La preparación previa era más exigente por aquel entonces. El alpinista ya contaba a sus espaldas con otros dos ochomiles: el Cho-Oyu, de 8201 metros, en Nepal, y el Gasherbrum II, de 8035 metros, en Pakistán. 53 fueron los días que pasó su expedición en el campo base para aclimatar el cuerpo y correr el menor peligro posible en su ascensión al Everest. «En esa espera no puedes subir más de 500 o 600 metros de altitud con respecto al día anterior porque ya te expones a una hipoxia, una falta de oxígeno accesible, y a un mal de altura que es lo que queremos evitar», aclara el canario acerca de la travesía.

Cuando alcanzó la cima vivió el sentimiento de una tarea cumplida. Tuvo la oportunidad de llamar a su familia, hablar con ellos y darles la noticia. En La Laguna eran las dos y cuarto de la mañana pero sus padres no dormían porque sabían que era su día de cumbre. «Fue una llamada muy emotiva, en la que todos lloramos y nos emocionamos debido a que lo habíamos conseguido, estábamos allí arriba», comenta.

«En la propia bajada ya empiezas a soñar con un nuevo reto. Es una adicción»

El alpinista habla de que «es curioso porque en la propia bajada ya empiezas a soñar con un nuevo reto. Es una adicción». Pero la hazaña ha cambiado notablemente en los últimos años con la popularización del deporte. El lugar está bastante más concurrido debido a que se ha multiplicado el número de interesados en ir al Everest. El problema llega a causa de que la mayoría no son profesionales de la disciplina y afrontan la subida solo como un reto más.

En el mundo del alpinismo este tipo de acumulaciones implican un riesgo físico al que se exponen quienes tratan de subir y no están preparados. «Muchas de esas 300 personas que ves colgadas de una cuerda en el Everest intentando una cumbre no son deportistas en sí sino gente que va a vivir una experiencia turística de altura», explica el montañero.

La polémica también ocurre en las propias Islas y Amador incide en que «ahora hay muchísima concurrencia en rincones a los que yo iba antes y eran inhóspitos». Como consecuencia menciona que es muy complicado a día de hoy disfrutar de una aventura íntima o en solitario.

El alpinista ya estaba acostumbrado desde los cuatro años a ir al monte a caminar con su familia. A los 14 ya organizaba senderismo en las islas con sus amigos y a los 17 pasaba los veranos en los Pirineos. Pero su gran salto al arriesgado oficio llegó a partir de los veinte años, época en la que empezó a salir a los Alpes a escalar, coqueteando por primera vez con la alta montaña.

Su camino no fue fácil y se tuvo que enfrentar a serias dificultades al venir de Canarias. El tinerfeño señala que «vivimos en unas islas en las que tradicionalmente no se practica esta disciplina así que había pocos casos anteriores de personas que hubieran realizado ascensiones o intentos en el Himalaya». Este hecho dificultó su labor de fidelizar a patrocinadores que creyeran en que podía alcanzar logros importantes y que el alpinismo pudiera obtener una repercusión mediática.

Una experiencia complicada de su trayectoria ocurrió en el año 2003, en la ascensión al Gasherbrum II, uno de los 14 ochomiles del planeta. A 6600 metros de altura, mientras dormía con tres compañeros en una tienda de campaña, les cayó encima un bloque de hielo del tamaño de una lavadora. Uno de los miembros del grupo recibió un impacto que le fracturó la cadera, lo que hizo necesario un rescate a esa altitud. «Temimos fundamentalmente por la vida de nuestro compañero», subraya Amador.

Otro de sus momentos más arduos tuvo lugar en 2008 en el hielo patagónico, una plataforma de 75 kilómetros entre Chile y Argentina. Su intención era ascender al Cerro San Valentín, una cima de 4080 metros ubicada a la mitad de la planicie, descender con los trineos por el lado chileno y salir de ahí en piragua hacia el Pacífico.

La expedición se truncó en el instante en el que el clima cambió de manera drástica. Los aventureros tuvieron que refugiarse en una cueva de hielo, donde uno de los acompañantes entró en hipotermia y perdieron la comunicación con el mundo exterior. Los montañeros estuvieron confinados en ella durante una semana, casi sin comer ni beber, hasta que un helicóptero pudo rescatarles y trasladarles a un hospital, con suerte sin secuelas crónicas. «Sí que hubo un momento en el que dudamos y nos preguntamos entre nosotros si considerábamos que íbamos a salir con vida», recuerda el canario.

La parte buena, a su vez, es doblemente satisfactoria. El tinerfeño conquistó en el año 2017 una cima virgen de 6025 metros en el Himalaya indio, abriendo una nueva ruta y coronándola como Pico Islas Canarias. Aquí pudo poner en práctica sus conocimientos de geógrafo, que le facilitaron toda la labor de investigación.

Para alcanzar una mayor difusión mediática acompaña sus proyectos con piezas audiovisuales que pretenden acercar la aventura al público. Jorge Rojas, director de documentales, es el que le acompaña en la labor. El cineasta cuenta que «la montaña siempre me había gustado y uní la parte en la que yo trabajo, que son los audiovisuales, con el alpinismo».

Juntos trataron de darle la vuelta al formato habitual de los documentales en su aventura en la India y buscaron contar algo diferente al día a día de la ascensión. Rojas destaca que el documental «es una mezcla de ficción y de realidad sobre la expedición que hizo Diego con David Pérez». Narra la historia de un periodista aburrido de su trabajo que a raíz de varias entrevistas con el montañero vuelve a recuperar su pasión.

Desde el comienzo Amador contó con el apoyo de su familia, que fue la que le enseñó a dar sus primeros pasos en el senderismo y la que le facilitó todo el proceso de su formación. Confiesa que «nunca ha habido un reproche, un ‘no te vayas’, un ‘mira que estamos sufriendo’ y sé que sufren mucho en la soledad». Es por ello que les considera una parte más de su equipo.

