La persecución mediática en Venezuela representa uno de los principales pilares que sostienen al gobierno autocrático del país. Desde el cierre de medios hasta el apresamiento de periodistas disidentes, las medidas para agotar la libertad de expresión por parte del Gobierno se han extendido a lo largo de estos veinticinco años del régimen autoritario.

«Entre la prensa y el poder existe un histórico choque de fuerzas», dijo Hugo Chávez, presidente del Gobierno del momento, días antes de la celebración del Día Internacional del Periodista de 2001. Una frase que definiría la posición del gobernante y de su sucesor, Nicolás Maduro, frente a los medios a lo largo de su paso por el poder.

Eventos como el 11 de abril de 2002 marcan un antes y un después en la historia venezolana. La creación de nuevas leyes que perjudicaban la economía del País, la expropiación de territorios agrarios y finalmente la disolución de la junta directiva de Petróleos de Venezuela (PDVSA), fueron algunas de las decisiones del presidente Chávez que contribuyeron al aumento de tensión hacia su mandato.

Tras el ataque a PDVSA miles de personas se agruparon de camino a Miraflores, la sede del Gobierno, reclamando la renuncia de Chávez. Es en este momento cuando se toma la decisión de abrir fuego contra los manifestantes, causando así diecinueve muertes. Para disipar la atención de la masacre, el presidente da comienzo a una cadena nacional obligatoria en todos los medios de comunicación.

Sin embargo, canales como Radio Caracas Televisión (RCTV) y Televen deciden retransmitir el discurso presidencial a la vez que lo que ocurría en la manifestación, un evento que conocemos como la División de Pantalla y que marca el inicio del final de RCTV y de la libertad mediática.

El cierre de Radio Caracas Televisión

La acción tomada por el medio durante las manifestaciones del 11 de abril no fue recibida de manera positiva por el gobierno Chavista. Desde ese momento, el régimen tomaría todas las medidas posibles para acabar, no solo con RCTV, sino con todos los medios que se presentaran en contra de su gobierno.

Venevisión y Televen, los otros dos canales que dividieron sus pantallas, reaccionaron ante las amenazas apegándose a las agendas chavistas, mientras que RCTV mantuvo su posición opositora. A su vez, se empiezan a poner en práctica normativas de censura que poco a poco limitaban el libre desarrollo de los medios venezolanos, resultando así en el cierre de radios y periódicos más pequeños y en la amenaza de sacar del aire programas de radio y TV que tuvieran mensajes críticos al Gobierno.

Finalmente, el 27 de mayo del 2007, luego de que el Gobierno de Hugo Chávez no renovara la concesión de uso del espacio radioeléctrico a la televisora, Radio Caracas Televisión cierra permanentemente. Este evento es considerado como el punto de inflexión que dio paso a una mayor represión mediática en Venezuela. «Este momento supuso la apertura del gobierno para continuar cerrando medios de comunicación y que por lo tanto en Venezuela no exista la libertad de prensa», indica Alfredo Romero, presidente del Foro Penal, ONG que se dedica a la denuncia y documentación de los casos de violaciones a los DDHH en el país.

El cierre del Circuito Nacional Belfort (CNB) es otra de las grandes acciones del gobierno para evitar la disidencia política y se une a una lista de 32 cadenas de radio y dos medios de televisión que cerraron en el año 2009. Ese mismo año se presenta la Ley Especial Contra Delitos Mediáticos, que según la ONU supone grandes violaciones a la libertad de expresión y de prensa nacional.

Sin embargo, la represión, tanto mediática como social, no se termina de agudizar a niveles extremos hasta la llegada de Nicolás Maduro al poder en el año 2014. «Chávez de alguna manera tenía un nivel de popularidad que Maduro pierde. Este miedo a ser derrocado y reemplazado pasa por un aumento de la represión», subraya Miguel Henrique Otero, director del periódico El Nacional, uno de los diarios con mayor circulación en el país.

La represión sistemática

El Gobierno madurista destaca por una mayor coacción hacia los medios y la población venezolana. Los métodos de represión esquematizados durante el chavismo se ponen realmente en práctica con la llegada de Maduro al poder. El presidente del Foro Penal indica: «Ha tenido que utilizar la maquinaria represiva instaurada por Chávez, que se ve por primera vez el 11 de abril de 2002, de una manera mucho más radical».

Romero, ejemplifica esta realidad resaltando el hecho de que, en 2014, el año en el que Maduro llega al poder, se contaba un total de once personas disidentes apresadas y para finales de este, se reportaron más de dos mil detenciones por razones políticas. Un número que hoy en día se extiende hasta 16 000. De esta manera, hace énfasis en que «durante el gobierno de Chávez, el año que más hubo detenciones fue durante el cierre de RCTV con un total de doscientas personas apresadas».

Esta realidad queda completamente invisibilizada por la represión mediática a nivel nacional y dificulta por lo tanto la labor de retratar internacionalmente esta constante violación de derechos humanos. Así lo expresa Romero: «Como organización se nos hace prácticamente imposible poder lograr que medios de comunicación nacionales puedan reflejar lo que nosotros denunciamos».

A lo largo de los años, múltiples periodistas han sido perseguidos por su labor opositora. Un ejemplo reciente es el de Luis Carlos Díaz, periodista opositor que fue detenido por el gobierno en el año 2019, acusándolo falsamente de haber ocasionado una serie de cortes eléctricos de gran magnitud. Instituciones como Amnistía Internacional y la ONU presentaron preocupación por Díaz, que luego de haber sufrido tratos inhumanos y tras un gran levantamiento a nivel nacional e internacional fue liberado a las veinticuatro horas.

Otros ejemplos a mencionar son el de César Miguel Rondón, Luis Chataing e Ibéyice Pacheco, que se encuentran ahora viviendo en el exilio debido a la presión y las amenazas del Gobierno. Por último, está el caso del periodista y activista político Roland Carreño, quien fue detenido por estar vinculado con el partido político Voluntad Popular, presidido por el expreso político Leopoldo López, quien escapó del país en el año 2020. Carreño estuvo detenido en el centro de detención de Boleíta, que figura en el Informe de la Comisión del Consejo de los Derechos Humanos de la ONU como un centro de tortura, y fue acusado de asociación para delinquir, tráfico de armas de guerra y financiación del terrorismo.

Fue liberado en octubre de este mismo año como parte de las negociaciones entre la oposición venezolana, el Gobierno de Estados Unidos y el Gobierno de Maduro, que a través de un acuerdo firmado en Barbados, accedió a la liberación de un número, hasta ahora indeterminado, de personas apresadas por razones políticas, a cambio de la flexibilización de las sanciones que la administración de Biden mantiene contra Venezuela.

La digitalización como arma de defensa

A raíz de este ambiente de censura, muchos medios de comunicación no tuvieron otra opción que expandirse hacia las plataformas digitales y, en muchos casos, cerrar sus soportes físicos. Un ejemplo de esto fue el periódico El Nacional, que se posicionaba como uno de los medios más importantes del país, siendo uno de los dos diarios con mayor circulación en conjunto con El Universal. «Los ataques a El Nacional comenzaron directamente de Chávez, desmintiendo información que era verdadera», subraya Miguel Henrique Otero.

Así, el medio se convirtió en blanco del gobierno para agredir y eventualmente censurar. Las acciones tomadas hacia el diario se extendieron desde difamaciones públicas hasta, incluso, la colocación de una bomba en la sede principal. Con el paso de los años estos ataques fueron en aumento y la situación general del país, también contribuyó a la limitación del medio.

