ámerica Alcalá  y Carlos Ortiz, una profesora de un instituto público y un padre que se ven obligados a conocerse en una tutoría para evitar la expulsión de su hija Daniela. Sin embargo, lo que un principio iba a ser una simple reunión, acaba por convertirse en un viaje de 7  intensos encuentros entre ambos. 

Aunque se trata de una comedia dramática, Nyman señala que la historia tiene un mensaje más profundo. «Lo interesante es el trasfondo humano de cariño y fragilidad», apunta. Además, añade que La Profesora provoca que «el público salga con una sensación de ternura», al ver que dos personajes tan dispares y antagónicos logran encontrar apoyo moral en el otro. 

«Galán le dio un lenguaje fresco y contemporáneo a la obra» 

«El guion tiene una construcción clásica y convencional», señala Nyman, asegurando que no hay saltos en el tiempo sino «una lectura lógica y cronológica de los hechos». Aunque sobre esto destaca la dualidad en su representación, ya que a pesar de ello «Eduardo Galán le dio un lenguaje fresco y contemporáneo a la obra».

La escritora agradece poder contar con un equipo «inmenso y muy preparado».  Señala que al conocerlos se dio cuenta de que «podía delegar gran parte de su trabajo en personas con habilidades excepcionales». Añade que el público se suele sorprender cuando se dan cuenta de que la dirección corre a cargo de una persona de 27 años. No obstante, «estoy muy satisfecha con nuestro trabajo», concluye.

Vulnerabilidad. Si preguntáramos por la calle con qué profesión relacionarían este adjetivo, las Fuerzas y Cuerpos de Seguridad serían una de las últimas opciones. Y es que, aunque acudir a una consulta psicológica continúa siendo un tema tabú en la sociedad actual, no dudamos ni un instante al recurrir a la figura policial ante cualquier inconveniente. Llamar ante una situación de alerta siempre será uno de nuestros primeros impulsos. Yajmay Afonso, licenciada en Psicología y policía local, afirma que «la Policía trabaja con los veinte peores minutos de cada persona».

No es un secreto que la cultura instaurada dentro de las comisarías solapa la debilidad. Una institución que representa la protección ante la peor de las amenazas. La psicóloga afirma que «el trabajo es estresante desde el instante en el que te pones el uniforme».

Luis Alberto García, catedrático de Psicología en la Universidad de La Laguna, comenta una de las anécdotas que experimentó durante sus estudios con la Policía Local: «Una vez vivimos una situación con una patrulla a pie de calle. Uno de los agentes tuvo que tomar una decisión bastante difícil y llevarse a un niño lejos de su familia. No era un ambiente adecuado para el menor, según indicaba la ley. El policía terminó llorando, y, al hablar con nosotros, relató que inevitablemente se había sentido identificado con el caso».

En relación con ello, Benjamín Guzmán, criminólogo y policía local sostiene que «son muchísimos los factores que determinan que una persona tenga un cuadro depresivo crónico o tendencias de quitarse la vida». Entre ellos, el especialista destaca la personalidad, la turnicidad, las condiciones laborales o el apoyo social informal, ya que «es importante tener tiempo libre y vida social».

El arma de fuego

«La pistola forma parte del uniforme», afirma García. El psicólogo elaboró junto a otras personalidades diversos estudios durante la práctica anual en el campo de tiro. Por otro lado, Benjamín Guzmán aporta una visión  específica ante la posesión  de la pistola. «El arma es una herramienta que ayuda a una persona con un cuadro depresivo extremo a tener acceso rápido a la toma de una decisión como podría ser el suicidio», señala.

La mayoría del cuerpo policial en Canarias no se ha enfrentado a una situación que requiera el uso del arma de fuego, esto se relaciona intrínsecamente con el concepto de incertidumbre. «El estrés no lo provoca tanto la violencia, sino desconocer que va a ocurrir ante cuestiones sociales», dice García.

«Se pierde el elemento vocacional con el que entran a la comisaría»

La escasez de formación específica para integrarse al cuerpo es uno de los factores causantes de estrés. Esta situación se une con la decepción de ejercer un oficio que no cumple con unas expectativas previas. «El desencanto de la profesión se vive nada más entran a trabajar, luego se suele poner la mirada en la jubilación», apunta el catedrático.

Las  expectativas del aspirante a policía suelen relacionarse con la aventura, diversión o adrenalina. Sin embargo, «cuando entras, no es nada más lejos de la realidad», comenta Yajmay Afonso. La psicóloga explica algunas de las consecuencias del desencanto profesional entre las que se encuentra el burnt out o el síndrome del quemado.

Sin embargo, la pérdida vocacional no es la única consecuencia que se acentúa al acumular años en la comisaría. La pérdida de sensibilidad ante sucesos impactantes se traduce en la deshumanización, y esto hace que las relaciones con la ciudadanía se vuelvan más frías. Afonso respalda la existencia de este hecho y añade que «es como cuando un médico te dice que tienes una enfermedad grave, como un cáncer».

La asociación Cronotropo

La doble perspectiva dentro de los Cuerpos de Seguridad ha sido un desarrollo condicionado por un debate entre moralidad y el fiel cumplimiento a la ley. La función dual de las autoridades se divide en los que prefieren seguir con el modelo autoritario y los que mantienen una declinación social.