«Yo asumo los riesgos porque me compensan, sino lo hicieran no estaría ahí ya que no me considero un suicida»

«Yo asumo los riesgos porque me compensan, sino lo hicieran no estaría ahí ya que no me considero un suicida», sostiene. Desde fuera quizás exista el prejuicio de que los deportistas de alto riesgo son un poco kamikazes o no le dan valor a la vida. Pero el alpinista piensa que «lo que nos gusta es vivirla intensamente y nos arrimamos al filo de lo imposible a veces, donde la vida puede incluso jugar peligro, porque ahí la saboreamos al máximo».

En el día a día los ciudadanos no percibimos de forma tan cercana lo que nos separa de la vida y la muerte, que en el caso de los montañeros se reduce a un simple traspiés. «Yo todo el tiempo digo que perder una uña en una expedición es hacer el tonto pues no hay ninguna actividad por la que valga la pena malgastar una mínima integridad de tu condición física», sentencia.

La montaña más alta de basura

Las largas filas para alcanzar la cima del Everest no son los únicos efectos de la masificación a la que se ha visto expuesto el pico en la última década. El Gobierno nepalí recoge cada año toneladas de basura acumulada en el campo base del que muchos denominan como el vertedero más alto del Planeta.

El mundo de la alta montaña es muy frágil, hay una baja cantidad de oxígeno y a las plantas les cuesta permanecer vivas. «Son ambientes que deben ser poco transitados porque su capacidad de regeneración es muy lenta y lo que vemos es todo lo contrario, es hacinamiento y destrucción», asegura Juan Diego Amador. El tinerfeño, después de su subida a la cumbre en el año 2004, ha vuelto al campo base en otras cuatro ocasiones como guía.

Este deterioro no solo es notable en las pilas de basura que recogen cada temporada las instituciones nepalíes y las ONG medioambientales. Salta a la vista en la retirada del hielo que ha dejado al descubierto los residuos generados. Según el montañero esto es un síntoma claro de cómo el cambio climático está afectando al lugar, pues afirma que «la nevada de un año a otro puede variar pero los hielos perpetuos no».

Los únicos requisitos para participar son ser mayor de edad y seguir a la cuenta de Twitter de la Casa de Colón. Los interesados deberán escribir un solo tweet de menos de 280 caracteres con el hashtag #CanariasPequeñaAmérica. Las historias ganadoras se darán a conocer el 15 de junio a través de las redes sociales de la institución.

La música como unión de culturas

«El lema de este año hace referencia a un tema muy presente en la cultura canaria y latinoamericana, y que probablemente despierte en la mayoría de nosotros todo tipo de vivencias y recuerdos», afirma Miguel Ángel Ramos, uno de los responsables de la iniciativa. La música es un símbolo de conexión entre las Islas y el continente americano debido al papel del Archipiélago como punto de paso y a la entonación de canciones en los puertos isleños que después se trasladaron a ambas regiones.

El certamen en los años anteriores se lanzaba el 23 de abril, Día Mundial del Libro, y los premios se entregaban el 18 de mayo, pero la situación actual ha hecho que la convocatoria de este año se retrase. La actividad se incluye dentro de las propuestas lanzadas por el Cabildo de Gran Canaria en conmemoración del Día Internacional de los Museos.

¿Cómo recibió la noticia de que Refugiadas climáticas haya sido seleccionada para el mercado de Annecy? «Con una alegría tremenda porque era algo que no esperábamos realmente ya que son una referencia a nivel mundial a la que tú a veces envías proyectos por enviarlos casi. Que nos saquen ahí a nosotros, que somos una productora pequeña que se dedica al cine documental y no habíamos tenido antes esta experiencia de la animación, pues la verdad es que lo cambia todo. Para cada proyecto supone un impulso muy grande».

¿Cree que esto puede ofrecer una mayor difusión internacional a las productoras y al cine canario en general? «Seguro que sí. De entrada ya cuando sacaron la lista nombraron el sitio de procedencia de cada proyecto y en eso se fija mucho la gente. Contar en el proyecto con una película canaria nos hace crecer. Primero, porque la calidad de los proyectos va mejorando muchísimo y eso hace que los interesados en lanzar alguna producción se fijen en ese tipo de productos y ya vas marcando un nivel. Y después se conoce la marca canaria a nivel internacional».

¿Cómo ha sido la experiencia en el ámbito de la animación? «Este sector lo integra un grupo de personas muy amplio. A mí, que vengo de otro campo, me parece increíble toda esa coordinación que hay entre tantos trabajadores. Que uno hace tal detalle de la imagen, el otro se dedica a los personajes, el otro a los movimientos de la cara, el otro a los fondos y los paisajes que hay detrás… A mí me pareció una obra de arte brutal ese trabajo».

¿Y qué tal trabajando junto a profesionales como José Sánchez Alonso o Diego Navarro? «Pepe Sánchez Alonso es como una referencia en la ilustración en España. Es cierto que hoy en día se trabaja cada vez más el 3D y el 2D, pues el dibujo más tradicional ya se ha quedado un poco fuera. La idea clave era trabajar con alguien que viniera de esa línea y él y su equipo son muy buenos para eso. Y luego, a nivel sonoro, contamos con una referencia como Diego Navarro que viene de Tenerife y es un compositor de bandas sonoras impresionante».

Festival Internacional de Cine Medioambiental

También es director del Festival Internacional de Cine Medioambiental de Canarias. ¿De dónde surge la idea?  «Es el primer certamen de cine de carácter medioambiental que se hace en el Mundo. Yo tuve el honor, en 2008, de empezar a dirigirlo en el Puerto de la Cruz. Después se retomó en Garachico, que es un lugar que es ideal ya que los eventos así, cuando se hacen en núcleos más pequeños, se convierten en mágicos porque todo el pueblo lo vive. Este año no hemos podido realizarlo en el mes de mayo, pero lo tenemos previsto para el mes de octubre, si las condiciones se dan».