La crisis de papel a nivel nacional detuvo la producción de muchos periódicos pequeños y ralentizó la labor de diarios como El Nacional, que pudo subsistir en formato físico por un tiempo, pero eventualmente también dejo de producir. «Tuvimos que movernos a una plataforma web, que posteriormente también fue bloqueada», indica Otero.

Pero el punto de cierre para el diario venezolano vino tras la demanda por difamación, por parte del vicepresidente del Gobierno Diosdado Cabello, que recibió como indemnización por los daños, la sede oficial de El Nacional. «Ha sido un proceso in crescendo durante los últimos años para hacer desaparecer el medio», enfatiza el presidente del medio, refiriéndose a lo que ha sido todo el proceso que culminó con el cierre del diario.

Actualmente, El Nacional se mantiene gracias a su formato digital fuera de Venezuela. Colaboran con periodistas que están fuera del país, pero también con aquellos que prefieren mantenerse en el anonimato para no ponerse en peligro. El equipo está dividido por todo el mundo, desde el mismo Otero que se encuentra exiliado en Madrid, hasta colaboradores que se encuentran en lugares como Portugal, Miami, Texas e incluso la misma Venezuela.

El caso de Efecto Cocuyo

Pero no todos los medios actuales tienen su origen en impresos. Efecto Cocuyo es una plataforma digital en la que se agrupan distintos medios de comunicación independientes. Nace de la censura del gobierno y la incapacidad de informar. «Antes de Chávez, los medios venezolanos estaban entre las primeras instituciones con mayor credibilidad del país», indica Luz Mely Reyes, cofundadora del medio.

«En mi caso personal he sido expuesta al escarnio público y al patrón de persecución, hostigamiento y estigmatización», subraya Reyes y recalca las múltiples agresiones y persecuciones que ha sufrido el medio y su equipo a nivel individual, destacando como lo más grave, el bloqueo de este a nivel nacional sin ninguna justificación.

El medio resalta por la creación de un espacio donde sus periodistas cuentan con la libertad de indagar en los temas que consideren pertinentes, incluso cuando estos suponen un riesgo. Hacen uso de herramientas como el streaming o las redes sociales para divulgar la información, ya que Reyes asegura que «estos son más difíciles de interrumpir que una página web».

Profesión de riesgo

Es en situaciones como la de Venezuela cuando el verdadero valor periodístico se refleja en el impacto que tiene en la sociedad. La lucha contra la represión y persecución mediática es una realidad que se vive, no solo en países autocráticos, sino en todo el mundo a mayor y menor escala.

El periodista se ve inmerso en la responsabilidad de luchar por esa constante búsqueda de la verdad y, ya por eso, ejerce una profesión que puede ser calificada como de riesgo. Es importante partir del ejemplo venezolano para comprender la trascendencia del buen periodismo, de la información veraz y, sobre todo, de un grupo de profesionales dispuestos a luchar para contar esa pequeña parte de la realidad en la que viven.

El día a día venezolano forma parte de esta verdad que debemos contar. La represión mediática solo compone una pequeña parte de una sociedad carcomida por la corrupción, el miedo y el dolor de un pueblo que busca una mínima calidad de vida. El foco internacional ilumina muy tenuemente por momentos la situación del país, pero este siempre se apaga o se diluye.

Por eso es importante partir de la profesión periodística para salir de la agenda y centrarse también en contar los matices del mundo en el que vivimos. Tomar ese riesgo y convertirlo en la motivación necesaria para realmente marcar una diferencia y responsabilizar a aquellos que callan nuestras voces con el fin de proyectar las suyas.

El origen de la democracia se remonta a la antigua Grecia y aunque existe el debate sobre si este sistema ya existía en otras agrupaciones sociales más antiguas, nuestra concepción del término se remonta al demos (pueblo) y kratos (poder) que conocemos desde el instituto. Sin embargo, teniendo en cuenta que solo los hombres ciudadanos de Atenas tenían acceso al voto, tampoco creo que Grecia sea el mejor ejemplo de democracia.

Pero, indudablemente, sí representa un buen punto de partida para un proceso a través del cual se han logrado grandes avances en la sociedad. La misma inclusión de la mujer en el sufragio no se hubiese podido dar sin la idea de democracia que hemos cultivado por siglos. Una concepción que nos ha enseñado que como participantes de nuestra sociedad, tenemos derecho a elegir quienes la dirigen.

El voto universal, libre y periódico es lo que diferencia a un Estado democrático de los sistemas autoritarios, y muchas veces opresores, que todavía existen. Por tanto, lo que pareciera ser un simple acto ciudadano que puede volverse, incluso, algo común, otorga a quienes tienen acceso al sufragio, una posición de privilegio frente a las personas que no conocen esa realidad.

«Solo la mitad de la población vive en democracia»

Según el Índice de Democracia 2021 de The Economist Intelligence Unit, solo la mitad de la población mundial vive en algún tipo de democracia, lo que no significa que esta sea plena. Países como Corea del Norte, La República Democrática del Congo o Venezuela, del cual hablo por experiencia, destacan por un sistema autoritario donde la presencia de la población en la toma de decisiones, se convierte en nula.

Personalmente, votar por primera vez es tan importante porque me crié viendo a los adultos de mi familia ir a elección tras elección en un país donde la voz del pueblo era y sigue siendo ignorada, donde el día de las elecciones era un show que como un martillo rompía cualquier esperanza de que en algún momento podríamos elegir, y donde aprendes desde la infancia el poco valor que tiene realmente el voto, pues desde las manos del poder puede ser multiplicado o reducido por conveniencia.

Por esa razón, independientemente de si no sabes por quién votar, si lo tienes muy claro o si consideras que no es algo relevante, recuerda estas próximas elecciones que el simple hecho de que tu voto marque una diferencia, es un privilegio. Muchas veces nos contagiamos del discurso de que «no vale la pena» o «es que no sirve para nada» pero, desde la perspectiva de una persona que pensó que su voz no sería escuchada hasta que tuvo la oportunidad de emigrar, es importante que nos aferremos a este privilegio y tomemos la decisión que consideremos correcta  para nuestro futuro.

De esta manera, debemos educarnos y tener una mínima conciencia del contexto político del país, para así cumplir con nuestro deber como parte de la ciudadanía y, a su vez, ejercer un derecho que no es común y cuyo impacto es más grande de lo que pensamos. Así, este 28 de mayo y próximamente en diciembre elijamos por quienes no pueden y honremos el esfuerzo de quienes lucharon porque hoy, nuestra voz pueda ser escuchada.

«La presentación en carnavales me ayudo a abrirme al público»

Carmen es una artista tinerfeña con casi treinta mil seguidores entre sus plataformas de Instagram y Youtube, donde solía hacer covers de canciones en sus inicios. Con sencillos como Esta vez, BIPOLARIDEZ , Aventura, o el más reciente Descontrola, la cantante y compositora se ha dado a conocer en la Isla, permitiéndole así presentarse en escenarios como el de los Carnavales de Santa Cruz de Tenerife o volar a Miami para trabajar en su música.

¿Cómo se definiría como artista? «Me definiría como una artista de género urbano a la que le gusta innovar. Soy versátil, pues a pesar de que quiero seguir la línea del reggaetón, ya que es el género que quiero hacer actualmente. También me gusta mezclarlo con pop, country, R&B. Un poquito de todo, sin perder esa línea urbana».