Con dicha controversia es con la que Cronotropo pretende irradiar algo de luz. Es una asociación sin ánimo de lucro encabezada por profesionales de la Policía. La iniciativa nace de un enfoque cercano y humanista de la profesión, por ello ofrece servicios desde la mirada de cuidado del ciudadano, dejando atrás el tradicional concepto de protección y miedo.

«La Policía Nacional te saca de tu tierra»

La formación de agentes nacionales, en especial en las Islas, obliga a establecer una formación en el cuartel de Ávila. Marcos Rodríguez (nombre ficticio para preservar su identidad), policía nacional y profesor de academia, comenta que «un aspecto negativo es el tiempo que pasas fuera de tu casa, ya que eso te deshumaniza». Según Rodríguez, el problema comienza desde los inicios de la formación: «En Ávila no te enseñan a gestionar tus emociones».

El agente cuenta que estar fuera de casa hace a la persona más fuerte, pero también perjudica a nivel mental. De la misma forma, recalca la importancia de contar con una buena situación familiar.  Asimismo, dice que «a veces tienes que sobrellevar la muerte de un ser querido, o pasar la navidad solo». Por otra parte añade que «la Policía Nacional te saca de tu tierra y tratas con situaciones muy desagradables».

La Asociación Unificada de Guardias Civiles cuenta con una plataforma de escucha a las demandas de agentes que forman parte de la Guardia Civil. Una de ellas es la ayuda psicológica. Ante la prevención del suicidio o la necesidad de pedir ayuda, el Plan Preventivo de Asistencia Psicológica en el cuerpo (PAPP) es un servicio telefónico disponible en cualquier momento del día para los agentes de manera confidencial y gratuita.

En el Cuerpo existe el término apto con limitaciones. Una normativa a la que pueden acogerse agentes que presenten insuficiencia de condiciones psicofísicas durante un periodo de tiempo. Rafael Fernández (nombre ficticio para preservar su identidad), guardia civil y miembro de la Asociación, expone que esta situación permite reducir las funciones en la labor policial, de acuerdo con las limitaciones que figure en el expediente del funcionario. «En casos como este, puedes estar un tiempo sin pistola o dejar de conducir», comenta el agente.

«Insultar a un superior te puede llevar a la prisión»

La jerarquización  cuenta como una de las características principales del cuerpo de la Guardia Civil.  Fernández explica que se comienza de soldado raso y se puede ir ascendiendo, incluso hasta acabar de coronel.  Esta situación se relaciona con un elevado grado de presión, el agente declara que «insultar a un superior te puede llevar a prisión». Una normativa vigente en el artículo 42 del Código Penal Militar  y que afecta en la actualidad a miles de agentes.

El destino en el que te encuentres es un factor determinante en el grado de satisfacción personal y la calidad de vida, un aspecto que coincide con la Policía Nacional. «Se te viene el mundo encima», afirma el guardia civil, para añadir que «hay situaciones en las que se te mezcla la vida profesional con la personal».

Además, las relaciones en el seno de la Guardia Civil se diferencian de las que existen en otros cuerpos policiales. «Esto se debe a un mayor grado de convivencia, vives en las casas cuartel con las personas  con las que trabajas», afirma el agente. 

La formación como herramienta psicológica

 Las pruebas de acceso varían en función del tipo de cuerpo al que el espirante vaya a opositar. Sin embargo, la ausencia de mecanismos para desahogarse, así como el reclamo de un seguimiento médico continuado, es algo que todos comparten.

«El sistema no garantiza que se pueda meter gente en los cuerpos con un cierto nivel de estabilidad emocional», comenta Guzmán. El criminólogo resalta la necesidad de una mejora sustancial si se añadieran pruebas, más allá de la entrevista y añade que solo pasas por unas pruebas de personalidad, los psicotécnicos y luego una entrevista personal.

Afonso recalca la necesidad de establecer la formación psicológica como una trayectoria en un período más amplio de tiempo. «Igual que se establece que debes ir dos veces al año a tiro, pues debería ser igual con la formación psicológica», concluye.

¿Cómo surgió la oportunidad de trabajar en Tadeo Jones? «Realicé una audición en abril de este año mientras terminaba mi último curso de teatro musical en Madrid. Cuando me enteré, me desplacé hasta Gran Canaria. Afortunadamente, al tiempo me comunicaron que había sido seleccionado como papel protagonista del musical».

¿Qué sintió al recibir la noticia de que iba a regresar a Canarias? «Fue un momento bastante importante para mí. Venía de Madrid con la idea de que en Canarias no había oportunidades de empleo para mi profesión. De repente, me dieron el papel principal en un musical increíble. La emoción al recibir la notica fue indescriptible, sobre todo saber que iba estar en casa con mi familia haciendo lo que me gusta».

¿Cuál fue su impresión tras el estreno del musical? «Mi primera actuación en Gran Canaria fue emocionante, con un teatro lleno y una respuesta increíble por parte del público. Actuar en ese escenario donde también lo hice de niño creó una conexión especial. Pensé en lo afortunado que era al estar estrenando mi primer trabajo profesional como protagonista en un lugar donde solía ir por diversión».

