El argumento puede sorprender a quien no haya visto la película, pero, aunque hablemos de un largometraje de 1954, la trama impresiona. La historia nos habla de los hermanos Pontipee, siete hombres que viven en el monte totalmente aislados. Un día, Adam (Howard Keel), el hermano mayor, decide ir a la ciudad más cercana para conseguir esposa. Busca una «mujer fuerte y que sepa cocinar». El destino quiere que se encuentre con Milly (Jane Powell), quien se enamora a primera vista y acepta casarse con él.

El comienzo no es fácil. La única joven en aquel lugar, educando a todos los hermanos y llevando la casa a la vez. El tiempo pasa, y la situación mejora tanto, que cada muchacho quiere tener una esposa y, siguiendo la idea de Adam, bajan al pueblo a encontrar una, con la suerte o desgracia de encontrarlas, cayendo rendidos a los encantos del amor.

El mito hecho realidad

Las cosas no son coser y cantar. Los padres de las jóvenes no los quieren, y ellos se ven obligados a repetir el rapto de las Sabinas. Para quien no conozca el mito, se cuenta que los romanos celebraron unas festividades en honor a Neptuno e invitaron a los sabinos, quienes fueron acompañados por sus hijas. Estas fueron raptadas por los soldados de Roma, pero, para sorpresa de los padres de las muchachas, las secuestradas se enamoraron de sus secuestradores, creando una alianza entre los dos pueblos.

La casa de los jóvenes, cuyo único modo de acceso está bloqueado por un alud, impide que los familiares puedan ir a por las muchachas, por lo que solo les queda esperar y rezar para que estén bien. Mientras tanto, Milly hará el papel de protectora con cada una de ellas, pero ¿podrá impedir que surja el amor entre las parejas?

La imagen de unos secuestradores honrados, simpáticos y buenos estaría fuera de lugar hoy, pero Donen les da un contexto que puede llegar a justificar el acto. Los hermanos Pontipee siempre han estado aislados de todo contacto, teniendo a su madre como único referente femenino. Por lo que no se podría condenar a estos montañeros por creer que hombres y mujeres están definidos por sus roles sociales.

La evolución de una familia

El tono alegre y desenfadado que nos muestra la película, transmite en forma de broma el secuestro, pero también la desfachatez de unos padres que están más preocupados de defender el honor de sus hijas que su propio bienestar. Claramente, la historia no plantea que esto sea un error, al igual que tampoco lo hace cuando seguimos creando el estereotipo de la mujer cocinera, limpiadora y ama de casa, pero también podemos encontrar otras líneas, sobre todo en torno al personaje de Milly.

Jane Powell consigue crear una figura intachable, perfecta, inteligente y empática; todo lo contrario a Howard Keel, quien es el desencadenante de la trama y que, a diferencia del resto, no se dará cuenta del valor de cada mujer y de su importancia hasta casi el final de la cinta.

El desarrollo tiene un punto álgido e importante en el matiz de las propias féminas. A diferencia de otros largometrajes que podríamos ver en la actualidad, ninguna se pelea por un hombre o se desvive por él, creando una sonoridad rompedora para la época. Aunque los diálogos no ayuden mucho por el tono humorístico que se les da, se muestra una imagen masculina negativa, lo que cambia mucho la perspectiva a diferencia de otros géneros cinematográficos del momento.

La Temporada Social ha comenzado, y las jóvenes empiezan a revolotear sobre el soltero de oro del momento, pero todo cambia cuando la reina (Golda Rosheuvel) señala a su diamante en el baile que ella misma concede: Edwina Sharma (Charithra Chandran). ¿Quién mejor que la elegida por la soberana para casarse? Así comienza el juego de seducción por parte del mayor de los Bridgerton, pero, como en todas las historias, siempre hay obstáculos, y este es la hermana mayor a quien pretende el vizconde.

Kate Sharma (Simone Ashley) es orgullosa, testaruda y poco complaciente con los demás. A la edad de 26 años es considerada una solterona por la mayoría de las personas, pero no es algo que le importe. Su principal deseo es ver a su hermana Edwina felizmente casada para poder ser libre de toda obligación y volver a la India.

La menor de las Sharma es una chica encantadora, bien educada, culta y un buen partido para cualquier hombre, pero hay un problema, no aceptará a nadie sin la aprobación de su hermana mayor, quien la protege de cualquiera que intente hacerla daño. Anthony Bridgerton acepta el reto pero, como en todo, las cosas no van a ser tan fáciles como parece.

La nueva temporada tiene una diferencia con la primera: las escenas de sexo son casi inexistentes. Para muchos algo malo, pero, por suerte para la mayoría, la serie no pierde ese ritmo trepidante que tanto la caracteriza, haciéndola un poco mas madura que la anterior y dándole importancia a mas personajes secundarios.

La trama gira en torno a Anthony, Kata y Edwina y su triángulo amoroso. Aunque, quizás no es tanto este trío romántico, sino, más bien, la capacidad que tenga el vizconde para aceptar realmente sus propios sentimientos y destruir esa coraza que lleva tantos años forjándose contra los demás.

La temporada comienza como una alegre comedia romántica, pero, tras sus primeros capítulos, el triángulo amoroso comienza a convertirse en un tormentoso sufrimiento para ellos. Sin escenas de luna de miel o situaciones de similar corte, la tensión que se palpa entre los protagonistas, cuya química es innegable, hacen que el público grite: «¡Queréis besaros ya¡»

La historia, que para muchos puede carecer del espíritu de la primera, hace un guiño a otras subtramas que, por lo que se entiende, van a tener un peso muy importante en el futuro. Las escenas de la matriarca de los Bridgerton, Violet (Ruth Gemmel), la rebeldía de una de sus hijas, Eloise (Claudia Jessie), la pelea con su propio alter ego por parte de Penelope Featherington (Nicola Coughan) o las propias aspiraciones del hermano de Anthony, Benedict (Luke Thompson).

La trama, aunque de una forma algo oscura, atrapa. Los personajes, muy bien delineados, harán las delicias de quienes se consideran amantes de las novelas románticas, y su final no dejará indiferente a nadie. Ahora, la cuestión que nos tendría que venir a la cabeza sería ¿será un buen final o el sufrimiento está asegurado? Como diría Lady Whistledown: «Querido lector, en el amor y en la guerra, todo vale».

Los primeros minutos  ya son una antesala de lo que nos vamos a encontrar a lo largo de la historia. Todo comienza con Rue (Zendaya), una joven drogadicta, que está en una espiral de autodestrucción y que, tras la muerte de su padre, comienza a seguir un camino con un único objetivo: no sentir. Entra y sale de rehabilitación, pero tiene claro que seguirá consumiendo, no posee la capacidad de decir que no a la sensación de alivio que le produce el consumo.

El vació existencial y la falta de una identidad propia, la sumergen en un mundo de descontrol e inseguridad constante. Pero no es la única, personajes como Nate (Jacob Elordi) o Kat (Barbie Ferreira) también luchan contra sus demonios. El primero es un triunfador. Un líder con ansias de poder y un descontrol emocional importante, que lo lleva a manipular y mentir; la segunda, la típica adolescente con problemas de autoestima que solo quiere destacar.

Euphoria puede no ser la típica serie adolescente a la que estamos acostumbrados. Con un ambiente más oscuro, nos lleva a ser observadores del retrato de una generación perdida y sin rumbo, cuya necesidad es vivir el día a día sin pensar en un futuro incierto y desolador. Con una falta de comunicación emocional con los padres y entre los personajes, su comportamiento parece más guiado por impulsos temerarios que por un razonamiento claro.

Los aspectos más controvertidos, además del hecho de ver cómo se drogan, son las escenas de sexuales; algo que creó mucho revuelo el día de su estreno y que muchos no entienden el porqué. Aunque los desnudos son bastantes paritarios en ese aspecto, la pornificación del deseo carnal y la intimidad puede llegar a preocupar, ya que es algo que se está extendiendo dentro de la sociedad mas juvenil.

Una óptica extrema, quizás llevada a un límite exagerado, generalizada y funesta de lo que realmente es el sueño americano. Dirigida por Sam Levinson (Assassination Nation), la serie aborda desde la depresión, las redes sociales y la apariencia hasta la disfuncionalidad, la angustia o el machismo.

La serie fue estrenada el 16 de junio de 2019, siendo renovada ese mismo año por una segunda temporada. Aunque ha recibido todo tipo de críticas,  ha conseguido alzarse con varios  Premios de la Academia Británica de la Televisión al Mejor Programa Internacional y el Premio TCA por Logro Destacado en Drama. La actriz principal, Zendaya, obtuvo el galardón Primetime Emmy, siendo la persona más joven en ganarlo en esa categoría. En febrero de 2022 se confirmó que habría una tercera temporada.

El documental, de una hora y media de duración, nos sumerge en los relatos de los familiares de las víctimas, de periodistas, académicos o los propios servicios de emergencia que acudieron al lugar del siniestro. Basado en el libro 11M. La venganza de Al-Qaeda de Fernando Reinares, experto en terrorismo, podemos descubrir las motivaciones que llevaron a los implicados a realizar los atentados y quién fue Amer Azizi, su autor intelectual.

La cinta está dirigida por José Gómez, director de documentales español. Dentro de su filmografía podemos encontrar una carrera de mas de veinticinco años de experiencia en películas que recorren conflictos, terrorismo o problemas sociales de medio mundo, realizándolas tanto para plataformas digitales como televisión. La producción cuenta también con Kevin Macdonald, aclamado productor y  ganador de un Oscar y un BAFTA.

La historia que relata, cuya complejidad es enorme, nos da una visión muy cuidada de todo lo que pasó aquel fatídico día. Los testimonios que se recogen muestran una parte humana que se puede llegar a desconocer muchas veces y evita acercarse a toda opinión política, centrándose en lo mas importante: las víctimas.

La grabación, que tiene más de 180 horas de metraje, abarca no solo el atentado, sino todo el procedimiento que se siguió tras lo ocurrido: las investigaciones policiales, la búsqueda y el arresto de todos aquellos que estuvieron implicados y, quizás, un detalle importante, el cambio de Gobierno de España y todo lo que ello conllevó. 11M es una muestra de las dos caras de la moneda que se vivió en la capital de Madrid, desde la destrucción hasta la humanidad, de la venganza a la solidaridad.

Los hechos, que aún estremecen a quién los cuenta, son un retrato de lo que está ocurriendo en muchos países hoy en día y la masacre que ello conlleva. La grabación se realizó con el apoyo de la Asociación de Ayuda Víctimas del Terrorismo (AVT), Asociación 11M Afectados por el Terrorismo, Asociación Ayuda a Víctimas del 11M y la Fundación Víctimas del Terrorismo que prestaron su voz para poder hablar por aquellos que no pueden.

La cinta, que puede llegar a recordar a Patria, serie producida por Alea Media y basada en el libro de Fernando Aramburu del mismo nombre, tiene un enfoque totalmente diferente, ya que, en este caso, hablamos de una reconciliación entre pasado y presente, entre las víctimas y sus victimarios.

Las catorce nominaciones a los Goya la hicieron partir como una de las grandes favoritas junto a El Buen Patrón, aunque, al final, solo se pudo llevar tres cabezones a casa: mejor actriz revelación, María Cerezuela, mejor actor de reparto, Olazabal, y mejor actriz protagonista,Portillo, que no es poco, ya que otras no corrieron con la misma suerte.