¿Recuerda sus primeras experiencias con la música? ¿Cuáles son? «Cuando era muy chiquitita, me encantaba llegar a casa, poner música y cantar en frente del espejo imaginándome que estaba en mi propio musical. A los doce años recuerdo que en el colegio hicimos una función de Los Miserables y me tocó ser una de las protagonistas. Cuando tuve la oportunidad de subirme al escenario, me marcó un montón porque dije: «Quiero dedicarme a esto». A partir de ahí, mi tío me regaló una guitarra, por lo que me apuntaron a clases para empezar a practicar, y yo empecé a subir covers porque vi que estaban de moda».

¿Quiénes diría que son sus mayores referentes? «Musicalmente, yo diría que son: Rauw Alejandro, Karol G o Bad Bunny dentro del mundo urbano. Si hablamos de pop, pues Justin Bieber, Selena Gómez y The Weeknd también son muchos de los artistas que escucho». 

Comenzó en YouTube haciendo covers de canciones como Adán y Eva de Paulo Londra o de Otro trago de Sech ¿Considera que esos inicios haciendo versiones le facilitaron el proceso para escribir sus propias canciones? «La verdad es que no diría que hacer covers me he facilitado el proceso de hacer música porque ya desde chiquita me encantaba escribir y hacía mis propias historias, poemas, etc. Aunque sí considero que me facilitó el hecho de ser más suelta en los videoclips y me ayudó a ver lo que le gustaba a la gente. Además, me hizo ganar muchos seguidores en YouTube, lo que me motivó a hacer mis propias canciones a ver qué tal me iba».

“Lo que más me gusta del proceso musical es crear melodías”

 A la hora de hacer música, ¿qué parte del proceso considera que es la más satisfactoria? «Haberla terminado, obviamente, porque ahí es cuando ves el resultado final y decides si te gusta o si quieres cambiar algo. Te la vives muchísimo porque es como: “Wow yo acabo de hacer este temazo” ja, ja, ja…Aún así,  dentro del proceso musical lo que más me gusta es crear melodías porque es en lo que más facilidad tengo. Luego de tener el beat puedo hacer quince melodías distintas y ya luego, a partir de ahí, hago la letra».

¿Qué dificultades cree que se le presentan a los jóvenes artistas que quieren darse a conocer en el mundo de la música? «Para un artista ahora mismo el principal problema es que hay tanta gente que quiere hacer lo mismo que es muy difícil darse a conocer. Las tecnologías y las plataformas están bien, pero hay muchas personas compitiendo contigo por lo mismo. Ahí es cuando tienes que abrir la mente y buscar la forma de ser original o de destacar. Aunque, si te pasas de original a la gente no le gusta, porque dentro de todo les gusta escuchar lo mismo. Entonces es buscar el punto intermedio entre ser original y no salirte de lo que está de moda. Por eso, para mí el principal problema es que hay mucha gente con la misma meta y es muy difícil posicionarse».

¿Qué consejo le daría a alguien que está comenzando? «Primero diría que hacer música todos los días y no perder la continuidad. Siempre hay que estar activo, porque si paras un día pierdes todo lo que llevas intentando hacer en un mes. Otra cosa es que en este mundo lo más importante son los contactos. Sin los contactos necesarios, tú puedes hacer 300 temas distintos y no te va a servir de nada. Es importante tener tu equipo y conocer gente de la industria que te pueda ayudar con tus proyectos y te aconsejen si algo está bien o está mal. No obstante, también debes mantener tu esencia y tomar las decisiones que consideres correctas, porque nadie tiene la verdad absoluta, así que también confía en ti siempre».

¿Cómo se ve en el futuro? ¿Tiene alguna meta específica que le gustaría alcanzar como artista? «Pues que todo el mundo me conozca, ser una artista internacional y que mis canciones se escuchen en todas partes para que la gente las disfrute. Que alguien me diga: “Tú canción me la pongo todos los días y me anima un montón”, o sea saber que hago feliz a la gente con mi música. Como meta a corto plazo, pues te diría llenarte una sala o una discoteca, poder lograr eso dentro de un año, por ejemplo. Y ya luego a futuro, me gustaría llenar estadios como el Madison Square Garden. Un momento estrella sería estar cantando una canción a capela y que todo el mundo se ponga a cantar conmigo. Creo que cuando logre eso, lloraré un montón porque es cien por cien mi mayor sueño».

¿Qué puede comentarnos sobre próximos proyectos? «En principio, quiero seguir sacando sencillos, como el que va a salir ahora en junio que es de reggaetón, como no ja, ja, ja, y que tiene un ritmo muy animado para bailar y sobre todo para el verano y la playita. Ya para un futuro me gustaría empezar a planificar un EP que tenga siete canciones o así. A ver si se puede para finales de año o para el próximo. Pero por ahora van a seguir siendo sencillos cada mes o cada dos meses».

La vigesimoctava edición de Santa Cruz Corazón del Bolero  fue celebrada el pasado domingo, 14 de mayo, en colaboración con el Ayuntamiento de la ciudad tinerfeña. El evento, que dio comienzo a las 21.30 horas de la noche y tomó lugar en la Plaza de La Candelaria, estaba incluido dentro de la programación de las célebres Fiestas de Mayo 2023 de la capital.

La noche comenzó con la presentación de la violinista venezolana Ana Obando, que deslumbró al público con su interpretación de Historia de amor del compositor neerlandés André Rieu. Luego de esta breve apertura, el trío canario Guayaqui 3 dio paso a la celebración del bolero con su versión de Ansiedad  de José Enrique Sarabia, conquistando a la audiencia con una presentación pura del género latino, que finalizó con la entrega de un premio por su trayectoria a Benny Bautes, uno de los cantantes principales de la agrupación.

El evento también contó con la colaboración del artista tinerfeño Besay Pérez, quien expresó gratitud por poder participar en un evento de tal magnitud haciendo una interpretación del bolero de Fernando García Morcillo, Ay Santa Cruz, en honor a la ciudad tinerfeña. Al finalizar su presentación, el artista dio paso a la cantante andaluza Tamara, que el público recibió con aplausos mientras se preparaba para su primera canción de la noche. «Cada vez que vengo me siento como en casa», afirmó la artista en una entrevista previa al concierto. Con piezas como Por debajo de la mesa de Armando Manzanero e Historia de un amor  de Carlos Eleta Almarán, la artista consolidó la noche con clásicos del bolero latinoamericano. «Tenemos que incularle a las futuras generaciones esta cultura musical que se está perdiendo», subrayó.

La artista cubana Lucrecia fue otra de las invitadas más esperadas de la noche y con canciones como Quizás, quizás de Osvaldo Farrés y Dos gardenias de la que considera su mentora, Isonlina Carrillo, hizo cantar al público acompañado de las palmas y apoderándose del escenario. De esta manera, la cantante afirmó que este tipo de eventos para conmemorar la música latina son «muy importantes» ya que debemos celebrar a las mentes detrás «de estas canciones pues son la esencia de nuestra cultura y nuestro folklore».

La noche finalizó con un dueto entre las estrellas del bolero que hizo levantar al público de sus asientos y cantar al ritmo de la música. Si nos dejan de José Alfredo Jiménez fue la pieza elegida para el cierre y tal fue la conmoción de los asistentes que, acompañados de aplausos, pidieron a las artistas repetir la canción por segunda vez. Así, se dio cierre a uno de los eventos más esperados del año en celebración de la música latinoamericana.