«Me siento con más expectativas de trabajo en Canarias que en Madrid»

¿Qué opina sobre la oferta de empleo artístico actual en las Islas? «He de decir que descubrí un micromundo en Canarias que desconocía. Aunque es cierto que la profesión no garantiza estabilidad, me va bien. Lo cierto es que, personalmente me siento con más expectativas de trabajo en las Islas que en Madrid. Sin embargo, entiendo que para muchos compañeros, la situación es más difícil y tuvieron que abandonar debido a sus necesidades económicas».

¿Prefiere trabajar fuera o dentro de las Islas? «La calidad de una producción en Gran Vía es inigualable en comparación con una producción canaria. Aunque podría estar ahora mismo en Madrid, prefiero estar en mi zona de confort, donde yo me críe, y eso no se paga con nada. Prefiero ser cabeza de ratón en Canarias que cola de dragón en la Península. Por ahora, estoy feliz aquí».

«Cuando se cerró el telón nos pusimos a llorar»

¿Se identifica con aspectos de la personalidad de su personaje? «Cuando me dieron el papel de Tadeo, me sorprendió, ya que no creía tener el perfil del personaje. Sin embargo, descubrí similitudes a medida que avanzaba en el proceso. Soy de los actores que piensan que lo que puedes hacer mejor es lo que más se asemeja a ti».

¿Cómo describiría al protagonista de Tadeo Jones? «El protagonista es un arqueólogo totalmente valido y muy competente, pero no reconocido en su trabajo. Al final es una realidad que muchas personas experimentamos cuando nos presentamos a una audición. Tadeo es un personaje muy familiar y agradecido, y aunque no fue creado por Shakespeare, si tiene cierta profundidad e interés».

¿Cuál es su motivación para trabajar en la interpretación? «Te voy a contar una anécdota que lo explica perfectamente.  La última vez que hicimos función en el Teatro Leal, el público estuvo totalmente entregado. Al finalizar, se pusieron de pie y estuvieron como cuatro o cinco minutos aplaudiéndonos sin parar. Entre nosotros nos mirábamos emocionados. Cuando se cerró el telón nos pusimos a llorar todos juntos. Es que, aunque hayan castings en los que te digan que no, y días en los que no llegues a fin de mes, experiencias como estas son la razón por la que sigo dedicándome a esta profesión».

La obra es un recorrido por las experiencias  y recuerdos de la vida del literato, una figura artística e intelectual referente del periodo de guerras en Canarias. El actor Juan Díaz Pardeiro que interpretará al protagonista lo define como «un personaje único, con un carisma espectacular». Además añade que «dio impulso a jóvenes escritores en las Islas».

Afonso recalca la necesidad de que las nuevas generaciones sepan acerca de la existencia y logros de Pérez Minik. Señala que es la juventud quien tiene el deber de conocer su historia. Por otra parte, apunta que «el mejor homenaje es no olvidar». También relata que la generación del escritor fue la que «sentó las bases de un mundo de libertades».

La simbología es una herramienta característica en la creación literaria de Quique y Yeray Bazo. En esta ocasión los Brindis actúan como punto de encuentro entre las vivencias vitales del artista a lo largo de la historia. «Estos nos permiten estar siempre en el mismo bar, y ver cómo va cambiando a lo largo de los años», añade Yeray Bazo.

Creación de la obra teatral

Las primeras páginas del guion se escribieron en abril de este mismo año. Sin embargo, los hermanos Bazo comenzaron a documentarse mucho antes. «Fue un período importante porque nos permitió entender la época, su legado literario y también su faceta más personal», relata uno de ellos.

El productor ya ha trabajado previamente con los guionistas. En esta última ocasión define la colaboración como «un proceso muy enriquecedor que nos ha hecho amar la profundidad del pensamiento de Minik».

Construcción del personaje

«Ambos pensamos que físicamente me parecía a Minik», comenta Díaz. También explica que tienen una energía similar. Sobre esto relata que poco a poco consiguió trabajar en las distintas capas y desafíos propios del personaje, entre los que se encuentra el acento canario.

Respecto a su papel en la obra, el actor expresa que nunca quiso interpretar mediante la imitación. Comenta que «quería ser él a su manera y entender su energía», la que él mismo define como «arrolladora y elocuente». En definitiva, «un poeta de la vida y de las artes», concluye.

Sin embargo, la que hace unos años era una cuestión de planificación en vista del empoderamiento femenino, se ha convertido un siglo más tarde en una reivindicación para frenar la que se considera medicalización del cuerpo. La evolución del ideario y valores feministas desde la fecha de su legalización ha avanzado de la mano de una nueva era envuelta en información.

Los efectos secundarios de un prospecto interminable son algunas de las causas que explican el creciente sentimiento de duda para su uso, así como la indignación por el desconocimiento o la desinformación. En la actualidad resalta por su ausencia la figura del especialista, y esta, por desgracia, se reencarna en vídeos de YouTube, redes sociales y foros de Internet. Como consecuencia, aumenta la mitología o, en algunos casos, el sentimiento de rechazo.