La historia se cocina a fuego lento, quizás puede pecar de eso en algunos momentos, pero es muy necesario hacerlo en otros. Nos relata como dos mundos totalmente opuestos, convergen en un mismo camino que deben de recorrer juntos a partir de ahora. La cinta trata del entendimiento, de dejar los prejuicios a un lado y saber perdonar, pero, ¿cómo hacerlo cuándo te lo arrebatan todo? Maixabel Lasa, en quien se basa el guion y viuda de Juan María Jáuregui, nos da una clase magistral de esto.

Los silencios, las miradas, las manos temblorosas y los murmullos son aspectos y detalles muy importantes durante el tiempo de metraje; eso sí, aunque no cae en un sentimentalismo barato, si que no puede evitar momentos que se hacen largos y algo manidos, pero que son salvados por escenas con una contención admirable por parte de algunos personajes.

La propuesta con la que nos encontramos tiene un objetivo claro: hacer entender los encuentros entre aquellos que arrebataron vidas inocentes y quiénes sufrieron al perderlas; pero, visto desde una perspectiva escéptica, el optimismo que hay detrás de esas escenas puede llegar a ser abrumador, con ciertos toques fantasiosos y algo ilógicos.

Maixabel es un drama donde se refleja, puede que no del todo bien, lo que era estar dentro de la organización terrorista, sus métodos para captar a todos sus componentes y el miedo que sus tácticas hacían sentir no solo a  las personas que tenían en su espalda una diana, sino a las familias de quiénes formaban parte de los diversos comandos.

El guion, coescrito por la cineasta Isa Campo, aunque espléndido en varios momentos, adentrándonos en cada uno de los personajes y todos los matices que ello conlleva, no termina de convencer o reflejar del todo lo que realmente pudo llegar a ser el reencuentro entre estos dos bandos totalmente opuestos. Aunque la cinta avanza de una forma sencilla y sin grandes pretensiones, provoca una huella emocional entre las personas que lo vivieron, y una nueva realidad para las que no.

Él no es el único. Benítez, Enriqueta o Castrillo también son funcionarios del banco y están cansados de no tener dinero para poder tapar todos los agujeros y  tener una vida mejor. Es por ello que, Galindo, los convence a todos para unirse a lo que él denomina «el robo del siglo». El plan es sencillo, el día ya fijado y la hora: las tres de la tarde.

La película está dirigida por José María Forqué, un director poco conocido en los tiempos que corren, pero una eminencia en la época franquista con grandes cintas como Maribel y la extraña familia, Usted puede ser un asesino o Casi un caballero. Estrenada en 1962, Atraco a las 3 se ha convertido en un clásico de la comedia del cine español.

Forqué realiza uno de sus mejores trabajos detrás de las cámaras. Estrambótica, ilógica o gamberra podrían ser algunos de los calificativos que mejor podrían definir a una cinta que, además de todo ello, posee un guion a prueba de balas y un ritmo que no decae y que deja al público sentado, esperando el desenlace de tan absurdo plan.

La trama no se podría llevar a cabo de una forma tan impecable sin unos personajes bien elaborados y definidos. Los cajeros, la secretaria, el mensajero o el chófer son piezas claves en este embrollo de sueños imposibles, dinero y amistad, que no tiene nada que envidiar a las comedias americanas.

Gracita Morales, José Luis López Vázquez, Alfredo Landa o Manuel Alexandre son los encargados de dar vida a esos personajes funestos y endeudados. De una forma brillante, enérgica y cómica llevan a cabo una labor magnífica de entretenimiento, que, olvidada para las nuevas generaciones, no deja de ser recordada por los más mayores.

El cine español, aunque haya gente ilusa que no lo crea, tiene grandes joyas cinematográficas olvidadas en un cajón y poco valoradas por los propios compatriotas. Forqué nos ha regalado la representación de la España de los años sesenta, donde cada persona se puede ver reflejada en los personajes que aparecen en ella.

Con una duración de apenas noventa minutos, esta cuadrilla de amigos y compañeros de trabajo nos harán reír, suspirar y soñar a lo grande. Aunque lo más importante es saber si consiguen el botín, deleitarnos como el proceso para poder obtenerlo, se convertirá en una montaña rusa dónde todo puede pasar.

La trama gira en torno a unas cintas de vídeo. Estas pertenecían a Melody Pendras, interpretada por Dina Shihabi, quien, cámara en mano, se muda a un antiguo edificio llamado Visser con el fin de encontrar a una inquilina que vivía allí. Durante su estancia, comienza a realizar pequeñas entrevistas a todos los que conviven entre aquellas extrañas paredes. Esas grabaciones, que se encuentran en poder de un misterioso hombre de negocios llamado Virgil Davenport, Martin Donovan, llegan años después a las manos de Dan Turner, Mamoudou Athie, un técnico especialista en recuperación de material audiovisual antiguo.

Davenport le pide que las recupere, pero le impondrá una condición, deberá de verlas solo él en un edificio de su propiedad que se encuentra en medio de un bosque. Sin cobertura o capacidad de acceso a internet, nuestro protagonista comienza a descubrir lo que realmente pasó en el edificio Visser, a Melody y, sobre todo, a su familia.

¿Es tan buena como parece?

Se nota quién es uno de los productores de Archivo 81. Wan siempre se ha caracterizado en todas sus películas por una ambientación cuidada y una fotografía impecable. Además, utiliza un recurso muy bien conocido dentro del género de terror y qué tanto gusta al público como es el ‘metraje encontrado’. Esta técnica se usa para narrar falsos documentales o filmes donde se utilicen grabaciones caseras, como es el caso, que se encuentren de forma repentina en un lugar inesperado. Si queremos ver ejemplos de este tipo solo tenemos que poner la mirada en cintas como  La visita o El proyecto de la bruja de Blair.

Los capítulos no se caracterizan por tener grandes diálogos profundos y que hagan quedarse mirando fijamente la pantalla para no perder detalle alguno. Aunque algunos sí son bastante concisos y alusivos a la parte más importante de la trama, otros parecen de relleno o para excusar algunas historias secundarias. El ritmo es lento, demasiado, y llega a ser exasperante en muchos momentos.

Dan y Melody, tanto cuando tienen escenas juntos, como cuando están separados, cansan. Un chico traumatizado por toda su infancia, que se niega a pedir ayuda y se esconde en un mundo de imágenes para no ver la realidad; unido a una joven que no sabe muy bien el rumbo que está tomando su vida y cae en picado al abismo. Lo curioso es que, la historia de cada uno, es muy relevante para la trama, pero es tratada de un modo que llega a aburrir.

Las actuaciones son bastante planas. Aunque Mamoudou Athie lo intenta, y se le da muy bien llorar de la nada, no es un género en el que deslumbre. Su interpretación no es abrumadora, sobre todo al final, cuando se empiezan a destapar los misterios y él parece que no tiene nada que ver con ello, como si las piezas del puzzle que lleva intentando encajar toda su vida no fueran esas.

En el caso de Dina Shihabi pasa igual. Parece que se le congeló la cara, porque siempre tiene la misma expresión, ya sea alegre, enfadada o asustada. Otro punto flaco, que no es culpa de la actriz, es su doblaje al castellano, ya que se pierden matices importantes que sí vemos en la versión original.

El último en discordia, Martin Donovan, es un veterano en casi todos los géneros, pero, aunque apenas sale en pantalla y eso puede afectar a la hora del peso de su personaje, es un fantasma muy mal desarrollado. Se convierte en una parte clave al principio, pero se comienza a desdibujar al final.

Netflix no ha confirmado todavía su segunda temporada

La costumbre que están siguiendo las plataformas es la de alargar sin necesidad alguna las series. Archivo 81, aunque no se ha confirmado aún, pero es muy previsible que se haga, tendrá una segunda temporada en donde relatará con mas pena que gloria, algo que ya se podría haber cerrado.

La primera temporada debería de ser la única. Cuando todo empieza a encajar y la partida de ajedrez llega a su fin, los creadores toman la decisión de alargar una serie que ya tiene casi todas las claves explicadas y cerradas. Es muy difícil entender cómo no se grabaron algunos episodios más y así, de una forma honorable, cerrar la historia y pasar a otra cosa.

La única salvación plausible es que James Wan tenga un as bajo la manga y nos deje con la boca abierta. Pero habrá que esperar hasta el próximo año según los sondeos para poder ver si estamos ante el cierre de este relato de fantasmas o todavía nos quedan más sorpresas por descubrir. Si sois de las que la devoró en un día, puede que os gusten algunas de temática parecida como Equinox o Misa de medianoche.

El catálogo digital del que se dispone, tiene varias producciones de animación, tanto películas como series, dirigidas hacia los adultos. A este apartado se le suma la nueva proyección de la productora Nexus Studios, que se ayuda del servicio streaming para estrenar su última creación.

La casa, que apenas sobrepasa la hora y media de duración, narra tres relatos, cada cual más surrealista que el anterior, y con ciertos toques de humor negro. Una familia pobre, un promotor inmobiliario hundido entre deudas y una casera con aspiraciones son los protagonistas de esta cinta dirigida por figuras de la animación independiente como Emma de Swaef, Marc Roels, Niki Lindroth von Bahr y Paloma Baeza.

Una familia del siglo XIX

El filme comienza situando al espectador en el siglo XIX; su fin es conocer al matrimonio del pobre Raymond y su mujer, una pareja sin suerte, dinero y con dos hijas a su cargo a las que apenas puede mantener. Tras un encuentro poco agradable, el cabeza de familia conocerá a un siniestro benefactor que le dará un gran regalo sin pedir nada a cambio, una casa.

El cebo ya estaba echado y la presa ya había mordido. Desde los primeros días, la mayor de sus hijas, Mabel, comienza a ver cosas, personas y situaciones que la hacen sospechar que todo está mal. Los adultos, por el contrario, cada día querrán quedarse más tiempo en la casa y ser parte de ella, como sí de una posesión se tratase.

Emma de Swaef y Marc James Roels son los encargados de dirigir este primer cuento. Ambos son conocidos dentro del mundo de la animación por el éxito que tuvo su cortometraje Ce magnifique gâteau! en el año 2018, y por ser seleccionados en Cannes, el Festival de Toronto y los Premios Annie.

La metamorfosis de la realidad

La historia del promotor inmobiliario nos trae de vuelta al presente. Un pobre hombre, agobiado por las deudas, intenta hacer dinero renovando una casa. El problema comienza cuando dos potenciales compradores hacen acto de presencia el día de la inauguración del lugar. Lo fascinante será conocer cuales son las intenciones de estos visitantes tan enigmáticos y aterradores que parecen no querer abandonar la casa.

La directora y animadora sueca Niki Lindroth von Barh es quien se pone tras las cámaras en este caso. Considerada por Variety como uno de los mejores talentos de la animación, ganó el premio Annecy en el Festival de Toronto por su cortometraje The Burden en el año 2017.

Un futuro incierto

La tercera y última historia, no por ello la menos importante, nos vuelve a llevar a la casa, pero en un paisaje totalmente distinto y con cierto tinte distópico. La historia nos habla de Rosa, una joven que ha decidido quedarse y restaurar el lugar para devolverle la vitalidad que tuvo antaño. Algo que es imposible de hacer, ya que apenas tiene ingresos y sus únicos inquilinos pagan la renta con pescado y cristales. Sin embargo, no cuenta con la aparición de un misterioso personajes que harán que se replanteé su vida.