Además, músicos locales como Pepe Benavente, las K-Narias, Armonía Show, Virginia Guantanamera, Caco Senante, Tributando a Juan Luis Guerra con La Sabrosa y Grupo Bomba, adornaran la noche con sus ritmos propios del evento. Otro de los protagonistas será Maquinaria Band, quienes prometen una presentación «muy alegre con temas propios y con un repertorio bastante cañero». La agrupación, asegura que «les llena de orgullo» formar parte del Festival, pues priorizan presentarse en «los mejores carteles, y este, es uno de ellos».

El alcalde de San Cristóbal de La Laguna, Luis Yeray Gutiérrez, reafirma la importancia de promover el talento local: «Queremos asegurarnos de que tengan el apoyo y las herramientas que necesitan para llevar sus talentos al siguiente nivel». Asimismo, anima a la población de la Isla a asistir a eventos como este, pues así «invertimos en un futuro más próspero y creativo para Tenerife».

Por último, subraya que la noche estará repleta de temas que «han marcado algún momento de nuestras vidas» y hace énfasis en el disfrute de la misma independientemente de la edad. «Da igual la generación a la que pertenezcamos. Estoy seguro de que cualquier persona que acuda al concierto se sentirá identificada con una canción determinada», ultima.

Tras dar comienzo a su carrera como solista, el artista afirma que separarse de su antiguo grupo Radio Macandé fue «la mejor decisión que tomé en mi vida». Su primer proyecto musical, Sin protocolo, fue un éxito que le permitió hacer giras a nivel nacional. Ahora, sacando a la luz Limbo, su segundo álbum, Raule se adentra en una segunda gira «mejorada, con mejor equipo y una banda increíble».

«Es una bendición de la vida estar donde estoy»

Este nuevo disco, que el cantante define como el «mejor de su vida», cuenta con grandes hits como Cruje la cama, Limbo o Colega antibalas, y su éxito le ha permitido realizar más de sesenta conciertos en toda España. Así, abriendo las puertas a sus «pensamientos y preocupaciones por la vida» espera transmitir la mayor honestidad posible y relatar historias de su cotidianidad.

Bajo el consejo de «disfrútala desde el primer momento que empieces a crear» Raule anima a todos aquellos aspirantes de la música a seguir creando, pues como él podrían encontrarse en un futuro en las mejores salas y festivales de nuestro país. «Es una bendición de la vida estar donde estoy», afirma el cantante.

Fundada por David Amador, vocalista principal, Delokos surge como un «alter ego y nueva marca» de su banda de versiones Ni 1 Pelo de Tonto. «Es una nueva etapa en la que hemos encontrado nuestro propio sonido, nuestra propia voz» asegura Amador, quien tomó la decisión de crear este nuevo proyecto con la intención de «reflejar su visión artística y su pasión por el rock«. 

«Rock auténtico, atrevido y conmovedor» 

El grupo canario hace énfasis en la importancia de la autenticidad y la emoción a la hora de adentrarse en esta nueva etapa: «Buscamos conectar con el público a través de la música y transmitir un mensaje positivo y alentador que inspire a las personas a ser fieles a su verdadera identidad». Por esa razón, mantenerse honestos con su propio arte es fundamental para Delokos, priorizando así la creación de un «rock auténtico, atrevido y conmovedor» para transmitir, con más facilidad, emociones genuinas al público.

El concierto promete ser una experiencia musical «única, con energía y pasión» propias de David Amador y la banda. El evento ofrecerá al público la oportunidad de escuchar canciones del próximo álbum por primera vez, pero también podrán disfrutar del más reciente single Por fin soy yo, que es solo un adelanto de lo que promete ser «una obra maestra del género».

El sexteto femenino deslumbró al Espacio La Granja ayer, sábado 11 de marzo, con El sonido de las caracolas, una travesía por la vida de muchas mujeres a lo largo de la historia de Canarias. Representándolas a través de la música, Las Caracolas contaron anécdotas, conseguidas en entrevistas, de las «guerreras» que dieron forma a las islas que conocemos hoy en día. El hilo conductor de la noche fueron los mismos municipios y ciudades de Tenerife, como San Cristobal de La Laguna o Puerto de La Cruz; lugares donde vivieron las protagonistas de las historias de las canciones.

El sexteto, que forma la sección femenina del grupo Caracoles, tiene a Nuria Hernández como voz solista, acompañada en los coros por Lola Medina, quien también toca el bajo eléctrico; Aborá Cel Abreu, que toca el violín; Aileen López, la guitarra española; Karina Martín, en la percusión y Mariluz Alonso, en el piano. Juntas crearon este proyecto artístico con el que abordan la música desde la sororidad, contando relatos de mujeres a lo largo de la historia y del presente.

«Nosotras cantamos a las niñas que fueron nuestras abuelas»

Nuria Hernández, vocalista principal, asegura que el concierto en directo será «un viaje a través del pop y del folk al pasado más cercano de nuestras abuelas, concretamente a sus recuerdos de infancia». La principal intención del espectáculo es hacer una «fotografía del pasado de Canarias» partiendo de las vivencias de las mujeres de la Isla durante su niñez. Canciones como Mujeres caminantes; Mística alegría, o Mañana forman parte del programa del evento.

Para Hernández, visibilizar la realidad de las mujeres canarias de hace cien años permite que la apreciemos como un «tesoro de un valor incalculable», ya que como sociedad «hemos perdido nuestra conexión con la historia debido a la velocidad a la que avanzamos». De esta manera, buscan transmitir al público un mensaje de «alegría vestida de emoción, amor, belleza y respeto» hacia las mujeres del pasado, presente y del futuro.

A través de su trabajo y esfuerzo esperan normalizar cada día más su causa, aspirando así a un momento en que los grupos femeninos como ellas no sean noticia «porque la sociedad lo ha normalizado y simplemente seamos personas artistas aportando valor a la cultura de un territorio».

Mercedes Cañas es una cantautora madrileña que ha ido cultivando su éxito estos últimos años, a través de las redes sociales, permitiéndole publicar numerosos singles, como Ni un día más, Barquito de Nuez o Añil. Luego del éxito de su primera gira en 2022, este año vuelve con Rayo de Luz y su primera parada fue el pasado viernes, 10 de febrero, en el Búho Club de La Laguna.

La brevedad de su estancia en la isla, no le permite conocer mucho de ella, pero asoma su deseo de volver y «conocer de todo un poco, porque la realidad es que cuando vengo a un concierto es deprisa y corriendo».

Su pasión por la música le viene desde muy pequeña. Recuerda especialmente los momentos en los que su padre le ponía CD’s en el coche y ella sin dudarlo seguía las melodías. «Yo de pequeñita cantaba todo el rato, todo el día, era una pesada», indicó entre risas. 

Y fue cantando como empezó a abrirse camino entre las redes sociales, una herramienta que Cañas asegura es uno de los puntos más importantes de su carrera como artista: «Instagram es una herramienta superpotente que te da una visibilidad increíble y una exposición gratuita prácticamente. Todo el mundo la debería utilizar».

«Experiencias de amor, de desamor y lo de después» 

Sin embargo, no fue solo  su habilidad para cantar lo que la hizo destacar, sino las cuidadas letras que acompañaban esas canciones y que muchas veces estaban inspiradas en historias muy personales de la artista, como sus amistades, sus exparejas o «cosas que he vivido relacionadas con el amor. Experiencias de amor, de desamor y lo de después».