«La píldora te calma dolores y, además, previene un posible embarazo»

La revelación de datos hasta ahora desconocidos para las consumidoras provocó el nacimiento de nuevas perspectivas y dudas. Algunas mujeres comenzaron a darse cuenta de que no estaban consumiendo la píldora como un escudo a la concepción no deseada. Sino que en su momento se les recetó como una cura universal a cualquier problema que tuviesen, tales como al acné o el síndrome del ovario poliquístico (SOP).

Según una encuesta efectuada por la Sociedad Española de Contracepción (SEC) en 2022, un 54,5 % de las mujeres está sujeta al consumo de un método anticonceptivo hormonal por cuestiones relacionadas con la comodidad. Un 38,6 % lo hace por una recomendación médica y solo un 18 % lo relaciona con su eficacia anticonceptiva.

El medicamento, por tanto, extiende su uso a varios ámbitos y deja atrás la anticoncepción como uno de los menos relevantes. Junto con él, especialistas y consumidoras tapan una herida que no ha sido solventada. Una solución fácil y rápida. La píldora te calma dolores y, además, previene un posible embarazo.

Si lo pensamos así, excepto por los cambios de humor, el aumento de peso, el riesgo de cáncer de mama, la disminución de la libido o la ausencia de protección contra las infecciones y enfermedades de transmisión sexual, todo son ventajas.

El ilusionista, en esta ocasión se acoge a su lado más cómico y trae a Tenerife su último espectáculo, Es mi palabra contra la mía, el cual ya cuenta con muy buenas reseñas. El show se podrá disfrutar este 19 y 20 de mayo en el Teatro Guimerá. Durante 80 minutos, en el escenario se abordaran temas como la inconformidad humana o las situaciones más absurdas de la vida cotidiana.

 ¿Qué relación guarda el título del espectáculo con el contenido de este?  «El título se refiere a las contradicciones que todos tenemos con nosotros mismos. En mi opinión la coherencia está sobrevalorada. Este show habla de algunas de esas contradicciones que todos tenemos. La primera, la de seguir luchando por ser felices en un mundo en el que todo conspira para que no lo seamos, incluso nosotros mismos».

¿Cuánto tardó en crear el espectáculo? «Tardé dos años en pensarlo y dos meses en escribirlo. Antes de sentarse a escribir hay que pasear mucho con las ideas volando dentro de la cabeza y dejar que esas ideas hagan nidos y pongan huevos. De ahí es de donde sale el monólogo y ahí es cuando hay que ponerse a escribir, cuando te sale de los huevos».

¿Podría contar alguna anécdota curiosa que le haya ocurrido en alguno de sus espectáculos de Es mi palabra contra la mía? «Recuerdo una chica que dio a luz en medio de la función. A mitad de la presentación noté que había revuelo en el patio de butacas, en ese momento dimos luz de sala y la chica tuvo que salir porque había roto aguas. Supongo que las carcajadas fueron entendidas por el bebé como una señal de que ya había que salir. A lo mejor tenía curiosidad por ver que era eso tan divertido que había ahí fuera. Por lo general, la gente que viene a mi espectáculo se muere de risa. Esta fue la primera vez que alguien nacía de risa».

«El público es sabio y soberano»

¿Qué elementos rescataría del teatro que no le aporta la televisión? «La presencia del público en directo. Lo maravilloso del teatro es tener a las personas delante. Aunque se llama monólogo, siempre es un diálogo. Yo digo palabras, otros dicen silencios, risas, carcajadas o aplausos. Para que el monólogo quede bien es imprescindible escuchar al público y adivinar lo que necesitan. Escuchar sus risas, sus aplausos y, sobre todo, escuchar sus silencios, que es dónde más dicen».

¿Cómo definiría su humor para toda la gente que nunca ha asistido a su espectáculo? «Les diría que es un humor que cuando se mastica sabe a las cosas buenas de la infancia, pero que deja un retrogusto que nos indica que lo mejor aún está por llegar. Realmente no lo definiría de manera concreta. Les diría algo sugerente para que vinieran a verlo».

 ¿Cuáles son sus claves como monologuista, para llegar al corazón del público? «La verdad es que no lo sé. A mí me funciona intentar hacerlo cada día lo mejor posible, sin traicionarme a mí y sin traicionar al público. Lo más importante es no infravalorar jamás al público. El público es sabio y soberano. Ellos saben mejor que nadie lo que les gusta. Tú solo puedes rezar para que lo que te gusta a ti y lo que les gusta a ellos sea lo mismo».

«Escribo mis textos con las estructuras que utiliza un mago»

 ¿La estructura de ‘Es mi palabra contra la mía’ cambia en cada representación? «Existe un férreo guion, escrito a fuego y memorizado de modo implacable, que olvido en cada función. Al igual que improvisaciones meticulosamente ensayadas a las que no suelo faltar. Parece una contradicción, lo sé, pero es la mejor manera que he encontrado de trabajar la comedia».

¿En sus actuaciones y vida diaria, su humor guarda algún tipo de límites? «Mis limites son mi talento, mis miedos y mis complejos. Sin esos grilletes mi humor no tendría límites, pero tampoco sería mío. Mis límites son los que lo hacen mío. Mis límites son los que lo hacen personal».

