La muestra, que está coordinada por Beatriz Bello y Adán Hernández, también cuenta con la colaboración del colectivo La Rara Truope y Aspercan (Asociación Asperger de Canarias). El proyecto se remonta a un viaje de ambos responsables al Musac (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León), donde pudieron conocer el trabajo de La Rara Troupe, que ya llevaba varios años investigando y ejecutando temas semejantes.

Puzzleatípico trae hasta Canarias este proyecto artístico y experimental en el que confluye esta categoría de autismo con un ejercicio creativo del que derivan todo tipo de resultados, incluso el propio nombre del plan, que nació de los integrantes del mismo.

Esta pieza compone un mosaico mayor relacionado directamente con un arte extensivo y abierto con el que el LEAL.LAV está comprometido desde hace tiempo. Una de las muestras que acogió hace poco fue Principiantes, una interpretación de danza con mujeres de 65 años, dirigida por Carlota Mantecón.

En 2012 publicó su ópera prima: One Cut. Este trabajo es un crisol de estilos y composiciones, en el que el ser humano y el arte se dan encuentro, haciendo un barrido desde la música barroca hasta las composiciones del siglo XX. Pero todas ellas guardan algo en común: “Son actuales para el corazón”. La fragilidad de las personas, sus pasiones y miedos son la materia con la que Ottavia presiona las teclas del piano y da vida a una música que habla de las personas.

Empezó muy joven a tocar el piano, ¿por qué este instrumento? “Empecé a tocar el piano a los tres años. Tenía un teclado en casa y me gustaba reproducir todas las melodías que escuchaba en la televisión. Entonces, mi padre le preguntó a un amigo si me podía dar lecciones de piano, pero cuando le dije que tenía tres años, él dijo: ‘Deja que la niña siga jugando con las muñecas’. Pero yo seguí tocando y tocando. Por eso, a los cinco años, mi padre le volvió a preguntar a su amigo si podía empezar a estudiar entonces, y él dijo que sí. Me gusta el piano porque es un instrumento muy completo, que te permite ser independiente. Es el instrumento del solista por excelencia. Y esa autonomía no solo me gusta en la música, sino en la vida. Además, el piano es como una caja mágica que no tiene por sí mismo un sonido personal, lo que te permite crear un gran número de sonidos. En sí mismo, el piano es un instrumento de percusión, pero el arte de tocarlo consiste en hacerlo cantar con voz propia”.

Después de ganar premios y lograr el reconocimiento internacional, ¿hay algo que se le resista en lo profesional? “Es cierto. He tenido una gran cantidad de satisfacciones profesionales. He tocado con la Filarmónica de Berlín y en el Tonhalle de Zúrich. Sin embargo, aunque estas cosas son importantes desde un punto de vista externo, lo que sigo buscando es un éxito interno, un desarrollo profundo de mí misma y de mi alma. Quiero dar con el cultivo de una percusión abierta a todos los mensajes sutiles de la vida. Este es el gran viaje que he empezado hace mucho tiempo, y en el que sigo enfocada”.

«Cuando necesito despertar mi alegría, escucho Mozart. Cuando quiero contactar con la pasión, Schumann. Y cuando necesito fuerza física, Madonna”

¿Cuáles son sus piezas favoritas para escuchar? ¿Y para tocar? “Es difícil responder a esa pregunta. Me gusta toda la música. Cada compositor es un universo y no se pueden comparar. Sin embargo, escucho uno u otro en función de mi estado de ánimo. Cuando necesito despertar mi alegría, escucho Mozart. Cuando quiero contactar con la pasión, Schumann. Y cuando necesito fuerza física, Madonna”.

¿Qué futuro le depara al piano? “El piano nació en la época romántica. Y no importa en la época en la que vivamos, siempre habrá una parte romántica en nosotros que necesite ser alimentada a través de la música que nos traslade al centro de nuestros corazones. El concierto de piano tiene futuro porque tiene la capacidad de conectarnos con nuestros pensamientos más íntimos. Y esto es muy necesario en una sociedad que está cada vez más interesada en el exterior de las personas, porque existe el riesgo de perder de vista lo que es verdaderamente importante”.