Paloma Baeza es la encargada de dirigir la última historia. Con una narración algo más inspiradora, la reconocida y premiada directora mexicana cierra la cinta con esperanza. Premiada por su cortometraje Poles Apart, cuenta con un trofeo Annie y un BAFTA a sus espaldas.

Una pieza de este estilo entre tanta película comercial se hace rara. En si, no es algo que simplemente se visione y ya. No, se debe llegar más lejos. Aunque para muchos pueda pasar sin pena ni gloria en la plataforma, este tipo de filmes necesitan mentes abiertas y creativas que puedan llegar a entender la complejidad de todo este entramado. El esfuerzo que conlleva hacer una cinta de estas características debe ser tenido en cuenta.

Las historias, que podrían verse cómo una mezcla entre Kafka con su Metamorfosis o El Resplandor de Kubrick, se pueden llegar a entender como una alegoría de la vida y de los problemas que abarca. La última historia, quizás la más floja de todas, es la que más esperanza rezuma en su guion y, puede, que por ese hecho, quisieran cerrar con ella. Solo nos queda aplaudir a Netflix por apostar por este tipo de cine que, guste o no, también puede llegar a ser una obra de arte.

CAOS, EL INICIO

La adaptación del libro de Patrick Ness, The knife of never letting go, no fue lo que se esperaba. Pese a tener figuras de la talla de Tom Holand o Mads Mikkelsen, no convenció ni a crítica ni a público, que la calificó como dispersa y que no llegaba a explicar un mundo tan complejo como los libros. Pasó con más pena que gloria por la taquilla de medio mundo.

Presupuesto: 125 millones de dólares

Taquilla: 26.4 millones de dólares

EN EL BARRIO DE NUEVA YORK

Musical creado y dirigido por Lin-Manuel Miranda. Aunque es muy ameno, con ritmos que invitan a bailar y es una representación de la diversidad de historias que podemos encontrar en las calles de la ciudad americana, su estreno de forma simultánea en cines y en HBO Max en Estados Unidos le perjudicó gravemente en la recaudación, aunque no fue la que más pérdidas obtuvo.

Presupuesto: 55 millones de dólares

Taquilla: 43.9 millones de dólares

G.I JOE: SNAKE EYES

El spin-off que narra la historia del ninja más famoso de la saga de los G.I Joe fue un auténtico fracaso. Con una historia muy básica, unos efectos especiales y unas actuaciones algo pobres, fue despedazada por la crítica y el público. El naufragio fue peor que el vivido en el Titanic.

Presupuesto: 88 millones de dólares

Taquilla: 40.1 millones de dólares

EL ESCUADRÓN SUICIDA 2

James Gunn dirige la secuela de esta película de antihéroes o villanos convertidos en santos, depende de cómo se quiera ver. Con un plantel de grandes figuras como Will, Smith, John Cena o Margot Robbie, esta era la cinta que estaba llamada a tener una de las mayores recaudaciones del año. Su estreno simultáneo entre plataforma y cine truncó lo que podría haber sido un pelotazo para Warner Bros.

Presupuesto: 185 millones de dólares

Taquilla: 167.4 millones de dólares

REMINISCENCIA

Lisa Joy, guionista de la aclamada Westworld, hizo su debut con esta película algo distópica sobre un investigador privado de mentes que intenta ayudar a sus clientes a través de sus propios recuerdos. Un romance apocalíptico, un film que intenta navegar entre la filosofía de la vida, pero que no convenció a nadie y se quedó en un gran nada.

Presupuesto: 54 millones de dólares

Taquilla: 15.5 millones de dólares

QUERIDO EVAN HANSEN

Un musical muy aplaudido por la crítica musical cuando se estrenó en Broadway, ganador de varios premios Tony’s y con una gran legión de fans, no consiguió tener el mismo éxito cuando se llevo a la gran pantalla. Un elenco con carencias a nivel vocal, un guion muy limitado y una historia sobre los problemas de salud mental que no convence, ayudó a su baja recaudación.

Presupuesto: 28 millones de dólares

Taquilla: 18.8 millones de dólares

LOS SANTOS DE LA MAFIA

Los Soprano es una de las mejores series sobre gángster de la historia, por no decir que es una de las que mejor crítica tiene en la historia de la televisión. Esta precuela que se centran en la juventud de Tony Soprano no convenció. Para muchos, innecesaria, pero que no empaña lo que se logró el día de su estreno.

Presupuesto: 50 millones de dólares

Taquilla: 12.7 millones de dólares

EL ÚLTIMO DUELO

La película fue catalogada cómo la mejor película que había hecho Ridley Scott desde Gladiator. Esta producción histórica que cuenta con Matt Damon, Ben Affleck o Jodie Comer, fue aclamada por la crítica, pero dejó claro que todavía falta mucho para que la gente vuelva a acudir en masa al cine.

Presupuesto: 100 de millones de dólares

Taquilla: 30.5 millones de dólares

REY RICHARD: UNA FAMILIA GANADORA

La cinta todavía no se ha estrenado en muchos mercados, entre los que se encuentra el español, ha sufrido lo que muchas, el estreno simultáneo en plataformas. La producción, que cuenta la historia del padre de las tenistas Venus y Serena Williams, aún no ha dicho su última palabra, pero tampoco ha tenido la acogida que se esperaba.

Presupuesto: 50 de millones de dólares

Taquilla: 26.2 millones de dólares

WEST SIDE STORY

Steven Spielberg dirige la adaptación de uno de los mayores musicales de la historia. Una banda sonora reconocida, una historia juvenil de amor imposible y un colchón económico detrás no pudieron ayudar al descalabro de la cinta. Aunque alabada por la crítica y denominada como ‘la película de las navidades’, para que el público no pensó lo mismo cuando se estrenó en los cines.

Presupuesto: 100 millones de dólares

Taquilla: 38.5 millones de dólares

El argumento, para quien no lo conozca, está basado en las figuras de Rol meo y Julieta de la obra del escritor William Shakespeare, pero con un toque más actual a los tiempos que corrían en aquella época. Imaginemos, años cincuenta, dos bandas de jóvenes inadaptados, los Sharks de Puerto Rico y los Jets de Estados Unidos, se pelean por el control de un barrio empobrecido y dividido por el odio a la inmigración que no para de llegar. Aunque rivales desde sus comienzos, el problema viene cuando María, Natalia Wood, y Tony, Richard Beymer, se enamoran.

Maria, hermana del líder de los Sharks, y Tony, integrante de los Jets, deben evitar que una rivalidad que dura ya mucho tiempo los separe. Con todo en contra y sin apenas ayuda, deberán salir adelante y parar una batalla que podría costar mas que la propia vida. Con la música de Leonard Bernstein, la obra maestra ya estaba creada.

El año 2021 ha sido el de los remakes, spin-off, reencuentros, segundas partes, terceras…Vamos, que es el momento propicio para para que alguien como, digamos, Steven Spielberg piense en hacer algo nunca haya hecho, ¿a qué no referimos? A una nueva versión de un musical muy querido y alabado por la crítica de entonces y la de ahora. Pero, no vamos a crucificar algo que, en teoría, busca una visión más fresca y que trate los problemas de esta de una manera más directa.

Las credenciales ya estaban, solo faltaba sentarse y disfrutar de grandes bailes coloridos; de canciones que nos envuelven y transportan a nuestra niñez; interpretaciones que te dejan sin aire; miedo; angustia por los protagonistas y pesadumbre por lo que pudo ser y no fue. Bien, pues nada de esto ocurre.

Spielberg tenía esa necesidad de llevar un musical a la gran pantalla. Era la espinita clavada que no le dejaba dormir desde hacía muchos años y no había podido realizarla hasta ahora. Tras esto, solo esperamos que se dedique a hacer otras películas como Indiana Jones o cualquiera donde no haya canciones y bailes porque no es lo suyo.

Angel Elgort y Rachel Zegler no dan la talla como los Tony y María del siglo XIX

Un reparto con nombres como Ansel Elgort, Rachel Zegler, Ariana DeBose o la propia Rita Moreno encabezan esta readaptación de uno de los mayores espectáculos musicales del mundo. Pues bien, son un auténtico fracaso. Ahora si, la culpa no es toda del director. El equipo de casting hizo un trabajo horrible eligiendo a casi todo el elenco.

Ansel Elgort y Rachel Zegler encarnan los papeles principales. Si se tuvieran que definir de alguna manera, diríamos que su química es nula, que el actor tiene una parálisis facial durante toda las tomas y que Zegler lo intenta, pero parece más una hippie de los años ochenta que otra cosa.

Ariana DeBose, quien interpreta a Anita, es a la única que se le podría echar el flotador y salvarla, pero con ciertos peros. Aunque tiene una muy buena voz y baila increíblemente bien, el personaje se le queda grande, no lo hace suyo. La realidad es que se echa de menos esa frescura y sangre que mostraba Rita Moreno en la versión anterior. Pero, ante todo, es la que mejor lo hace y más brilla dentro de todo el grupo.

Los números musicales son mágicos y es lo único positivo, además de Ariana, que obtener de las casi tres horas de visionado. Se nota el dinero que hay detrás de la producción y del gran esfuerzo que han hecho por hacerlos más divertidos y actuales a los tiempos de la película, pero también a los que vivimos hoy en día, lo que es de agradecer. El guion, mejor no hacer mención a el, sobre todo por los protagonistas, porque no puede pintarlos peor de lo que lo hace.

La crítica está muy repartida. Detractores y defensores se enzarzan en una dura batalla para apoyar su postura, pero, al final de todo, quien decide es el público, y con la caída en taquilla y los malos pronósticos que la están acompañando, creo que ya sabemos de que lado se han puesto.

El pintor Fernando Larraz presentó su obra En Tierra Extraña el pasado viernes 17 de diciembre en el Museo Municipal de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife. La exposición, que estará disponible hasta el próximo 31 de enero, mezcla rostros conocidos de antaño con nuevos iconos de la música, la pintura o el cine entre otros. Este conjunto de cuadros son un grupo de piezas de ajedrez con las que jugar la partida de la memoria, la nostalgia y el sentimentalismo. Cada pincelada nos evoca una percepción amplificada de una realidad diferente y hermosa, a la vez que alocada y divertida.

El guion gira en torno a un gran malentendido. Evan, por orden de su terapeuta, debe escribirse cartas a sí mismo. Estas deben ser positivas, pero él las usa para atacarse todo el tiempo. Una de ellas acaba en manos de su compañero de clase Connor Murphy, interpretado por Colton Ryan, que poco después decide suicidarse. Los padres, al encontrarla, asumen que su hijo y Evan eran amigos muy cercanos. En lugar de decir la verdad, el protagonista inventa una amistad falsa, pudiéndose acercar así a la familia y a la hermana de Connor.

El musical, que tiene una gran legión de fans, queda en nada tras más de dos horas de visionado. Los cambios en el personaje principal, Evan Hansen, hacen aún más que nos preguntemos, ¿era necesario? Pelo diferente, más encorvado, caminar siempre con miedo con el simple objetivo de mostrar la ansiedad del personaje, algo que parece que costaría verlo, al parecer, sin estos puntos. Y no es el único, Kaitlyn Dever, quien hace el rol de Zoe, la hermana de Connor, no llega ni vocalmente ni de forma interpretativa a un papel que no es muy exigente, pero que hace que pidas más a la actriz.