¿Cuál cree que es la relación que guarda en su vida el humor con la magia? «He estudiado mucha magia y he tratado de llevarme todas esas enseñanzas al campo del humor. Escribo mis textos con las estructuras que utiliza un mago. Eso hace que el resultado sea muy interesante, al menos infrecuente. El resultado es un humor bastante mágico. ¿Cuáles son esas estructuras de la magia? Pues mira, ahora mismo he sacado un curso de magia online que cualquiera puede hacer, no hace falta tener habilidad ni conocimientos previos, para empezar de cero».

El Festival Internacional Canarias Artes Escénicas celebró el pasado jueves, 20 de abril, una de las últimas exhibiciones de Romeo & Juliet. En ella, mas de 300 estudiantes de los IES del norte de la Isla asistieron al Teatro Cine Fajardo, en Icod de los Vinos. Durante casi una hora y cuarto, el legado de dramaturgo inglés logró cobrar vida para las personas allí presentes. Sobre el escenario, se disfrutó de un espectáculo dónde elementos de la lírica antigua se convirtieron en un deleite para los sentidos de un público moderno y exigente.

La representación teatral en esta ocasión consta de un solo actor, Jorge Padín. La productora Ultramarinos de Lucas, con la que Jorge lleva 27 años, aprovechó desde sus inicios la que consideró una oportunidad para alcanzar el éxito. Y es que contar con un reducido elenco, según relata el director, Juan Berzal, «provocó que la imaginación se convirtiera en la protagonista del encuentro».

La polivalencia, al igual que la velocidad, es una de las características que más pueden llegar a sorprender del actor de la obra. Sin embargo, la simbología yace en las piezas clave de la dramaturgia, un reducido atrezo y vestimenta son prueba de ello. «El espectador construye un mundo en su cabeza de la mano del actor», relata Berzal.

«La obra es puro teatro de títeres»

El protagonismo que llega a alcanzar las manos en la historia da respuesta a la excepción de no contar con reparto suficiente. Esta situación llevó a que Ultramarinos de Lucas viera en este símbolo, un hilo conductor que ya se hallaba presente en la versión original de la obra

Juan Berzal comenta que es dicho elemento el que provoca un mayor desarrollo imaginativo en la mente del público, en especial de la gente joven, los cuales considera que “están acostumbrados a lo explícito”. Los componentes de la compañía inciden también en la participación activa del público. «La obra es puro teatro de títeres», afirma Berzal.

«Todos tenemos diferentes  personajes en nuestra vida»

Jorge Padín lleva toda su vida jugando encima del escenario. La que es su filosofía de vida, también es una de las claves que le ayudan a ser multitud de personajes al mismo tiempo. «Cambio de personaje al igual que un niño», confiesa.  El actor no duda en afirmar que todos tenemos diferentes personajes en nuestra vida, y que además para descubrirlos «hay que dejarse llevar, desinhibirse y desaprender».

Padín afirma que Romeo & Juliet, es una obra con la que los adolescentes van a sentirse identificados. «Podrán hacer suya la historia de amor «, relata. Comenta que la puesta en escena está pensada para que la gente entre en su juego y también en la guerra. «Shakespeare lo tiene todo», concluye.

«Poder interpretar me hace sentir mucho más completa»

Decir todo lo que piensa a través de la interpretación. Este ha sido uno de los impulsos principales de Alba Egido para querer comenzar su carrera de teatro musical en las Islas. La artista lleva el canto en la sangre desde que era pequeña y no tiene ninguna duda al afirmarlo: «Yo me quiero dedicar a esto en un futuro». Ahora, con 21 años, Egido interpreta a Elizabeth en la adaptación de Mandrágora Lab del musical Hamilton. La actriz se convierte por primera vez en protagonista de un espectáculo activo desde 2021 . Este mes de marzo se presenta con una nueva narrativa entorno a la voz femenina.

Desconocer la posibilidad de estudiar esta disciplina en las Islas provocó que Alba no se adentrase en ella a una edad más temprana. «Durante toda mi infancia el teatro musical siempre me había llamado mucho la atención», comenta. Su desempeño artístico comenzó en el instituto, al regresar de unas vacaciones de verano. Una compañera le contó que había participado en un musical. «No sabía que se podía estudiar teatro musical aquí», asegura.

Recuerda que, conoció a las directoras de Mandrágora Lab en un proyecto del Auditorio de Tenerife, y que fueron sus profesoras, las que además contactaron con ella, posteriormente, para el taller de Hamilton. Le propusieron formar parte de la actividad porque sabían que le iba a gustar. La relación con Ariadna Simó y Melodie Pérez sigue vigente desde entonces. Al preguntarle por ellas, Alba no duda en afirmar que «ha sido un proceso de ir creciendo juntas».

«Hablamos de una figura que estuvo detrás de Alexander Hamilton»

La versión original de Hamilton no contiene textos que contextualicen la historia. «Nosotras no nos podíamos permitir una traducción exacta del musical», comenta la actriz al referirse al registro en inglés. Relata que “tuvieron que prescindir de varias canciones, e incluir textos propios».

La actriz comenta que el musical, en esta ocasión, cuenta con un nuevo enfoque. «Ahora hablamos de una figura que estuvo detrás de Alexander Hamilton», señala mientras define su papel en la obra. Relata que Eliza Hamilton fue una pieza clave, no solo en su contexto, sino que «la ayudó a que la historia trascendiera» y hace que a día de hoy llegue al público.