En caso de que la situación no permita realizarlo este año de forma presencial, ¿piensan en alguna alternativa virtual? «Casi todos los festivales han empezado a hacer esa parte online pero no están teniendo muy buenos resultados si se compara con las estadísticas del público que acuden a un evento de cine a verlo. Es verdad que hay una gran demanda por internet y es difícil que la gente dedique su tiempo a meterse en un festival a ver las películas así. Entonces no sabemos si nos merece la pena. Lo que sí estamos pensando es generar acciones que podamos realizar».

Hace poco el director del Festival de Cannes hablaba de que un festival de cine virtual no es un festival de cine y comparaba a las plataformas virtuales con la televisión. ¿Usted comparte esta opinión? «Totalmente. Por eso prefiero proyectar para quince o veinte personas del pueblo que no hacerlo de manera digital, porque al final sí, es como si estuvieras viendo la tele. Aunque es verdad que entiendo que algunos lo deban hacer teniendo en cuenta que se une un gran problema y es que los empleados que han estado trabajando un año entero en ese evento, si luego no genera no podrán cobrar. Pero nosotros preferimos lograr algo más pequeño, de forma directa y que el público disfrute de él».

¿Cómo ve la situación del cine canario a día de hoy? «Yo creo que está pasando un gran momento. Hay tres o cuatro productoras que marcan unos estándares muy altos con sus producciones que, como te decía antes, llegan a certámenes importantes, principalmente en el documental. El cine canario no existe como tal, pero estamos en una buena época en el documental y en el cortometraje, y yo creo que eso se va notando cada vez más y que Canarias puede situarse entre las comunidades más punteras de cine de España».

«En las Islas teníamos un déficit en formación»

¿Opina que la creación del Instituto del Cine de Canarias y de otras propuestas de formación que se han lanzado sobre todo en los últimos años ha aumentado el número de interesados en promover producciones desde las islas? «Todo lo que se amplíe en el ámbito de la formación yo creo que es muy importante porque aquí teníamos un déficit en eso. Ahora, al abrirse diferentes espacios donde la gente sea capaz de formarse y especializarse lógicamente va generando que hayan cada vez más personas trabajando en el cine».

La desescalada ya ha abierto la posibilidad de retomar los rodajes que habían quedado paralizados. ¿Piensa que es posible mantenerlos respetando las medidas de seguridad? «Yo creo que es un poco imposible en un rodaje. ¿Cómo le dices a los actores y actrices que deben guardar la distancia? ¿O cómo le comentas al director de fotografía que debe acercarse al personaje? Se pueden hacer algunas cosas, dentro de las restricciones más básicas, pero es un poco complejo».

Dentro de la propia productora de Tinglado Film, ¿hay algún proyecto que se haya visto perjudicado por la situación actual? «Estábamos con un corto que lo grabábamos en abril en el municipio de Buenavista del Norte y se suspendió. Por suerte en la mayoría de los que se pospusieron en la comunidad y que tienen algún tipo de colaboración con la administración pública, bien sea del Gobierno de Canarias o del Cabildo de Tenerife, se ha logrado consensuar que los límites para terminar los trabajos y para entregar se amplían. En general estamos esperando a saber algo más y a ver un poco que se mejoren las condiciones para retomar los rodajes».

El plazo de inscripción para los participantes terminó el pasado domingo, 10 de mayo, y las únicas exigencias de este año fueron que el vídeo o audio durase menos de 3 minutos y que las historias fueran contadas, no leídas.

La principal novedad será la Maratón de Ilustradores, en la que se podrá participar el día de la celebración y que propone a los asistentes enviar una ilustración inspirada en alguna de las historias narradas. Los interesados podrán tomar parte enviando su propuesta al correo maratondecuentos@grancanaria.com o bibliotecainsular@gmail.com, aunque también tienen la opción de unirse al grupo de WhatsApp escribiendo al número 619 310 773.

Volverán a incorporar la iniciativa Llámame y te cuento, que se iniciará a las 11.00 y se cerrará a las 21.00 horas el mismo día del evento. Permitirá escuchar relatos llamando al teléfono 900 848 898, que, en este caso, serán narrados por los cuentistas María Buenadicha, Antonio López, Néstor Bolaños, Carlos Trujillo, Pepa Aurora y Cristina Martín.

Un evento sin contacto con el público

«La pérdida de contacto con el público es básica en la narración oral», afirma Nieves Pérez, directora de la Biblioteca. Su gran preocupación para la nueva edición es que creen que «este hecho hará que la participación de cuentistas y de asistentes sea considerablemente menor».

El proyecto se suma a otras propuestas llevadas a cabo por la institución durante el período de cuarentena, como el concurso de microrrelatos Escrito en pausa o la serie de relatos de Luifer Rodríguez Trasfondos de una ciudad marítima. Además, Pérez sostiene que prevén realizar «talleres de escritura creativa, actividades de interacción de música de cantautor basada en autores canarios y una nueva propuesta para animar a escribir poesía, entre otros».

La próxima charla se ofrecerá este domingo, 3 de mayo, a las 17.00 horas y será un cuentacuentos orientado a las historietas y dirigido por Xabier Domènech, propietario de Arkham Comics. «Este medio ha nacido para quedarse, hemos empezado con un programa muy ambicioso y seguiremos trabajando con el sector para aportar contenidos de interés para todos», afirma Meritxell Puig, directora del proyecto.