Amy Adams, Julianne Moore o Dani Pino completan el elenco más veterano, pero inexperto a la vez. Aunque Adams ya ha trabajado en otras películas de esta temática, su papel le hace flaco favor a su talento. Un personaje sin gracia que muestra el sufrimiento de una madre que no para de regodearse en su miseria y no es capaz de sobreponerse a la muerte de su hijo. Dani Pino, el padre de Connor, es el prototipo de hombre fuerte, que tiene que hacerse cargo de todo y no se permite llorar; y Moore, madre de Evan, apenas puede mostrar el potencial cómo actriz, aunque vocalmente no de la talla.

Normalmente, cuando un musical llega al cine, permite a los directores crear sensaciones nuevas, mejores números de baile, retoques de canciones, de lugares, en definitiva, desarrollar su imaginación. Sin embargo, y teniendo en cuenta de que la película se grabó en época de pandemia, las canciones apenas son las protagonistas y parecen más monólogos que otra cosa. Claro, las que aparecen, porque más de la mitad del repertorio fue borrado en esta adaptación.

El gran número y canción por excelencia del musical, You will be found, es un grito de guerra a la soledad, al dolor y a la sensación de abandono que se muestra en la película de una forma grotesca y fría. Nadie aficionado a esta obra vería a otra persona que no fuera Ben Platt cantándola, pues bien, es una decepción absoluta, lo que hunde un poco más si cabe la historia, porque no sabe sacarle el partido necesario.

«La productora, Universal Pictures, espera no tener grandes pérdidas»

El resultado final es una evidente cadena de debilidades a la hora de hablar de su guion. Cuando se termina de visionar la cinta, da la sensación de necesitar una especie de tercer acto para poder entender la estructura de todo lo anterior, ya que solo se centra en la redención de Evan Hansen y no en todas las consecuencias que tuvieron sus actos para la familia de Connor y la gente de alrededor.

‘Querido Evan Hansen’ es un musical que nunca estuvo destinado a brillar en la pantalla. Un elenco que vocalmente no llega, canciones magistrales que se vuelven tediosas, unas interpretaciones aceptables y una dirección que no tenía mucha idea de cómo continuar, han hecho de este film un quiero y no puedo. Con un presupuesto de 28 millones, modesto comparado con los cien de Cats, se espera que las pérdidas no sean muy grandes. Lleva recaudado diez.

Mapas ha seleccionado a 169 artistas entre más de mil solicitudes, procedentes de 29 países diferentes. De todas esas agrupaciones escogidas por diferentes comités de expertos, cincuenta y una podrán subirse al escenario y realizar diferentes representaciones. Veinticinco de ellas son de procedencia canaria, un 52 % mas que el año pasado. Además, aquellas que lo necesiten, se podrán acoger a las ayudas del Instituto Canario de Desarrollo Cultural (ICDC) para cubrir los gatos de traslados.

El resto de compañías proceden de la zona sur de Europa, con un total de treinta y cinco integrantes. Le sigue de lejos África, que contará con siete proyectos y Latinoamérica, con otros cinco. A todo ello, se le suman las agrupaciones que procedente de Estados Unidos y Francia. En su conjunto, treinta son musicales y veintiuna corresponden a las artes escénicas: teatro, danza, circo o arte en la calle entre otras.

Teatro y música

Los escenarios se desarrollarán entre Las Palmas de Gran Canaria, donde se disfrutará de la parte mas teatral, y Santa Cruz de Tenerife, con una oferta más musical. El pistoletazo de salida será en Las Palmas de Gran Canaria el 14 de diciembre. También, durante todo el día 15 se realizarán diversas actividades en los teatros de la ciudad. La programación en Santa Cruz de Tenerife comenzará el jueves 16 de diciembre con actividades formativas, y finalizará el sábado, día 18, con actuaciones a lo largo de todo el día.

Dentro de su programación, se contará con la presencia de figuras relevantes como Daniel Álvarez o la española Lucía Bebiá, también con la Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales de Titularidad Pública, la Asociación de Empresas de Distribución y Gestión de las Artes Escénicas de España o la Federación Estatal de Asociaciones de Empresas de Teatro y Danza entre otras.

Mapas 2021 tendrá invitadas importantes como  la ministra de Cultura de Colombia, Angélica Mayolo Obregón; la ministra de Cultura de Costa Rica, Sylvie Durán Salvatierra, o la delegada de Cultura del Gobierno de España, Adriana Moscoso del Prado Hernández, directora general de Industrias Culturales, Propiedad Intelectual y Cooperación.

En un época muy marcada por la necesidad de una recuperación dentro del ámbito cultural, la organización, que está formada por el ICDC, el Cabildo de Tenerife, Cabildo de Gran Canaria, unahoramenos y Circulart, y la colaboración de los ayuntamientos de Santa Cruz de Tenerife y Las Palmas de Gran Canaria, tienen como principal objetivo poner este evento en una posición relevante a nivel internacional.

El principal lugar de reunión será la plaza del Cristo, que tendrá aforo limitado en sus actividades. Dentro de los conciertos que se podrán disfrutar, se contará con la presencia de grandes figuras de la música como el Kanka, Carmen Boza,  Anni B Sweet, Nil Moliner o Claudia Basterra, entre otros.

Teatro, música lírica, danza, talleres de swing, cuentacuentos, sesiones de jazz o exhibiciones gastronómicas serán algunas de las actividades que también se podrán disfrutar durante la semana que dure el evento. Además, se podrá asistir a la Feria Insular de Artesanía y al coloquio literario Mujeres en la Literatura. También se contará con un concierto especial dedicado a La Palma.

Festival Internacional Cervantino de Guanajuato

Los espacios culturales y de interés patrimonial, al igual que los museos, también están incluidos dentro de su programación. Contará con visitas guiadas dentro de estos lugares para conocer más la historia de la Ciudad. Además, se podrá disfrutar de Patios de Ópera, pequeños conciertos con una docena de solitas que interpretarán varias arias.

El salón del Instituto de Estudios Canarios acogerá la representación de un pequeño teatro entre sus paredes y, por las noches, se podrá disfrutar de una sugerente velada de cuentos para el público mas adulto. La Casa de los Sabandeños abrirá sus puertas y, por primera vez, mostrará los ensayos de sus agrupaciones. Además, habrá talleres de música tradicional.

LNB contará con visitas interpretativas a Los Lavaderos del puente de San Francisco y un gran evento lúdico y deportivo para los jóvenes que se llevará a cabo en el Parque de la Vega, con actividades como bmx, escalada o la zona de skate. Todo se transmitirá vía streaming para que sea visto al otro lado del Atlántico a través del Festival Internacional Cervantino de Guanajuato.

Actividades fuera del casco

Dentro de los espacios que van a acoger las diversas actividades están la plaza del Adelantado, el Paraninfo Universitario, el Casino de La Laguna, la Fundación Cristino de Vera, el museo de Historia y Antropología de Tenerife, la plaza del Cristo, el exconvento de Santo Domingo y la Biblioteca Municipal Adrián Alemán.

El encuentro también se celebrará fuera del casco de La Laguna. Así, el Museo de la Ciencia y el Cosmos acogerá varios conciertos. El parque de las Mantecas y la plaza del Tranvía en La Cuesta contarán con música en directo, mientras que en el AJ Project Indoor de Taco acogerá concursos y exhibiciones de skate.

En Punta del Hidalgo se podrá disfrutar del Festival Internacional de Cine Medioambiental de Canarias. Será al aire libre y se reivindicará la necesidad de proteger el medio ambiente. El Teatro Unión Tejina ofrecerá también varias propuestas de teatro dirigidas a diferentes públicos.

Los encuentros arrancarán hoy martes martes 9 de noviembre en la Sala de Arte de La Recova con la iniciativa Late Fight Tecnológica desde las 18.00 hasta las 21.40. Se abordarán diferentes perspectivas y experiencias de varios emprendedores canarios y el éxito que han alcazando. Los invitados relatarán todos los retos y golpes que se han ido encontrando a lo largo de sus carreras profesionales y que han hecho para superarlo.

Mañana miércoles se disfrutará en el Teatro Guimerá una de las tradicionales conferencias de las ediciones, donde se abordarán las profesiones emergente, de 11.00 a 12.40 horas, además de otros bloques como Blockchain, Big Data y Criptomonedas e Inteligencia Artificial y Realidad Aumentada, respectivamente de 16.00 a 17.40 horas y de 19.00 a 20.40 horas.

«El dinero de las entradas se destinarán a los damnificados por el volcán de La Palma»

El día 11 de noviembre, de 16.00 a 17.40 horas y de 19.00 a 20.00 horas se disfrutará de sesiones de Cloud Computing, Streaming e Internet de las Cosas, así  como sobre Marketing y Social Media en el Teatro Guimerá. El viernes, sábado y domingo será el día de la TecnoCon, una convención para todos aquellos aficionados a la cultura de Internet y la Tecnología en la Sala de arte La Recova. El evento contarán con una zona Lan y se realizarán concursos de Cosplay y KPOP.

Las entradas para Tecnológica 2021 y Late Fight Tecnológica tendrán que comprarse para cada día, teniendo un precio simbólico de 2 euros, ya que irá destinado a los damnificados por el volcán de La Palma. En el caso de TecnoCon, la actividad será gratuita, pero tendrá una fianza de cinco euros para poder reservar plaza en el evento.

Las jornadas cuentan con más de una veintena de ponentes procedentes de diversos campos que, a lo largo de los días, participarán en las diversas actividades. Entre ellos tenemos a Victoria Larrode fundadora de la agencia de comunicación y marketing digital Dépayser Studio, David Ayala, cofundador de la agencia Sock Data o Edgar Martín Blas, cofundador de las compañías pioneras en diseño digital y publicidad Teaser y Xocolat Design entre otros.

«Se podrá seguir el minuto a minuto a través de las cuentas de Facebook y Twitter»

La periodista Leticia Díaz será la encargada de presentar las sesiones que se desarrollen en el Teatro Guimerá. Igualmente, durante los próximos días se irán mostrando los nombres de los participantes en los bloques que se llevarán a cabo durante la edición. La organización espera romper los récords y mejorar las estadísticas de 2019.

Las jornadas se pueden seguir minuto a minuto por Facebook y Twitter, este último a través del hashtag #TecnológicaSC.

Hoy  jueves se contará con la presencia de Lorenzo Martín, Yeray Barroso, Carlos Caraballo, Katya Vázquez Schröder, Ernesto Suárez y María Teresa de Vega. Mañana viernes participarán Kenia Martín Padilla, Javier Mérida, Ernesto Rodríguez Abad, Coriolano González Montañez, Pedro Flores y Cecilia Domínguez Luis.

«Dos Premios Canarias de Literatura recitarán sus obras»

Las Jornadas, que se alargarán hasta el 19 de noviembre, tendrán dos Premios Canarias de Literatura entre sus filas con la presencia de Cecilia Domínguez Luis y Ángel Sánchez, además de Silvia Rodríguez, Marcos Hormiga, Roberto Toledo Palliser, David Fajardo y Jonay Cabrera, entre otros poetas. Se han organizado encuentros en centros de atención a la diversidad funcional y escolares con plumas tan reconocidas como Ernesto Rodríguez Abad, Gregorio Sosa o Pepa Aurora, entre otras.