Han pasado ya tres años desde la publicación de su primer sencillo y Cañas expresa que esto se ha traducido en mucha más confianza a la hora de saber cómo quiere que suene su propia música. Así, hace referencia a sus inicios, en los que se sentía un poco perdida a la hora de decidir cómo sería ese sonido personal. Sin embargo, ahora asegura tener muy claros los instrumentos que quiere utilizar y la manera en la que suenan para construir su sonido ideal.

Esta confianza se ha visto reflejada en su motivación trabajando en su nuevo álbum, su primer proyecto a larga escala. «Este va a ser mi primer LP. Igual tiene once, doce canciones y, bueno, estoy trabajando en él todavía», subrayó Cañas.

Los sencillos de este disco ya han visto la luz y están siendo un éxito entre el público de la artista, quien además confirma que una de sus canciones favoritas es Como diciembre a enero: «la más reciente es con la que más te identificas porque es lo que te acaba de pasar».

Metas y expectativas

Autoevaluando su trayectoria, Cañas aprecia mucho «poder vivir en un momento donde la música no tiene porqué estar definida por un solo género, sino que puede ser un conjunto de todas las distintas corrientes musicales a las que estamos expuestos y de las que nos nutrimos».

A pesar de haber hecho una gira el año pasado y estar muy contenta por tener la oportunidad de hacer otra, esta vez más grande, la cantante madrileña asegura estar muy nerviosa, especialmente por la extensión de la misma. Por esa razón, rituales como el de escribir «el setlist corriendo en un papel para tenerlo cerquita» para luego poder salir y disfrutar, han sido esenciales durante su trayectoria.

El éxito de su primer concierto en Tenerife es solo una demostración de lo que probablemente le espera en el resto de la gira. Así, al preguntarle por su visión personal dentro de cinco años, Mercedes Cañas explica que le «encantaría poder seguir el camino que ha estado construyendo desde 2019». Dejar atrás aquel coche en el que de niña cantaba con los discos de su padre y cambiarlo por «una vida en los escenarios, de gira, con nuevas canciones y nuevos discos diferentes».

Cañas salió de una pequeña puerta al lado del escenario y cogió su guitarra. Sombra de metal, acompañada de coros del público y una sonrisa de la cantante, abrió el primer concierto de la gira Rayo de luz, que se extenderá por distintas ciudades de España cruzando la frontera hasta Lisboa.

Comparándose con Rapunzel, debido a la altura del escenario, la cantante se presentó y sonriente agradeció a los asistentes por ayudarla a cumplir sus sueños. Además, explicó que sus canciones tienen historias que a ella le gusta compartir. Así, hablando de su amor de la playa, empezó a cantar Veintes de julio y posteriormente Barquito de nuez. Sobre esta segunda canción dijo que «cada vez que la canto es como si fuese nueva». Tanto le gustó que la finalizó a capela al ritmo de unas palmas que, pronto, se convirtieron en aplausos.

Destellos del nuevo disco

«La próxima vez que venga será con disco y banda»,  expresó Mercedes Cañas, quien se encuentra preparando su próximo álbum. De esta manera, múltiples canciones «secretas» estuvieron presentes a lo largo de la noche, tales como: No tan lejos, No me conoces o Ya no eres el mismo, que será su siguiente single y cantó como adelanto en exclusiva. Aún así, la velada también estuvo repleta de las favoritas del público, que a todo pulmón la acompañaron al cantar: Tirando a lila; Añil; Ángel malo y Aguamarina, que será la primera canción de su próximo disco.

«¿Quién ha sentido eso de necesitar a alguien como la luna al cielo o Como diciembre a enero?»,  preguntó la artista para presentar su último single. Cantando sin micrófono, a medida que bajaba del escenario, Mercedes Cañas nos conmovió con un momento íntimo que empapó por completo la sala con ayuda de los coros de aquellos que vinieron a verla.

«Gracias a esto puedo imaginarme vivir de la música»

Tras consultar con el mood del público para saber si querían seguir cantando o escuchar otra canción secreta, estos pidieron más canciones nuevas. Así, Cañas compartió con el Búho Club una pieza que está en proceso y que sigue sin título. Una subida de tono al inicio mostró la novedad de la canción y provocó una cercanía que nos hizo sentir parte del proceso de creación: «Esto ha pasado en Tenerife y sólo pasará en Tenerife».

Intentó despedirse, pero el público le pidió más. «Os quiero mucho de verdad», apuntó y, acto seguido, comenzó a cantar una de sus canciones favoritas del próximo disco, aún sin título, seguida de Ni un día más, logrando crear un ambiente de nostalgia por el cierre del concierto. «Habéis dejado el listón muy alto», afirmó con una sonrisa la cantante refiriéndose a la calidez ofrecida por la audiencia, para finalizar su primer concierto en las Islas Afortunadas, tan afortunadas como lo fuimos quienes estuvimos presentes esa noche en La Laguna.

Desde sus comienzos, coqueteando con el jazz y con el filin, Milanés pavimentó su camino hacia la industria de la música con más de cuarenta proyectos musicales, llegando así a ser un indudable referente para muchas generaciones. Sin embargo, el verdadero valor de una trayectoria como la suya, no se encuentra sólo en su música sino en el impacto que esta tuvo en la sociedad en la que vivía.

En conjunto con grandes artistas como el también cubano Silvio Rodríguez o el español Luis Eduardo Aute, Pablo Milanés se posicionó en uno de los géneros más complicados para cualquier artista: la música de protesta. Sus canciones, cargadas de cotidianidad y referencias sociales, son el claro ejemplo de una lucha constante por mostrar una visión de la realidad que se vivía cada día en Latinoamérica. Con su música, logró visibilizar a las personas cuyas voces no son escuchadas y, a la vez, transmitir sus historias con un éxito poco común en un mundo sin redes sociales.

El nacimiento de la ‘Nueva Trova’ cubana

Es así como nace la Nueva Trova, un movimiento de música cubana que destaca por su alto contenido social, con letras progresistas que buscan presentar los valores de la Revolución Cubana. Moviéndose dentro de este género, Milanés aportó a muchas de esas canciones de carácter social y humano un enfoque más sentimental y romántico, creando exitosas piezas como Yolanda, Son de Cuba a Puerto Rico, El breve espacio en que no estás, entre muchas otras. En 1982, publica el disco Canta a Nicolás Guillén, donde pone música a los sentidos poemas del poeta cubano como De qué callada manera, Mariposa o Tengo.

La carrera Pablo Milanés pasa de ser un movimiento de lucha para los derechos de los más desfavorecidos de su tierra a un ícono de una época de mucha importancia para Latinoamérica. Su música cruza los mares y conecta con personas de todo el mundo que, a pesar de no estar al tanto del trasfondo político de  muchas de sus letras, disfrutan de sus canciones por la complejidad de su arte. Esto se ve reflejado en el disco doble Querido Pablo, en el que artistas de la talla de Joan Manuel Serrat, Chico Buarque, Ana Belén, Mercedes Sosa y Miguel Ríos rinden un sentido homenaje a la larga trayectoria del artista, dejando en evidencia su influencia en el mundo hispanohablante.