Afirma que el aspecto principal de Elizabeth Hamilton en la obra es su evolución, su fuerza y su cariño. «Mi personaje supo ver más allá de los errores de  las personas. En especial de su marido», relata. En la actualidad, Alba se encuentra en proceso de otro proyecto musical y afirma que «tiene un personaje bastante parecido».

El musical Six, en el que participa, gira en torno la historia de las seis mujeres de Enrique Octavo. «El se casó seis veces y se sabía que parte de las estrategias de guerra las hacían mujeres que estaban su lado», afirma. La actriz interpreta a Jane Seymour, una mujer muy inteligente, que, igual que Eliza «supo amar a Enrique, más allá de todo lo que había pasado».

«El musical es algo que nunca se ha visto antes»

A la hora de encarnar al personaje en su interpretación, la actriz se contextualiza e indaga sobre el trasfondo histórico del mismo. Relata que «estudia que hicieron los personajes, como los describían otras personas de la época, y saca los adjetivos principales». Sin embargo, resalta que el papel de las directoras es fundamental en el transcurso de su preparación ya que estas le aconsejan. «Saben cómo el mensaje influirá en el público», afirma.

La cantante aconseja «ir con la mente bastante abierta». Incide en que Hamilton es una historia que todo el mundo conoce pero «esta versión y su manera de hacerlo es algo bastante chocante». Alba cuenta que Hamilton es rompedor gracias a todos los elementos que lo hacen único y diferente . Recomienda ir preparados al auditorio. «El musical es algo que nunca han visto antes», concluye.

El espectáculo dio comienzo a las 21.00 horas. En ese instante las butacas del recinto habían sido ocupadas por los asistentes y las puertas del teatro se estaban empezando a cerrar por completo. La luz comenzó a desvanecerse entre el público, y toda la atención se centró en la puesta en escena, una silla que sostenía un micrófono en medio del escenario.

Una pegadiza pieza musical sorprendió al público. De repente, una voz anunciaba el comienzo del espectáculo, e introducía de forma hilarante y sarcástica a la protagonista de la noche. Petite Lorena entró en escena, sonriente y animada y saludó al publico .

«Para mí, ser mujer era poder fumar y depilarme»

La cómica introdujo al teatro en un viaje a través de las anécdotas más alocadas e inverosímiles del transcurso de su vida. Gracias a los diferentes acentos, gestos y escenificación se creó un ambiente familiar y divertido. La comodidad de la cómica en su relación con los asistentes cada vez era mayor. Su monólogo se fue convirtiendo en una conversación con el publico , y en especial, con las mujeres. «Para mí, ser mujer era fumar y depilarme», compartió Petite

La actriz, que había prometido ocasionar dolores de barriga a causa de la risa, cumplió su promesa e inundó el teatro de carcajadas incontrolables. A causa de ello, en una ocasión se vio motivada a intervenir e interrumpir el espectáculo ya que se percató de una señora en primera fila que no podía contenerse. «Reírse así a veces es incluso mejor que un orgasmo», señaló la cómica.

«Mi abuela en los accidentes repartía aguas para los nervios «

El climax de la noche se alcanzó cuando Petite Lorena, entre risas, de las que ella misma se había contagiado, bajó las escaleras del escenario de la mano de uno de los asistentes. Una escena cómica que desencadenó en un mayor acercamiento al gentío.

Durante el resto de la noche, la monologuista centró su espectáculo en sus experiencias dentro de la isla de La Palma, así como de anécdotas de su infancia y de la actualidad, en especial con su abuela Rosalba. «Mi abuela en los accidentes salía a repartir aguas para los nervios», relató.

Con mucho humor y orgullo, reafirmo su procedencia: «Yo tuve una infancia feliz, como Heidi». Petite creó, en ese momento, uno de los acontecimientos más emotivos de la noche, al recordar la erupción del volcán y las consecuencias que está dejó en la Isla.

El espectáculo finalizó de manera inesperada a la hora y media. El público se levantó al unísono para elogiar a Petite con múltiples aplausos, mientras esta se despedía y lanzaba besos al aire. La cómica, se encuentra ahora en proyectos como la gala de Tenerife Noir, y presentará la entrega de premios, junto a Nacho Peña este domingo, 19 de marzo. Además, Lorena volverá a subirse a escena con este monólogo el próximo sábado, 25 de marzo en el Café Teatro Rayuela.

¿De dónde nace el impulso de empezar su show La Gran Petite? «Es un espectáculo centrado en todo mi recorrido vital: cómo recuerdo la crianza de mis padres, el lugar dónde viví y un poco la observación de todo ese ambiente rural a través de la mirada de una niña pequeña. En la obra, hago un recorrido de mi infancia y mi adolescencia hasta la adultez, o estupidez, donde todos esos patrones que me marcaron me los encuentro como si me dieran con una tarta en la cara. Durante el transcurso del espectáculo hablo del desencanto de la vida adulta, pero con mucha sátira, sentido del humor y desnudez».