Esta iniciativa está promovida por GestioArtem y patrocinada por el Instituto Canario de Desarrollo Cultural.

La idea principal estará dedicada a dividir el concurso en varios días de entrega. El primero, se exhibirán los cortometrajes que entren a concurso en la Sección Canaria, mientras que durante los dos siguientes se proyectarán los cortos de la Sección Oficial. El último día se conocerán los cortos ganadores de ambas categorías.

«El humorista Miguel Noguera actuará el día 6»

Al igual que en la edición del año pasado, se volverán a llevar a cabo una serie de ofertas paralelas al certamen, entre ellas, la actuación de Miguel Noguera, humorista y artista polifacético, el día 6 a las 20.00 horas.

El evento, organizado por Cinenfoque, el Instituto Canario de Desarrollo Cultural, Tenerife Film Commision, el Ayuntamiento de La Orotava y el Cabildo Insular de Tenerife, además de otras entidades de carácter público y privado, busca crear un nuevo tipo de visión fresca y original, que suscite curiosidad y que se vea como una herramienta de para promocionar el talento de las pequeñas producciones.

La personas que presiden la empresa, además de Leal, son Noé Ramos y Raquel Rial, quiénes también ejercen de asistentes de dirección y se dedican a las escenas de riesgo. Este pequeño grupo es el que tiene mayor carga de trabajo, ya que es responsable de gestionar todos los proyectos de entrenamientos y trabajo diario,  además de la administración y preparación del resto del grupo.

Para poder dedicarse a esta labor, se debe de tener una gran disciplina y una buena condición física que posibilite la realización de una gran cantidad de escenas como correr en llamas, saltar al vacío o simular accidentes de tráfico. Prácticamente todas las grandes estrellas de cine y televisión cuentan con un doble para estos momentos de acción.

«Necesitas, al menos desde mi punto de vista, tener los pies en la Tierra. Es una profesión que implica mucho riesgo y que requiere que cuides tu propia seguridad y la de tus compañeros. Mucha gente cree que es no tener miedo y hacer locuras, pero eso no es así, hay mucho trabajo detrás y mucha responsabilidad en cada cosa que se hace», comenta Raquel Rial.

Lejos quedan figuras como Jonny Weismuller, quien fuera nadador olímpico, o el propio Burt Lancaster, cuyo pasado en el circo le permitió realizar las acrobacias que se precisaban. Hoy en día son muy pocos quienes llevan a cabo sus propias escenas de riesgo.

«Las personas que se dedican a esta profesión se han estado formando durante años en el manejo de armas, actuación, hípica o artes marciales»

Algo que está siempre presente es la seguridad física de cada integrante. Las personas que se dedican a esta profesión se han estado formando durante años en el manejo de armas, actuación, hípica o artes marciales. Unos estudios que posibilitan que hoy puedan hacer las cosas que hacen.

Todo ello no sería posible sin los entrenamientos que realizan para garantizar al máximo posible la integridad de cada persona, ya que los rodajes pueden llegar a ser muy exigentes y estresantes. Como en cualquier empresa se piden una serie de resultados con la mayor calidad posible, y eso conlleva un sacrificio que pocos ven.

No hay que olvidar que los accidentes ocurren en cualquier lugar, por lo que, los despistes y errores pueden conllevar a perder algún miembro o la propia vida, de ahí que se tenga la preparación necesaria para responder con la mayor rapidez posible si ello llegase a suceder. En Stunts Leal Group tienen claro todos los peligros que corren, por ello siempre están mejorando sus conocimientos en todo lo que les es posible, en cierta manera, su vida depende de ello.

Desde que comenzó su andadura, el equipo ha trabajado en grandes producciones como Rambo V o Dos Vidas y en series reconocidas a nivel mundial como La Casa de Papel o la reciente Sky Rojo. Esto los ha llevado a trabajar con personajes como Sylvester Stallone, Rosa María Sardá, Úrsula Corbero o Lali Expósito.

«La Pandemia les ha obligado a perder muchos trabajos por la imposibilidad de movilidad»

Parte del elenco se dedica a dar cursos de formación y preparación actoral. Durante los últimos años han impartido varias clases de Interpretación tanto para actores como figurantes. «No hay formación en Canarias para este tipo de trabajo. Aquí enseñamos a compañeros, como equipo. La formación mejor en la península, pero la mejor forma de aprender es rodando, en los sets», explica Raquel Rial.

En el caso de las personas que deseen dedicarse a ello, en España existe un Graduado como Especialista de Acción, un título que recoge el Ministerio de Cultura. Aunque es oficial, no es el único, ya que hay muchos centros que certifican la formación y son totalmente válidos.

Todos reconocen que no ha sido fácil llegar a donde están. Aunque vivir en las Islas Canarias es un lujo, la lejanía y las pocas oportunidades que se presentan, ha llevado a que se hayan tenido que hacer grandes sacrificios, pero hoy pueden recoger esos frutos y sentirse muy satisfechos con el resultado.

«Es muy difícil obtener materiales aquí. Tampoco es que sea necesario por el tipo de rodaje que se hace, aunque hoy en día cada vez graban más en Canarias, no es rentable tener una nave para almacenar las cosas que se necesitan», afirma Raquel.

Debido a la Covid-19, su ascenso se ha visto interrumpido y ha impedido que puedan realizar algunas producciones con las que estaban muy ilusionados. A día de hoy, tienen varios contratos con Netflix o productoras de Suecia, pero de los que no pueden dar mucha más información por restricciones de contrato.

La festividad ha crecido y, desde hace años, se celebra en diferentes partes del mundo. Por ello, y porque las películas de terror son perfectas para recordarnos este tipo de eventos, se han elegido cinco cintas de obligado visionado en este día tan oscuro y terrorífico donde los fantasmas y los vampiros hacen su aparición.

EL RESPLANDOR

El filme, catalogado como cine de terror clásico, no es extraño para nadie. Aun para aquellas personas que no la hayan visto, el simple hecho de nombrarla ya nos transporta a Jack Nicholson, la puerta, un hacha y una mujer gritando desesperada. Y, aunque recibió muchas críticas, no parece que a Sthepen King, creador del libro que inspiró la película, le hiciera mucha gracia la adaptación.

La trama nos habla de Jack Torrance, un padre de familia que acepta el puesto de guarda de invierno en el hotel Overlook. Se traslada con su hijo, su mujer y los problemas de alcoholismo a un lugar en donde estarán aislados del resto del mundo. Todo muy ideal. Stanley Kubrick, director de la cinta, nos traslada a una atmósfera hipnótica y claustrofóbica.

THE RING

Muchas personas hablan de la versión americana, pero, seamos sinceros, la película dirigida por Hideo Nakata tiene un toque más terrorífico, unos actores que llegan a dar más miedo y crea una ambientación más perfecta que la versión de los yankes. Aunque, para gustos colores, como dice el refranero.

El concepto es simple. Tenemos una cinta de video que está maldita. Aquella persona que tenga el valor de verla, recibirá una llamada que le advertirá que en los próximos siete días morirá. Tras esa advertencia, nuestra protagonista hará una carrera a contrarreloj para no morir y para que los quiere sobrevivan.

LOS MUNDOS DE CORALINE

Primera película de animación para el día más terrorífico del año, pero no la única. Dirigida por Henry Selick, se convirtió en la primera película de animación de la productora Laika, además de ser con la que inició su carrera dentro del mundo cinematográfico. Aunque es de dibujos, se recomienda a los fans de Disney menores de doce años que no tengan prisa por verla.

La sinopsis nos habla de la familia Jones y su mudanza a Pink Palace, una lugar pintoresco y habitado por personajes bastante peculiares. Coraline, la protagonista de nuestra historia, se siente ignorada por sus padres, así que comienza un trepidante viaje para explorar su nueva casa y conocer a sus vecinos. Tras encontrar una pequeña puerta, aparecerá en otro mundo paralelo donde se cumplirán todos sus caprichos, pero, llegado el momento, ¿en qué mundo se quedará?

SHUTTER  ISLAND

Con figuras como Leonardo DiCaprio, Mark Ruffalo o Ben Kingsley, esta obra de Martin Scorsese no podía falta. Sí, quizás no es una película que se podría pensar para una lista de este tipo, pero no deja de ser un thriller psicológico bien llevado e interpretado.

La trama nos habla de dos detectives que deben investigar la inexplicable desaparición de una interna en un lejano psiquiátrico. Aislados del resto de la humanidad, intentan averiguar qué ha pasado en un lugar donde ni pacientes ni doctores parecen tener mucho interés en colaborar. ¿De verdad se escapó o es solo la mente jugando una mala pasada?

PESADILLA ANTES DE NAVIDAD

Obra creada en 1993 que fue, es y será el clásico por excelencia del día de Halloween. Película de animación dirigida por Henry Selick y producida por Tim Burton, que se convirtió en la primera película de animada en ser nominada a los premios Oscars.

Jack Skellington, el Rey de la Ciudad de Halloween, empieza a sentirse desencantado con siempre repetir la misma fiesta y, tras un largo paseo, se encuentra con varias puertas que los llevan a otras festividades. Es en ese momento cuando descubre la Ciudad de la Navidad y decide de que él puede darle un respiro a Santa Clavos y celebrarla con ayuda de sus amigos.

Los primeros días se dedicarán al sello alemán Raster. Fundando en 1996, es un referente dentro de la música electrónica experimental y toda la subcultura que hay tras eso. De entre los artistas que actuarán tenemos a Frank Bretschneider y Byetone, y a la DJ rusa Dasha Rush, una de las mejores dentro del circuito internacional de este estilo de musical.

En el segundo fin de semana tendremos a Discrepant, compañía fundada por Gonçalo F. Cardoso en el año 2010, y que se la clasificado como una de las más influyentes dentro del circuito. En su nombre actuarán grandes figuras como Monopoly Child Star Searchers, Muqata’a o Lagoss entre otros.

El evento contará con juego de pistas para descubrir la localización de uno de sus conciertos principales

El resto de día se dividirán entre el mes de noviembre, donde podremos disfrutar de artistas como Atom TM, mejor conocido como Señor Coconut, también de Gudrum Gut, muy importante en el ambiente underground de Berlín en los ochenta, o de Miniatura. En diciembre será el turno de Kode9 y Transistor Eye.

No solo la música, también la parte visual tendrá protagonismo con una pantalla gigante que será dirigida por A.R. Faust, Sasha Smirnova o Alexandra Dragne. El espacio para la danza correrá de la mano de Paula Quintana, Elídalas Dorta y Ann Lessing, además de una mesa redonda denominada Música e inteligencia artificial con Antonia Folguera y Nabihah Iqbal & Libby Heaney, quiénes actuarán en el festival o en el concierto sorpresa cuya localización se deberá averiguar siguiendo las pistas.

Finalmente, se disfrutará de las Residencias Artísticas Keroxen, grabaciones y registros que se podrán disfrutar en las redes del sello discográfico para disfrute de la gente. Por ahí pasarán Pierre Bastien o Dhangsha entre otros. El cartel de actuaciones es extenso y para todos los grupos con el fin de atraer al mayor número de público. Toda la información se puede encontrar en la web del festival.

El compromiso que tiene este Festival con el colectivo de artistas siempre ha sido muy importante, por ello es uno de los pilares de la programación de otoño. La primera aparición del Festival tendrá a Lorena Azpiri, ilustradora especializada en videojuegos, como principal protagonista. A partir de las 17.30 horas del 22 de octubre se podrá tener un encuentro en directo con ella para conocer mejor su trabajo y crecimiento dentro del sector. La actividad tendrá como moderador a Patricio Ducha, experto en cómics y director del evento.