La música pierde un gran amigo con la partida de Pablo Milanés, pero su carrera y su arte seguirán formando parte de la vida de muchas personas que seguirán encontrando cobijo en las melodías y preciosas letras de sus canciones, pero también aprenderán a defender sus ideales y luchar por sus creencias, al ritmo de su prosa revolucionaria. Así, el amor por Pablo seguirá presente en aquellos que hemos tenido el placer de escucharlo y la memoria servirá de compañera para ayudarnos a llenar el breve espacio en que no está.

Desde el inicio del evento las actividades infantiles tomarán el protagonismo de la mano de Party Coco hasta las 18.30 horas junto a hinchables, globoflexia o el espectáculo infantil El Quijotito. Además, la emisora Marcha FM, organizadora del evento, instalará un set de exteriores que estará presente durante toda la jornada. No será hasta las 13.30 horas que el cantante canario Pepe Benavente tome el protagonismo con sus mayores éxitos para todos los públicos.

En el horario de tarde, que se extenderá desde las 17.00 hasta las 2.30, el evento contará con un pasacalle de globos iluminados desde Los Cáceres hasta El Calvario, además de un desfile moda y el recorrido de Los Joroperos junto a otros grupos carnavaleros. Tras el encendido de las luces, que se espera alrededor de las 21.00 horas, el dúo sevillano Los del Río presentará su espectáculo junto a su orquesta. Para las personas más rockeras, Los Vándalos tomarán el testigo a las 23.15 horas. Con la idea de ampliar la oferta musical, los deejays Nico, Adam Lorr y Ray Castellano intercalarán sus sesiones con las actuaciones musicales.

Un evento transversal

Icod Emociona nació en el año 2015 con la idea de «potenciar la nostalgia y los sentimientos más profundos acerca del municipio», así lo comenta Juan Lima, director de Marcha FM. Desde la Organización plantean el objetivo de desarrollar un evento seguro que ofrezca entretenimiento tanto para la infancia, la juventud y las personas adultas. La promoción a través de la radio y las redes sociales, al igual que la experiencia del acontecimiento en persona permite que Icod Emociona tenga un carácter transversal para así facilitar su disfrute desde cualquier parte de la Isla.

Lima sostiene que el evento va más allá de la música, pues se busca «dinamizar el comercio de la zona y atraer un turismo local realizando eventos de este calibre en territorios no capitalinos». Aunque el director de Marcha FM amplia las miras del evento navideño: «No solo nos encargamos de promover el comercio local y sostenible, sino que nos centramos en hacer eventos en los que cualquiera persona pueda disfrutar y distinga el significado de la palabra Icod».

Musicalmente, Midnights  representa una perfecta combinación entre álbumes anteriores como 1989,  Reputation, o Lover, trayendo el pop nuevamente a los oídos de los fans, luego de que sus dos últimos trabajos discográficos se extendiesen más hacia el género indie folk.

El amor está muy presente en este nuevo álbum, sin embargo, tal y como comentó la artista,  Midnights es un collage de muchas emociones, todas propias del día a día, pero especialmente de la soledad nocturna.

El viaje emocional de Midnights

La primera canción en el álbum es Lavender Haze, cuyo tema principal es el romance y cómo la artista prefiere profundizar en la pasión de su relación y dejar de lado los comentarios o percepciones negativas de la gente que, desde el principio de su carrera, ha usado sus relaciones como excusa para encasillarla bajo estigmas misóginos. El concepto de amor es constante a lo largo del proyecto, aunque abordado siempre de formas distintas.

En Maroon, la artista habla de un sentimiento mucho más maduro que otros a lo largo de su vida, donde prevalece la honestidad y la complejidad de relaciones adultas. Mientras que en  Snow on the beach, relata desde su perspectiva la experiencia de que dos personas se enamoren entre sí, al mismo tiempo.

Anti-hero es un ticket de entrada a las inseguridades más profundas de la artista. Esta canción relata la falta de control que podemos sentir por nuestras propias vidas y las direcciones que tomamos, al igual que sentirnos fuera de lugar y tener miedo por la percepción que otros tienen de nosotros. Sin embargo, a pesar de hablar de los aspectos negativos que reconoce en sí misma, Swift los aborda con melodías divertidas y pegadizas.

El desamor, casi innato en los proyectos musicales de Taylor, cubre este álbum como un gran manto de recuerdos y relaciones pasadas. Al tratarse de trece noches a lo largo de su carrera, Swift incluye historias de antiguas relaciones y el dolor que supusieron. Canciones como Sweet Nothing, Midnight Rain y Would’ve, Could’ve , Should’ve, esta última incluida en la versión 3 AM, que añade 7 canciones al álbum original, son un buen ejemplo de esto.

You’re On Your Own, Kid cuenta una nostálgica historia de desamor infantil, donde tras sufrir un rechazo, el personaje central se da cuenta de su soledad. Sin embargo, Swift también se embarca en experiencias antiguas, reflejando así muchas de sus problemáticas como adolescente y sus intentos de poder conseguir a alguien que la amase como ella estaba dispuesta a amar.

Vigilante Shit y Karma  representan el guiño vengativo de Midnights. En el primer tema se cuenta la historia de una mujer que elige la venganza como medio para canalizar sus emociones tras una ruptura amorosa. Mientras que en el segundo, se nos pinta la imagen de Swift viendo como todos sus “enemigos” pagan por su vileza hacia ella.

El concepto del karma ha estado muy presente en la carrera de la artista, especialmente luego del lanzamiento de Reputation, 2017, y los eventos que construyeron la temática del álbum, por lo que juega muy a menudo en sus canciones con el mantra de “poner en el mundo lo que esperas recibir de él”.

La complejidad de este proyecto musical, al igual que de la carrera de Taylor Swift en general, muestran su talante como artista. Navegando entre muchos temas, emociones y vivencias, logra recrear en tan sólo 44 minutos una experiencia que es global. El arte de Midnights no está solo en sus melodías sino también en las historias que cuenta, consiguiendo así, que muchos de sus oyentes puedan sentirse acompañados en los momentos más oscuros y profundos, propios del insomnio de la medianoche.

Con la llegada de las nuevas modas enfocadas hacia el bienestar mental muchas veces se ha conseguido un resultado completamente contrario a la intención principal. Vender constantemente la idea de que hay que estar bien puede hacer que olvidemos que para lograr esa meta, debemos transitar por las emociones negativas.  Esta constante batalla contra el tabú que supone los problemas emocionales en nuestra sociedad, es uno de los principales enfoques que le da Billie Eilish a su imagen pública.

A través de los proyectos musicales que han llevado a la artista al estrellato, Eilish habla en sus canciones desde temas como la depresión, hasta los problemas de imagen personal, abriendo así numerosas conversaciones alrededor del mundo, sobre los extremos a los que puede llegar la salud mental de una persona en la actualidad.

«Creo que, en general, la gente se siente incómoda cuando se tratan estos asuntos porque, cuando no experimentan este tipo de infelicidad, no pueden entender lo que es», dijo la artista en una entrevista con el locutor de radio Zane Lowe. Debido a este enfoque que le ha dado a su carrera, sus canciones han abierto un espacio para que sus fans se identifiquen con los sentimientos negativos que son comunes para todas las personas pero que pasan desapercibidos en la actualidad.

When We All Fall Asleep, Where Do We Go? 

Su primer álbum de estudio When We All Fall Asleep, Where Do We Go? nos abre una pequeña puerta hacia la mente de Billie, donde podemos encontrar varios tipos de canciones y ritmos que nos ayudan a comprender muchos de los procesos por los que pasaba la artista en sus años adolescentes.