El próximo martes, 15 de mayo, se realizará una plática entre dibujantes en torno a cómo sobrevivir a un encuentro comiquero. A lo largo de la semana, los asistentes podrán interactuar con Jesús Alonso Iglesias, que explicará su experiencia como dibujante para la película Spider-Man: Un nuevo universo, ganadora del Óscar a mejor animación, y con David Rubín, animador y autor de títulos como La tetería del oso malayo o Gran Hotel Abismo.

Comic On Demand se estrenó con una mesa redonda acerca de Juan Giménez, historietista argentino conocido por obras como Estrella Negra, Cuestión de Tiempo o El cuarto poder, que falleció a principios de este mes. El coloquio Post-apocalípticos e integrados, en el que el público tuvo la oportunidad de participar con Elisabet Roselló, Josep Busquet y Marcos Muñoz, fue el último acto celebrado, que tuvo lugar este miércoles 29. Uno de los eventos más destacados hasta la fecha fue la clase magistral impartida por Albert Monteys, ilustrador y exdirector de la revista El Jueves. Los actos aún siguen disponibles en diferido.

Puig agradeció la buena acogida del proyecto y aplaudió el trabajo de su equipo para reorganizar el programa en menos de una semana. «Lo que sí está claro es que esta idea llega a más público, en cada sesión tenemos visitas de toda España y de Latinoamérica», concluyó.

«Estábamos rodando con la mosca detrás de la oreja todo el rato hasta que se decidió suspender temporalmente el rodaje», explica Rodríguez. Muchos de los miembros del reparto decidieron quedarse en El Hierro, principalmente los que son de Madrid y Barcelona, que en ese momento eran los epicentros del virus.  Asegura que «ellos están ahora viviendo allí en una especie de parón pero en un sitio maravilloso». Casi todo el equipo técnico se quedó en la Isla y cuenta que «la idea es retomar la serie desde que se pueda y seguir». En el momento de la interrupción, la producción ya había rodado durante seis semanas y tenía grabada casi la mitad de la temporada.

«Nuestra mayor distancia es el acento. Todavía no está normalizado en el audiovisual español»

Uno de los mayores retos que el actor ha tenido que afrontar para tener éxito en el mundo de la actuación es el tema de la insularidad, pues «al isleño, en general, le cuesta más por la distancia, eso es insuperable, pero nuestra mayor distancia es el acento porque todavía no está normalizado a nivel del audiovisual español».

«Recuerdo un trabajo para el que me llamaron de la Península, con un director valenciano. Me puse a leer, a ensayar un poco, y al final del ensayo me dice ‘Mira, ¿tú tendrías problemas en neutralizar el tono, en hablar en castellano?’. Y mi respuesta fue: ‘Lo podemos intentar, pero yo en canario soy muy gracioso’. Entonces el tío se descojonó y me dijo ‘Bueno, vale, vale’. Y al cabo de tres ensayos se me acercó y me comentó ‘Mira, olvídate de lo que te dije'».

Recalca que ciertas productoras de las Islas también piden a los actores que cambien su inflexión de voz. «A veces, incluso, te intentan transformar la entonación para que no sea de una isla o de otra, imponiendo un tono neutro que no existe y pronunciando unas eses que no son naturales y que no son nuestras», comenta.

Trasfondos de una ciudad marítima

Rodríguez desarrolla, durante este periodo de cuarentena, el proyecto Trasfondos de una ciudad marítima que consiste en una serie de relatos publicados cada lunes, miércoles y viernes en el Facebook de la Biblioteca Insular de Gran Canaria. Su idea es «ir contando historias que entretengan a las personas y que hagan más amena la situación que estamos padeciendo». Al publicarse en esta red social «muchas de las opiniones de los lectores pueden inspirar a conseguir diferentes tramas dentro de la gran historia», aclara.

El relato gira en torno a Adolfo, un taxista que cuenta con la libertad de moverse por Las Palmas y que es «como un alter ego mío que puede decir las cosas que yo no puedo». Busca narrar la historia en la ciudad y describir los barrios, los sitios y, de alguna manera, «invitar a la gente a viajar con las palabras».

Este año se cumple el 25 aniversario del musical Zalakadula, del que pensaban realizar una minigira durante el verano pero «la situación ahora es muy compleja».  El proyecto A través de las palabras, llevado a cabo por Malavida Producciones, está también a la espera: «Estábamos centrados en el museo Pérez Galdós y teníamos en mayo la lectura dramatizada de Doña Perfecta, que creo que para octubre o noviembre lo podremos hacer».

Las personas que se animen a hacer su versión de alguna de estas obras y envíen una foto al correo info@espaciovalverde.com, recibirán un certificado de autenticidad firmado por el artista y sellado por la galería, que les llegará también por correo postal en cuanto la situación se estabilice. Para recrear cualquiera de las piezas de la colección solo son necesarios materiales como pinturas, papel o tijeras.

Jacobo Fitz-James, el director de la Galería, cuenta que a la hora de idear el proyecto pensaron que el hecho de que la gente se mantuviera ocupada y trabajara con las manos iba a traer un aire fresco en la situación actual. Asegura que «Colección Cerradura es una manera de combatir el abuso digital y virtual y su consecuente deterioro mental».

Diversos estudios muestran que el uso excesivo de las tecnologías, que se está viendo incrementado durante el confinamiento, tiene efectos negativos sobre todo en jóvenes y adolescentes ya que dificulta la interacción social y la productividad. Las manualidades, como las que propone este proyecto, ejercen el efecto contrario, ayudando a manejar el estrés y a fortalecer la creatividad.

Escultura, pintura y otras formas artísticas

La primera jornada se lanzó el 23 de marzo e incluyó una estructura doméstica diseñada por Robert Ferrer i Martorell y unos dibujos para colorear y completar elaborados por Luis Vasallo. En la segunda jornada, lanzada el día 25, se mostró un Collage Automático diseñado por Pepa Prieto y una propuesta denominada Now and then, pensada por Ben Callaway.