Se podrá disfrutar de diferentes actividades y exposiciones, además de coloquios con especialistas

El mismo día, la fiesta del cómic dará comienzo de manera presencial en el Centro de Arte La Recova, sede de las pasadas ediciones y que este año acogerá más de treinta exposiciones que se podrán disfrutar desde cualquier parte del Archipiélago. La edición contará con mas de cien actividades entre charlas, talleres, juegos de rol o entrevistas. Muchos de las personas invitadas se irán conociendo a lo largo de estos días.

Los encuentros se podrán ver de forma online a través de los links que la organización facilite, aunque se añadirá una parte presencial con varios encuentros con público. Quienes quieran participar deberán rellenar el formulario disponible en la web del acontecimiento.

Tras el éxito de sus dos últimos trabajos, se está erigiendo como una de las principales figuras dentro del jazz contemporáneo en España y, en esta ocasión, viene a acompañado de Jorge Pardo y Marco Mezquida, dos pesos importantes y relevantes dentro del panorama español. En esta ocasión los podremos disfrutar en tres piezas.

Su carrera ha estado marcada por las grandes composiciones que ha realizado de bandas sonoras. Estuvo nominado en 2015 al premio Nocturno que entrega el Festival Fimucité. Además, en 2014 presentó  El Paisaje y dos años más tarde The Birth of Time que le valió una gran acogida en plazas difíciles como Madrid, Barcelona o Valencia.

«El trabajo llama a la esperanza de las personas en esta época de pandemia tan difícil»

Con el éxito obtenido, comenzó una nuevo proyecto, su propia banda llamada Alexis Alonso Quartet. Esta formación incluye un violonchelo como novedad frente a otras, y están realizando una gira por todo el país para hacer llegar sus grandes creaciones y poder llevar el jazz hasta el último rincón del territorio y fuera de este.

Senbilidad, belleza o delicadeza son algunas de las emociones que impregnan los trabajos de este compositor. Para el autor, la vida y lo que pase en ella, está condicionado a todo lo que ha pasado al ser humano desde que tiene consciencia. Alexis Alonso pretende que, con su última obra, la gente encuentre esperanza tras estos años duros de pandemia. Ya se pueden adquirir las entradas de 12 euros en la web de Tomaticket.

La obra, que nace de un programa de televisión cuya primera emisión fue el 1 de noviembre de 2008, se ha convertido en todo un éxito. Tanto fue así, que en el año 2014 ganó un Premio Ondas al mejor Programa de Entretenimiento. Hoy en día, se sigue grabando en la sala Galileo Galilei de Madrid, aunque su ubicación cambia en algunas ocasiones cuando hacen gira por el país.

Tras más de quince temporadas en antena y con mas de cien invitados a sus espaldas, los tres humoristas harán las delicias de todo el público asistente. Además, habrá un invitado sorpresa que se descubrirá al comienzo del evento, ¿quién podrá ser? Ya se pueden conseguir las entradas a un precio de veinte euros cada una. Se pueden comprar en la web de CajaCanarias.

Obras de teatro, mesas redondas, talleres o coloquios entre otras actividades se darán cita en esta fiesta del misterio y lo oscuro. Algunas de las principales figuras que participarán serán el escritor mexicano Élmer Mendoza, considerado como el maestro de la narcoliteratura, la escritora Susana Martín Gijón o el actor Carlos Bardem.

Alejandro Martín Perera, director del evento, destaca el Seminario Internacional Tenerife Noir de Investigación en el Género Negro, acto que tiene como colaborador a la Universidad de La Laguna y que reunirá a expertos dentro de la literatura y el cine  de género criminal.

Los videojuegos estarán presentes por primera vez a cargo de la compositora Sara López

Este año se estrenará una sección sobre videojuegos en la Casa de la Juventud a cargo de la compositora Sara López. Una novedad con la que se espera atraer al público joven al evento y comenzar a mostrar otro tipo de temática no tan apoyada en estos ámbitos.

Esta parte se podrá disfrutar del 2 al 10 de octubre y estará formada por demostraciones de juegos y mesas redondas, además de apostar por la animación y la música dentro del mundo digital. Eso si, con la mujer y su presencia dentro de este tipo de ámbito.

Como en ediciones anteriores, se podrá disfrutar del ‘Cinefórum noir’, una actividad audiovisual que mostrará cuatro películas en su versión subtitulada: ‘Carol’, ‘Extraños en un tren’, ‘El amigo americano’ y ‘Thelma y Louise’, y el ‘Tenerife Noir Express’, convirtiendo a Santa Cruz en un decorado de cine negro.

Se la ha considerado una de las mejores actividades del año 2020 en Canarias

Los lugares asignados los podemos encontrar en el TEA, el Museo de Naturaleza y Arqueología (MUNA), la Casa de la Juventud, el Espacio Cultural La Recova, el Teatro Guimerá y la Facultad de Educación de la ULL. Según el Informe Anual del Observatorio Cultural de España, este evento está dentro de una de las mejores quien actividades programadas en Canarias en el año 2020.

Esta fiesta de la cultura cuenta con el respaldo del Cabildo de Tenerife, el Ayuntamiento de Santa Cruz de Tenerife, el Gobierno de Canarias y la Diversidad de La Laguna y la Universidad de La Laguna. Esta última, según la directora de la Oficina de Transferencia de Resultados de Investigación de la Universidad de La Laguna, Raquel Marín, quiere continuar siendo un pilar a la hora de colaborar.

Las entradas ya se pueden retirar a través de la web. Los tickets a las actividades son gratuitos, exceptuando para aquellos lugares donde ya se ha especificado el precio como el Teatro Guimerá o el TEA. Si se quiere acceder al MUNA, se deberán abonar 3,50 euros y, en el caso de querer inscribirse en las activadles de la Casa de la Juventud, se deberá de enviar un email a saralopezproductions@gmail. com.

La compañía Les Founambules es uno de los mayores atractivos en un cartel de grandes estrellas. El Teatro Guimerá en Santa Cruz de Tenerife y el Teatro Circo Price en La Palma serán los lugares que acogerán a este mítico dúo de origen belga con el espectáculo ‘Le pied sur la savonnette’. Su humor inteligente e irreverente será su carta de presentación. Repasarán algunos de sus sketches más conocidos e inspirados en la vida cotidiana.

Inscripción

Además, en el Espacio La Granja de la ciudad tinerfeña impartirán un taller de clown para todas aquellas personas interesadas en este mundo. Se trata de una oportunidad para aprender de dos referentes de este arte. La inscripción se hará a través de festivalfic@gmail.com con un precio que oscila entre los 100 y 120 euros.

El resto de agrupaciones, Licchettino, Djuggledy, Les Pedettes Variettes o Bambolan, entre otras, completan el programa de esta edición que promete ser mejor que la anterior. Las entradas se podrán a la venta en los próximos días. Se espera que haya una gran participación y que, tras la situación de pandemia, se pueda crear un ambiente positivo y divertido entre la asistencia.

El espectáculo, que está respaldado por el Diario de Avisos, el Cabildo Insultar de Tenerife y el Área de Cultura del Ayuntamiento de Arona, comenzará con la proyección del documental Sangre Yoruba en el Auditorio Infanta Leonor, en Arona. Narrado y protagonizado por la reconocida cantante cubana Gloria Estefan, es un recorrido por la evolución de la música afroamericana y como está influyendo en la música actual.

El evento inaugurará también la muestra Los rostros de la Cultura el próximo 16 de septiembre en el Centro Cultural de Los Cristianos de la mano de la ilustraciones de Mai Medsan. Se le sumará el espectáculo teatral El Percusionista, a cargo del músico y coreógrafo Gorsy Edú, y el concierto de la formación senegalesa de los Hermanos Thioune.

Aumento de racismo

Se proyectarán tres películas en el apartado audiovisual. La oscarizada Green Book, Piratas & Libélulas, una cinta que narra la construcción de una obra teatral de un grupo de gitanos y payos y el documental citado anteriormente, Sangre Yoruba. Con esto se pretende denunciar el aumento del racismo y de clasismo que se está viviendo en las últimas décadas como consecuencia de un desconocimiento de tradiciones.

Mumes hará, también, una defensa del medioambiente y llevará a cabo un conferencia de manos de Mieles del Mundo y el Mundo de las Abejas sobre el cambio climático y sus consecuencias. Todo ello estará a cargo de la bióloga Natalia Díaz y donde se repartirán ecoenvoltorios como una forma de dejar de lado los plásticos de un solo uso.

Pionero en España por la defensa de la diversidad dentro de las culturas, la idea, que se inició en el año 2003, ha posibilitado que se puedan conocer otros pueblos, formas de vida y de pensamiento, procedentes de diferentes continentes. Se prevé que las actividades sean presenciales, a excepción del Debate Mumes 2021 que se hará de forma híbrida, emitiéndolo online. Las entradas se pueden obtener en laweb del Festival.

La apuesta, que se ha creado para ofrecer alternativas de ocio para la población, también tiene como objeto aumentar la actividad económica de uno de los sectores que se han visto más afectados tras la pandemia. La iniciativa, que está formada por once espectáculos diferentes, se podrá disfrutar en el Convento Franciscano, en el Centro Cultural de San Isidro y en el Espacio Cívico de San Isidro, SIEC.

Las representaciones serán en horario de tarde para una mayor afluencia de personas

Durante este año podremos divertirnos con la obra infantil Los Elfos de Colores el 16 de octubre en el Convento Franciscano San Luis Obispo y el 23 le toca el turno a La Leyenda del Drago en el SIEC. En el mes de noviembre se representarán Ring…Ring…somos los Hermanos Grimm en el Convento, el 15 Proyecto Fausto, el 16 Vivir para siempre, el 17 Fábula Topo, el murciélago y la musaraña y el 18 Hogar dulce hogar. Todas ellas en el SIEC. Finalmente, el 12 de diciembre se estrenará Contigo aprendí en el mismo lugar.

En el año 2022, están previstas tres espectáculos teatrales más. La noche imprudente en el centro cultural de San Isidro el 5 de enero, Vassil on quartet el 12 de marzo y el 26 de marco Bárbaros, ambos en el SIEC. Los plazos para poder inscribirse se realizarán a través de las diferentes plataformas digitales institucionales.

Para ello, el patio de las Palmeras se ha transformado en el famoso barrio de Boca, en Buenos Aires. Con un ambiente colorido y musical, este espacio será el lugar elegido para llevar a cabo la programación de este año. Además, no solo estarán presentes en la zona de Santa Cruz, también en La Laguna se podrá disfrutar de esta fiesta en el CEDOCAM, Centro de Documentación Canarias América.

Todo ello es una recopilación de obras relacionadas con la historia, política y cultura del país. La gran mayoría pertenece a colecciones de diferente fundaciones que han permitido dotar a este centro de ejemplares relevantes e inéditos. Las actividades y eventos incluyen cine, música, baile o literatura entre otros. La Filmoteca Canaria, el Gobierno de Canarias y la Casa Argentina de Tenerife han hecho posible que se pueda celebrar.