One Cut es su ópera prima, ¿por qué son tan diversos los estilos de este trabajo? “Mi primer álbum es un viaje por la historia de la música y sus diversas épocas. Siempre me ha fascinado ver cómo cada época ha encontrado diferentes expresiones para distintos estados interiores del ser humano. Cuando comencé a elaborarlo, tenía el deseo de crear un disco que fuese un crisol de las emociones humanas a través de las piezas escritas desde el barroco hasta el siglo XX. Muchas de ellas, a pesar de que fueron escritas hace siglos, son actuales para el corazón, porque hablan de las emociones que cada uno de nosotros experimenta en su vida”.

«Si estamos bien afinados nuestra vida se puede convertir en música»

¿Qué consejo le daría a todos los pianistas que se están formando ahora mismo? “Desarrollar, además de la técnica, también una habilidad de entrar en contacto profundo con sus emociones en la vida cotidiana. Porque eso nos permite ser personas más auténticas con nosotros y con el mundo. Y todo ello se refleja en el trabajo y el sonido”.

Además del piano, ¿toca otros instrumentos? “Bueno. Toco el instrumento que soy yo. Creo que cada uno de nosotros es un instrumento divino. Si estamos bien afinados nuestra vida se puede convertir en música. El ser humano es un ser emocional, con un cuerpo mental y otro espiritual. Y se deben armonizar todas estas partes para afinar el instrumento. Solo así podremos percibir la vida como un regalo, y no como una lucha”.

Desde la vertiente cómica francesa llega A fondo, un film gamberro del director Nicolas Benamou en el que un monovolumen a 130 kilómetros por hora que no responde a los controles anima las vacaciones de una familia en apuros. Todo un país se paraliza en clave humorística para abrirle paso a un vehículo sin frenos, ni escrúpulos.

Con seña de identidad española llega Amar, la ópera prima de Esteban Crespo. Este metraje es un retrato de los primeros amores en la adolescencia, su intensidad y la huellan que dejan. También producida en España, llega Garantía personal, un drama social que narra la vida de Mara, su protagonista, ante el azote de la crisis económica y los problemas que se avecinan.

Otros estrenos programados son Death Note: El nuevo mundo, que llega desde Japón con una ficción caótica muy particular; o Un espacio entre nosotros, de Peter Chelsom, retratando la vida de un joven nacido en Marte que se enamora de una chica terrestre.

«En mi casa no se tocaban guitarras ni timples», recuerda. Fue el primero de su familia en meter la música en casa. Su tío Mateo le dio una primera guitarra “rota y llena de parches” cuando era un niño. Por su cuenta y con el apoyo de un tal Vito de León aprendió a tocar. «Siendo un crío me gustaba mucho escuchar las guitarras pequeñitas en Navidad, temblaba cuando sentía las cuerdas», así nació su pasión por la música. Y, al compás de esas primeras notas, desarrolló cierta habilidad con la cuerda.

Más tarde fundará la Agrupación Folclórica de Tetir, todavía viva hoy en día. Y tocando la guitarra, a los 33 años, descubrirá su vocación artesana por el timple: «Me gustaba y gracias a Domingo Guerra Calero aprendí a fabricarlos. Eso sí, unos salían bien y otros, mal».

«En la actualidad hay muchos artesanos, muchísimos”, destaca Jerónimo Guedes. Y el timple parece reinventarse y subsistir en unas Islas que han cambiado mucho en los últimos años. Vicente Corujo (Lanzarote) o Santiago Monzón (Fuerteventura) son algunos de los nombres que le dan forma ayer y hoy: «Se ha perdido mucho de los timples de antes, que solían ser más pequeños y sonoros, ahora se fabrican grandes y de concierto». Sin embargo, siguen marcándose diferencias. Los de Tenerife suelen ser más grandes, con una caja mayor y un sonido más grave; mientras que el majorero sigue siendo pequeño y agudo. Asimismo, sin importar el tiempo que pase, cada artesano joven y viejo le otorga espíritu y valor a su trabajo con una ornamentación, colores y maderas diversas. Incluso, suena el electrónico.