En la última tirada lanzada este lunes, 30 de marzo, se incluyen otros dos proyectos diseñados por Elena Alonso y Alexandra Kuhn y se seguirán subiendo todos los que envíen los artistas de la galería mientras se extienda el confinamiento. Fitz-James añade sobre la respuesta del público que es «mucho mejor de la esperada».

El caso de Harvey Weinstein fue el primero que recibió este impacto por parte del público, pero no el último. Como piezas de dominó, uno por uno fueron cayendo muchos de los pilares de la industria que parecían intocables. Kevin Spacey, Ben y Casey Affleck o James Franco son solo algunos de los nombres que, en estos dos años, se han sumado a la lista de artistas de Hollywood denunciados por acoso o abuso sexual.

Sin embargo, a lo que más deben temer estas personas no es a la amenaza judicial sino a la respuesta del público. Que se lo digan a Woody Allen, quien a día de hoy solo ve trabas para poder sacar adelante nuevas películas pese a haber sido declarado inocente en el juicio en el que su exmujer, Mia Farrow, le acusó de haber abusado sexualmente de su hija adoptiva. Roman Polanski es otro director que hoy está recibiendo las consecuencias que no sufrió cuando fue denunciado por violación hace años.

El público ya no hace oídos sordos a lo que ocurre detrás de las cámaras. Las productoras que aún se atreven a contratar a alguno de los miembros de esta extensa lista, que no hace más que crecer, son testigos de la gran caída de audiencia en sus películas. Y esto trae una nueva cuestión a la palestra.

«Es muy válido y respetable no ver una película de una persona denunciada por abuso sexual»

¿Es lícito consumir y disfrutar de estas películas? Una parte del público responderá de inmediato que no, que el hecho de que un violador haya estado inmerso en la realización de la película hace que no puedan centrarse en el contenido del filme sin que les venga esa cuestión a la cabeza. Otra parte correrá a esconder sus DVD de Annie Hall y La semilla del diablo bajo llave para que no se les tache de defensores de sus películas. Y una tercera parte seguirá consumiendo y disfrutando sin temores de estos títulos defendiendo su valor artístico.

En cualquier caso ninguna postura es más lícita que otra. El cine es un arte pero, a diferencia de otras formas artísticas, recibe de forma mucho más insistente el ojo crítico y analítico de lo que rodea a la obra en sí. Si analizas un cuadro de forma positiva, aunque el artista haya abusado sexualmente de decenas de mujeres, nadie te va a echar en cara que estás defendiendo a un violador.  Pero las personas vinculadas a la industria del cine no gozan del mismo anonimato, son estrellas y figuras públicas que la audiencia siente muy cercanas y, en caso de que defiendas su obra, no va a faltar quien piense que también estás aprobando sus acciones.

Es muy válido y respetable no pagar una entrada para ver una película de una persona denunciada por abuso sexual. Pero de la misma forma es igual de válido seguir viendo y disfrutando de películas que, desde siempre, has admirado sin reparos. Pelearnos entre nosotros sobre si tachar una serie de películas o no es restar importancia a un movimiento que busca algo completamente distinto.

¿Cuándo y por qué empezó en el mundo de las historietas? «Bueno, es complicado de explicar. Yo era muy pequeñito cuando mi abuelo me enseñó a leer usando los tebeos. Mis primeros pasos profesionales fueron ya en la década de los noventa  y es algo que siempre me ha gustado, contar historias. No es algo que elijas, es algo que tienes que hacer sí o sí».

En sus obras por lo general trata aspectos muy diversos. ¿De dónde saca su inspiración? «Yo no diría que mis obras son muy diversas, sino que normalmente las cuento a públicos muy distintos. Me he dado cuenta de que hay una serie de temas que suelo tratar en casi todas pero cuando uno tiene las intenciones de crear una historia es esperar a que surja la idea y darle más o menos un enfoque según las cosas que uno conoce. Siempre se comenta que los escritores tienen que escribir de lo que no saben y lo que saben tienen que aprenderlo. Hay que tener siempre una base para poder documentarse debido a que los lectores son muy inteligentes y se dan cuenta de cuándo algo está sacado de la manga».

«Las historias más populares son aquellas por las que los editores no daban un centavo»

De todas sus historias, las que han conseguido un mayor reconocimiento por parte de la crítica han sido las de la Trilogía de la G. ¿Esperaba este éxito? «La verdad es que no. En estos momentos estoy terminando la última de la saga, la de Galdós, y a ver qué tal sale porque está siendo un hueso bastante duro de roer. Ha tenido mucho éxito crítico también por círculos ajenos a la cultura del tebeo. Curiosamente las historias más populares son aquellas por las que los editores no daban un centavo. Esas historietas tienen dos vertientes: una parte crítica que aplaude obras como El fantasma de Gaudí, pero también hay muchísima gente que apoya productos como Apocalypse Girl, que me está trayendo muchas alegrías».

Usted no se enmarca en un solo género pero, ¿hay alguno en específico que disfrute más escribiendo? «Hay dos en concreto. Uno es la fantasía, siempre con toques de humor, pero la fantasía de brujerías y de gente que se busca la vida a base de hachazos y de espadazos. Es muy divertido para mí ya que es un mundo donde todo es muy mítico y es un género que disfruto mucho. Pero si algo me gusta es el género del terror, que me sirve para aplicarlo a muchas cosas. Por ejemplo en Apocalypse Girl o incluso en Virtual Hero hay elementos de cosas de terror que me gustan muchísimo. Los terrores son universales y puedes contárselos a cualquiera de cualquier edad».