Tras el éxito que tuvieron las ediciones anteriores, ambas entidades vuelven a aunar sus fuerzas para volver a traer uno de los mayores festivales de arte a las Islas. El principal objetivo es dar a conocer diferentes formas de entender y disfrutar la cultura, así como generar curiosidad y afición por parte del público joven a este tipo de actividades.

Los cabildos de La Gomera, El Hierro, Fuerteventura y Lanzarote, además de los ayuntamientos de Santa Cruz de Tenerife, San Cristóbal de La Laguna, Adeje y Santa Cruz de La Palma, se han querido sumar a esta iniciativa colaborando para que este tipo de eventos se consolide y puedan llevarse a cabo.

Las entradas se pueden comprar en la página web. Los precios oscilan entre los diez y los 25 euros por persona.

Pedro Chávez, Aarón Matos, Amayra o Kaótica Gabriela son parte del equipo que expondrá su trabajo en obras de ocho por tres metros. Todo ello se hará en directo para el disfrute de las personas interesadas en observar y aprender cómo se crea una pieza desde cero.

El evento, que va por su segunda edición, es un aperitivo visual para todo el público, creando una de las mayores rutas expositivas públicas. Esta exhibición es un claro ejemplo de cómo el sector publicitario y el artístico van unidos de la mano.

¿Por qué estudiar arte? «Es una pregunta interesante. Siempre me gustó desde pequeño, me atrajo. Al principio pensé que era solo una cuestión técnica, pero me di cuenta de que podía trascender a muchas cosas, que nos daba la oportunidad de expresarnos, lo que es muy interesante».

Muchas familias se niegan a que sus hijos o hijas estudien Bellas Artes porque es una profesión de «muertos de hambre», ¿por qué se tiene ese concepto? «No lo sé. La concepción que se tiene o tenía del artista es algo romántica, es decir, es como Van Gogh, un pobre hombre que murió sin vender nada y cuya familia se hizo rica años después en la venta de sus obras, ¿no? Ese pensamiento es muy recurrente, pero hoy en día alguien que estudie esta rama puede ser diseñador industrial o gráfico, el campo ha evolucionado».

Usted es profesor de pintura, ¿cómo fue dar clases en la pandemia? «Bastante complicado. Estuvimos sin impartir formación unos meses y, tras consultar las medidas de seguridad por la pandemia, se pudo volver, con restricciones, pero tuvimos la oportunidad. En sí, las clases seguían igual, no variaron mucho».

«He perdido mucho dinero durante la época de pandemia»

Es autónomo, por lo que, aún estando encerrados en casa, tuvo que pagar su cuota, ¿qué le parece? «Injusto, pero he de reconocer que me acogí a todas las ayudas que pude. Una de ellas me eximía de pagar la cuota de autónomo por cuatro meses, y menos mal porque he tenido muchas pérdidas».

El Gobierno ha dicho que va a dar 2000 millones de euros para Canarias y Baleares. Pero solo podrán acceder a ellos aquellas personas que hayan tenido un 30 % menos de ingresos en 2020 con respecto a 2019, ¿eso no sería excluyente para quienes, quizás, hayan tenido un 2020 bueno, pero con pérdidas? «Esa es una buena pregunta, porque yo calculé las mías y son un 28,2 %. ¿Qué hago? Tengo que tener paciencia y ver si puedo recibir algún tipo de ayuda. Ahora toca esperar a que respondan por parte de los organismos correspondientes».

¿Qué cree que se debería mejorar en las cuotas de autónomo? «Las cuotas en España me parecen brutales si las comparamos con otros países donde se favorece la creación de microempresas o se ayuda a las personas emprendedoras. En muchos, la tasa es baja o inexistente. Debería cambiarse».

«Las personas que se dedican a educar tendrían que tener mejores medios para hacerlo»

¿Piensa que la educación artística tendría que cambiar y ser fomentada entre la juventud? «Claro que sí. Creo que la educación debería cambiar mucho, pero no solo para que estudios como la pintura mejoren, ya que no es el único en caída libre. Por ejemplo, la Filosofía es otra rama olvidada que debería tener mayor peso hoy en día».

¿Cómo se mejora la educación? «Con mejores educadores, formación o condiciones laborales. Siempre hay una queja generalizada por el hecho de que se debe poner dinero en este ámbito, pero es que para mejorar algo, tenemos que invertir. La docencia exige mucho sacrificio y trabajo y, desde luego, más medios».

España es de los países con mejor formación, ¿puede ser que el sistema educativo tenga problemas para poder conseguir ese objetivo? «Sí, puede ser. La verdad es que no estoy al día de los planes de estudio, pero hay nuevas carreras multidisciplinares que tocan muchos palos y mejoran la experiencia de las personas, lo que es muy positivo».

«Las mujeres han estado sometidas al yugo masculino desde hace mucho tiempo»

¿Tiene la sensación de que este mundo de brochas y pinturas es desigual entre sexos? «Creo que a día de hoy no tanto, pero las mujeres han estado sometidas al yugo de los hombres a lo largo de la historia. Si te sales de gente como Frida Kahlo y alguna más, nadie puede decir otro nombre. ¿Significa que no existían? No, solo que imperaba un machismo y un ocultamiento de su trabajo descomunal, pero eso está cambiando».

¿Por qué en museos como El Prado o el Reina Sofía podemos ver obras Del Bosco o Velázquez, pero no de mujeres? «Hay muy poco conocido y estudiado. El Prado tiene más de un siglo de existencia y es ahora, más de cien años después, que hicieron una exposición de una artista del siglo dieciséis muy famosa por sus bodegones y retratos. Aunque hay que mirar hacia delante y ser positivo en este asunto que poco a poco va siendo más importante».

Últimamente estamos viendo obras que son catalogadas como absurdas o ilógicas. Por ejemplo, la escultura «Io sono», la cual es invisible y se vendió por miles de dólares. ¿Cree que estamos llegando a un punto donde todo vale? «No estamos hablando del arte, estamos mencionando el mercado del arte, que no es lo mismo. Es como si me preguntas sobre un mueble y una tienda de muebles, son diferentes. En una me voy a poder sentir, disfrutar de lo que veo. En la otra haré una transacción y poco más, pero hay que ver las cosas en su contexto, que después hay confusión».

¿Qué planes tiene para el futuro? ¿Alguna exposición u obra a la que prestar atención? «Pues sí. A finales de año voy a realizar una exposición individual en la sala del Museo Municipal de Bellas Artes de Santa Cruz de Tenerife. Llevará por nombre En tierra extraña«.

El Local, que estaba regentado por los artistas Melo González y Diego de la Torre, lo dirigen, en la actualidad, Joshua España, que ha trabajado en cocinas de primer nivel como la de Martín Berasategui o en El Molino de Urdániz, y la directora de teatro musical Ariadna Simó.

El nombre del local es homónimo a un cuadro del pintor español Fabio McNamara, conocido por sus pinturas extravagantes y coloridos sobre personajes tan variopintos como el del propio cantante británico o Andy Warhol.

España y Simó se han lanzado a esta aventura empresarial con el objetivo de ofrecer un espacio de estética glam.

Nuestro personaje principal estuvo condenado toda su vida por su apariencia. La mayor parte de su existencia vivió en circos donde se le trataba como a un bicho raro, exponiéndolo al público y ganando dinero a costa de su sufrimiento. Solo encontró sosiego en sus últimos años, gracias a un médico que lo cuidó y ayudó. Aunque su aspecto no era el mejor, fue una persona que destacó por su carácter dulce y educado.

Merrick fue catalogado por muchos como una ser inferior, cuya inteligencia no superaba a la media. Tras su muerte y varios estudios, se demostró que su intelecto era superior a la mayoría. Muchos médicos advirtieron que sufría lo que se conoce como síndrome de Proteus, un crecimiento excesivo de piel y un desarrollo anormal de huesos, tejido adiposo o de los vasos sanguíneos.

El film nos cuenta la historia del doctor Frederick Treves, interpretado por Anthony Hopkins, que, tras realizar un visita a una zona de espectáculos ambulantes, conoce al dueño de una de las carpas llamado Bytes, quien expone de forma ilegal a Merrick, papel realizado por John Hurt.

Encerrado en una jaula, se esconde tras una manta vieja y sucia para protegerse de las miradas ajenas. Tras convencer al propietario del lugar, es trasladado al hospital para investigar el porqué de sus problemas y para evitar que siga siendo víctima de malos tratos.

Tras el sentimiento de horror que produce, se le lleva a una de las alas del edificio y es custodiado por la señora Mothershead, Wendy Hiller, a la que se le encarga su cuidado. Poco a poco, y gracias al cariño de otros personajes, se va mostrando una faceta más sofisticada, sensible e inteligente de él.

La fotografía de Freddie Francis relata de forma magistral el sufrimiento y el dolor

La vida del protagonista se extendió desde 1862 hasta 1890, por ello la película refleja la época victoriana y la revolución industrial del país. Grabada en blanco y negro, ya que muchos expertos no conciben ver esta obra en color, se puede ver reflejada la frialdad de los lugares, su oscuridad, de forma que hace sentir al espectador que todo se lleva a cabo en un mundo despiadado y hostil.

Un rasgo a destacar es la belleza y la humildad que desprende una historia tan desoladora, pero que es tratada con una dignidad y un amor que hacen de esta una espectáculo emocional que muy pocas veces se puede conseguir. El maltrato, la humillación, la repulsa son una representación de cómo el ser humano puede ser un monstruo.

Todo ello sumado a una de las mejores piezas musicales como es ‘Adagio para cuerdas’ del compositor Samuel Barber. Unas notas encadenadas que demuestran una genialidad de uno de los mejores creadores de bandas sonoras de la época. Además de Freddie Francis, ganador de dos premios de la academia en fotografía, donde se aleja de pretensiones y busca una sencillez que hace que la cinta sea perfecta.

David Lynch dirige este drama de los años 80

David Lynch, el director de éxitos como Twin Peaks o Dune, se pone detrás de las cámaras y del guion para brindarnos una obra maestra cinematográfica, quien es ayudado por Stuart Craig, uno de los diseñadores de producción británicos con mejor reputación del momento.

Un paralelismo estético y una luminosidad vista en otros idealistas, como Terrence Malick, dejan claro que el cine de antaño todavía está presente y que ha aportado al actual muchos de los rasgos característicos del drama, el humor negro y la tragicomedia.

La idea, organizada por el Organismo Autónomo de Actividades Musicales (OAAM) y bajo la dirección del historiador Néstor Verona, contará con la ayuda de actores como Antonio Conejo o Eduardo Feria, quiénes mostrarán los valores históricos del Templo de las Artes de La Laguna.

Un show inspirado en las historias de la escritora británica Agatha Christie, que mezcla la ficción y realidad con el objetivo de crear un recorrido misterioso, donde los secretos sean la base de la diversión. La actividad tendrá un aforo de veinte participantes debido a las medidas sanitarias y se realizará todos los miércoles a las 20.00 horas. Su último pase el próximo 11 de diciembre. Su coste es de cinco euros por persona.

Las funciones se llevarán a cabo los días 10, 11, 17 y 18 de julio en varios pases tanto de mañana como de tarde. En dos de ellos, se podrá contar con intérprete de lenguaje de signos que narrará toda la historia para quienes lo necesiten. Las entradas se pueden conseguir en la Teatro Leal o por internet a través de entradasatualcance.com hasta completar aforo.