La canción Listen before I go está construida con base en los episodios depresivos de Eilish y los pensamientos autodestructivos que pasaban por su cabeza. Esta temática, a pesar de muchas veces ir acompañada de letras sobre ruptura o amor, es recurrente en su discografía a través de melodías muy suaves y lentas.

Pero cuando hablamos de salud mental, también debemos mencionar los factores que la empobrecen. Xanny es otro tema de Eilish en el que realiza una crítica a la glorificación de las drogas que percibimos en la industria actual y el impacto que esto puede tener en las generaciones más jóvenes. La canción refleja el daño que puede hacer la presión social por consumir cualquier tipo de droga y la incomodidad que esto puede suponer para aquellos que sencillamente no quieren hacerlo, todo esto lo representó, de forma magistral, con una metáfora sobre el humo y lo asfixiante que puede llegar a ser.

Esta etapa finalizó con la publicación de un documental llamado Billie Eilish: The world’s a little blurry que relata su subida a la fama en los últimos años y también pone de manifiesto muchas de las consecuencias negativas que tuvo para la joven artista y el impacto que tuvo en su salud mental.

Happier Than Ever 

Tras el éxito de su primer álbum y sus siguientes proyectos, la fama de Billie Eilish aumentó y con ella la presión y los estándares a cumplir como artista femenina. Como muchas otras mujeres en su posición, pasó de ser una cantante adolescente a un cuerpo objetizado por los medios, aumentando las críticas a su imagen al igual que a su papel en la industria.

Con la llegada de su segundo álbum Happier Than Ever comenzó una nueva etapa en la carrera de Eilish. Tras lidiar por varios años con las consecuencias directas de la fama, con este álbum llegó una imagen de la artista mucho más segura y satisfecha por la posición en la que se encuentra.

Al mismo tiempo lanza Not my responsibility, un pequeño corto que se convierte en la base para una de las canciones del álbum, que la artista aprovecha para enfatizar su mensaje hacia aquellos que se dedican a criticar su cuerpo y el de otras mujeres en la industria. Expresando que la percepción que otras personas tienen de su físico no es su responsabilidad, Eilish se unió al movimiento de aceptación de las distintas variedades de cuerpos que encontramos en la sociedad y en la crítica hacia los estándares injustamente impuestos a las mujeres.

Siguiendo con esta temática, Male Fantasy hace una breve mención al daño que ha hecho la industria pornografica en el papel de las mujeres en las relaciones sexuales y cómo muchas veces se generan expectativas completamente irreales hacia ellas en sus relaciones y el impacto que estas expectativas pueden tener en las niñas y adolescentes que se ven presionadas a cumplirlos.

Alrededor de este proyecto musical, Eilish resalta en varias ocasiones su experiencia con las relaciones abusivas y el efecto que esto ha tenido en su vida, al igual que en su imagen personal. Canciones como Your Power hablan de este tipo de relaciones y resaltan lo sencillo que es para algunas personas en posiciones de poder, abusar de él para aprovecharse de otros. Happier than ever, la canción que le da título al álbum, también hace pequeños guiños a este tema y sobre todo resalta cómo este tipo de situaciones desconfiguran completamente la vida y las relaciones de la víctima.

Está bien no estar bien

Billie Eilish se ha unido a un gran grupo de artistas que promueven la visibilización de las verdaderas consecuencias de una mala representación de la salud mental y de lo importante que es generar conversaciones para normalizar situaciones que muchas personas sienten que deben afrontar solas.

Por esta razón, la presencia de voces que aprovechan su plataforma para construir espacios de bienestar, puede ayudar a aquellos que están pasando por un mal momento, ya que ver reflejados sus sentimientos en las palabras de alguien a quien admiran, es muchas veces el empujón necesario para abrir las conversaciones importantes para mejorar y conectar con las personas a su alrededor que pueden apoyar y visibilizar, un problema que hemos dejado bajo la alfombra durante  mucho tiempo.

Desde pequeño mantuvo una relación cercana a la música, pero no fue hasta sus 18 años que, en conjunto con otros artistas canarios, formó el grupo Taller Canario de Canción. El cuarteto fue un éxito dentro del movimiento Nueva Canción Canaria y a través de discos como Trapera (1987) o Identidad (1988) saltaron a la fama internacional. Tras mudarse a Madrid, Pedro Guerra da inicio a su carrera como solista y colabora con grandes artistas de la música española como Ana Belén o Joaquín Sabina. En 1995 publica su primer álbum de estudio,  Golosinas, que contiene canciones como Dibujos Animados o Contamíname, que sería seguido por más de una quincena de proyectos musicales.

Desde entonces se ha instalado en numerosas ocasiones en los puestos más altos de las listas de éxitos de las radiofórmulas y ha sido nominado a premios como Mejor banda sonora de Obra Cinematográfica de los Premios de la Música. Además, recibió una nominación por parte de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España en el apartado de Mejor Música.

El Viaje incluye canciones como Cara y Cruz, Alzheimer y Tú y yo, una colaboración con el exconcursante de Operación Triunfo, Manuel Carrasco.

El disco tiene como centro su separación, finalizada este mismo año, pero también hace referencia a su proceso de recuperación, tras sentir como le «derrumbaba la vida» a su propio hijo, para así poder continuar con la suya.

El conjunto de canciones de 30, crea una desgarradora carta en la que la cantante se justifica frente a él, pero también realiza una reflexión individual en la que toca temas como la pérdida de ella misma dentro de su relación, la importancia de la amistad en tiempos de dificultad, y, sobre todo, una autocrítica a su papel dentro de sus relaciones amorosas.

A través de melodías inspiradas en los grandes iconos del soul, jazz y el pop, Adele, ha creado una oda a la compleja característica humana de querer controlar todo a nuestro alrededor y al golpe que da la vida para que seamos conscientes de que sencillamente, no podemos hacerlo. Este dualismo le ayuda a extender una mano a todos aquellos que empaticen con ella, independientemente de la etapa de vida en la que se encuentren.

Escuchar el álbum es seguir la línea temporal de los sucesos que formaron parte de la vida de Adele los últimos 4 años. Así, cada canción representa un momento o un sentimiento distinto que la artista vio reflejado en su día a día, por lo que se nos introduce al proyecto musical a través de una reflexión sobre los errores cometidos en sus pasadas relaciones para después encapsular, en dos temas dedicados a su hijo, el sentimiento de culpa que su separación le causó a la artista.

Posteriormente, vemos el impacto que tuvo en su imagen personal y poco a poco nos relata lo que sintió al volver a buscar el amor y lo difícil que fue para ella no poder mantener otro romance duradero. Adele concluye su álbum con una serie de canciones que hacen énfasis en su proceso de recuperación. Asimismo vemos un auge de valoración personal en una crítica a quien no supo valorarla, al igual que la importancia de sus amistades para poder superar esta turbulenta etapa de su vida y una recapitulación de los procesos que tuvo que llevar a cabo para volver a amar y ser amada.

Una versión nunca vista

Resaltan particularmente canciones como Easy on me, primer single del álbum, o My little love, que, como mencionamos anteriormente, son una especie de epístola a su hijo, ya que nos muestran una imagen de la artista que no habíamos visto en otros proyectos musicales. Sí es verdad que cada álbum ha ido ligado a una etapa de la vida de Adele, pero este destaca por la manera en la que expone, tan crudamente, un sentimiento que muchas madres solteras viven diariamente, sin dejar de ponerle nombre a las emociones presentes en cualquier persona involucrada en la ruptura de una relación amorosa. Así, la artista construye perfectamente un relato que representa la vida de muchas de las personas que escuchan su música, creando grandes piezas musicales como Love is a game, To be loved o I drink wine.