En su trayectoria profesional ha impulsado a la creación de varias editoriales. ¿Qué le llevó a tomar la decisión? «Pues no es algo que yo escogiera para contar cosas diferentes sino que es algo que tuve que realizar por necesidad. El motivo es que tenía que contar muchas historias y casi ninguna editorial te da rienda suelta para contar lo que tú quieres, en la cantidad que tú quieres y cómo tú quieres. Dije «si no me lo acepta nadie, lo hago yo solo». A mi no me gusta considerarme editor porque mi vocación no es esa, es ser escritor. Que para eso tengo que crear una editorial, pues tendré que ponerme a ello».

«El mercado americano te permite tener visibilidad en todos los países del mundo y te permite empezar»

Decidió crear la editorial Amigo para publicar tebeos en los Estados Unidos. ¿Por qué tuvo la idea de apuntar hacia el mercado norteamericano? «El mercado americano te permite una cosa que no te permite el mercado español. Te permite que sin mucho respaldo económico puedas ajustar tus tiradas a lo que te piden los comercios. Por ejemplo yo oferto un cómic, llegan los pedidos y conforme a esos pedidos yo imprimo, por lo que no pierdes tanto dinero. Eso no lo tiene ningún otro mercado. En España los editores son muy valientes e imprimen a ciegas, no hay una previsión de ventas. Se pueden encontrar con que haya que hacer más ediciones o que muchas ediciones se devuelvan. El mercado americano te permite tener visibilidad en todos los países del mundo y te permite empezar».

El año pasado lanzó también la editorial Karras para publicar los tomos en España. ¿Vio cierto cambio en el mercado español que le llevara a tomar la decisión? «No, en España ninguno estaba muy inclinado a pillarla ya que todo el mundo quiere un entorno más de novela gráfica. No sabía muy bien qué hacer al respecto, así que con unos amigos, con Cristina Carrasco y con Massimo Rossi, lo intentamos en España pero con nuestras propias condiciones. Decidimos saltarnos el sistema de distribución para trabajar de forma directa con las tiendas y con los lectores. Eso nos limita mucho en cuanto a la amplitud y la distribución, pero también nos permite no arriesgarnos demasiado y crear un buen producto».

Muchos youtubers se han embarcado en los cómics en los últimos años y usted mismo colaboró en el libro de El Rubius. ¿Cree que esto ofrece una mayor visibilidad o que supone una dificultad para otros historietistas? «La cosa es que cuando se publican cosas como Virtual Hero el cómic que se crea no afecta para nada a la esencia propia que ya tiene el tebeo. Es una cosa muy puntual en la que ni siquiera las personas que se encargan de elaborarlo y de promocionarlo tienen relación con este mundo. Pero es que tampoco los lectores son habituales del cómic. El público es gente que hasta ahora no se acercaría al mundo del tebeo pero que gracias a eso empiezan a verlo. De todas maneras, nunca es perjudicial para la historieta sino todo lo contrario ya que nos abre y nos da una mayor visibilidad».

«Los tebeos de superhéroes siguen siendo gigantes pero ahora el campo de las ideas pertenece a lo indie«

Los tebeos independientes o con pocos tomos también tienen que competir en el mercado con grandes compañías como Marvel o DC. ¿Cree que el éxito de estas sagas dificulta la aceptación de nuevas historias? «El tema es que Marvel y DC, entre los dos, se llevan casi el 90 % del mercado. Y son máquinas enormes en las que entras, haces el trabajo y sales después. Yo he sido muy fan tanto de Marvel como de DC. Pero en los años setenta lo que se inventaba en los tebeos de superhéroes se aplicaba en el resto de cómics. En esta época es al revés. Los pequeños éxitos puntuales corresponden a los cómics independientes y en muy raras ocasiones ocurre en primer lugar en un tebeo mayor. Económicamente siguen siendo gigantes pero ahora el campo de las ideas pertenece a lo indie«.

He visto que se sumó a la iniciativa de varios escritores y ha decidido ofrecer a sus seguidores algunas de sus obras gratis durante los días de cuarentena. ¿Qué le llevó a tomar esta decisión? «Fue más bien algo casi impulsivo. Lo que yo sé hacer son cómics, así que hablé con los demás compañeros y dije «voy a poner tebeos gratis». Los puse y luego me llamó Cristina de Karras y me dijo de poner nuestro catálogo entero gratuito online. Tampoco tenemos tantos números, contamos con ocho tebeos. Sacamos el catálogo y si esto puede ayudar a que la gente lea y corra la voz, pues vamos adelante. Lo único que podemos llevar a cabo nosotros, los escritores, los dibujantes y demás, es decir pues yo sé hacer esto, voy a ponerlo de forma gratuita».

Como impulsor de la editorial, ¿no le preocupó el posible efecto negativo que podía suponer a nivel económico? «La verdad es que nos movemos en unos márgenes tan reducidos que el hecho de que te dejen de comprar porque ya han leído tu obra pues tampoco nos afectaría tanto. También tiene su parte positiva porque hay gente a la que le podría acabar interesando la edición digital y que lo pidan en papel en el futuro. Creo que íbamos por 16 000 descargas o algo así, una auténtica brutalidad. Si de esos 16 000, ciense acercan y lo compran ya que les ha interesado, eso que salimos ganando. No pensamos en cómo nos iba a afectar monetariamente porque los que vivimos de escribir y de crear en esto estamos en números y cifras bastante penosos».

¿Está trabajando en algún proyecto nuevo en estos días? «Sí, estoy finiquitando varios guiones que tengo atrasados. Entre ellos Identidades secretas, que es la segunda parte de Hoy me ha pasado algo muy bestia, de superhéroes urbanos. También estoy acabando Galdós y la miseria de la que pensaba sacar dos volúmenes y al final haremos uno para tenerlo finiquitado a finales de este año ya que sacarlo ya no tiene sentido. Y varios más, uno con Vicente Cifuentes al que le tengo muchas ganas, otro de terror… Soy un culo inquieto, no me quedo parado mucho tiempo para contar historias».