Un molde que da forma al instrumento

Para construir cada una de estas obras de artesanía se debe empezar por un molde que da forma al instrumento, para preparar los aros (bordes) a continuación, y, más tarde, un mástil que servirá de columna vertebral. Cada artesano trabaja de forma distinta. Algunos prefieren poner la tapa primero y el fondo después: «Pero yo lo hago al revés. Primero el fondo y luego la tapa». Construir un timple se convierte en un espejo en el que el constructor se refleja.

«Todos los timples son buenos, todos pueden sonar bien si se afinan», dice Guedes Barrios. El equilibrio es esencial y su capacidad de sonar en la escala correcta es la clave que le identifica como una pieza singular en el panorama regional e internacional. Es el germen de una música que se diferencia entre las siete costas canarias.

Grupos como Si es tarde nos vamos utilizan el timple como principal fuente de sonido. Cientos de jóvenes lo tocan a lo largo del Archipiélago y contribuyen a reinventar algo único. Jerónimo Guedes augura un futuro positivo: «El timple antes era para acompañar, ahora es un instrumento para solistas». El foco de la creación sonora y material que rodea a la caja sonora alumbra con nitidez y dice: una nueva vida para el timple.

Perdiendo el contacto con la realidad, las escenas de su trabajo se antojan atípicas. Mujeres, lugares diáfanos y dudas rellenan el espacio entre el espectador y la obra. Sin embargo, Dailos Ruiz también explota ramas como la arquitectura efímera con trabajos que modulan escaparates o escenografías. Y, entre un limbo y otro nacen ‘monstruos’: desproporciones e imágenes que llaman a nuestro recuerdo.

¿En qué consiste la arquitectura efímera? «Básicamente se trabaja con diseños de stands, escenografías, instalaciones artísticas. Es un trabajo, como dice su nombre, efímero. Dura un tiempo específico, sin más. A diferencia de la arquitectura convencional, la obra que se trabaja es pasajera. Nace para cumplir una finalidad específica en un tiempo muy concreto. Esto elimina muchas pautas, y podemos utilizar materiales distintos que no se emplean en otras obras arquitectónicas».

¿Hay alguna belleza inherente a este trabajo instantáneo que escapa a lo estático? «No. En realidad no es una condición totalmente necesaria. Pero es cierto que sí puede existir una belleza específica en algunos trabajos como escenografías o instalaciones artísticas que están pensados para ser desechados. De todos modos, al igual que en el diseño, estas bellezas están reñidas por el encargo, por lo que te pida quien te encargue el trabajo».

“Busco algo más real”

¿Cuáles son sus principales referentes artísticos? «Una de mis fotógrafas favoritas es Diane Arbus. Su fotografía es oscura y directa, quiere que el espectador sienta temor o vergüenza. Me gusta que su trabajo sea en blanco y negro. Le encuentro una belleza importante a la ausencia del color. Sin embargo, también aprecio mucha la fotografía de Joel-Peter Witkin con una imagen grotesca, oscura, hecha para recordar, para dejar secuelas. De todos modos, no suelo tener muchas referencias a la hora de trabajar. Me gusta más buscar algo personal o que esté relacionado con mi entorno para materializar mi trabajo. Busco algo más real».

Trabaja con fotografías y juega con luces y sombras, ¿qué busca causar con ellas? «Penumbra, oscuridad, realidad. No quiero causar miedo, sino capturar el interés. La ausencia del color hace más directo el mensaje, no hay tanto descontrol».

En la exposición que tiene ahora mismo en el CAAM juega con trozos de personas y siluetas, ¿por qué? «La idea de esta obra se basa en la idea de ‘belleza perfecta’ de la gente común. Imagina que juntásemos los gustos de distintas personas en el mismo cuerpo, el resultado sería un caos. Si miramos como individuales, la persona puede ser bella, pero cuando juntamos todos esos fragmentos de ‘belleza’ creamos un monstruo, es algo grotesco, se pierde la belleza primigenia. Y eso es lo que he retratado en los collages que he expuesto en el CAAM».