Vocalmente nos encontramos con un sonido más sano al igual que rejuvenecido, la voz de Adele ha sido un tema de conversación desde el inicio de su carrera y en este álbum la vemos regodearse de un mayor nivel de control y de proyección. Su canto acompaña las melodías musicales de manera armoniosa y, como siempre, transmite el sentimiento descrito en las letras de sus canciones. En la industria musical, es muy difícil encontrar la misma pureza vocal con la que trabaja esta artista, por lo que no resulta exagerado decir que posee una de las mejores voces del mundo discográfico actual.

30 es un homenaje a la música de los 60 ‘s, una época que, musicalmente, vemos reflejada en la carrera de Adele. Este disco nos da una perspectiva de la naturaleza humana al momento de amar, al igual que nos inspira a buscar la felicidad en la inestabilidad de la vida y, sobre todo, nos ayuda a comprender que somos piezas esenciales en el juego del amor por lo que debemos aprender a vivirlo mucho antes de intentar controlarlo.

Cyrus nació en el mundo del entretenimiento, rodeada de famosos, y su debut fue una breve aparición en Big Fish de Tim Burton. Pero su camino hacia la fama comenzó cuando a los 11 años obtuvo el rol protagónico en  Hannah Montana, convirtiéndose en la siguiente chica Disney. La serie no solo se convirtió en un éxito sino que dio la oportunidad a Miley de adentrarse en el mundo de la música, grabando el soundtrack, lo que le trajo su primer contrato discográfico con Hollywood Records.

Es así como en 2007 ve la luz Meet Miley Cyrus, el primer álbum bajo su propio nombre, que alcanzó el top de la lista Billboard 200. En 2008 vino su segundo trabajo, Breakout, que también logró posicionarse en la lista Billboard  y que dejó claro que Miley tenía mucho más que decir que los diálogos de Hannah Montana. Tras 5 años, 4 temporadas con igual número de soundtracks y canciones como The best of both worlds, Nobody’s perfect  o  If we were a movie, la chica de Nashville afianzaba lo que sería una carrera que daría mucho de qué hablar.

El EP The Time Of Our Lives  marcó la transición definitiva entre Hannah y Miley. Su single The Climb mostró su lado más country, mientras que Party in the U.S.A. se posicionaba como una de sus canciones más exitosas hasta la fecha. Con su álbum Can’t be tamed , 2010, Miley se aleja definitivamente del estereotipo Disney, mostrando una imagen más madura y sensual, lo que generó grandes controversias. Sin embargo, su versión de  Every rose has its thorn, de Poison, marcó una constante que veríamos siempre en su trabajo: el rock.

La verdadera Miley Cyrus

Después de su tercer álbum finaliza su contrato con la disquera y sus obligaciones como Hannah Montana. Distintas situaciones a nivel personal le llevan a tomarse un break del mundo de la música, enfocándose en su carrera como actriz, y, aunque, musicalmente fue un período de baja producción, jugó un papel importante en la construcción de la Miley Cyrus que veríamos luego. Proyectos como The Backyard Sessions se llevaron a cabo durante esta etapa. Estos fueron una serie de videos de Youtube donde la cantante hacía covers, experimentando más abiertamente con el rock y el country con versiones de canciones como Jolene de Dolly Parton.

Un corte de pelo tipo pixie platino que dejó atrás su icónica melena marcó no solo un cambio en su imagen sino un giro en su carrera. La llegada de su cuarto álbum Bangerz, 2013, trajo desde canciones de amor hasta himnos de libertad sexual y consumo de drogas, convirtiéndose en uno de los grandes peaks de su carrera, incluyendo temas como We can’t stop y Wrecking Ball. Esta época, rodeada de muchos escándalos, también resaltó, sin embargo, su carácter filantrópico, con proyectos como Happy Hippie Foundation o su constante lucha a favor de los derechos de la comunidad LGTBIQ+. En 2015 la artista hizo público un proyecto de descarga gratuita a través de la plataforma soundcloud, llamado Miley Cyrus and her dead petz, que abrió las puertas a una versión psicodélica de su música.

Viviendo en rainbowland

En 2017 su matrimonio con el actor Liam Hemsworth, un quinto álbum, llamado Younger Now, con canciones como Malibú, Rainbowland o Inspired y su paso como jueza por The Voice, marcaron la siguiente etapa en su carrera artística.

Un proyecto de tres EP anunciado en 2019 prometía convertirse en una forma de experimentar con nuevos sonidos como el trap y el R&B, aunque también seguía la línea country que Miley había construido en el pasado. Sin embargo, este proyecto fue cancelado por ella misma, posteriormente a la publicación del primer EP, declarando que ya no representaba el momento en el que se encontraba su vida privada, después de su divorcio y del incendio que acabaría con su casa.

Una nueva comunidad

Ya desde The backyard sessions, Cyrus mostró su propia versión de éxitos de otros artistas ya consagrados y durante 2019 realizó varios covers de cantantes destacados en el mundo del rock como Elton John o Chris Cornell. Esto le permitió, al ir mejorando la situación de la pandemia, retomar estas sesiones de la mano de MTV, pero ahora con un estilo más enfocado directamente a su imagen rockera, no solo musical, sino también física. Convertida en una representante de glam rock, la artista logró posicionar en Tik Tok su single Midnight Sky, de su séptimo disco y sus versiones de Heart of Glass de Blondie o Zombie de The Cranberries fueron un éxito en esta red social, lo que sirvió de base para incluirlas en las plataformas de streaming y en su siguiente álbum, donde también contó con una colaboración de Dua Lipa.

Del pop al rock

Plastic Hearts, su séptimo álbum, debutó el 27 de noviembre de 2020 e introdujo, oficialmente, a Miley Cyrus en el mundo del rock. Con colaboraciones de artistas de este género como Stevie Nicks, Billy Idol y Joan Jett, presenta además a una Cyrus con una voz más profunda que disfraza, quizás, la vulnerabilidad presente en sus letras. La acogida de este álbum, repleto de referencias a su antiguo matrimonio, ha sido buena y canciones como Angels like you, Plastic hearts, WTF do I know o High han sonado insistentemente en redes sociales. Revistas como Rolling Stone afirman que esta era es la que mejor representa a Miley Cyrus como artista y el camino incesante de la búsqueda de su propia identidad musical parece haber culminado.

En una entrevista en el Howard Stern Show, Elton John afirmaba que Miley era, sin duda, una de las mejores voces del rock actual, afirmación avalada por la banda Metálica, quienes grabaron junto a la cantante una versión de su canción Nothing else matters, que ha logrado subir vertiginosamente el termómetro de las reproducciones online.

El viaje musical de Cyrus está lleno de matices, con altos y bajos, pero lo que es innegable es el camino que ha dejado tras de sí en la búsqueda de su propio estilo. Hoy, Cyrus representa un punto en común entre dos generaciones musicales completamente distintas, al traer de vuelta a 2021 grandes clásicos del rock de los ochenta y noventa dejando, con éxito,  su toque en cada uno de ellos.

En definitiva, después de una carrera de 15 años, Miley Cyrus ha demostrado que nunca es tarde para reinventarse y que ser fiel a uno mismo es la clave necesaria para poder derretir nuestros corazones de plástico.