¿Qué grado de improvisación existe en sus espectáculos? «Muy poco. Si es verdad que me tomo libertades, porque la improvisación, al final, nace de situaciones o historias que aprovecho encima del escenario, ya que tengo el texto bastante controlado. Hay momentos en los que me tomo la licencia de salirme del guion y decido parar el espectáculo porque voy a comentar algo. Por ejemplo, temas de actualidad que siento que merezcan ser contados».

«Tengo vocación de eternidad»

¿Podría contar alguna anécdota que le haya ocurrido en alguno de los shows de La Gran Petite? «Una vez me pasó que vi a un señor dormido en la segunda fila. No me lo creía, pero era claramente carne de comedia. Entonces, en ese momento bajo la voz, empiezo a vacilar con el público y la gente empieza a destornillarse. Bajé al patio de butacas que el hombre me habló y me dijo que no estaba dormido, sino que en realidad era ciego, su mujer que estaba al lado estaba muerta de la risa. La verdad es que era un tipo con un sentido del humor tan grande, que incluso dijo que esto le había pasado otras veces en otros espectáculos».

¿Qué le diría a todas aquellas personas que van a verla en su espectáculo por primera vez?  «Yo siempre digo que me voy a comprometer a que durante esa hora y pico que dura el espectáculo, voy a hacerles reír hasta el punto en el que les duela la barriga, otra cosa es que no lo consiga. Si no lo logro no se si devolverles el dinero de la entrada pero podríamos hablarlo, tal vez la mitad. Si es verdad que durante un tiempo decía que si el espectador no se lo había pasado bien, le devolveríamos el dinero, y luego me di cuenta de que eso no servía».

¿Cree que su carrera humorística llegará a su final algún día?  «Esa pregunta es super profunda. Llevo dedicándome al humor muchísimo tiempo. Es como si yo estuviera casada y me preguntases si quiero estar junto a mi pareja toda la vida. La verdad es que no lo sé, pero para mi es la vocación de eternidad, me gustaría que fuera eterno, pero nunca sabes si vas a tener que tomar decisiones en algún momento. Si el humor dejara de hacerme feliz, lo dejaría».

«Siempre saco las fuerzas del público»

¿Petite Lorena, además de ser su nombre artístico, es un personaje? ¿Qué supone para usted subirse al escenario y convertirse en ella? «Pues una muy buena pregunta porque Petite Lorena es un plus de Lorena González Orribo. Es decir, es el personaje y, por lo tanto, hay mucho de Lorena en ella, pero no sabría decirte que porcentaje. En mi vida cotidiana, no soy tan deslenguada ni segura. Petite es el burles, el cabaret y la fantasía. Podría decirte que es como cuando te pones una peluca en Carnavales, es mi parte más valiente, la que me anima a subirme al escenario y contar todo lo que quiera».

¿De dónde saca las fuerzas para salir a escena cuando no se encuentra bien? «Las fuerzas las saco del público siempre. Yo tengo la sensación de que me subo al escenario a dar un espectáculo, pero cuando no me encuentro bien, salgo a recibir la energía de la audiencia. La canalizo, sobre todo, cuando lo que me ocurre es algo más emocional».

El humor le ayudó, cuando era pequeña, a reírse de sí misma cuando otros lo hacían. ¿Considera que sigue usando el humor como escudo de protección? «Sí, claro que sí. A veces hay cosas que no tienen salida, como cuando te pasa algo horrible. A mi el positivismo me pone muy de los nervios, el tener que estar siempre completamente bien. Yo he aprendido a estar mal con sentido del humor. Cuando estás mal, estás mal, yo a eso no le veo nada positivo, pero siempre le puedes poner sentido del humor».

El Centro de Arte La Recova de Santa Cruz de Tenerife presentó el pasado jueves, 9 de marzo, la exposición Mujeres Encubiertas con motivo de la celebración del VIII Festival Atlántico de Género Negro, Tenerife Noir. La exhibición expone, mediante ejemplares rescatados de la época franquista, la manipulación de los ilustradores en las portadas policiacas. El especialista Carlos Abio, autor de la muestra, también ha explicado las diferentes técnicas empleadas en el resto de los países y su controversia con el pudor social. La exposición permanecerá abierta al público hasta el 19 de marzo.

La dramaturgia, es la escenificación de un poema y nace de la dirección de Juan José Afonso. El director ya ha trabajado en diversos proyectos teatrales dentro y fuera de las Islas y conocía de primera mano a Pedro García Cabrera, un hecho que ha sido el motor en la creación artística de la obra. Él propuso junto al director de producción Carlos Prieto, crear una memoria teatral del periodista y poeta, actualizando lo que aconteció en su vida hace más de un siglo.

El proyecto, que luego se puso en manos de los hermanos Bazo, estuvo dos años en archivo antes de volver a ser valorado para su publicación. Quique y Yeray Bazo encontraron, entonces, la oportunidad de establecer, durante la historia que estaban relatando, un discurso con el mar, que, como afirma Yeray, «llegó a ser un interlocutor del poeta».

«El guion explica a la perfección lo que le pasa al personaje»

«Lo que han hecho Quique y Yeray con esta historia es precioso como todo lo que hacen», señala Jorge Yumar, interprete de la obra. El actor, que interpreta a Pedro García Cabrera fue una de las primeras opciones para protagonizar la historia, incluso antes de que se decidiese llevar a cabo ya que desde la dirección del proyecto vieron en él el potencial necesario para encarnar al poeta.