“Veo una belleza diferente en las mujeres”

Recurre a fotografías de mujeres, ¿qué lugar ocupan en sus proyectos? «Yo he nacido y me he criado en un ambiente de mujeres. He visto con el tiempo la realidad que las rodea y eso me empuja a cederles un espacio importante en mi trabajo. De hecho, al principio, mis fotografías eran solo de mujeres. Trato de plasmarlas como una ‘mercancía’ en nuestra sociedad para darle valor crítico al trabajo. También desarrollé un proyecto en torno a Sylvia Plath para The Cultural que va de la mano con estas ideas. Al final, lo que he querido es fotografiarlas con respeto, cariño y belleza».

¿Tiene algún proyecto pensado o en marcha ahora mismo? «En este momento estoy preparando una convocatoria del TEA. Tengo algunas ideas rondándome por la cabeza, o incluso quiero recuperar algunas como la que presenté al CAAM, me apetece crear más monstruos».

Parallax se presenta como una pieza documental en la que se juega con luces y sonidos para construir un tejido en el que representar una dramaturgia singular. Así, se expone una obra en la que se estudia el desarrollo de guiones teatrales, partiendo de una ficción, la historia del Puente inexistente de Farim (Guinea-Bisáu). «¿Qué sucede cuando las imágenes de la película se producen en la mente del espectador y esas imágenes se vuelven incontrolables por parte de quien intenta crearlas?», se puede leer en la web del LEAL.LAV.

Silvia Zayas (León, 1978) ha trabajado en distintos campos, explorando los límites de las artes escénicas, descubriendo las posibilidades del sonido y el vídeo, para componer trabajos como este en el que llevar a la performance un lenguaje que hasta ahora pertenecía al campo fílmico documental. Parallax es el resultado de sus residencias artísticas en CA2M y La Casa Encendida. Una pieza especialmente adecuada para los amantes del cine.

El autor de El mundo de Sofía (1991) enfocó su discurso hacia las múltiples dimensiones del problema medioambiental. “Estamos viendo cómo la actividad humana termina con los recursos de la Tierra”, subrayó Gaarder. En un contexto de cambios irreversibles, el pensador noruego recalcó el valor de la naturaleza y los efectos de las pérdidas que se generan a diario: “Ya sufrimos las consecuencias: tormentas, inundaciones, incendios, la desaparición de los glaciares”.

«La Tierra y sus bosques son irremplazables»

“Pertenecemos a la tierra en la que vivimos”, y por ello la población del Planeta es responsable de cuidar su entorno. Al calor de esta reflexión, Gaarder recalcó la idea de materializar una “declaración universal de obligaciones” o de tomar medidas económicas para convertir el consumo energético en algo progresivo y responsable. No obstante, el filósofo acabó poniendo énfasis en que “la literatura y la filosofía son una celebración de la conciencia humana”, y la ciudadanía debe darse cuenta para sanar las heridas de un planeta herido.

A continuación, Nazanín Armanian abrió un segundo ciclo en el que se condensaron Oriente Medio, las mujeres y la guerra. “Cuando te caen bombas, no se puede avanzar”, comentaba la escritora mientras se apoyaba en el material gráfico que se proyectaba a su espalda. “¿Cómo es posible que el mundo tenga una etiqueta musulmana?”, preguntó al mismo tiempo que definía el mapa de las relaciones internacionales con Oriente Medio.

«La guerra siempre es un negocio»

Niños, mujeres, fronteras y dinero se cruzaron en un discurso que expuso a las víctimas de la guerra en Oriente. La intervención de Occidente en estos países ha impulsado la pérdida gradual y sistemática de los gobiernos laicos, para convertirse en teocracias lideradas por la extrema derecha. En este sentido, Armanian analizó la forma en que el velo de las mujeres musulmanas se ha politizado desde los años cincuenta, cuando no se empleaba prácticamente, hasta la actualidad, que se ha legislado para que todas las mujeres a partir de los siete años lo utilicen: “No estamos hablando de una cultura, sino de una norma impuesta”.