Por último, para quien no conozca sus relatos, ¿qué cómic le recomendaría para pasar el confinamiento? «Si son lectores jóvenes, les recomendaría que empezaran por Apocalypse girl porque va dirigido a un público muy juvenil. Aprendí muchísimo con Virtual Hero pero aquí me lo llevé más a mi terreno y sobre todo al público femenino le está gustando muchísimo, lo que es el mejor halago que me podrían dar. Para un público más adulto, hemos liberado la obra que creé con David Balta que es El velo. Le tengo mucho cariño porque es la piedra de toque que ya me orientó para lo que yo quería hacer. Y para la gente a la que le gusta la caña, las motosierras y la diversión pues está Nancy in hell, que es divertida y muy loca».

En el escenario llamaba de inmediato la atención la luna gigante que ocupaba gran parte de él y que inevitablemente recordaba al astro que forma parte de la portada de varias ediciones del libro. Sentados en las butacas, se podía ver a unos asistentes mucho más jóvenes de los que normalmente abundan en los teatros, preparados para el comienzo del espectáculo. Pocos minutos antes del comienzo, el grupo Elefantes comenzó a tocar una melodía suave que recorrió el lugar junto a un juego de luces de tonos azules.

Seguidamente, subió al escenario Ignasi Vidal, autor y director de la obra, para dar la bienvenida a los espectadores y presentar el evento.

«Se muere por aquello que merece la pena vivir»

Tras las palabras del director dio comienzo la primera parte de la obra. El hecho que marcó este inicio no fue otro que el último vuelo que llevó a cabo Antoine de Saint-Exupéry, representado en la obra por Javier Godiño, y su desaparición. No obstante no fue un comienzo dramático, pese a lo que se pueda imaginar, pues a los pocos minutos llegó al plató Shuarma, vocalista de Elefantes, en el papel de El Principito y representando el comienzo de la novela.

A partir de aquí, se fueron intercalando los hechos de la vida de Antoine en distintos lugares y épocas, y la trama del libro. Nueva York, Buenos Aires, París, Lisboa y el Sáhara son algunos de los espacios que se reflejaron en escena y que se pudieron distinguir, sobre todo, por el uso de la iluminación. También se diferenciaron de forma considerable las dos partes de la trama por el vestuario, llamativo y colorido en los personajes de la novela y más acorde a los años 40 en las personas de la historia biográfica.

«Solo los niños saben lo que buscan»

La segunda parte del evento, que comenzó tras un breve descanso de 15 minutos, empezó presentando una entrañable representación en forma de marioneta del zorro que aparece en el libro. Sin embargo, esta otra mitad estuvo especialmente marcada por la ida de Antoine a la guerra y retomó de nuevo la escena con la que se inició la función.

Uno de los principales aciertos del acto fue la forma tan natural de mostrar al público que la novela de El Principito es en realidad un libro autobiográfico. Su autor volcó en este los hechos que rodeaban su vida y muchos de los personajes que aparecen en él fueron personas de su entorno: como el zorro, que representa a un amigo con el que congenió en el desierto o el personaje de la flor, utilizado para encarnar a su mujer.

Después de leer un último pasaje de la novela subieron al escenario todos los personajes que habían aparecido hasta entonces y cantaron la canción que cerraría el espectáculo. Envuelto todavía en ese ambiente que transmite la función, el público se puso de pie y ovacionó la obra que marcó un gran inicio de la tercera edición del Festival CAE.

Este acto marcará el inicio de la tercera edición del Festival internacional Canarias Artes Escénicas que busca aumentar la representación del teatro dentro del Archipiélago y que durará hasta el 28 de mayo. La nueva edición realizará actos en las islas de Tenerife, La Palma, La Gomera, El Hierro, Lanzarote y Fuerteventura y contará con la participación de siete compañías de reconocimiento internacional. Otros de los estrenos que se lanzarán este año son Los días ajenos, A vueltas con Lorca o We agree to disagree.

Música a cargo de Elefantes

Los encargados de elaborar las canciones de la obra e interpretarlas en directo son los componentes de la banda española Elefantes, bajo la dirección musical de Miguel Ángel López. Marta Rodrigo, responsable de prensa del espectáculo, afirma sobre la colaboración del grupo que «cuando Ignasi Vidal ve cómo Elefantes interpreta las canciones, ve que es muy difícil que esto se replique. Este es el único caso en el que una banda nacional asume la creación de toda la música de una obra».

Javier Godino, conocido en el mundo del musical por su papel en Hoy no me puedo levantar y en el mundo del cine por películas como El secreto de sus ojos, será el encargado de interpretar a Antoine. Por otra parte, Shuarma, el vocalista de Elefantes, se estrena en el ámbito de la actuación en el papel de el Principito. Otros de los actores que participarán en el evento son Aida de la Cruz, Alberto Vázquez o Carmen Barrantes.

Además, el acto busca la intervención de los asistentes y añadir un punto de dinamismo mediante la inclusión de las nuevas tecnologías. Marta Rodrigo asegura que lo que quieren es que «cerca de algunas de las secciones se pueda hacer una exposición que te permita acercarte un poco a la vida de Antoine. En esa exposición habrá tangibles, pero también se pondrán las nuevas tecnologías a disposición de los visitantes para poder hacer un poco más realista viajar hasta hace 75 años y poder realizar un viaje más inmersivo».

El origen del espectáculo

El Principito, publicado en 1943, es la obra francesa más leída de todos los tiempos y parte de los hechos narrados son vivencias de su autor.