Durante el proceso para preparar el trasfondo del personaje, Yumar se documentó sobre la historia y personalidad de García Cabrera. «Gracias al guion ha sido todo mucho más fácil, porque se entiende a la perfección lo que le pasa al personaje», declara.

«Creo que la obra va a gustar mucho»

Un día habrá una isla, narra la historia y el trasfondo de Pedro García Cabrera. En la puesta en escena, el poeta y su legado son los principales protagonistas en una historia poética y personal. «No queríamos que fuese una obra en la que pasan cosas y se recitan poemas. Queríamos que la poesía permease todo el texto», declara Yeray Bazo.

El público se podrá sumergir en la profunda relación que el poeta canario entabla en sus poemas junto al mar, símbolo que en esta ocasión se convierte en el coro de la historia. Además de ser un guion teatral, entre sus líneas se podrán descubrir versos literales que yacen en poemarios del autor. «Está todo tan integrado que crea una especie de musicalidad», comenta Yeray.

Jorge Yumar piensa que «la obra va a gustar», porque es muy emocional, visual y tiene mucho ritmo. «Es tan cortita que parece un suspiro», añade.

La última publicación del escritor alcanzó, en apenas tres meses, las mil ventas, unos datos que para Yauci significaron «un auténtico éxito», en comparación al escaso tiempo que llevaba en el mercado. La obra literaria se encuentra en la actualidad entre los cinco libros más vendidos del autor y es, entre toda la colección del novelista, uno de los libros que más reconocimiento ha obtenido, tanto en firmas como eventos.

Melodías en el tiempo narra la historia de Alexis, un chico que, junto a su pareja, hereda la casa de su abuelo en La Palma. Envuelto en multitud de recuerdos de su infancia, el protagonista se embarca en una aventura emocionante donde descubrirá secretos de su abuelo, para él impensables. La obra literaria, plasma el transcurso de una historia familiar que siempre se ha encontrado ligada a la música. Un viaje lleno de intriga y emoción tanto para el protagonista como para las personas que la lean.

Más allá de la historia

La novela, aunque se comprende únicamente por hechos ficticios, consiguió cautivar el corazón, como Yauci recuerda, «no solo de los leyentes actuales, sino de la primera persona que leyó sus páginas». Esta, afirmó haber empatizado con la historia del escritor hasta tal punto de emocionarse al recordar una situación personal. «Es una novela que engancha bastante», señala.

El autor de Melodías en el tiempo, pone esfuerzo y dedicación para que cada una de sus obras sea única y diferente. En este momento, Fernández comenta que se encuentra en proceso de creación de su próximo libro que será la segunda parte de Crónicas de un escritor mindundi. Hará un recopilatorio de aventuras y anécdotas graciosas que le han acontecido durante el transcurso de sus mejores viajes.

Producción de la novela

Melodías en el tiempo, se construyó durante el transcurso de cuatro años, en los que también se incluyen los momentos de cuarentena y confinamiento. Fue durante este tiempo dónde el autor creó el libro, en su mayor parte. «El libro fue muy difícil de terminar y de sacarlo a la luz», declara Yauci.

Con respecto a la ilustración de la portada de la novela, fue la ilustradora  Estela Crisostomo quien plasmó los deseos del autor en su dibujo. Fernández afirma que el gran reto para la artista fue intentar utilizar la técnica más realista posible, alejándose de su estilo animado e infantil.

Telesforo Rodríguez, productor y actor, dirige la mayor parte de los espectáculos de la Compañía Zálatta y está al frente de Nosotras que nos odiamos tanto, desde su primer estreno en 2012. Su segunda temporada dio comienzo en abril 2018.Tres meses antes de su puesta en escena ya habían dado comienzo los primeros ensayos, lecturas de guion y preparación de personajes.

Desde entonces, Telesforo Rodríguez lleva a cabo la dirección de las obras de la mano de Inés Rodríguez , su hija, que forma parte del reparto. Inés, junto a Marta Perdomo, son las actrices que dan vida a los personajes de Sofia y Marion en esta divertida historia. Ambas afirman «haber desarrollado una bonita relación de amistad durante los últimos años», así como con la compañía teatral, la cual siempre ha resaltado por su buen ambiente de trabajo

 Trama de la obra

Nosotras que nos odiamos tanto, narra la historia de dos mujeres con personalidades y estilos de vida totalmente dispares: Marion y Sofia.  Sin embargo, sus personajes acaban coincidiendo en el mismo lugar y circunstancias. Ambas protagonistas acaban en una playa de Lanzarote en consecuencia de un hombre que las ha abandonado, es decir,  el enemigo.

El viaje de ambas protagonistas lleva al espectador a conocer al desnudo, la complejidad de los estereotipos masculinos y las relaciones humanas, mientras disfruta con la enrevesada aventura en la relación de dos mujeres que, aunque ellas no lo crean, están predestinadas a estar juntas.

Inés Rodríguez relata que «la obra habla de la importancia de la amistad», de la unión, de escuchar a nuestro corazón y, sobre todo, de no cancelar nuestro deseo de felicidad.