Las ponencias se cerraron con el aplauso de todos los asistentes, para dar paso a un turno de preguntas en el que la moderadora Verónica Galán ofreció la oportunidad al público de plantear sus dudas a ambas figuras. A modo de respuesta a una de las preguntas, Gaarder demostró cierto optimismo ante un mundo que podemos predecir, pero realmente desconocemos: “El pesimismo es otra palabra para hablar de pereza”.

Durante la primera parte, resonaron en la sala siete piezas, en las que el instrumento que tocaba Aguirre logró llenar de matices y encanto el trabajo de la orquesta. Los silencios y la delicadeza que se generaron a lo largo del concierto marcaron la sensibilidad de las composiciones, en las que aire y cuerda acunaron una potencia narrativa que se ganó el aplauso de los asistentes.

En la segunda parte, Marta Estal como soprano y Raia Lubomirova como contralto le dieron voz al espectáculo. De los matices ocursos de las primeras composiciones, pasamos a sonidos barrocos, e incluso románticos, donde ambas artistas representaron doce temas de G. B. Pergolesi, recogidos en Stabat Mater. Dos mujeres y sus voces le dieron cierre junto a la Orquesta Sinfonietta de Canarias a un mes dedicado a ellas, cosechando la alabanza de todo el público.

Imaginar y provocar, reunir para dialogar con el arte, destruir para pensar. Estas son algunas de las premisas del trabajo que llevan a cabo. Pero, ante todo, se busca educar e inducir de forma sistemática hacia el razonamiento profundo, o la incomprensión incluso. A partir de ahí, se ha condensado una iniciativa única en el panorama nacional, y singular en el regional. En los márgenes de la geografía, y de los razonamientos superficiales, está el LEAL.LAV.

¿Cómo y dónde nació el LEAL.LAV? “La idea surge cuando yo me vengo a vivir de la Península hace seis años y medio. Venía de coordinar el Centro Párraga de Murcia, que es un centro especializado en artes escénicas contemporáneas. Durante el primer año me dedico a trabajos de creación, comisariado y algo de formación con el Auditorio y el Mercado Atlántico de Creación Contemporánea. Cuando me mudé a La Laguna, me encontré con la sala de cámara del Teatro Leal, su infrautilización y la posibilidad de poder ofrecer al Ayuntamiento de La Laguna un proyecto desde cero. El Laboratorio de Artes en Vivo nace en el momento en el que yo presento el proyecto a la Concejalía de Cultura. Les presenté un plan a medio y largo plazo, con un presupuesto muy ajustado, pensado para convivir con la programación de consumo del Teatro, y orientado a la exhibición, la formación, la coproducción y el apoyo en modo de residencias artísticas a la creación contemporánea escénica insular, nacional, y, eventualmente, internacional”.

“Como laboratorio, uno trabaja con cosas que se desconocen”

¿Qué tiene de peculiar la gestión y organización del LEAL.LAV? “Es un proyecto público apoyado por una institución municipal, cuando lo normal es que lo hagan las instituciones regionales o nacionales. De repente hay una peculiaridad, y es que no es un centro físicamente diferente al que ocupa una programación convencional, sino que convive. Es importante que todo esto colisione con las murgas, el teatro de texto más clásico o el humor. También tiene de peculiar que todos los artistas que vienen al Laboratorio vienen a caché, no hay nadie que venga a taquilla. Hay algo que tiene que ver con dignificar el trabajo del artista, y no solo su espectáculo, sino el tiempo que este dedica a investigar y preparar su trabajo. Como proyecto público, invierte en la creación contemporánea como una inversión en un conocimiento y riqueza intangibles. Otra peculiaridad es que somos de los pocos centros en España que hace residencias artísticas”.