A Antoine de Saint-Exupéry siempre le entusiasmó la idea de volar y trabajó para varias empresas de transporte aéreo. En 1944 desapareció al llevar a cabo un vuelo de reconocimiento y en el año 2000 terminaron encontrando los restos de su avión.

En su primera jornada destaca la proyección de Color out of space, filme de suspense protagonizado por Nicolas Cage y Joely Richardson basado en el cuento de H. P. Lovecraft con el mismo título. Este gira en torno a una familia rural cuya tranquila vida se ve interrumpida cuando un meteorito se estrella cerca de su granja liberando un organismo espacial. Los que ya han visto la película tras su proyección en Sitges denominan este género como un «terror cósmico» del que también se empapará este festival.

Diversidad de géneros

Pese a que todas las proyecciones del festival comparten el elemento fantástico, también habrá géneros muy distintos entre las obras presentadas. Encontraremos desde la película de terror italiana In the trap hasta la comedia gore protagonizada por Lupita Nyong’o Little Monsters. Además, esta edición dedicará todo un día, el jueves 28 de noviembre, al anime con producciones como Ride your wave o Human lost.

La mesa redonda sobre el fantástico en femenino, la proyección de Vivarium o el estreno del documental Memory: The origins of alien son otros de los actos más relevantes que tendrán lugar durante esta semana. Todos los fans del cine fantástico de Canarias están invitados a este festival donde podrán disfrutar con antelación de algunas de las mejores películas actuales del género.

El debate comenzó, por tanto, con el trío original de películas, que es el más aclamado por la crítica y por el público y que sirvió para abrir este universo que tantos fanáticos ha cosechado. El primer acierto que citaron Conde y Trujillo, que hicieron que este inicio triunfara en el mundo del cine fue el elevado presupuesto con el que contaba. Esto permitió que George Lucas contratara a los mejores equipos y profesionales de la época en efectos visuales y maquillaje. Otro de sus grandes puntos fue el apostar por la música clásica dentro de un mundo futurista y fantasioso, algo que solo había hecho anteriormente 2001: Una odisea en el espacio y que le permitió distinguirse de tal forma que cualquier persona reconoce inmediatamente la saga al oír su banda sonora.

También se comentó el éxito que la primera película tuvo en taquilla, alcanzando 300 millones de dólares y convirtiéndose en el filme que más dinero logró recaudar hasta entonces. Fue este éxito lo que permitió a la segunda entrega contar con un presupuesto aún mayor que le ayudó a convertirse en la película más aplaudida dentro de toda la saga. Tal y como mencionó Trujillo, únicamente la primera escena que abre este filme contó con el mismo presupuesto que todo el cine español del año 1980.

Ramón Trujillo: «Inicialmente George Lucas pensaba hacer películas estanco, sin relación entre sí»

Sin embargo, tras el éxito de estas tres entregas, Lucas dejó a un lado Star wars durante los siguientes 20 años ya que se centró en otros proyectos como Indiana Jones, que resultaba más rentable para la productora. Finalmente regresó en 1999 con el Episodio I: La amenaza Fantasma, que fue una vuelta decepcionante para los críticos y para muchos fans. El principal fallo del que pecó fue que buscó dirigirse, al igual que en las primeras entregas, a un público infantil, sin tener en cuenta que los espectadores que vieron las anteriores serían ya adultos. Este fue el mismo problema que compartieron sus dos secuelas, que además tuvieron que competir con otras grandes sagas que surgieron en esa época como fueron El señor de los anillos, Harry Potter o Matrix. Sin embargo, Conde destacó de esta segunda trilogía que lograra mostrar al público hasta donde podía expandirse este universo.

Por último se habló de las últimas novedades de la saga dentro de la compañía Disney y, con esto, de posibles formas de seguir expandiendo nuevos horizontes de la franquicia. Con estas nuevas películas ocurre el mismo problema que ya se dio en las anteriores y es que ni los estudios ni sus directores apuestan por realizar un filme dirigido a adultos y no a niños. Tratan de atraer a un público joven que desconoce la saga y se olvidan de pensar en los espectadores que siguen este universo desde hace años y que son los que llenan las salas de cine.

La protagonista de la última apuesta cinematográfica, Rey, resulta aún más limitada que el personaje de Luke y la película falla al hacerla prácticamente invencible, dando la sensación de que nunca corre un riesgo real. Asimismo, parece que los guionistas de las nuevas entregas no han terminado de entender la saga y el espectador tiene que hacer un esfuerzo por creerse algunas de las situaciones que se muestran. Tampoco la nueva serie, Mandalorian, parece estar apuntando en la dirección correcta, ya que remite demasiado a los primeros filmes.

Víctor Conde: «Si una saga no es capaz de evolucionar hacia el futuro está haciendo un mal trabajo»

Sin embargo, aún hay nuevas apuestas que se salvan y que sí buscan algo más arriesgado y serio, como es el caso de Rogue one. Para lograr esta perspectiva más adulta que guste al público original de las películas, la franquicia tiene muchas opciones y tenemos como ejemplo de esto lo que logró hacer Joker, desmarcándose de las típicas películas de superhéroes. Pero para esto el estudio debe correr el riesgo y no temer a la clasificación adulta.

Los ponentes serán Víctor Conde, escritor y ganador de diversos premios internacionales, y Ramón Trujillo, experto en cine y director del Festival de Isla Calavera y del Aula de Cine de la Universidad. Entre ambos llevarán a cabo esta tertulia con motivo del estreno del Episodio IX, El Ascenso de Skywalker.

Con este acto se busca homenajear a una de las sagas más taquilleras de la historia y que ha movido a millones de fans alrededor del Mundo. La saga se ha mantenido gracias a su originalidad y a la cantidad de detalles que logran que el público crea y disfrute de este universo. Cuarenta años no han servido para tumbar a una de las historias más fructíferas del cine.