Dos nominaciones a los Premios MAX de Artes Escénicas

El grupo teatral fue fundado en 2003 y ha representado dramaturgias propias, como La Batalla o Capa, además de propuestas contemporáneas de textos clásicos como Romeo y Julieta o adaptaciones de obras reconocidas como La gata sobre el tejado de zinc. Le gusta apostar por una fusión de disciplinas artísticas y por la búsqueda de un nuevo tipo de público.

Tras varios años en escena, han recibido varios reconocimientos a nivel nacional e internacional como el Premio Nacional José María Rodero para Directoras de Escena en 2015. También obtuvieron el galardón Premio Réplica de Canarias en los años 2011, 2012, 2014 y 2016 y el Premio Festival Mar del Plata-Argentina en 2011. Además, les han nominado dos veces a los Premios Max de Artes Escénicas.

Las primeras tareas se llevarán a cabo en el Forestal Park de Las Lagunetas en Santa Cruz de Tenerife, así como caminatas en la isla de La Gomera por las zonas habilitadas del Parque Nacional de Garajonay. También habrá excursiones al Parque Rural de Anaga, así como a zonas costeras como la Playa de Antequera. Las actividades del mes de julio acabarán con una ruta por El Médano.

En el mes de agosto se llevará parte del guion a la isla de La Palma, donde se realizarán caminatas los días 4 y 5 por el Parque Nacional de La Caldera de Taburiente. Además, se podrá observar la Lluvia de Perseidas en el Parque Nacional de Las Cañadas del Teide. Se finalizará el curso con un paseo por la zona de Los Gigantes para avistar cetáceos.

Se ha convertido en un éxito en cada una de las ediciones realizadas

El plazo para las inscripciones estará abierto hasta algunos días antes de que comience cada actividad, siempre que no se hayan ocupado todas las plazas. Las personas empadronadas en la Villa abonarán un precio especial 10,60 € y 15,40 € para el resto del público. Las actividades desarrolladas fuera de la Isla tendrán un valor de 21,20 € para quien resida en el municipio y 32,05 € para aquellos que vivan fuera de La Orotava.

Los programas que se han creado en la época de verano se han convertido en un éxito rotundo, ya que ofrecen una gran variedad de rutas para la juventud y tienen resultados satisfactorios según las personas que han podido disfrutarlo en los últimos años.

Debido al efecto de la Covid-19, desde la institución se recomienda realizar las inscripciones lo antes posible, ya que los grupos son reducidos y la demanda es bastante amplia. Darío Afonso, edil del Ayuntamiento, insta a que haya una mayor participación y tiene en mente crear más senderos en un futuro.

La comedia y ser mujer, ¿difícil o una mezcla explosiva? «Es igual que cualquier otra profesión como, por ejemplo, una mujer en una panadería o en un taxi, pero cada quien dentro de su sector. ¿Mezcla explosiva? Eso depende de la energía que le pongas a las cosas que haces».

¿Por qué los humoristas masculinos suelen tener más boom o reconocimiento que las mujeres que se dedican a lo mismo? ¿Hay diferencia entre el humor de un hombre y una mujer? «Porque los hombres siempre son más visibles que las mujeres. La sociedad de hoy en día ha ayudado a que esto sea así. Hay diferencia entre cada monologuista independientemente del género. Cada quien cuenta sus historias o chistes y no tienen porqué ser iguales. No es cuestión de ser hombre o mujer, sino de estilo propio».

Usted ha dicho que hace Arte Dramático porque es una apasionada del teatro griego, más concretamente, de la comedia, ya que le permitía enviar mensajes potentes. ¿Cree que lo está consiguiendo? «Para mí es algo complicado, ya que lo hago a través de vídeos en redes sociales o encima de un escenario, por lo que me cuesta tener ese feedback que me lo confirme. De todos modos, yo lo intento siempre».

«Soy un desorden humano con patas»

¿Qué le aporta el humor en su vida diaria? «Me da el punto de relatividad que me hace falta a veces para percibir los conflictos o verlos desde un punto menos estrambótico. El humor me ayuda a llevar la vida mucho mejor y no amargarme tanto con las cosas».

¿Quién es Omayra Cazorla fuera de los focos? «Es un desastre de persona. Soy un desorden humano con patas. Intento hacer veinte mil cosas a la vez, pero también me encanta perder el tiempo, así que es un poco complicado, pero en el mundo tiene que haber de todo».

Usted está casada con una mujer, ¿ha tenido mayor problema por ello? ¿Es la gente más homófoba de lo que queremos reconocer? «No me he visto limitada porque lo trato con naturalidad y espontaneidad, no tengo nada medido o una estrategia trazada para conseguir algo. Es mi día a día, mi realidad. No me paro en ellas porque no podría vivir».

«Los cuerpos no son perfectos, cada quien tiene el suyo y eso es lo bonito»

Algo que gusta mucho entre sus seguidores es que fomenta lo que comúnmente llamamos Body positive. Algunas personas lo critican porque dicen que fomenta la obesidad. ¿Qué cree? «Esa gente no lo entiende. Por supuesto, mi rol no es aumentar para nada la obesidad. Al contrario, los cuerpos no son perfectos, cada quien tiene el suyo y eso es lo bonito. Quizás no sea la humorista perfecta para esas personas, creo que deberían buscarse a otra».

Usted siempre ha dicho que está contenta con su cuerpo, y que, aunque no está dentro de los cánones de belleza, no tiene miedo a mostrarlo. ¿Se ha arrepentido alguna vez de ello por comentarios mal intencionados? «No me arrepiento. Sí es verdad que a veces me veo ridícula y pienso «chacho, ¿en serio que subí esto?». ¿Pero qué vas a hacer? ¿Lo vas a quitar? No, hacia delante».

Algo interesante es que mucha gente añade su nombre al hecho de que Amancio Ortega hiciera tallas de pantalón más grandes a las que suele hacer. ¿Cree que hacer muchas bromas y que las redes sociales la hayan apoyado tanto ha podido ayudar a la causa o no se siente abanderada? «Yo no me siento abanderada de nada, yo solo apoyé mi realidad en un vídeo. Esto se viralizó por hablar de quien se estaba hablando, creo yo. Este señor es una figura grande a nivel internacional, un magnate, y creo que por alusiones y por la marca la gente lo elevó más, quizás».

«Hay que mentalizar a la gente de que la cultura es segura»

¿Cómo lleva este año de trabajo? «Si te soy sincera, me siento muy afortunada porque estoy trabajando a día de hoy. Siempre intento mentalizar a la gente de que la cultura es segura, incluso a los ayuntamientos, que hay quienes con la excusa de la Covid-19 no quieren inventar en este tipo de eventos».

¿Quiénes son sus humoristas favoritos? «A mí me gusta Jim Carrey o Silvia Abril. Eso sí, no me podría mojar por nadie de La Tierra. No es por ser pelota, pero es que admito que me encantan muchas personas».

¿Qué le queda por hacer aún? ¿Qué considera importante en la vida y cómo terminaría la entrevista? «Me quedan por hacer muchas cosas, apenas acabo de llegar al mundo. Creo que en la vida, la lealtad, el amor y la valentía son necesarias. ¿Cómo terminar la entrevista? ¡Qué presión, gay!».

Quienes conocen a Gómez hablan de su espontaneidad, su creatividad y su talento para la mímica como las armas para su triunfo. Todo ello sumado no solo a la gran cantidad de público que arrastra en cada representación que realiza, sino al gran número de fieles que tiene en las redes sociales de diferentes partes de las islas Canarias.

El artista describe sus monólogos como gamberros, rápidos y con toques de humor negro. Siempre ha dicho que no fuerza las cosas. Incluso, en muchas ocasiones, no las prepara o las piensa previamente, ya que le gusta que salgan solas porque eso las hace más reales.

Aaron Gómez es conocido por su faceta actoral, pero también lo hemos podido ver de presentador en varios medios como Radio Millenium, el Día TV o Sota, Caballo y Rey. Este último se emite en TV Canaria y cuenta con otras dos figuras conocidas dentro del mundo del humor en el Archipiélago como son Kike Pérez y Darío López.

Historias para estar despierto es una idea que nace de la angustia y del miedo en una época aterradora y de cómo el humor puede convertirse en una herramienta necesaria para hacer frente a ello. Tenemos muchos motivos para no dormir, así que busquemos razones para estar despiertos. Ya a la ventas las entradas en www.tomaticket.es.

Expresiones como que sufren, padecen o están afectadas por una minusvalía dejan entrever la poca formación que tienen sobre la discapacidad quienes se dedican al periodismo. El tipo de noticias y el marco de cómo se abordan las historias, llegando a tratar las vivencias de forma estereotipada o superficial, puede llegar a provocar malestar y conflicto.

«En un gran número de ocasiones se usan perspectivas inadecuadas y términos que dan pie a la marginación o paternalismo»

En un gran número de ocasiones se usan perspectivas inadecuadas y términos que solo fomentan escenarios que dan pie a la marginación o al paternalismo. El uso de clichés es un reflejo de cómo tenemos asociados diversos rasgos a este tipo de personas y de cómo se fomenta cada día una visión más sesgada del colectivo. Si nos centramos en el uso de las palabras cuando hablamos de deportes, el profesor Rius-Sanchís estableció en 2010 que era frecuente representarlo de una forma victimista o novelesca, personificando el calificativo de superhéroe en cada acción.

Kim, Lee y Oh en 2017 detectaron algo muy parecido. Los resultados de los estudios que llevaron a cabo arrojaban que se usaba a la persona con discapacidad siempre que se quería resaltar momentos optimistas o de superación, porque se les veía como inferiores, como si respirar ya fuera un logro.

Si hablamos del encuadre de las noticias, la investigación reflejaba que, en la mayoría de los casos, se usaban titulares llamativos o emocionales. Además, la información que se daba era más sobre experiencias vitales que sobre los logros deportivos.

Desde el 2003, declarado Año Europeo de la Discapacidad, las iniciativas para mejorar la visibilidad de este colectivo aumentaron de forma exponencial. Aunque se ha conseguido cambiar el concepto que se tenía sobre él, el camino para reparar el daño hecho es todavía largo.

El título tendrá un total de sesenta plazas y su acceso se hará a través de la EBAU. Uno de los coordinadores, Adelto Hernández, explica que aún no se conoce la nota de corte, pero que se prevé que sea alta al ser el primer año. Además, no se ha especificado si habrán pruebas teóricas o físicas específicas para el acceso al mismo.

Dentro de la parte docente, la cual no está conformada en su totalidad, se cuenta con un gran grupo especializado en departamentos de Física, Medicina, Derecho o Fisiología. Todos con una gran trayectoria en el ámbito de la docencia, del deporte y de la investigación dentro de esta temática.

La sede principal se encontrará en la Facultad de Educación, ya que cuenta con las instalaciones necesarias para su buen desarrollo, como un pabellón polideportivo propio. Tendrá, además, otras instalaciones como las propias del Servicio de Deportes de la ULL o la piscina del complejo municipal de San Benito.

La finalidad que tiene esta formación es la de conseguir que todas aquellas personas que se gradúen, salgan con un título bajo el brazo y con la capacidad de trabajar en diversos campos como la docencia en educación física, gestión y recreación deportiva o entrenamiento deportivo. Adelto Hernández y Francisco Jiménez comentan que han intentando implantar esta nueva titulación desde el año 2014, sin embargo, no es hasta el día de hoy cuándo, a falta de algunos detalles, van a poder lograrlo.