“La cultura es un diálogo con el pasado, el presente y el futuro”, dijo una vez la periodista Maruja Torres. ¿Son las artes escénicas un diálogo de esta naturaleza también? “Sí, por supuesto. Hace dos semanas tuvimos aquí a Marcos Regueiro Fariña, un dramaturgo que vive en Bolonia. Vino a hacer un taller de teatro que se fundamenta en las raíces más arcaicas de la disciplina. A un nivel de simbolismo y misticismo que sirve como base para una práctica contemporánea absolutamente experimental y rompedora. Nos hemos acostumbrado a quedarnos en una franja de teatro que anda entre el S. XVIII y el S. XX, con un texto muy narrativo, que te lo da todo hecho, mientras el público se queda pasivamente viendo lo que le cuentan. Precisamente, lo que hace el teatro y la danza contemporánea es plantearte imágenes más abstractas, mensajes más entrecortados, como puede hacer internet. Por supuesto, es un diálogo continuo entre lo arcaico, lo presente y lo futuro”.

“El teatro contemporáneo te ofrece otro tipo de realidades”

Más allá de las artes escénicas y su experimentación, ¿el proyecto está abierto a otros individuos ajenos al arte? “Hay una doble vía y consiste en trasladar el trabajo del artista a espacios no artísticos. Por ejemplo, el proyecto con señoras mayores de Carlota Mantecón; el de Silvia Zayas con alumnado de primaria o el trabajo Carne Fiesta de Quim Bigas con alumnado del IES La Laboral. Esta sería una forma de transversalizar el arte contemporáneo. A ese nivel trabajamos con gente de múltiples disciplinas”.

Defina al LEAL.LAV en dos palabras. “Yo diría cuidado y juntura. Son palabras que nos gustan mucho. El cuidado, porque sabiendo que somos un espacio con recursos limitados, sí que se plantea desde el principio como un lugar para cuidar al artista y su trabajo. En definitiva, dignificar al artista. La juntura va de la mano de eso. Nosotros sabemos que no se convence a nadie de nada, sino que, yo puedo hacer que tú tengas interés por una disciplina, si tú y yo estamos lo suficientemente cerca, como para que tú te emociones con aquello con lo que yo me emociono”.

En Tenerife, Monje pasará su obra por: Los Realejos el día 1 de abril; el 21 estará en Tejina; el 26 en Icod de los Vinos; el 29 en el Sauzal; además de otra función exclusiva para institutos en Granadilla el día 5 de mayo y otra en San Miguel de Abona el 25 de noviembre. El espectáculo pasará por la isla de Gran Canaria el día 8 de abril y desembarcará el día 19 de mayo en el Teatro Salinero de Lanzarote.

La obra fue presentada durante el Festival Internacional de Pantheatre de Francia, cosechando la buena crítica de medios y otros dramaturgos. En la sociedad posmoderna y de la hiperconexión, Bibiana Monje plantea un viaje entre lo íntimo y lo privado, lo personal y lo colectivo. Este es el germen de una comedia con forma de solo teatral, en el que su protagonista Bibi retrata su propia visión del mundo, en la que el espectador se puede ver reflejado.

La tecnología multimedia junto con la voz y los movimientos llenan un escenario vacío en el que las metáforas, los colores, los bucles y el trasfondo social crítico hacen florecer a LACURA. “Vivimos en un mundo virtual donde lo que se ve no existe y lo que verdaderamente existe no se ve”, se puede leer en el dosier de la obra.

Un laboratorio abierto y arriesgado

El encargado de acoger este proyecto ha sido el Laboratorio de Artes en Vivo del recinto lagunero. Su director artístico, Javier Cuevas, cuenta que este espacio está dedicado a todo tipo de artistas, el teatro, la danza o el arte contemporáneo en cualquiera de sus facetas. El trabajo de Bibiana Monje combina la tecnología y la experimentación audiovisual y “le da un giro, al servicio de una narrativa distinta”, apunta Cuevas.

El proyecto, que ya arrastra cinco años de vida, apuesta por trabajos arriesgados, con narrativas poco convencionales, discursos e historias que se distorsionan y protagonistas que dudan de los conceptos de arte o dramaturgia.

Alberto Cortés, Raquel Gualtero o el colectivo Terrorismo de autor son algunos de los nombres que ilustran el cronograma para los próximos meses en el Leal.Lav. Uno de los trabajos más próximos es el de Silvia Zayas con Parallax.

 ‘Raw’, entre el terror y el gore

La película francesa dirigida por Julia Ducournau se estrenó el año pasado, sin embargo, llegará a la cartelera española este viernes 17. Ganador de varios premios en el Festival de Cannes y Sitges, el celuloide plantea un universo en el que las apariencias engañan y, con la llegada de su protagonista (Garance Marillier) a un entorno distinto, se desvelan los verdaderos instintos.

 ‘Incierta gloria’ marca el regreso de Villaronga

El director mallorquín Agustí Villaronga regresa siete años después de su último y galardonado trabajo, Pan Negro (2010). Ambientado en un pequeño pueblo aragonés durante la Guerra Civil Española, el filme retrata incertidumbres y recrea el contexto histórico en el que se cuenta la historia a través de las vivencias de un oficial republicano (Marcel Borràs) destinado al frente.

Más estrenos en cartelera

El fundador (2016) es un largometraje biográfico sobre el creador de la empresa McDonald’s, junto con los hermanos McDonald, Ray Kroc. The Mercy (2017) es otro de los grandes estrenos. Se trata de otra película autobiográfica inglesa que revela la historia detrás del veterano de la Real Fuerza Aérea Británica, Donald Crowhurst.

La cantante cubana, Virginia Guantanemera, abrió el evento acompañada en el escenario por Marco del Castillo (guitarra), Miguel Sosa (bajo), Diego Expósito (piano) y Sisi del Castillo (percusión). Con sonidos cubanos encendió al público, que, al instante, comenzó a dar palmas y cantar junto a la orquesta. La potente voz retumbaba en una sala llena de colores y ritmos variopintos.

Tras ella, se intercalaron en el escenario dos grandes voces del panorama musical canario: la tenor Candelaria González y Sandra Mesa. Al mismo tiempo cambiaban los colores y las melodías, de los boleros clásicos a las nuevas versiones, de escenarios íntimos y cálidos a otros llenos de color y contornos.

“Solo cenizas hallarás de todo lo que fue mi amor”, entonaba Guantanamera. Todas las canciones compartían rasgos como el dolor, la alegría, el amor o una vida cualquiera a través de las voces de estas tres mujeres que dejaron a los asistentes impresionados con la ternura que transmitía el espectáculo. “Un minuto de amor, con siglos de dolor”, se escuchaba durante uno de los temas.

González, Mesa y Guantanamera se unieron al final del concierto para fundir sus voces en una sola. Con sabor cubano entonaron unas últimas vocales, antes de que el público les hiciera volver, tras despedirse, al grito de “¡Otra!”. El tema Guantanamera puso punto y final a Boleros y algo más, entre aplausos y una ovación con la que las tres artistas demostraron que se ganaron el cariño y la admiración de todo el Teatro Leal.

‘Marzo con ellas’ continúa

El Organismo Autónomo de Actividades Musicales del Ayuntamiento de La Laguna ha organizado toda una serie conciertos y actividades que tendrán lugar en el Teatro Leal y el Antiguo Convento de Santo Domingo hasta el día 26 de marzo. Asimismo, la programación recoge la entrega de Premios Más Mujer (23 de marzo) y varios talleres con los que conmemorar el Día Internacional de la Mujer.

La multitud, a la que una manifestante llegó a llamar “masa crítica”, recogía a personas de todas las edades: niños, jóvenes, adultos, ancianos. Y compartían el mismo mensaje, demandaban los mismos derechos y levantaban carteles semejantes acompañados con el grito de: “¡Qué no nos arrebaten a una hermana más!”.

Bajo esa llamada de atención, se procedió a realizar un homenaje frente a los juzgados de La Laguna en memoria de las víctimas de violencia de género que han muerto durante este año. Una por una se nombraron, y, sin que cayese en el olvido, se demandó una justicia libre para todos. Con el último nombre, una niña que se encontraba cerca le preguntó a su madre por qué estaban allí, “por las que ya no están aquí”, le respondió ella.

“¡No son muertas, son asesinadas!”

A diferentes marchas y con distintos himnos y carteles ondeando a la luz de la tarde, la movilización se dirigió hacia la plaza de la Catedral. Durante el recorrido se unieron más personas que taponaron la calle Obispo Rey Redondo. “¡No son muertas, son asesinadas!”, gritaba el gentío. «Nosotras levantamos el velo y ponemos de manifiesto la realidad del patriarcado y su violencia», subrayaba Adriana Peña, estudiante de Bachillerato. A ella se unieron durante la marcha universitarias, madres y mujeres demandantes de salarios, tratos y oportunidades iguales a las de los hombres.

Después de más de dos horas de recorrido, la plaza de La Concepción acogió la palabra, a ritmo de rap, en homenaje a las millones de mujeres de todo el Mundo exigentes de los mismos derechos que cualquier hombre: “Nosotras nos paramos para denunciar”.

Concentración en el Edificio Central de la Universidad

Por su parte, la Universidad de La Laguna también se sumó hoy a los actos conmemorativos de esta efeméride con una concentración en el Edificio Central. En la manifestación, encabezada por el rector, Antonio Martinón, se hizo hincapié en la importancia de la igualdad real y efectiva en las políticas universitarias, momento en el que el rector agregó que persigue una universidad en la que la mujer tenga un papel decisivo en el gobierno, en la ciencia y en la docencia.

Numerosos miembros del personal de administración y servicios, profesores y alumnado se congregaron a las puertas del Edificio Central, donde además se guardó un minuto de silencio por todas las mujeres asesinadas en los pocos meses transcurridos de 2017. “Se trata de la violencia machista más repugnante”, apuntó Martinón, dado que se produce en el ámbito privado del hogar, “donde se supone que hay apoyo, comprensión y amor de la pareja”. En este momento de recuerdo se tuvo especial consideración con Beatriz Sanfiel, alumna de este centro académico asesinada a manos de su ex pareja hace ya unos años.

El acto también sirvió para reconocer el trabajo de dos alumnos del grado en Diseño de la Universidad de La Laguna, Magali Celene Silva y Joel Peláez Amador, quienes obtuvieron, respectivamente, el primer premio y accésit de un concurso nacional del Instituto de la Mujer y para la Igualdad de Oportunidades para elegir el cartel promocional de los eventos del 8 de marzo de 2017.

Además, el Instituto Universitario de Estudios de las Mujeres celebró una concentración bajo el lema «Si nuestro trabajo no vale, produzcan sin nosotras», con el que se pretende denunciar cómo las crisis económicas precarizan más a la mujer, al tiempo que se pone en evidencia la brecha salarial entre ambos sexos, las enormes desigualdades que se producen aún hoy en las responsabilidades familiares y el cuidado del hogar, entre otras demandas.

En el acto está previsto que intervengan Miguel Ángel Fuertes, que ha trabajado en la empresa de efectos visuales Industrial Light and Magic con el director George Lucas; Álex Medina, autor del libro sobre adaptaciones del cómic al cine Héroes de papel y celuloide; Alberto Nubla, responsable de la tienda ComicSería de Santa Cruz; y Javier González, que pronto sacará un pequeño libro sobre los X-Men.

Marvel desveló el tráiler de Logan, la tercera y última película en solitario de Lobezno, en octubre del año pasado. El vídeo no dejó a nadie indiferente, desde Los 40 llegaron a comentar que el filme puede “que deje de lado el ‘cine palomitero porque sí’ y nos deje salir del cine pensando que Hugh Jackman ha encontrado, por fin, el guion que se merecía”. Después de 17 años interpretando a este famoso personaje, el actor estadounidense se despedirá para dar paso a una nueva generación de personajes.

La película escrita y dirigida por James Mangold está ambientada en los años posteriores al desenlace de X-Men Días del Futuro Pasado. A partir de su desenlace, se producen una serie de sucesos que obligan a un Logan envejecido a ocultarse sin éxito de fuerzas malignas con una joven cuyos poderes son similares a los suyos. Tal y como sucede en la realidad, los años que han pasado por el actor protagonista, Hugh Jackman, se reflejan en su personaje, mucho más maduro y físicamente avejentado.

La entrevista al completo, en el Aula de Cine de la ULL, al igual que la reseña.